Jean-Francois Millet:
pintor francés de género, fundador de la escuela Barbizon Traductor traducir

Introducción

Una figura importante en Pintura francesa de mediados del siglo XIX, el artista Jean-Francois Millet fue miembro fundador de la Escuela de paisajes de Barbizon en Francia y es mejor conocido por su pintura de género y pintura de paisaje – Principalmente presentando la vida rural desgarradora del campesinado francés. Su estilo se puede clasificar como ambos Naturalismo y religiosa realismo. Sus pinturas más notables incluyen The Angelus (1858, Musee d’Orsay), The Gleaners (1857, Musee d’Orsay), The Sower (1850, Museum of Fine Arts, Boston) y el arresto Man with a Hoe (1860, J Paul Getty Museum, LA). Muchas de las pinturas de Millet están disponibles en línea como impresiones en forma de arte del cartel. NOTA: Para una explicación de cómo el realismo condujo al impresionismo y, en última instancia, a la abstracción, consulte: Realismo al Impresionismo (1830-1900).

Juventud y Entrenamiento

Nacido en 1819, en Greville-Hague, Normandía, sus padres eran campesinos. Fue educado bajo los sacerdotes locales, pero mostró un gran talento para dibujo Fue enviado a Cherburgo en 1833 para estudiar con el retratista Paul Dumouchel. En 1835 estudiaba a tiempo completo con Lucien-Theophile Langlois. En 1837 recibió un estipendio para mudarse a París, donde estudió en la Ecole des Beaux-Arts con el pintor académico francés Paul Delaroche. Sus primeros trabajos mostraron fuertes influencias de Nicolas Poussin y consistió principalmente en retratos y temas mitológicos.

Escuela de pintura de paisajes de Barbizon

Sin embargo, a fines de la década de 1840, su tema cambió y fue similar a Gustave Courbet – destacado por El estudio del artista (1855) y Un entierro en Ornans (1850) – y Honore Daumier, comenzó a pintar a los campesinos en su vida cotidiana normal. El Winnower (ahora perdido) se exhibió en el Salon de Paris en 1848 y fue una de las primeras escenas rurales que pintó en base a sus recuerdos de infancia. En 1849 estalló una epidemia de cólera en París, y por consejo del grabador Charles-Emile Jacque, se mudó a Barbizon, cerca del bosque de Fontainebleau, donde permanecería el resto de su vida. Fue aquí, que su pintura tuvo una gran influencia en la escuela Barbizon. La escuela se estaba moviendo hacia el realismo al aire libre, o naturalismo, eligiendo pintar directamente de la naturaleza, un método conocido como pintura al aire libre, y abandonando la formalidad de la pintura clásica.

Pintura Plein Air

Otros miembros destacados de este pintura al aire libre movimiento incluido miembros de la escuela de Pintura paisajista inglesa, como John Constable (1776-1837) y Richard Parkes Bonington (1802-28), así como pintores franceses como Theodore Rousseau (1812-67) Camille Corot (1796-1875), Narcisse Diaz de la Pena (1808-1876), Charles-Francois Daubigny (1817-1878), Jules Dupre (1811-1889), Joseph Harpignies (1819-1916), Constant Troyon (1810-1865), Charles-Emile Jacque (1813-1894), Antoine-Louis Barye (1796-1875), Albert Charpin, Felix Ziem y Alexandre De Faux.

El angelus

En 1858 Millet pintó su famoso pintura realista conocido como The Angelus, que representa a una pareja de campesinos que trabajan duro y toman un descanso de su trabajo en los campos para rezar. La pintura es de estilo simple y representa las figuras en completa armonía con su entorno. El trabajo, junto con sus otras escenas campesinas, consolida la reputación de Millet como una de las mejores pintores de género del siglo XIX El Ángelus fue muy copiado después de su muerte, y el surrealista. Salvador Dalí Estaba tan fascinado por eso, que escribió un ensayo titulado El mito trágico del Ángelus de Millet. Estaba convencido de que las 2 figuras estaban rezando por su hijo enterrado, en lugar de rezarle al Ángelus. De hecho, él era tan insistente, que le tomaron una radiografía del lienzo que, de hecho, mostraba una forma pintada que parecía llamativamente un ataúd. Sin embargo, no está claro si Millet cambió de opinión sobre el significado detrás de la pintura, o si de hecho la forma es un ataúd.

