Pablo Picasso Traductor traducir

NOTA: Picasso creó algunas de las mejores pinturas del siglo XX , varios de los cuales han alcanzado un estatus icónico. En 2015, su pintura cubista abstracta Les Femmes d’Alger (versión O) (1955) fue vendida en una subasta por Christie’s por un récord mundial de $ 179 millones.

Para el análisis de obras de modernistas españoles como Pablo Picasso,
por favor mira: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

Introducción

La figura más grande del mundo moderno. Pintura española , Pablo Picasso, el co-inventor (con Braque) de Cubismo , está clasificado entre los mejores Pintores del siglo XX y debe ser uno de los artistas más influyentes en el historia del Arte . Influido por el impresionismo francés, así como por varios pintores expresionistas, rechazó sin embargo De Matisse vista de la importancia primaria y el papel del color , y centrado en cambio en nuevas formas pictóricas de representar la forma y el espacio. Esto lo llevó, en asociación con Georges Braque , para desarrollar un movimiento cubista completamente nuevo, que rápidamente se convirtió en la vanguardia de arte Moderno . Las obras de Picasso revelan una serie de estilos diferentes, especialmente el expresionismo, y abarcaron una serie de períodos que incluyen, el Período Azul, el Período de las Rosas, su época negre , el cubismo y el neoclasicismo. También fue la figura principal en el Ecole de Paris , el grupo suelto de artistas activos en París. Las obras maestras supremas de Picasso incluyen Les Demoiselles d’Avignon (1907, MOMA, Nueva York), Guernica (Reina Sofía, Madrid), y Mujer llorando (1937, Colección Tate). Muchas de las pinturas más famosas de Picasso están disponibles como impresiones en forma de arte del cartel .

A pesar de su asociación con el cubismo y la modernidad. arte abstracto del siglo veinte, Pablo Picasso siguió siendo una criatura del siglo diecinueve. Podría decirse que tanto su arte como su pensamiento son esencialmente un producto del siglo XIX. Romanticismo y Expresionismo . El movimiento romántico se refiere a un estilo cultural que comenzó a fines del siglo XVIII, un período dominado por la Ilustración, un estado de ánimo y un sistema de valores que surgió de los avances científicos y creía en la razón y la racionalización. Los romanticistas reaccionaron contra este enfoque racional enfatizando el valor de las emociones, la estética y la imaginación. En las artes visuales, como la pintura, esto alejó al artista de copiar la naturaleza y hacia la autoexpresión, un proceso que, en el caso de Picasso, condujo al expresionismo en toda regla de sus períodos Azul y Rosa, contemporáneo con Expresionismo alemán de la década de 1900. Para más información sobre los vínculos de Picasso con el expresionismo, y el contexto de su contribución, ver: Historia de la pintura expresionista (c.1880-1930).

La etapa final de este desarrollo sería el arte abstracto, en el que el cubismo de Pablo Picasso desempeñaría un papel fundamental.

Biografía

Los primeros cuarenta años de Pablo Picasso como pintor se pueden dividir en períodos relativamente claros pero superpuestos. Estos son su Período Azul (c.1901–1904), su Período Rosa (c.1905–1907), su Arte africano -período influido ( epoque negre ) (c.1907), Cubismo prototipo (c. 1908–1909), Cubismo analítico (c. 1909–1912), y Cubismo sintético (c. 1912-1919).

Período azul (c.1901-4)

Durante su período azul, e influenciado por el suicidio de su amigo Carlos Casagemas, retrató el mundo de los pobres parisinos. Estas austeras pinturas melancólicas de prostitutas y mendigos, pintadas en tonos de azul y azul verdoso, con un color de piel fúnebre blanca de estilo El-Greco (como La Vie , The Old Guitarist , The Frugal Repast , The Blindman’s Meal , Celestina ). Sus primeros días en París estuvieron marcados por la pobreza, que pudo haber contribuido a la melancolía y al tema de su arte.

Período Rosa (c.1905-7)

Durante el período de las rosas, Picasso comenzó a usar una paleta más clara con naranja, tiernos cervatillos y rosas, haciendo que sus lienzos fueran más alegres. Un excelente ejemplo es Niño con un tubo ( Garcon à la Pipe ) (1905, Colección privada). Una razón para este enfoque más brillante fue su cálida relación con Fernande Olivier, así como su mayor exposición a la pintura francesa y otros artistas. De hecho, el estudio parisino de Picasso atrajo a varias de las principales figuras del arte de vanguardia mundo en este momento, incluidos Matisse, Braque y Gertrude Stein. Ver por ejemplo su Retrato de Gertrude Stein (1906, Museo Metropolitano de Arte).

