Descenso de la cruz (deposición), Roger Van der Weyden:
interpretación, análisis Traductor traducir

Primer plano de la Virgen María.

Primeros planos de Mary Cleopas,
San Juan Evangelista (o
José de Arimatea), y
Mary Salome.

Apreciación artística
Para entender funciona como
Descenso de la cruz
por Roger Van der Weyden,
y otra Pintores flamencos
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artículos para estudiantes:
Evaluación de arte y
Cómo apreciar las pinturas.

Descendimiento de la cruz (también conocido como Deposición de Cristo) (1435-40)
Considerado como uno de los Las mejores pinturas de la historia y un soberbio
ejemplo de Arte bíblico de la escuela flamenca.

Descripción

Artista Roger Van der Weyden (1399-1464)
Medio : óleo sobre panel de roble.
Género : Religioso pintura de historia
Movimiento : Renacimiento del norte
Museo : Prado Madrid

Para otras excelentes fotos, ver: Pinturas famosas analizadas .

Uno de los grandes pinturas religiosas de la escuela flamenca, The Descent from the Cross ) Deposition of Christ) de Roger van der Weyden muestra al Cristo crucificado siendo bajado de la cruz. Es la pintura más antigua que se puede atribuir de manera segura a Van der Weyden (el análisis dendrocronológico (árbol) data de alrededor de 1435) y también es la obra más grande del artista. Una obra maestra del flamenco Arte cristiano, puede haber sido diseñado como el panel central para un retablo, cuyas alas ahora están perdidas, instaladas en la capilla del Gran Gremio de Ballesteros de Lovaina: el donante se identifica por las dos pequeñas ballestas en los tramos inferiores de la tracería en la imagen. Una imagen grande, que mide aproximadamente 7 pies x 8.5 pies, tuvo una gran influencia en el Escuela de colonia en Alemania y sigue siendo una de las obras más influyentes de principios Renacimiento holandés (c.1430-1580), junto con el Retablo de Merode (c.1425) y el Tríptico de Seilern (sepultura) (1410) por Robert Campin, el Retablo de Gante (1432) de Jan van Eyck, y el Retablo de Portinari (1483) de Hugo van der Goes (1440-82).

Más análisis del descenso desde la cruz

Weyden pintó El Descendimiento de la Cruz ) Deposición) poco después de terminar su aprendizaje con el gran Robert Campin (Maestro de Flemalle), y uno siente que el maestro Tournai sabía que iba a producir una obra única. Seleccionó el mejor roble báltico para hacer el panel de madera y extendió la superficie con oro, así como el mejor lapislázuli (ultramarino), uno de los más caros de todos. pigmentos de color. Después de esto, demostró su genio para el diseño pictórico al construir una composición narrativa impresionante, marcada por el efecto emocional de los llorones que lloran por el Jesús muerto. La combinación de diseño, técnica pictórica e impacto general lo convirtió en una de las Crucifixiones más copiadas pinturas de paneles, del Pintura flamenca escuela, hasta bien entrado el barroco.

De hecho, dentro de no más de ocho años de haber sido colocada en el altar principal de la capilla de Nuestra Señora Sin las Paredes en Lovaina, el tríptico fue copiado por un artista anónimo en el Retablo de Edelheer (1443, Sint-Pieterskerk, Louvain). Durante la década de 1540, fue adquirida por María de Hungría, hermana del emperador Carlos V, para su palacio en Binche, al sur de Bruselas, y alrededor de 1556 fue regalada a su sobrino, Felipe II de España (1527-1598; reinó desde 1556). Luego se colocó en el enorme palacio monástico de El Escorial. Hoy, es uno de los grandes atractivos del Museo del Prado en Madrid. A pesar de su restauración en 1992, el estado relativamente bueno de la obra atestigua la excelente artesanía técnica de su creador, así como la estima y el respeto que se le ha demostrado desde que fue pintado.

Composición

El Descendimiento de la Cruz muestra el momento en que el cuerpo de Cristo se retira de la cruz para ser llevado a enterrarlo. Nueve participantes en la escena, casi todos llorando de dolor, están dispuestos en una especie de friso de tristeza, alrededor del delgado y pálido cadáver. José de Arimatea, en rojo, junto con Nicodemo el fariseo sostienen tiernamente el cuerpo. Mientras tanto, la Virgen María se ha derrumbado en un desmayo blanco mortal junto a su hijo, y es apoyada por el apóstol San Juan y la joven, probablemente María Salomé. La curva floja pero elegante del cuerpo de Jesús se refleja en la de su madre, y sus manos cuelgan una cerca de la otra, en una vívida demostración de su passio (sufrimiento) y su compassio (compartir su sufrimiento). El drama de la escena habría sido totalmente acorde con la espiritualidad altamente cargada de los Países Bajos durante el siglo XV. Pudo haberse basado en el tratado Meditationes de Vita Christi, de Ludolph de Sajonia, que explicaría las discrepancias entre el contenido de la pintura y el relato en el Evangelio de San Juan, que, por ejemplo, no menciona a la Virgen. María.

Se representan otras tres figuras: el joven en la escalera, que sostiene el brazo de Cristo con una mano, y las uñas que lo fijaron a la cruz en la otra; el hombre barbudo y calvo que sostiene un frasco de pomada; y en el otro extremo de la imagen, Mary Cleopas (media hermana de la Virgen María), la mujer llorosa con el tocado blanco.