Otras pinturas

Otro pinturas de paisajes famosos de Millet incluyen Harvesters Resting (1850), The Walk to Work (1851), Woman Baking Bread (1854, Kroller-Muller Museum), The Gleaners (1857, Musee d’Orsay), The Man with a Hoe (1860, Getty Center, Los Ángeles) y The Potato Planters (1861, Museum of Fine Arts, Boston). A principios de 1860, un patrón lo contrató para pintar 25 obras a cambio de un estipendio de tres años, y otro patrón encargó pastel trabaja para una colección que crecería a más de 90. The Gleaners, The Angelus y The Potato Planters fueron exhibidos en la Exposition Universelle, que organizó una importante reunión de sus obras. En 1868 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor.

Estilo de pintura

Más tarde en la vida, su paleta tendió a aligerarse un poco, y cuando sus pinceladas se aflojaron, se desvió hacia Impresionismo. Pero, a diferencia de los impresionistas, nunca pintó al aire libre y nunca prestó demasiada atención a los valores tonales. Fue su dibujo y la atención que prestó a la gente común en sus obras lo que atrajo a artistas como van Gogh (quien mencionó el trabajo de Millet varias veces en cartas a su hermano) y Georges Seurat.

Legado

Aunque fue acusado de ser socialista, sus pinturas tenían un brillo casi religioso, lo que las hacía más aceptables y rentables en ese momento. Sin embargo, tuvo una gran influencia en otros artistas más jóvenes, incluidos Eugene Boudin (1824-98), Claude Monet (1840-1926) y Pablo Picasso (1881-1973). En 1875 se casó con su compañera Catherine y murió 17 días después.

Para un comentario más detallado sobre la vida y las pinturas de Millet, vea a continuación:

La vida y el arte de Jean Francois Millet

Algunas personas son elevadas a las alturas de la exaltación religiosa y estética ante la experiencia de la miseria. Se alimentan de la tristeza pero la transforman en verdadera belleza. Tal hombre fue Jean Francois Millet (1814-1875), pintor de El hombre de la azada, El sembrador, Los espigadores, El Ángelus, nativo de Normandía, hijo de un campesino e hijo y heredero de la pobreza. Entre los artistas franceses del siglo XIX, se destaca como el santo patrón del pesimismo, un hombre que encontró inspiración en la tristeza de la existencia humana.

Pintor de dificultades rurales

Fue en las tareas cotidianas de los campesinos, para quienes la cuestión de la existencia, la cuestión de la vida y la muerte fue decidida por los caprichos del suelo, que Millet encontró el drama supremo de la humanidad. El escenario de la tragedia épica fue la tierra de Normandía, y el actor era el campesino en el trabajo, incesante, quejumbroso, devoto. Había ironía y piedad en esta devoción del campesino. Un espectáculo para mover a un artista a las oraciones y las lágrimas. "Ah, hija mía", le había dicho el sacerdote de la aldea a Jean Francois cuando era muy joven, "tienes un corazón que te causará muchos problemas; no sabes cuánto sufrirás". Y Jean Francois cumplió la profecía en espadas.

Juventud y educación de mijo

Los críticos tomaron sus pinturas a la tarea por la ausencia de alegría en ellas. ¿Alegría? No conocía ninguno. El era un campesino. Había sido criado por una abuela simple y estoica, por un padre que murió a una edad temprana de exceso de trabajo, por una madre que murió triste porque su hijo Jean Francois, que estaba pintando en Barbizon, no podía pagar el ferrocarril. tarifa a su lado de la cama. "El aspecto alegre de la vida nunca se me aparece. No sé qué es. Nunca lo he visto. Las cosas más alegres que sé son la calma y el silencio".

De joven había esbozado algunas piezas de carbón por la noche después de un duro día de trabajo en los campos de su hogar natal. Estos bocetos habían despertado la admiración de un artista de tercera categoría que vivía en los alrededores. Desde entonces, Millet se dio cuenta de que la carrera de un granjero no era para él. El arte era su negocio, su misión, su propia religión. El artista amigable intercedió con un comité en París para votarle una beca. Millet salió de su casa y se fue a la capital. Pero tan pronto como llegó allí, un gran anhelo por el campo se apoderó de él. Había llegado al "París negro, fangoso y lleno de humo", como lo llamaba, una tarde nevada en enero. El tráfico de los carruajes, las luces de la calle inundadas de niebla, las calles estrechas y las casuchas sucias enviaron las lágrimas a sus ojos. Para controlar un repentino estallido de sollozos, arrojó sobre su rostro puñados de agua de una fuente de la calle. Eso lo hizo sentir mejor. Después de todo, él estaba aquí en una peregrinación religiosa. Las últimas palabras de su abuela, una católica severa, majestuosa y casta con el alma de un puritano, ahora volvieron a él. "Prefiero verte muerto, hija mía, que rebelde e infiel a los mandamientos de Dios… Recuerda, eres cristiano antes de ser artista".

