Scrovegni (Arena) Capilla Frescos, Giotto:
Análisis, Interpretación Traductor traducir

Frescos de la capilla Scrovegni
Por Giotto di Bondone.
Considerado como algunos de los
Las mejores pinturas de la historia.

Descripción

Pintura : Frescos de la capilla Scrovegni (Arena)
Fecha : c.1303-10
Artista Giotto (1267-1337)
Medio : Pintura al fresco
Género : Religioso pintura de historia
Movimiento : Proto-Renacimiento
Ubicación : Cappella degli Scrovegni, Padua, Italia.

Para el significado de otras obras maestras, ver: Pinturas famosas analizadas .

Pósters Giotto
Carteles artísticos de imágenes
por Giotto, como el
Capilla de arena
Los frescos son ampliamente
disponible en linea.
Ver también: Arte del póster.

Apreciación artística
Para entender el de Giotto
Pintura renacentista:
ver: Evaluación de arte:
Cómo apreciar el arte.

Las pinturas al fresco de la capilla Scrovegni son la mayor obra maestra de Giotto arte religioso y marcar un punto decisivo en Pintura prerrenacentista del siglo XIV. En términos simples, abandonó las reglas y convenciones del estilo plano hierático de Arte bizantino, a favor de un mayor naturalismo tanto en sus figuras como en sus historias. Como resultado, Giotto (1266-1337) no solo es visto como el pintor más importante del arte proto-renacentista (c.1300-1400), sino también la mayor influencia individual en los pintores del Renacimiento temprano (c.1400-90), como Masaccio (1401-1428), Piero della Francesca (1420-92) y Fra Angelico (c.1400-55). El ciclo de frescos en la Capilla Scrovegni fue muy admirado incluso por Duccio di Buoninsegna (1260-1319), el artista líder de la Escuela de Pintura Sienés más tradicionalista, y se ubica junto a los frescos de la Capilla Sixtina, como una de las obras más influyentes de Arte cristiano de la época del renacimiento.

El beso de Judas.

Ver también:
Cómo apreciar las pinturas.

Más análisis de la Capilla Scrovegni (Arena)

La Capilla Scrovegni, o Cappella degli Scrovegni, un edificio sin pretensiones construido con ladrillo rosa, fue encargada por Enrico degli Scrovegni como una capilla familiar en el sitio de una antigua arena romana, por lo que a veces se la conoce como Capilla de la Arena. Ubicada en Padua, Véneto, Italia, sus paredes interiores están decoradas por una serie secuencial de pinturas al fresco que ilustran la Vida de la Virgen María y la Vida de Cristo . Pintado aproximadamente durante los años 1303-10, el tema pictórico es la salvación, posiblemente porque la capilla tenía la intención de expiar los pecados acumulados por la familia Scrovegni como resultado de su negocio de usura. Ocupando todo el muro oeste alrededor de la entrada de la capilla está la interpretación de Giotto del Juicio Final, que incorpora un retrato devocional del propio Enrico. Los muros restantes están cubiertos con tres niveles de frescos: el nivel superior está dedicado a escenas de la Vida de la Virgen María (a quien está dedicada la capilla); los niveles medio e inferior representan escenas de la vida de Jesús; en total, un total de 39 escenas.

El naturalismo de Giotto

A diferencia del estilo bizantino plano y altamente estilizado de pintura mural practicado por otros artistas italianos de la trecento , Los frescos de Giotto en la capilla de la Arena ejemplifican su enfoque naturalista del arte, basado en la experiencia personal y la observación.

Las pinturas bizantinas se basaron en atributos fijos: los miembros de la Sagrada Familia siempre fueron dibujados más grandes que los santos y otras personas; las figuras se posicionaron típicamente de acuerdo con los requisitos de la narrativa, en lugar de las reglas de perspectiva; la caracterización fue mínima, aludida por el uso de ciertos pigmentos de color, atributos personales u otras características establecidas; en resumen, los personajes pictóricos se colocaron en poses rígidas y convencionales, y se pintaron de acuerdo con un rígido icono -como fórmula.

