Pintura de paisaje:
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En las artes visuales, el término «paisaje» -de la palabra neerlandesa «landchap», «parcela de tierra»- describe cualquier pintura o dibujo, «cuyo tema principal» es la representación de una vista pintoresca. Tales paisajes incluyen prados, colinas, montañas, valles, árboles, ríos, bosques, vistas costeras y paisajes marinos. La vista representada puede ser un lugar real o una escena imaginaria o idealizada.

Véase también: Los mejores paisajistas .

El paisaje: lugar en la jerarquía de los géneros

El paisaje se convirtió en un género establecido en el arte chino en el siglo IV d.C., pero en el arte occidental la pintura de paisaje no empezó realmente hasta después de la era del arte renacentista en el siglo XVI. Por supuesto, muchos artistas desde la época romana incluyeron vistas escénicas en sus cuadros, pero éstas eran secundarias al tema principal de la pintura. El principal problema del paisaje era que ocupaba un lugar muy bajo en la jerarquía académica de los géneros . Esta jerarquía, cristalizada durante el Renacimiento, era la siguiente: (1) Pintura histórica; (2) Retrato; (3) Pintura de género, es decir, escenas de la vida cotidiana; (4) Paisaje; (5) Naturaleza muerta. Esta clasificación fue completada en 1669 por André Felibien, secretario de la Academia Francesa, en su Prefacio a una serie de conferencias publicadas que pronunció en la Academia. Así, el mundo del arte -incluidos sus mecenas, profesores y artistas- no tomaba en serio la pintura de paisaje y daba más importancia a las obras históricas, los retratos y las pinturas de género. Además, el Renacimiento (y más tarde «las escuelas neoclásicas» y académicas) siguieron el arte griego al dar prioridad al cuerpo humano, especialmente al desnudo. En comparación, el paisaje quedaba relegado a un segundo plano.

Historia y desarrollo de la pintura de paisaje

En pocas palabras, hasta principios o mediados del siglo XVI, el paisaje se incluía en los cuadros únicamente como lugar de acción humana. Un cuadro podía tener un mensaje histórico o religioso para el que el paisaje era un mero telón de fondo. Algunos ejemplos son La Anunciación (1472) de Leonardo da Vinci; «El Éxtasis de San Francisco» (1480) de Giovanni Bellini; «El Nacimiento de Venus» (1482.) Botticelli; Reposo camino de Egipto (1597) Caravaggio; La Tempestad (1508) Giorgione. Obsérvese Albrecht Altdorfer, cuyo «Paisaje con pasarela» (1517-20, National Gallery, Londres) se supone que es el primer «paisaje puro».

Véase también: Pintura china .

Pintura paisajista del siglo XVI

En esta época, algunos artistas del norte, como Joachim Patenier (1485-1524), Albrecht Altdorfer de la Escuela Danubiana de Paisajismo, así como Albrecht Dürer (1471-1528) y Pieter Bruegel el Viejo (1525-1569), empezaron a pintar paisajes con mayor independencia. La obra de Bruegel «Cazadores en la nieve» (1565) es un ejemplo de ello. Pero incluso Bruegel conservó la tradición clásica en su cuadro «Paisaje con la caída de Ícaro» (1558), que incluye bellos paisajes únicamente como fondo de un mensaje mitológico. El único paisaje inequívoco del siglo XVI es probablemente «Vista de Toledo» (1595) El Greco (1541-1614).

Paisajismo del siglo XVII

A pesar de la cantidad y la gran calidad de la pintura de paisaje durante el siglo XVI, ésta no se popularizó hasta el siglo XVII, con la aparición de las escuelas holandesa y flamenca, entre las que se encontraban artistas como Albert Koeip, que trabajaba al estilo italiano, y el estilo realista de Jacob Van Reysdal y Rubens . Véase también Callejuela (calle en Delft) (ca. 1658, Rijksmuseum, Amsterdam) de Jan Vermeer. El pintor francés afincado en Roma Nicolas Poussin, fue otra figura influyente en el género, al igual que el pintor popular Claude-Lorrain, cuyas composiciones «Clodian» (por ejemplo «Paisaje con las Bodas de Isaac y Rebeca)», 1648) son exquisitos paisajes pastorales como escenarios de temas religiosos.