Los espigadores

Es precisamente esta cualidad en el arte de Millet la que los críticos han aprovechado. Dicen que era más cristiano que artista. Tomemos, por ejemplo, su conocida pintura al óleo The Gleaners . Tres mujeres campesinas están recogiendo en los campos, mecánicamente, con cansancio, bajo un sol ardiente y pleno de verano que abrasa la tierra con sus rayos devastadores. En el fondo, un grupo de cosechadores apila el grano dorado. Un agricultor, montado en una carreta, supervisa su trabajo. Dos de las espigadoras, vestidas respectivamente con pañuelos rojos y azules, están inclinadas y tantean con sus dedos de una manera tonta y sin quejas por el rastrojo. Una tercera mujer se levanta para aliviar la tensión, quizás para preguntarse, por un momento, qué ley cruel es la que la ha condenado a tanto sufrimiento y trabajo. Pero después de este momentáneo destello de perspicacia, después de este encendido parcial del fuego divino que promete convertir esta arcilla en algo humano, es evidente que ella tomará su lugar junto a los demás y la doblará una vez más. "Con el sudor de tu frente ganarás tu pan".

Cuando Millet pintó The Gleaners tenía cuarenta y tres años. Durante muchos años había enviado sus fotos a los salones de París, solo para ser rechazado una y otra vez. Su trabajo no era agradable a los aristócratas. No tendrían nada que ver con un hombre que sostuvo el arado y pisoteó el suelo y el estiércol de Barbizon. Cuando Millet se unió a la clase de arte en París, los alumnos sofisticados y urbanos se burlaron de sus modales. Algunos de ellos, más francos que el resto, se habían familiarizado con la fuerza de su puño. En parte en burla, en parte en admiración, lo habían apodado el Hombre Salvaje de los Bosques. Y el Hombre Salvaje del Bosque permaneció durante toda su vida. "Nunca se me obligará a inclinarme", dijo. "Nunca tendré el arte de los salones parisinos forzados sobre mí. Un campesino que nací, un campesino que moriré".

Barbizon

Y así se había establecido con su esposa y sus hijos en una choza en Barbizon, al borde del gran bosque. Cavó y pintó en su jardín y crió a su familia en el más mínimo nivel de subsistencia. Conocía a los campesinos que pintaba. Era su hermano y un íntimo íntimo de tristeza y desesperación. A pesar de que sus gastos de vida eran casi insignificantes, no pudo cumplirlos. En un momento escribió: "Realmente no sé cómo cumplir con mis obligaciones y seguir viviendo". Hubo días en que no tenía dos francos en los bolsillos. Con gran ternura pintó The Gleaners. Estaba bastante familiarizado con las dificultades del campesino francés. Sin embargo, el público saludó esta pintura con un coro de burla. Refiriéndose a las figuras de las tres espigadoras, un crítico comentó: "Estos son espantapájaros caseros establecidos en un campo: la fealdad y la vulgaridad de M. Millet no tienen alivio".

A este estallido, Millet podría haber respondido que incluso en las cosas hogareñas hay una bondad que está más allá de la comprensión de un crítico ciego. Algunos de los críticos cuestionaron los aspectos técnicos, así como la calidad espiritual de la pintura. El campo en el que trabajan las espigadoras está bañado por una luz solar de agosto, presumiblemente cálida e intensa. Sin embargo, el acabado tonal es un azul oscuro, opaco y ceniciento que sugiere una neblina. Uno de sus defensores, sin embargo, explicó esto, señalando que "el sol de agosto arroja un poderoso calor sobre el lienzo. No encontrarás ninguno de estos rayos caprichosos que retozan como niños de escuela en imágenes de otros. Este es un sol grave que madura el trigo y hace sudar a los hombres y no pierde el tiempo en juegos ".