Sin embargo, aunque hay un notable aumento de color en su Período Rosa, con rosas y marrones claros que reemplazan parte del azul, el estilo melancólico de Picasso no se evaporó con el final de su Período Azul. Por ejemplo, Acrobat y Young Harlequin todavía muestran tristeza, aunque no hay duelo. De hecho, muchos de los contemporáneos de Picasso no distinguieron entre un período azul y uno rosa, sino que consideraron a los dos como una sola era. Pero el Período Rosa marca el final de su realista. pintura de figura . A partir de aquí, su pintura adquirirá un estilo más intelectual, más preocupado por la forma que por el realismo, a medida que avanza hacia el cubismo.

Período africano (c. 1907)

El período de influencia africana de Picasso ( epoque negre ), durante el cual se inspiró en el africano arte tribal , comienza con las dos figuras de la derecha en su pintura, Les Demoiselles d’Avignon , inspiradas en artefactos africanos.

Les Demoiselles d’Avignon fue una pintura histórica en el desarrollo del arte moderno que marcó un alejamiento radical de las ideas artísticas de las eras anteriores y anunció la llegada de un nuevo movimiento artístico (cubismo), así como el nacimiento de la abstracción moderna. La influencia de Paul Cezanne y la escultura africana es visible en sus formas fragmentadas y distorsiones sin precedentes. Para más, ver: Primitivismo / Arte primitivo .

La pintura representa a cinco prostitutas en un burdel en la calle Avignon de Barcelona, ​​retratándolas desde varios ángulos, que se convirtieron en uno de los rasgos característicos del cubismo. La imagen marcó una ruptura fundamental con los principios del arte naturalista tradicional, en particular, rechazó el uso de la perspectiva, y fue una forma completamente diferente de pintar. Los predecesores de Picasso, ya sea pintando retratos o paisajes, permanecieron enfocados en retratar la naturaleza tal como la vieron, mientras que en Les Demoiselles d’Avignon, Picasso buscó representar objetos tridimensionales en un lienzo plano bidimensional.

La relativa falta de redondez en las formas y los fragmentos de rompecabezas indican la dirección abstracta que estaba tomando su pintura ahora. Mientras tanto, otro pintor tenía pensamientos similares: su nombre era Georges Braque . Los dos se conocieron en París en 1908 y colaboraron estrechamente durante varios años.

Nacimiento del cubismo (c.1908-9)

En 1908, influenciado por las pinturas de paisajes geométricos de Paul Cezanne de Montagne Sainte-Victoire, así como su obra maestra Los grandes bañistas ( Les Grandes Baigneuses ) Picasso y Braque ejecutaron una serie de pinturas de paisajes que eran muy similares a las de Cezanne, tanto en sus colores (verdes oscuros, marrones claros) como en formas geométricas simplificadas. Pintaron casas en forma de cubos tridimensionales. Fueron estas pinturas que el crítico de arte francés Louis Vauxcelles se refería en 1909, cuando usó la expresión ’bizarreries cubiques’, lo que llevó a la adopción de la palabra cubismo . Este estilo fue luego más refinado y debidamente evolucionado hacia el cubismo analítico.

Fue por esta época que Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) se convirtió en el comerciante y agente de arte de Picasso. Más tarde sería reemplazado por Leonce Rosenberg (1879-1947) y su hermano menor pero más listo Paul Rosenberg (1881-1959).

El retrato de Ambroise Vollard (1910) fue uno de los primeros ejemplos completos del nuevo austero cubismo analítico. En esta pintura, Picasso desmontó una figura humana en una serie de placas geométricas planas transparentes que se superponen e intersectan en varios ángulos. Ahora, de repente, todos los ’cubos’ de la pintura cubista prototipo anterior han desaparecido.

Cubismo analítico: la forma más desafiante de Art º – Es la etapa más austera e intelectual del movimiento cubista. Durante este período, las formas de los objetos retratados se fragmentan en una gran cantidad de pequeños planos opacos y transparentes intrincadamente articulados que se fusionan entre sí y con el espacio circundante. Las pinturas cubistas analíticas generalmente se ejecutan en monocromo, sin brillo color .