Antes de entrar en el siglo XVIII, conviene subrayar que la verdadera diferencia entre el paisaje como ornamento y el paisaje como género propiamente dicho no reside en la ausencia de figuras humanas, sino en su tamaño y función. Cuando las figuras en primer plano ocupan la mayor parte de la superficie de un cuadro, el paisaje queda como mero fondo, razón por la cual Leonardo da Vinci, a pesar de su interés por el paisaje, no creó verdaderos cuadros de paisajes. En un verdadero cuadro de paisaje, las figuras humanas -dispersas o en primer plano- existen simplemente para indicar la escala y evocar la sensación que tiene el espectador del tema principal.

Paisaje del siglo XVIII

La pintura de paisaje del siglo XVIII siguió desarrollándose en respuesta al clima social y político general creado por los antiguos regímenes en Inglaterra, Francia y el resto de Europa. Surgió una nueva actitud hacia el medio ambiente y en Inglaterra surgió una nueva y distintiva tradición topológica, reflejo de la práctica de la jardinería paisajista: la reorganización de la naturaleza para complacer a los mecenas aristocráticos. Las obras pictóricas aún no se consideraban un fin en sí mismas. Más bien retrataban la armonía divina de la naturaleza y una tranquila confianza en el actual ambiente de prosperidad.

Inglaterra

El orden, más que el drama, era el motivo dominante en el paisaje inglés del siglo XVIII. Esto se ejemplifica en las obras del primer gran paisajista británico Richard Wilson (por ejemplo «La destrucción de los hijos de Niobe», 1760), Thomas Gainsborough (por ejemplo «Mr and Mrs Andrews», 1749.), William Marlowe (por ejemplo «Pont du Gare Nîmes», 1767), John Robert Cozens (por ejemplo London from Greenwich Hill, 1791) y el trágicamente enfermo de tisis Thomas Girtin (por ejemplo The White House of Chelsea, 1799), de quien Turner dijo: «Si Tom Girtin viviera, me moriría de hambre». La obra de Girtin es un ejemplo de la escuela inglesa de paisajismo, que fue testigo de algunos de los mejores paisajes jamás producidos.

Europa

En Francia Jean-Antoine Watteau combinó bellos paisajes con la alegría al aire libre ) fete galantes) - véase Análisis de cuadros famosos - mientras que artistas como Jean-Honoré Fragonard crearon follaje espumoso y nubes (por ejemplo Columpio, 1767). En Italia, Giovanni Panini fue un paisajista contemplativo de gran éxito (por ejemplo, «Ruinas con figuras»), fue contemporáneo de Giovanni Canaletto, el más grande de todos los pintores venecianos ) vedute), conocido por sus precisas vistas topográficas ) vedute) Venecia y sus vías fluviales y su trabajo pionero sobre la perspectiva lineal . Otros maestros italianos del paisaje del siglo XVIII son Francesco Guardi (por ejemplo Paisaje con ruinas, 1775), Francesco Zuccarelli (por ejemplo Paisaje fluvial italiano) y Bernardo Bellotto (por ejemplo Vista de Varsovia desde el Castillo Real, 1772).

En resumen, durante este periodo la pintura atrajo el creciente interés de artistas y mecenas y se convirtió en un género cada vez más respetado. A pesar de ello, el siglo XVIII fue testigo de un crecimiento relativamente ordenado en la comprensión y la práctica del paisaje, en comparación con los dramáticos desarrollos artísticos del siglo XIX.

El paisaje en el siglo XIX

Tras los catastróficos acontecimientos de la Revolución Francesa (1789-93) y las Guerras Napoleónicas (1795-1815), la pintura de paisaje se convirtió en una de las formas de arte más populares y rápidamente se convirtió en un género pictórico importante para artistas, mecenas y coleccionistas. De hecho, el siglo XIX produjo muchos de los mejores paisajes que el mundo haya visto jamás. Surgieron dos grandes tradiciones: la inglesa y la francesa, que influyeron en los paisajistas de toda Europa y Norteamérica y tuvieron una enorme repercusión en el arte de la época. En Rusia el género encontró su apogeo en las obras del movimiento «Peredvizhniki» fundado en 1863, mientras que en América el movimiento dominante fue la «Escuela del Río Hudson».