Giotto’s pinturas religiosas – influenciado hasta cierto punto por Cimabue (1240-1302) – fue completamente diferente. Sus figuras tenían vida. Se parecían mucho más a personas reales, con rostros naturales, experimentando emociones reales. A los personajes se les dio espacio para moverse, así como poses de la vida real, y se colocaron mucho más de acuerdo con las reglas básicas de perspectiva. Sus cuerpos esculpidos eran mucho más evidentemente tridimensionales, y vestidos con prendas que colgaban naturalmente y parecían tener la forma y el peso adecuados. El resultado general fue una ilustración mucho más comprensiva y realista de la Biblia. Al mismo tiempo, tuvo mucho cuidado para garantizar la máxima claridad. Después de todo, se suponía que las imágenes eran fáciles de "leer". Entonces elige sus escenas individuales con mucho cuidado. Cada persona en la historia está ahí por una razón; Cada gesto es importante.

Las partes inferiores de las paredes, esas áreas al alcance de la congregación, fueron decoradas en un falso esquema arquitectónico para parecerse al mármol, con estatuas de imitación de siete Virtudes a lo largo de un lado, en contraste con siete Vicios en el otro lado. En los primeros años del siglo XIV, este tipo de pintura ilusionista fue totalmente revolucionario.

Los expertos en arte han rastreado varias fuentes para la interpretación particular de Giotto de la narrativa del evangelio, incluidas las Meditaciones sobre la vida de Cristo de Pseudo-Bonaventura y la Leyenda dorada de Jacopo da Voragine con respecto a la Virgen María.

Escenas bíblicas

Dos de las obras más conmovedoras de Giotto Arte bíblico en la capilla están la traición de Cristo y la lamentación.

Traición de cristo

Una de las pinturas más dramáticas en la Capilla Scrovegni es la representación de Giotto de El beso de Judas : el momento en que Jesús fue traicionado por Judas Iscariote en el jardín de Getsemaní. La imagen ejemplifica la intensidad que Giotto aportó a la representación de escenas bíblicas por su énfasis en el drama de la ocasión. Aunque muchos otros artistas retrataron el beso real, Giotto muestra la poderosa confrontación cara a cara entre los dos hombres.

Capturando el caos y la confusión del arresto de Jesús, Giotto coloca a los dos protagonistas en el centro de la multitud. Judas coloca su mano sobre el hombro de Cristo, levantando su traicionera capa amarilla en el proceso. Esto tiene el efecto de colocar momentáneamente a ambos hombres en una situación de globo ocular, como para demostrar que cada uno necesita al otro para cumplir su destino. Pero aunque el rostro de Cristo está perfectamente tranquilo, el de Judas está hinchado de corrupción.

Mientras tanto, los soldados han irrumpido en la escena desde la derecha, mientras que hacia la izquierda Peter corta la oreja del ayudante del sumo sacerdote. De hecho, Giotto utiliza todos los dispositivos formales disponibles para enfatizar el drama del momento: la iluminación nocturna; las alabardas y otras armas levantadas; las expresiones faciales, gestos y posiciones de las figuras; y la diversidad de los pliegues de cortinas.

La lamentación

La Lamentación muestra la dolorosa reacción de amigos y apóstoles ante la muerte de Cristo. Algunas de las mujeres acunan con ternura el cadáver rígido, mientras que otras observan eventos en silencio. Cada persona es un estudio cuidadosamente observado en el dolor, mientras que encima de ellos diez ángeles están contorsionados por la angustia. Otras dos figuras se sientan cerca del Cristo muerto, de espaldas a nosotros, como para reforzar la privacidad de su aflicción y excluir a extraños como nosotros. En el fondo, un paisaje árido ofrece una distracción mínima, mientras que la ladera de una colina dirige el ojo hacia la cabeza de Cristo. Sobre todo, en contraste con los artistas góticos o bizantinos que solían representar la muerte de Jesús como un ejemplo del eterno conflicto sobrehumano entre el bien y el mal, Giotto es mucho más realista. Su principal preocupación es simplemente enfatizar el dolor y la tristeza de la muerte de una persona.

En conclusión, los frescos de la capilla Scrovegni de Giotto representan un momento decisivo en la evolución de Occidente pintura de bellas artes. Efectivamente una ruptura con el idioma bizantino, las imágenes ejemplifican el nuevo estilo "moderno", un estilo adoptado y perfeccionado por pintores renacentistas como Masaccio, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel y Rafael, ninguno de los cuales podría afirmar plausiblemente haber logrado lo que lo hicieron sin Giotto di Bondone. No es sorprendente, por lo tanto, que se considere a Giotto como el fundador de Arte renacentista.

Recursos adicionales

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