Cubismo sintético (c.1912-19)

Durante su fase de cubismo sintético, las formas de Picasso se hicieron más grandes y más representativas, con patrones decorativos planos y brillantes que reemplazan las composiciones más austeras y anteriores. Las nuevas técnicas adoptadas por Picasso en su arte de este período incluyeron el pegado de fragmentos de papel cortado (por ejemplo, papel tapiz o trozos de periódico) en composiciones, marcando el primer uso importante de collage y papier collé en bellas artes. Algunos ejemplos de sus obras cubistas en este momento incluyen: Bodegón con sillón , y La guitarra . En este período, el nuevo estilo se había popularizado con una serie de otros talentos Pintores cubistas .

Periodo neoclásico

Comenzando en 1906 y continuando hasta mediados de la década de 1920, en paralelo con su cubismo abstracto, Picasso pintó una serie de pinturas de figuras neoclásicas, retratos y bodegones. (Por favor mira: Pinturas neoclásicas de Picasso para más detalles.) Entre sus famosos cuadros neoclásicos se encuentran: Dos desnudos (1906) Mujer sentada (Picasso) (1920) Bañista grande (1921) Mujer de blanco (1923) y la diminuta pintura mitológica de gouache Dos mujeres corriendo en la playa (la carrera) (1922) Para los antecedentes de esto clasicismo , y para una explicación de cómo se puede conciliar con su estilo abstracto de pintura cubista analítica y sintética, consulte: Renacimiento clásico en el arte moderno (c.1900-30).

Guernica

La Guerra Civil Española (1936-9) provocó su segunda pintura histórica, Guernica , que representa el bombardeo alemán nazi de Guernica, España, el 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española.

Visto como uno de los mejores pinturas modernas , es un inmenso mural en blanco y negro que mide 11 pies de alto y 23 pies de ancho. Representa una escena de muerte, violencia, brutalidad, sufrimiento e impotencia, sin anunciar sus causas inmediatas.

Guernica se exhibió originalmente en julio de 1937 en el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París. Fue entonces, a pedido de Picasso, confiado al Museo de Arte Moderno (MOMA) en la ciudad de Nueva York hasta que finalmente fue devuelto a España en 1981. Una copia del Guernica de Picasso (en marrones, así como en blanco y negro) se muestra en El edificio de las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York, a la entrada de la sala del Consejo de Seguridad.

En 1947, Picasso se mudó al sur de Francia, donde trabajó constantemente en escultura, cerámica y artes gráficas, produciendo miles de excelentes dibujos, ilustraciones y diseños escénicos. Creó un gran arte publico mural para el edificio de la UNESCO en París, así como el Chicago Picasso , ahora uno de los hitos más reconocibles en el centro de Chicago, y produjo variaciones brillantes en las obras de otros maestros, incluidos Goya, Poussin, Manet, Courbet Delacroix y Velázquez. Murió en 1973.

Las pinturas de Picasso cuelgan en el mejores museos de arte y galerías modernas en todo el mundo, mientras que tres de sus imágenes se han vendido por más de $ 50 millones: Boy with a Pipe , ($ 104 millones, 2004); Dora Maar con Cat ($ 95.2 millones, 2006); Femme aux Bras Croises , ($ 55 millones, 2000).

Además de proporcionar algunas de las pinturas más influyentes del siglo XX, los inventivos regalos de Picasso lo llevaron a trabajar en muchos otros campos, incluidos dibujo , escultura , litografía , linóleo, decoración de ballet y cerámica .

Picasso – Una revisión de su vida y arte

Picasso es ampliamente considerado como uno de los mejores artistas de todos los tiempos y sin duda el artista más importante de la época modernista. A pesar de esto, gran parte de su logro sigue siendo controvertido. Los muchos autores que han escrito sobre él característicamente buscan descartar uno u otro aspecto de su enorme obra, para concentrarse en algún núcleo central, que, sin embargo, parece destinado a permanecer indefinible. Lo mismo puede decirse de la biografía de Picasso, que está llena de perspectivas cambiantes.

Aunque estrechamente asociado con la cultura catalana en su juventud, Picasso no nació en Cataluña sino en Málaga, en 1881, y vivió en esa ciudad hasta los diez años. El nombre de Picasso proviene de su madre, no de su padre, Don José Ruiz Blasco, pintor académico de dones mediocres y profesor profesional de arte. Después de abandonar Málaga, la familia pasó cuatro años en Coruña, hasta que don José fue nombrado profesor en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, ​​culturalmente la ciudad más animada de España.