Millet pasó la mayor parte de su vida adulta en esta "provincia de pintores". Vivía en un pequeño granero calentado por una estufa de leña. ¡Veintisiete años! Tenía una esposa paciente y quejumbrosa para mantener. "Gran anciana", dijo de ella con ternura. Y los niños, "los sapitos", con bocas que alimentar. Qué difícil fue soportar el invierno cuando tus cuadros no se vendían, cuando estabas siempre al borde del hambre. Sin embargo, él no era filósofo. No deseaba eliminar la amargura de la vida o encontrar una fórmula que lo hiciera estoico o indiferente. El dolor es quizás lo que le da al artista el mayor poder de expresión. "El arte no es una diversión", dijo. "Es un conflicto, una complicación de las ruedas en las que uno es aplastado".

Mijo acusado de ser un agitador de artistas

Cuando aparecieron The Gleaners, fue acusado de ser un agitador. La burguesía creía que estaba tratando de hacer que los campesinos fueran conscientes de la clase, que estaba alentando una revolución social a través de su odio personal hacia las clases propietarias. ¿Odio? "La misión del arte es una misión de amor, no de odio", respondió. ¿Le preocupaba la emancipación del campesino del suelo? Él mismo era un campesino de los campesinos. La idea de la eternidad, la atemporalidad, la divinidad del hombre en su ocupación elegida, le hizo desear pintar al campesino no como podría ser sino como era en realidad: condenado, ordenado para labrar la tierra para siempre sin ningún sueño de o deseo de un cambio social. ¿Política, revolución, socialismo? "¿Qué tiene que ver el arte con esas cosas? El arte nunca vendrá excepto de un pequeño rincón ignorado donde un hombre aislado e inspirado está estudiando los misterios de la naturaleza".

Pero los críticos se negaron a ver. "Los tres destinos feos del pauperismo", eso es lo que llamaron las tres espigadoras, "el grito de batalla del jacobinismo y la revolución". "Mis críticos", respondió Millet, "son, me imagino, personas de buen gusto e instrucción; pero no puedo ponerme en su piel. Nunca he visto nada en mi vida excepto los campos, y trato de decirlo simplemente, y como lo mejor que puedo, lo que he visto ". Teatrales y melodramáticos, eso es su pintura, cobraron. Pero el melodrama era lo más alejado de la mente de Millet. "La Galería de Luxemburgo me ha dado una antipatía hacia el teatro", respondió. "Siempre he tenido una marcada aversión por las exageraciones, las falsedades y las burlas de actrices y actores". Bueno, entonces, de todos modos, insistieron los críticos, rebosaba de sentimentalismo barato; él brotó con el cepillo! Esta acusación, como las demás, Millet negó enfáticamente. Su propio Dios era Miguel Ángel, y Miguel Ángel una vez le comentó al Príncipe de Holanda: "Una buena pintura nunca dibujará una lágrima". ¿Cómo, entonces, llegaron a pintarse The Gleaners ?

La esencia del arte de Millet: lo último en pintura religiosa

"Recuerda, Jean Francois, eres cristiano antes de ser artista". Eso es lo que su abuela le había dicho justo antes de partir a las escuelas de arte de París. "Arriba, arriba, mi pequeño Francois", fueron las primeras palabras que había recordado de ella. "Si supieras por cuánto tiempo los pájaros han estado cantando la gloria de Dios". Y las últimas palabras que había respirado permanecieron claramente grabadas en su memoria. "Pinta, pinta por la eternidad, y piensa que la trompeta que te llamará al Juicio siempre está en vísperas de sonar".

Jean Francois Millet era un hombre de religión. En él no había mensaje de protesta, ni súplica por reajuste social. "Con el sudor de tu frente ganarás tu pan". Un destino inamovible que nunca cambiará. Fue criado en la Biblia. Vio, en la lucha incesante del hombre con el suelo, un significado no social, no político, sino principalmente religioso. Era un hombre de Dios simple y solitario. Todo su objetivo era mostrar la belleza de la vida en la triste rutina del trabajo duro. Millet amaba la vida por su misma tristeza. Fue el invierno en su alma lo que lo hizo amarlo así. Su carácter se había nutrido de las Escrituras y de los vientos que azotaban la costa de su Gruchy natal.