NOTA: Para ver el papel que desempeñó la pintura de paisaje en el desarrollo estilístico del arte del siglo XIX, véase: Del Realismo al Impresionismo (1830-1900).

La escuela inglesa del siglo XIX: Crome, Cotman, Constable, Turner

La Escuela de Paisajistas de Norwich (activa entre 1803 y 1830), fundada por John Crome (1768-1821) y John Cotman (1782-1842), amplió la tradición de los luministas holandeses y produjo paisajes y escenas costeras y marinas de todo Norfolk, favoreciendo la pintura callejera frente al trabajo de caballete en el estudio. Luego vino el pintor de Suffolk John Constable (1776-1837) con obras maestras como «Carro de heno» (1821), que representa al hombre y la naturaleza existiendo en perfecta armonía. Su cualidad nostálgica (nostalgia del mundo pasajero de la inocente vida en el campo) se debe a que en aquella época la agricultura estaba deprimida y el campo sumido en el caos.

Mientras tanto, Joseph Mallord William Turner (1775-1851), el pintor de paisajes más grande y original de Inglaterra, entró en escena. Trabajó como acuarelista hasta 1796, y en 1802 se convirtió en el miembro de número más joven de la Royal Academy de Londres. En el siglo XIX, sus paisajes se volvieron mucho más dramáticos y románticos, tanto en el tema como en la sensación de movimiento. Se trataba de un enfoque totalmente revolucionario de la pintura de paisaje. Comenzó a elevar el paisaje a la categoría de pintura histórica, sembrando sus cuadros de acciones históricas (por ejemplo Aníbal y su ejército cruzando los Alpes, 1812) y fuerzas naturales (por ejemplo Quema de las Cámaras de los Lores y los Comunes, 1835). A partir de la década de 1830, sus paisajes y marinas se volvieron cada vez más sobrios, centrándose en los efectos atmosféricos. A principios de la década de 1840, algunos de sus cuadros eran casi abstractos en su composición, disolviéndose en una bruma de color y luz (por ejemplo, «Amanecer del cristianismo»). En su tratamiento del color y la luz, Turner se anticipó al Impresionismo.

Las obras dramáticas de Turner contrastan con los paisajes pastorales, a menudo religiosos, de sus contemporáneos. Entre estos últimos se encuentra, por ejemplo, el pintor romántico alemán Caspar David Friedrich (1774-1840), cuyos pequeños cuadros (por ejemplo, «Paisaje invernal» de 1811) estaban llenos de simbolismo religioso; Samuel Palmer (1805-1881) y su visión profundamente cristiana de la naturaleza; y John Martin (1789-1854), cuyos cuadros incluían escenas dramáticas de la Biblia en extensos paisajes panorámicos.

Más adelante en el mismo siglo (1884) se fundó la Escuela de Newlyn en Cornualles . Esta comunidad de artistas especializados en paisajes y escenas de la campiña y la pesca estaba dirigida por Stanhope Forbes, Frank Bramley y Norman Garstin.

El paisaje inglés en perspectiva

Hasta la llegada de John Constable (1776-1837) y Joseph Mallord William Turner (1775-1851), la escuela inglesa de pintura de paisaje estuvo muy infravalorada. En 1761, por ejemplo, el crítico Horace Walpole (1717-1797) escribió (en su «Anécdotas de la pintura»): "En un país tan ricamente adornado con comodidades naturales, es sorprendente que hayamos producido tan pocos buenos pintores de paisajes". No podía entender por qué "nuestros prados siempre verdes, ricos valles, campos de heno y de lúpulo no son tratados como temas". Este comentario no estaba del todo justificado. Gainsborough escribió su «Bosque de Cornard» y su «Vista de Dedham» mucho antes que Walpole. Ya en la primera mitad del siglo existía una tradición topográfica. Samuel Scott (hacia 1702-1772) comenzó a pintar sus vistas de Londres y el Támesis en la década de 1730, diez años antes de que Canaletto (1697-1768) llegara a la ciudad para cambiar temporalmente el Gran Canal de Venecia por el río en Westminster. Para una explicación de las pinturas de paisajes del siglo XIX, como las de Turner y Constable, véase Análisis de la pintura moderna (1800-2000).