Espacio ilusionista

Toda la escena se desarrolla en un pequeño espacio no natural, una especie de caja dorada poco profunda, que se asemeja a un santuario del altar. En este espacio, Van der Weyden comprime una cantidad máxima de piedad, emoción humana y sufrimiento. Su genio es la habilidad con la que coreografía la escena con un sutil equilibrio de formas, movimientos, cortinas y color. Note la simetría de Cristo y la Virgen María; Observe también cómo la postura de María Magdalena se hace eco de la de San Juan, como un par de paréntesis. Van der Weyden ha creado una masa de curvas superpuestas, diagonales y "corrientes" de movimiento. La textura también juega un papel importante: observe la yuxtaposición de telas y materiales como sable, seda, bordados de hilo dorado, lino, cuero y cuerda.

Retablo esculpido

Weyden se formó en el taller de Robert Campin (Maestro de Flemalle) (1375-1444), y el estilo de Campin de figuras modeladas y esculpidas, es claramente evidente en esta pintura, como también lo es su naturalismo y una meticulosa representación de los detalles: observe, por ejemplo, la lágrima en la mejilla de Mary Cleophas, el rastrojo en la mandíbula de Nicodemo, los saxifragos junto al cráneo en el suelo. Los historiadores del arte interpretan el Descendimiento de la cruz de Weyden como un intento consciente del artista por crear una especie de retablo esculpido pero realizado con personas reales.

Observe también cómo enfoca la atención en el Cristo muerto. A pesar de la escena intensa y abarrotada, el cuerpo de Cristo está cubierto casi por completo sin que nadie más lo invada o lo afecte. La desnudez, el resplandor y la naturaleza efímera de su forma apenas manchada, dominan la pintura y contrastan con las figuras muy vestidas a su alrededor.

Diagonales, curvas y movimiento

Además de la naturaleza ’ocupada’ e intensa de la composición, con su exhibición contrastante de diagonales, curvas y movimiento, su narrativa pictórica está igualmente concentrada. Se puede ver como una síntesis de casi todas las etapas durante y después del descenso de la cruz: la bajada del cuerpo, la deposición, la lamentación y la sepultura. Esta ’concentración’ conceptual se superpone con una versión física. Vea, por ejemplo, cómo la obra se ubica en un nicho apenas más profundo que el ancho de los hombros de María Magdalena, aunque el área central del plano de la imagen tiene no menos de cinco niveles de profundidad: primero, la Virgen María; detrás de ella, Jesús; detrás de él, José de Arimatea; detrás de él, la cruz y la escalera, y finalmente el joven.

Simbolismo

El simbolismo está en todas partes. El Gólgota, el Lugar de los Cráneos, donde Jesús fue crucificado, está indicado por los huesos del cráneo y los brazos en el piso. (Se supone que el cráneo es el de Adán, estableciendo así un vínculo entre el pecado original del hombre y la salvación ofrecida por el sacrificio de Cristo en la cruz.) A la derecha, el escote y el escote de Mary Magdalene la muestran como una pecadora que ha abandonado sus caminos pecaminosos y regresó a Cristo en arrepentimiento.

Roger Van Der Weyden

Weyden fue uno de los más influyentes de todos. Artistas renacentistas del norte de su dia. Aunque la mayor parte de su trabajo involucraba arte religioso, también ejecutó una serie de pinturas seculares (ahora perdidas) y algunos retratos sensibles. Un principiante tardío, solo comenzó su carrera de pintura a la edad de 27 años cuando se inscribió en el taller Tournai de Robert Campin. Desde Campin, Rogier absorbió una profunda comprensión de pintura al óleo, así como el minucioso y detallado realismo que caracteriza sus primeras pinturas. Jan van Eyck, el gran maestro de Brujas, fue otra influencia importante.

Otras pinturas importantes

Después de El descenso de la cruz, Van Der Weyden completó una serie de obras bíblicas que incluyen: Tríptico de la Anunciación (c.1435-1440, Louvre, París); Retablo de Miraflores (c.1440, Gemaldegalerie, SMPK, Berlín); Tríptico de Crucifixión (c.1445, Kunsthistorisches Museum, Viena); Retablo de Middelburg (c.1445-1448, Gemaldegalerie, SMPK, Berlín); Retablo de los Siete Sacramentos (c.1445-1450, Museo de Bellas Artes, Amberes); Retablo de Beaune (ca.1450, Musee Hotel-Dieu, Beaune); Virgen y niño con santos – La Virgen de los Medici (hacia 1450, Stadelsches Kunstinstitut, Frankfurt); La lamentación ante la tumba (c.1450, Uffizi, Florencia); Tríptico Braque (c.1450, Louvre, París); Retablo de San Columba (c.1455, Alte Pinakothek, Munich); y Retablo de San Juan (c.1455-1460, Gemaldegalerie, SMPK, Berlín).

Sus obras no religiosas, principalmente arte de retrato, incluyen obras como Retrato de una mujer con turbante alado (c.1435, Gemaldegalerie, SMPK, Berlín); Retrato del Caballero del Vellocino de Oro (Antón de Borgoña) (1460, Musees Royaux des Beaux-Arts, Bruselas); y otros.

Recursos adicionales

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