Las Escrituras, las tormentas marinas y la poesía de Virgilio y Homero. Leyó a estos dos antiguos asiduamente. Estaban más cerca de él espiritualmente que la mayoría de sus contemporáneos. Los hombres y las mujeres que pintó en The Gleaners no eran meramente sujetos de tratados sociales o de mudo y sin escrúpulos, terribles, maltratados, miserables criaturas de arcilla común. Eran, como los soldados de Virgilio y Homero, personajes heroicos en un gran poema, el más grande de todos los poemas: la epopeya de la vida.

El angelus

En 1859, dos años después de The Gleaners, produjo uno de los grandes pinturas religiosas de mediados del siglo XIX, titulado: El Ángelus. Aquí hay una descripción de la pintura, de la pluma gráfica de Paul Gsell:

"En medio de los campos, un joven campesino y su esposa acaban de terminar su día de trabajo. Algunos sacos de papas se cargan en una carretilla. Las nieblas del crepúsculo están robando el campo. En el horizonte hay una aldea. El campanario de la iglesia y algunos techos de cabañas se distinguen a través de la creciente oscuridad. De repente, la música lejana del Ángelus flota en el aire tranquilo. Silenciosos e inmóviles, los dos ocupantes de la escena se pierden en la contemplación religiosa. El hombre, dejando al descubierto la cabeza, se coloca torpemente sosteniendo su sombrero en sus manos grandes y gastadas; la mujer la abraza con reverencia y los dos inclinan la cabeza. ¡Qué pobre y tosca es su apariencia! Al mirarlos, uno pensaría que ambos son compuesto por el suelo que se aferra a sus zuecos de madera. Sin embargo, en la quietud del crepúsculo, oscuramente recortada contra el desvanecimiento del esplendor de la puesta del sol, sus formas dominan la escena. El mundo de la naturaleza se está derritiendo. o las sombras cada vez más profundas de la noche y deja de abrumarlas con su inmensidad. Ya no son dos personas pobres y solitarias, sino dos almas cuya oración llena el infinito ".

Esta pintura, poco después de la muerte de Millet, se vendió por un cuarto de millón de dólares. Pero en 1859, cuando el artista lo acababa de completar, había llegado a las profundidades de la pobreza. "Solo tenemos suficiente combustible para durarnos dos o tres días", escribió, "y no sabemos cómo vamos a obtener más; porque no nos dejarán tener nada sin dinero…"

El hombre de la azada

Este fue uno de los pocos períodos rebeldes de su vida. Cuando no pudo aumentar el precio de la visita a su madre moribunda, levantó las manos desesperado. "¡Estoy clavado en una roca y condenado a trabajos forzados sin fin!" Y ahora, cuando la pobreza una vez más lo aplastó impotente, se apartó por una vez de su objetividad habitual y pintó la amargura de su desesperación en El hombre de la azada.

Claramente anticipó la sensación que crearía esta imagen. " El hombre de la azada ", le escribió a un amigo, "me meterá en el agua caliente con varias personas a las que no les gusta que les pidan que contemplen un mundo diferente al que están acostumbrados, que odian estar perturbado por su serenidad ". En raras ocasiones, una imagen ocasionó una gran tormenta de abuso por un lado, o un estallido de elogios más fanático por el otro, que esta representación de un acosador de los campos acosado y desesperado que se detiene por un momento para apoyarse en su hoc. "Inclinado por el peso de los siglos", escribió Edwin Markham en el poema inspirado en esta imagen, "el vacío de las edades en su rostro". La mente del hombre ha sido asesinada por las generaciones de trabajos forzados impuestos a él y a toda su clase. Hay una mirada vacía, sin sentido en sus ojos. Todo el personaje en su rostro ha sido apagado. Ha sido arrastrado al nivel de la bestia. "Ciertos animales salvajes", dijo La Bruyere, hablando de tales hombres, "se pueden ver diseminados por el país, machos y hembras, negros, lívidos y quemados por el sol, atados a la tierra, en los que empujan y tiemblan. con obstinación invencible; sin embargo, tienen una especie de discurso articulado, y cuando se ponen de pie muestran un semblante humano, y de hecho son hombres ".