Influencia clásica

Es cierto, sin embargo, que la segunda mitad del siglo fue más prolífica y que los entendidos de la época tardaron en acostumbrarse a la idea de que los artistas británicos podían hacer una aportación original. Se admiraban las tradiciones europeas del norte y del sur, aunque por motivos diferentes. «El paisaje clásico» cultivado en Italia tenía un atractivo irresistible para el inglés culto del Grand Tour. . «Clásico» es una palabra ambigua, pero indica un respeto por la antigüedad que fue particularmente fuerte entre los artistas que llegaron a Italia desde el norte de Europa, evidente en sus pinturas de ruinas romanas y regiones a las que había referencias clásicas. Paul Brill, Adam Elsheimer y artistas de la Escuela Boloñesa como Annibale Carracci (1560-1609) y Domenichino (1581-1641) añadieron a la elaborada decoración de árboles y lagos un toque de temática clásica en pequeñas figuras. Otro significado de la palabra «clásico» se encuentra en el sentido de orden y medida que transmiten los paisajes de Nicolas Poussin (1594-1665).

Evidentemente, este tipo de paisaje tiene mucho de poético y romántico, como demuestran admirablemente los paisajes de Claude Lorrain (1600-1682), que combinan visiones ensoñadoras del pasado antiguo con los efectos bellamente observados del amanecer y el atardecer. Otro tipo de poesía se encuentra en las escenas salvajes y agrestes inspiradas en Calabria y pintadas por Salvator Rosa. (1615-1673). Claude, Poussin y Salvator eran nombres venerados entre los entendidos ingleses del siglo XVIII. También era muy admirado Gaspard Duguet (1615-1675), yerno de Nicolas Poussin y notable alumno que adoptó el nombre de «Poussin». Pero Claude en particular era un ídolo británico.

La influencia de la escuela holandesa

Otra tradición fue la pintura neerlandesa en su aspecto más doméstico. El orgullo de la propiedad se mezclaba con un sentimiento de apego. Para Rubens, los alrededores de su propia casa de campo, el castillo de Steen, cerca de Malinas, eran de interés personal, lo que le llevó a pintar con cariño cada detalle. Los artistas holandeses del siglo XVII sentían un apego patriótico por una tierra arrebatada a la dominación extranjera. Las llanuras surcadas por cursos de agua, las horizontales pintorescamente recortadas aquí y allá por molinos de viento y manchas de bosque, toda la escena de la llanura dominando un panorama móvil de nubes, eran tan íntimas y hogareñas como la Arcadia de Roma era una fantasía idealizada y la Calabria de Salvator Rosa era románticamente salvaje.

En Inglaterra había conocedores tan devotos de la escuela paisajista holandesa como de la clásica, Jacob van Reisdal (1628-1682) y Meindert Hobbema (1638-1709), así como de Claude y Poussin. Una cierta similitud geográfica entre Holanda y los condados de Anglia Oriental puede explicar en parte el número de cuadros holandeses adquiridos por estas familias adineradas con casas en la región. Los paisajistas ingleses han sido tratados durante mucho tiempo con menos respeto.

Las hermosas pinturas de Gainsborough de la campiña de Suffolk en sus primeros años fueron una fase de su arte que desapareció debido a la compulsión que le obligó a trasladarse a Bath y convertirse en un retratista de moda. El paisaje de sus últimos años, la huida del hombre de ciudad, carecía de sentido de localidad, aunque tenía la ventaja de la luz y la masa.