Los talentos artísticos de Picasso ya se estaban desarrollando a una velocidad prodigiosa, parece que nunca fue un "artista infantil", y rápidamente logró el dominio de lo aprobado. estilo academico del día. Como su padre ya era un pintor profesional, no se desanimó al seguir una carrera artística: una historia dice que el padre estaba tan impresionado por el talento de su hijo que renunció ceremoniosamente a la paleta y los pinceles. Picasso estudió en la Academia de Barcelona, ​​y también, brevemente, en la Real Academia de San Fernando en Madrid, pero ninguna de las instituciones tenía mucho que enseñarle. En Barcelona, ​​cuando era joven, formó parte de un círculo de artistas e intelectuales fin de siecle que se reunieron en una taberna llamada Els Quatre Gats (Los cuatro gatos, en catalán). El trabajo de Picasso en este momento fue influenciado por pintores franceses de la vida urbana como Steinlen y Toulouse-Lautrec .

En 1900, Picasso realizó su primera visita a París, en compañía de Carlos Casamegas, otro joven pintor del mismo grupo en Barcelona. El suicidio de Casamegas (debido a su impotencia y amor no correspondido) proporcionó gran parte de la inspiración para las pinturas del período azul de Picasso, que fue su declaración de independencia artística. En los primeros años del siglo fue de ida y vuelta entre París, Madrid y Barcelona. En 1901, el astuto comerciante de arte le dio una muestra individual. Ambroise Vollard (1866-1939), lo que le trajo la amistad del poeta Max Jacob (hasta entonces su círculo parisino había consistido casi exclusivamente en emigrantes españoles). Jacob lo presentó a otros escritores, especialmente Guillaume Apollinaire (1880-1918). Finalmente, en 1904, Picasso se instaló en París en el destartalado edificio de estudio conocido como Bateau-Lavoir debido a su parecido imaginario con los barcos que se usaban para lavar la ropa en el Sena, y pronto se convirtió en el centro de un círculo de artistas de vanguardia. y poetas Encontró a una amante, Fernande Olivier, quien luego escribió un libro de memorias que grababa esta época, y se ganó la amistad del escritor y coleccionista estadounidense, Gertrude Stein. Fernande proporcionó una descripción de la apariencia de Picasso en este momento:

Pequeño, negro, grueso, inquieto, inquietante, con ojos oscuros, profundos, penetrantes, extraños, casi estrellados. Gestos torpes, las manos de una mujer, mal vestida, mal arreglada. Un espeso mechón de cabello, negro y brillante, le cortaba la frente inteligente y obstinada.

El Período Azul se convirtió en el Período Rosa menos triste pero aún melancólico, y esto dio paso a una serie de Saltimbanques : delicadas pinturas de artistas de circo y artistas itinerantes, con un eco del simbolista académico. Puvis de Chavannes . En 1906, Picasso los abandonó para pintar algunos cuadros marcados por un primitivismo pesado. Esto llevó, en los meses siguientes, a una explosión creativa extraordinaria. En 1906-7 Picasso produjo lo que todavía es quizás su pintura más conocida, Les Demoiselles d’Avignon . Este grupo feroz de desnudos femeninos fue bautizado en broma por el poeta Andre Salmon por su simulación simbólica con los reclusos de un burdel particularmente de clase baja en Barcelona. Sorprendió a las pocas personas que lo vieron en el estudio de Picasso: Braque, por ejemplo, dijo que Picasso quería que las personas intercambiaran una dieta normal por una de remolque y lino (aunque poco después él mismo pintó una imagen similar de un solo desnudo).

Uno de los ingredientes en Les Demoiselles fue el trabajo tardío de Cezanne. Otro fue el arte del África negra. Por el momento, fue África la que triunfó, y Picasso se mudó a lo que se ha llamado su período negro (epoque negre). Esto fue seguido por otro cambio decisivo: la evolución del cubismo analítico, que Picasso creó en colaboración con Braque. El cubismo era diferente de los estilos anteriores que Picasso había usado porque tenía una intrincada gramática formal, una forma de codificar las apariencias que se convirtió en un nuevo lenguaje para toda una generación de pintores abstractos . Durante mucho tiempo fueron estos seguidores los representantes públicos del cubismo, ya que Picasso y Braque se mostraron reacios a exhibir su trabajo en el gran Salones de Paris donde los nuevos experimentos estilísticos generalmente debutaron.