Los críticos se estremecieron ante el doloroso realismo de la obra. Nadie antes se había atrevido a sacudir a este tipo de su oscuridad: este campesino con la azada, la espalda doblada, el cráneo alargado como una pera por el largo e incesante trabajo, ojos vagos y vidriosos que nadie había pensado: la tonta y estúpida bestia del reja del arado. "Millet debe haber mirado un poco antes de encontrar ese tipo", escribió uno de los críticos con desprecio. "Tales tipos no se encuentran comúnmente, incluso en los asilos idiotas. Imagine un monstruo con una sonrisa imbécil en la cara, plantado todo como un espantapájaros en el medio del campo. Ningún destello de inteligencia le da un toque humano a esta cosa brutal que toma su descanso. ¿Es trabajo o es asesinato lo que ha estado haciendo? ¿Está subiendo el suelo o cavando una tumba? "

La gente vio propaganda socialista en la imagen. El hombre de la azada era típico de las grandes masas de trabajadores agrícolas que habían trabajado en los campos de Francia durante diez siglos sin murmurar. ¿Habría aparecido un artista para darles voz?

Si y no. Por una vez, Millet había puesto un sermón en su pintura. El hombre de la azada es un siervo paciente que hace la obra de Dios en su catedral de tierra y cielo. "¿Es el trabajo que hacen estos hombres el tipo de trabajo inútil que algunas personas nos hacen creer?" él desafió. "En cualquier caso, me transmite la verdadera dignidad, la verdadera poesía de la raza humana". Sí, poesía, pero poesía trágica. La labranza de los campos, la pintura de cuadros, la escritura de himnos, estas nobles obras tienen que hacerse. Pero, ¿por qué tanta amargura al hacerlo?

Reconocimiento eventual

Pero el dolor no permaneció con Millet para siempre. Por fin pudo empujar al lobo desde la puerta. The Sower, The Gleaners y The Angelus habían convertido a un pequeño pero influyente grupo de personas a la religión de su arte. Estas personas no estaban desconcertadas ni asustadas por su realismo. Un hermano artista, Theodore Rousseau , fue uno de los primeros en reconocer el genio de este pintor de la tristeza paciente del mundo. Cuando Millet estaba pasando por sus dificultades, Rousseau había comprado una de sus pinturas por unos pocos cientos de francos, y para evitar avergonzarlo, había fingido que un estadounidense rico había sido el comprador. Otro amigo había recaudado, mediante un sorteo, una suma de dinero suficiente para pagar el alquiler y las facturas del carnicero. Alexandre Dumas escribió artículos brillantes sobre su trabajo, y finalmente un rico coleccionista acordó adelantarle mil francos al mes a cambio de toda la producción de Millet durante un período de tres años.

Un padre amable y devoto, cuando durante el día los sonidos de los niños que jugaban llegaban a los oídos de su padre mientras trabajaba en su estudio, se apresuraba hacia ellos, los besaba y les contaba anécdotas. Y mientras trabajaba, su puerta nunca estaba cerrada. Sin embargo, todos los niños, incluso los más pequeños, bajaban la voz y caminaban de puntillas cada vez que tenían la oportunidad de pasarla. "Shhh, papá está trabajando", advertían a cualquier visitante que no tuviera cuidado en mostrar el mismo respeto. Por la noche, todos se sentaban alrededor de la mesa de la cena con el pelo revuelto y caras alegres. Millet, como un patriarca en una saga antigua, cantaba canciones de su infancia en la granja de Gruchy.

Premios

El reconocimiento público total llegó a este pintor patriarca en 1867, cuando tenía cincuenta y tres años. Aclamado como uno de los mejores paisajistas por sus escenas campesinas, ganó una medalla de oro de la Academia de las Artes. Un año después recibió el regalo más dulce de la mano del Destino, y el golpe más cruel. Fue galardonado con la condecoración de la Legión de Honor y perdió a su amigo más querido, Rousseau. Afligido por la parálisis, este "más que hermano" murió en sus brazos.

Durante seis años más creó belleza, y luego también fue a su descanso sabático. Su final llegó en pleno día de invierno en 1875.

El arte de Millet es el verdadero arte de la grandeza simple. Representa una lucha solemne y épica: el conflicto del hombre con la tierra de la que ha surgido. Su impotencia ante su crueldad, su adoración ante su misterio. Todo esto tiene un humor sombrío, el espectáculo del Hombre luchando con su destino.

Un genio crudo pero raro, que influyó en muchos otros artistas, incluido el estadounidense Winslow Homer, quizás no sea de extrañar que Millet haya sido llamado "el Dante de los Yokels, el Miguel Ángel de los Payasos".

Pinturas de Jean-Francois Millet se pueden ver en el mejores museos de arte alrededor del mundo.