Richard Wilson

La carrera de Richard Wilson (1714-1782) ejemplifica la suerte de un artista extremadamente dotado que sólo superficialmente podía considerarse un imitador de los maestros paisajistas clásicos de Italia. Wilson trabajó razonablemente bien como retratista hasta que se marchó a Italia a los 36 años. Trabajó en Roma y Nápoles, donde tuvo varios alumnos y fue animado por colegas artistas como Francesco Zuccarelli (1704-1788), pintor de pastorales decorativas, a concentrarse en el paisaje. Al regresar a Londres al cabo de seis años, ostensiblemente como paisajista, se encontró con que las cualidades de amplitud y sencillez que hacían verdaderamente originales sus radiantes paisajes italianos eran despreciadas por quienes querían en Inglaterra recuerdos más glamurosos. Los entendidos aceptaron sin rechistar la opinión de Joshua Reynolds, según la cual los paisajes de Wilson eran «demasiado cercanos a la naturaleza general» para permitir la inclusión de dioses y diosas. Apreciaban el sabor mitológico. La siguiente generación -y especialmente la siguiente generación de artistas- iba a apreciar la grandeza de Wilson.

Constable y Turner

Nacidos con un año de diferencia, Constable y Turner se adhirieron por igual a la tradición de maestros distinguidos esbozada anteriormente. Lo que queda de las conferencias de Constable sobre la pintura de paisaje muestra la proporción en que veía el pasado. Era un espectáculo de grandeza, decadencia y renacimiento. Alabó «el arte tranquilo, penetrante y estudioso» de Poussin, «la sublime energía» de Caracci, «el sentimentalismo y la grandeza romántica» de Domenichino, «la serena belleza de» «el inimitable» Claude, «las salvajes e intimidantes» concepciones de Salvator Rosa, y «la frescura y la luz de rocío de» Rubens.

Retorno a la naturaleza

Constable y Turner pueden considerarse similares, no sólo en sus puntos de vista sobre la tradición paisajística, sino también en el hecho de que reflejaron consciente o inconscientemente la idea de un retorno a la naturaleza, que flotaba con tanta fuerza en el aire a medida que se acercaba el fin de siglo y las viejas tradiciones y convenciones urbanas se volvían fastidiosas. Jean-Jacques Rousseau promovió esta idea filosóficamente e incluso la Opera Pastorale de «Boucher», como la llamó despectivamente Constable, indica la impresión semiseria pero frívola que causó en la corte francesa. Wordsworth introdujo la idea de la exposición poética en Inglaterra con su prefacio sobre los principios de la poesía en la edición de 1800 «de Lyrical Ballads». Pero el sentimiento poético por la naturaleza ha ido ganando terreno desde que James Thompson publicó su colección «Seasons» hace cincuenta años. El modo en que sus descripciones del paisaje estimularon a Turner queda patente en las citas añadidas a los títulos de sus cuadros en los catálogos de la Royal Academy.

La campiña inglesa

A pesar de su igual actitud hacia la naturaleza y de muchos rasgos de similitud en el gusto, es sorprendente darse cuenta de la enorme diferencia que existía entre los dos artistas casi contemporáneos. Constable, paisano de nacimiento, era un artista apegado a su Suffolk natal, a las llanuras y sus vastas bóvedas de cielo más que a las montañas que despertaban la imaginación romántica; y no tenía ningún deseo de viajar fuera de Inglaterra.

Anglia Oriental tenía una capacidad especial para retener la sensibilidad de los artistas nacidos en la región. John Crome (1768-1821), que pasó casi toda su vida en Norwich, su ciudad natal, y como fundador de la Sociedad de Artistas de Norwich en 1803 se convirtió en el líder de la única escuela local de Inglaterra, era incluso más partidario del regionalismo que Constable. Por el contrario, Turner, nacido en el centro-oeste de Londres, entre ladrillos oscuros y bajo cielos ahumados, tuvo que viajar para experimentar por primera vez el paisaje rural. El dibujo topográfico que le proporcionó un éxito temprano le llevó a realizar frecuentes expediciones por el país, y su inquietud romántica, así como la necesidad de álbumes de ilustraciones de lugares extranjeros que surgió al final de las guerras napoleónicas, le animaron a viajar regularmente por Europa.