Sin embargo, Picasso construyó una poderosa reputación entre el pequeño círculo de personas que importaban: comerciantes, coleccionistas y críticos de arte – y en 1909 estaba lo suficientemente bien como para mudarse a un estudio nuevo y más cómodo en el bulevar de Clichy. En 1911, el fotógrafo estadounidense de bellas artes y comerciante de arte moderno Alfred Stieglitz (1864-1946) dio a Picasso una exposición individual en su galería "291" en la Quinta Avenida, Nueva York. Fue la primera exposición individual del español en América. En 1912 dejó a Fernande Olivier por una nueva amante, Eva (Marcelle Humbert). Es la única de las compañeras de Picasso que no inspiró una serie de retratos, aunque su nombre, o la frase ’Ma Jolie’ que se refiere a ella, se puede encontrar inscrita en varias pinturas cubistas.

En agosto de 1914, el vínculo de Picasso con Braque se cortó cuando estalló la guerra. Picasso, como ciudadano español, no estaba obligado a servir, y permaneció en un París gris y desalentador. En el otoño de 1915, Eva murió, y un poco más tarde Picasso se mudó a Montrouge en los suburbios. Afortunadamente, el vivaz empresario ruso Sergei Diaghilev lo rescató de su depresión invitándolo a Roma a sugerencia de Cocteau, para colaborar en el nuevo ballet, Parade . Una vez que llegó, Picasso se asoció estrechamente con la compañía de Diaghilev, que formó un pequeño mundo propio, y pronto se enamoró de un miembro del cuerpo de ballet , Olga Kokhlova, la hija de un general ruso. En 1917 acompañó el ballet a España; y en 1918 él y Olga regresaron a París, mientras que el resto del Ballets Russes se fue a Sudamérica. En julio se casaron. Olga tenía gustos burgueses convencionales, y tomaron un elegante apartamento en la Rue de la Boetie. Durante un tiempo, Picasso probó la vida de moda en París y en la Riviera. En 1921 nació su primer hijo, un hijo llamado Paulo.

Picasso estaba ahora en medio de una nueva fase estilística, el Período Neoclásico, una reversión al mundo antiguo que había fascinado a Poussin e Ingres. Sorprendió a algunos de sus antiguos amigos de la vanguardia, quienes lo atribuyeron a su asociación, a través de Olga, con el mundo de moda. Pero también vigilaba astutamente las travesuras de Dada artistas , y luego en el sucesor del dadaísmo, Surrealismo . El tipo de vida que le gustaba a Olga pronto comenzó a palidecer, y también sus celos obsesivos. A fines de la década de 1920, el trabajo de Picasso se volvió cada vez más salvaje y misógino, y el estado de ánimo no cambió hasta que cumplió con los peores temores de Olga y encontró una nueva amante, una plácida niña de diecisiete años llamada Marie-Therese Walter, a quien conoció en 1932. Su belleza tranquila la inspiró para una serie de pinturas, y también para una serie de grandes cabezas esculpidas. Estos últimos se hicieron en un nuevo estudio en el Norman Chateau de Boisgeloup del siglo XVII: Picasso ahora era lo suficientemente rico como para comenzar el proceso de acumulación de propiedades que continuó durante el resto de su vida.

En 1935 obtuvo una separación oficial de Olga, quien, sin embargo, continuó persiguiéndolo cuando pudo; y en 1936, poco después de que Marie-Therese le diera una hija, Maia, encontró a otra compañera, una fotógrafa yugoslava llamada Dora Maar. Una mujer más inteligente y una personalidad mucho más compleja que Marie-Therese, gradualmente desplazó a esta última en el afecto de Picasso. Todavía poseía su apartamento en la rue de la Boetie, pero ahora parecía desordenado e inadecuado, y fue Dora quien lo encontró en los nuevos y enormes estudios en un antiguo edificio en la Rue des Grands Augustins.

A principios de la década de 1930, Picasso renovó sus lazos con España. Visitó a su familia en Barcelona en 1933 e hizo una visita más larga en 1934. En 1936, el año en que estalló la Guerra Civil, un grupo de jóvenes admiradores organizó una exposición para él en Barcelona, ​​la primera que había tenido en España para un cuarto de siglo. Durante la guerra sus simpatías fueron vehementemente con los republicanos, y el gobierno republicano era muy consciente de su valor para ellos. Hicieron hincapié en el vínculo al darle la dirección honoraria de la Museo del prado . Picasso correspondió pintando el enorme lienzo Guernica , que se mostró en el Pabellón de España en la Exposición Universal de París de 1937 y luego se envió de gira. La composición es una condena amarga y efectiva del bombardeo de la capital vasca por los aliados alemanes de Franco.