Como romántico puede contrastarse con el realista Constable. Este último solía trabajar directamente del natural en bocetos y estudios al óleo destinados a transmitir de la forma más auténtica y espontánea posible la luz y la atmósfera de la escena que tenía ante sí. Turner leía en los accesorios de las ruinas antiguas toda la tragedia de la decadencia y caída de las civilizaciones y se extasiaba ante los arroyos caudalosos y los abismos vertiginosos de las rutas alpinas. Constable amaba los tranquilos canales y los sonrientes maizales; Turner destrozaba la realidad para extraer de ella una nueva liberación de energías, vibraciones cromáticas. Constable viajó a la costa, a Brighton, para dar aire de mar a su esposa enferma, y transmitió maravillosamente la frescura del ambiente. Turner tuvo que cruzar el mar, su elemento favorito, para experimentar y transmitir su poder y su furia.

El legado del paisajismo inglés

Ninguno de estos dos grandes maestros del paisaje ejerció una influencia directa en su propio país. Cuando El carro de heno «» se expuso en París, Francia, causó sensación. Según Constable (con una marcada falta del respeto que otros pintores isleños mostraban por los franceses), su aclamación se debió a que "la vivacidad y la frescura eran cosas desconocidas en los cuadros franceses…". Cualquier deficiencia en este sentido sería suplida por los impresionistas, a los que Constable (y su compatriota más joven Richard Parkes Bonington)) ciertamente se anticipó - en la segunda mitad del siglo XIX. Combinar los elementos de Turner fue una aventura más revolucionaria. El arte expresionista y abstracto de los últimos tiempos, si no está directamente influido por él, puede al menos referirse a su gran ejemplo y señalar el hecho de que hizo un llamamiento al nuevo mundo del arte para reequilibrar el viejo.

Los principales acontecimientos de la Francia del siglo XIX

Los mismos vientos de cambio que ayudaron a Turner a revolucionar el paisajismo inglés recorrieron Francia. El paisajismo al aire libre se desarrolló enormemente en la Escuela de Barbizon , en Fontainebleau, cerca de París, bajo la dirección de Theodore Rousseau y el romántico Camille Corot . Tuvo una enorme influencia en Europa y Estados Unidos y allanó el camino para el mundialmente famoso movimiento del Impresionismo . Bellos ejemplos de la pintura paisajista impresionista al aire libre : Playa de Trouville (1870, Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut), Nenúfares (Nymphaea) (1897-1926) y Estanque de nenúfares (1899, Museo de Orsay) de Claude Monet (1840-1926); «Nieve en Louveciennes» (1878, Musée d’Orsay) de Sisley (1839-1899); «Un camino que atraviesa una hierba alta» (1877, Musée d’Orsay) de Renoir (1841-1919); y «Tejados rojos» (1877, Museo de Orsay) de Camille Pissarro (1830-1903). Véase también: Características de la pintura impresionista 1870-1910

Nota: Las nuevas técnicas de fabricación de pinturas -como la invención del tubo de pintura de hojalata plegable en 1841 por el artista estadounidense John Rand- permitieron envasar las pinturas al óleo en tubos, lo que permitió a los artistas trabajar al aire libre. Esto condujo a un aumento significativo de la pintura paisajística plein air en el clima más suave de Francia.

En Melbourne, Australia, el paisajismo plein air era una especialidad de la Escuela de Heidelberg en el estilo del Impresionismo australiano, liderada por Tom Roberts . Otros miembros destacados fueron Arthur Streeton (1867-1943), Walter Holke (1854-1914), Charles Condor (1868- 1909) y Fred McCubbin (1855-1917).

El paisaje también fue un género muy importante en el Postimpresionismo . Entre las bellas composiciones de algunos de los mejores pintores postimpresionistas : Nocturno en azul y verde: Chelsea (1871, Tate Gallery, Londres) de Whistler (1834-1903); Lac d’Annecy (1896, Courtauld Gallery, Londres) de Paul Cézanne (1839-1906); Paisaje tahitiano (1893, Minneapolis Institute of Art) de Paul Gauguin (1848-1903); Campo de trigo con cuervos (1890, Van Gogh Museum, Amsterdam) de Vincent van Gogh (1853-1890); Tarde de domingo en la isla de La Grange Jatte (1886, Art Institute of Chicago) y Bañistas en Agnières (1884, National Gallery, Londres) de Georges Seurat (1859-1891); «Talismán» (1888, Museo de Orsay, París) de Paul Seruzier (1864-1927); Moulin de la Galette en la nieve (1923, colección privada) de Maurice Utrillo (1883-1955).

Paisajismo americano

En América , la Escuela de Paisajismo del río Hudson fue el primer grupo significativo, liderado por artistas como Thomas Cole (1801-1848) y Frederick Edwin Church (1826-1900), cuyas pinturas representaban las extensiones vírgenes del nuevo continente como parábolas del poder y la misericordia de Dios. Más avanzado el siglo, dio lugar a la rama conocida como luminismo , ejemplificada por los paisajes de la frontera de Missouri de George Caleb Bingham (1811-1879). Otro paisajista estadounidense brillante y muy influyente fue George Inness (1825-1894), que ayudó a definir el estilo del tonalismo impresionista de enfoque suave.

Paisajes rusos

El mejor paisajista tradicionalista ruso -al menos en lo que se refiere al paisaje forestal- fue Ivan Shishkin (1832-898). Las mejores obras de Shishkin son: Invierno (1890, Museo Ruso, San Petersburgo), Centeno (1878, Galería Tretiakov, Moscú), Robledal (1887, Museo de Arte Ruso, Kiev), Mañana en un bosque de pinos (1889, Galería Tretiakov) y El bosque de la condesa Mordvinova en Peterhof (1891, Galería Tretiakov). Otros pintores rusos, la mayoría pertenecientes al movimiento paisajista «artistas-peredvizhniki» : Isaac Levitan (1860-1900), conocido por su Monasterio solitario («Sobre el descanso eterno», 1894, Galería Tretyakov, Moscú) y Vladimirskaya (El camino a Vladimir) (1892, Galería Tretiakov), Otoño dorado (1895, Galería Tretiakov), Inundación primaveral (1897, Galería Tretiakov), Arboleda de abedules (1889, Galería Tretiakov); Vasili Polenov (1844-1927), por Tribunal de Moscú (1878, Galería Estatal Tretiakov, Moscú) y Estanque cubierto de maleza (1879, Galería Estatal Tretiakov); Vasili Perov (1833-82), cuyo paisaje más conocido es «La última taberna en la puerta de la ciudad» (1868, Galería Estatal Tretiakov, Moscú); y Valentin Serov (1865-1911), autor de Sementales en un abrevadero de Domotkanovo (1904, Galería Tretiakov).

Paisaje del siglo XX

Varios movimientos artísticos del siglo XX han redefinido el paisaje como género. En Estados Unidos, entre ellos se encuentran el Precisionismo (década de 1920), un lenguaje desarrollado por Charles Demuth (1883-1935) y Charles Sheeler (1883-1965) centrado en paisajes urbanos con edificios industriales; el Escenismo y el Regionalismo americanos, ambos centrados en paisajes urbanos de pequeñas ciudades de Estados Unidos -véase Charles Demuth (1883-1935) y Charles Sheeler (1883-1965). También las estructuras fijas de Edward Hopper , como en House by the Railway (1925, Museum of Modern Art) y Lighthouse at Two Lights (1929, Metropolitan Museum of Art); y el fotorrealismo (años 60-70), cuyos paisajes urbanos fueron ejecutados por artistas como Ricard Estes. (р. 1932).

Mientras tanto, el land art y otras formas de arte ambiental también permitieron a los artistas expresar sus sentimientos por la grandeza y la inmensidad de la naturaleza. Así pues, aunque la pintura de paisaje sigue siendo popular y continúa despertando el interés de artistas y coleccionistas por igual, se ha desarrollado en distintas direcciones sin mantener el estatus alcanzado en el siglo XIX. Esto no es sorprendente. La mayoría de las tradiciones artísticas fueron completamente revisadas, cuando no barridas, por el cubismo, las dos guerras mundiales y la bomba atómica.