A fines de la década de 1930, Picasso continuó visitando el Mediterráneo todos los veranos, y cuando estalló la guerra en 1939 se estaba quedando en Antibes con Dora Maar y su devoto secretario y bufón de la corte, Jaime Sabartes. Fue a París y ordenó sus asuntos, luego se retiró a Royan en la costa cerca de Burdeos y permaneció allí hasta octubre de 1940, cuando regresó a París y permaneció allí por el resto de la guerra. El apartamento en la Rue de la Boetie fue definitivamente abandonado, y se fue a vivir a los espacios cavernosos de la Rue des Grands Augustins, que convirtió en un mundo privado. Se mantuvo alejado de los ocupantes alemanes, pero no debe haber estado muy preocupado por ellos, tanto porque no era francés como porque su arte no era de su gusto. El tema de las pinturas que produjo, como la serie de bodegones con una calavera y una vela, se hace eco de la penumbra predominante de aquellos años.

Con la Liberación, Picasso descubrió de repente que se había convertido en uno de los lugares de interés de París, el símbolo de una nueva época de libertad. Hasta cierto punto aceptó el papel de figura pública. En particular, se unió al Partido Comunista, y durante los siguientes años fue asistente regular de varios congresos de paz celebrados en París, Roma, Varsovia y Sheffield. El partido hizo buen uso de este eminente recluta: su dibujo de una paloma se convirtió en uno de sus emblemas. Pintó una serie de ambiciosas obras políticas que pueden considerarse sucesores de Guernica, aunque no consiguieron la misma aceptación universal. Incluyen La Casa Charnel de 1944-5, una conmemoración de los campos de concentración y la Masacre en Corea (1951).

Después de la guerra, Picasso se fue a vivir a la Riviera. Dora Maar había sido desplazada por Francoise Gilot, a quien había conocido justo después de la Liberación. Fue celebrada en un nuevo grupo de retratos, a menudo como una ’mujer fleur’. Durante su período juntos, Picasso vivió en Vallauris: se interesó en la industria de la cerámica local y revivió la industria colaborando con los artesanos locales.

En 1955, después de separarse de Francoise, se mudó nuevamente, esta vez a La Californie, una villa pomposa de principios de siglo con vistas a Cannes. Su nueva compañera, Jacqueline Roque, eventualmente se convertiría en su esposa en 1961. La Californie ha sido objeto de muchas descripciones, que celebran la acumulación de objetos con los que Picasso llenó sus habitaciones. Permaneció allí hasta que el desarrollo de la costa de la Riviera comenzó a invadir la propiedad y arruinar su vista. Luego se trasladó al enorme Chateau de Vauvenargues del siglo XVII cerca de Aix, que compró en 1958 y se mudó por completo en 1961. Al descubrir que esto tenía el defecto opuesto de estar demasiado aislado, regresó a la costa y compró un viejo provenzal casa señorial llamada Notre-de-Dame-de-Vie, con vistas a Mougins.

Picasso disfrutó de una vejez extraordinariamente vigorosa y creativa, pero en 1965 se vio obligado a someterse a una operación de próstata y después de esto siempre hubo una nota de desesperación en la producción incesante de su trabajo. Cada vez más se convirtió en un comentario sardónico sobre el inevitable proceso de degeneración física. Aunque su prestigio seguía siendo inmenso, había comenzado a perder contacto con el mundo del arte de vanguardia y el respeto de la junta gobernante de teóricos y críticos. Su última gran exposición en su propia vida se llevó a cabo en el Palais des Papes en Aviñón en 1970. Consistió en una gran masa de nuevos trabajos, de estilo brutal y brutal, que alarmó al público y alienó a los críticos. Es solo más recientemente que estas obras han llegado a ser vistas como precursoras del neoexpresionismo que ha dominado el arte de la primera mitad de la década de 1980. Una serie de no menos de 347 impresiones ejecutadas en el espacio de siete meses en 1968 fue mejor recibida, aunque su contenido fue a menudo duro: se burlaron de las ilusiones de la juventud y fueron igualmente feroces en su condena de la impotencia de la vejez. Su erotismo no disfrazado deleitó a algunos y ofendió a otros, pero Picasso había ido mucho más allá de preocuparse por lo que cualquiera pensara de él. Murió en 1973, y su partida puso fin a toda una época.

Pinturas, dibujos, esculturas y cerámicas de Picasso se pueden ver en los mejores museos de arte moderno de todo el mundo.

Para otro gran artista catalán, ver: Antoni Gaudi (1852-1926) el arquitecto Art Nouveau.