París

Aunque en Alemania, Rusia y Suiza surgían artistas de talento y numerosos movimientos artísticos, París seguía siendo el centro de las artes visuales modernas a principios del siglo XX. Casi todos los artistas occidentales destacados habían visitado París, trabajaban allí o conocían sus modas en composición y pintura. El paisaje siguió desarrollándose como género en Europa, pero todos los artistas se vieron muy afectados por el nuevo clima de cambio, tanto político como artístico, y reaccionaron de diferentes maneras.

Paisajes fauvistas

Maurice de Vlaminck (1876-1958), ciclista de carreras y violinista de orquesta, exploró activamente el fauvismo a principios del siglo XX con paisajes coloristas y densos. Más tarde se convirtieron en composiciones formulistas basadas en una paleta de rojo, azul, amarillo y verde. Entre sus paisajes destacan Remolcador en Chatou (1906); Vista del Sena (1906), así como vistas de varios pueblos invernales. El arte parisino de la década de 1900 también influyó en el estadounidense John Marin (1870-1953), conocido por sus cristalinas marinas y sus líricas representaciones de la ciudad de Nueva York. Otros pintores fauvistas que contribuyeron al género del paisaje fueron André Doeren, Albert Marquet y Othon Frieze.

Paisajes cubistas

Inspirado por los paisajes de Cézanne en el estilo geométrico de Aix-en-Provence (por ejemplo Monte Saint-Victor, 1904-06, Kunstsammlung Museo de Arte Moderno, Basilea), Georges Braque empezó a incorporar la imaginería cubista a sus paisajes ) Casas en Estac, 1908, Kunstmuseum, Berna). Picasso también emuló a Cézanne en sus vistas de la Horta del Ebro en España («Casas en la colina», 1909, Museum of Modern Art, Nueva York). Fueron elementos de este estilo de la pintura cubista temprana los que el historiador del arte francés Louis Vauxcelles tuvo en mente en 1909 cuando utilizó por primera vez la expresión «bizarreries cubiques», que dio lugar a la palabra «cubismo».

Paisajes expresionistas alemanes

Die Brucke (Die Brucke) fue un grupo de pintores expresionistas alemanes de Dresde, toscos pero con talento, que incluía a Ernst Kirchner (1880-1838), Erich Haeckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rothluff (1884-1976), Max Pechstein (1881-1955), Otto Müller (1874-1930), influidos por los fauvistas, Gauguin y el arte primitivo en general. Utilizando colores vivos y contornos atrevidos, expresaron su política radical en paisajes de gente moderna (hacia 1908) y, a partir de 1911, en paisajes urbanos. Wassily Kandinsky (1866-1944), fundador del grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul), pionero ruso-alemán del arte moderno, desarrolló su propio tipo de paisajismo, pero a partir de 1912 se orientó hacia la abstracción total. Oskar Kokoschka (1886-1980), pintor austriaco, era conocido por sus coloridas ciudades y ríos. En cambio, Max Ernst (1891-1976), pintor surrealista dadaísta, creó paisajes metafísicos y urbanos en técnicas mixtas que incluían el óleo y el frottage. Sus paisajes influyeron mucho en Salvador Dalí, el extravagante autoproclamado líder del movimiento surrealista en los años de entreguerras.

Inglaterra

La tradición inglesa del paisajismo pionero fue continuada por Paul Nash (1889-1946), que personalizó su lenguaje naturalista para dar a sus paisajes un carácter trascendente, a veces apocalíptico. Graham Sutherland (1903-1980) añadió tintes dramáticos a sus paisajes galeses de finales de la década de 1930, mientras que Yvon Hitchens (1893-1979) representó los paisajes del sur de Inglaterra de forma semiabstracta y dibujada a mano.

Irlanda

La historia del arte irlandés revela una serie de paisajistas irlandeses de gran talento . Dos maestros de la primera mitad del siglo XX son Paul Henry (1876-1958), que se dio a conocer en el cielo, el páramo, el mar y la campiña del oeste de Irlanda, y Jack B. Yates (1871-1957), cuyos lienzos de estilo expresionista contienen malhumorados paisajes de la costa occidental de Irlanda. El primitivo pintor de las islas Tory James Dixon fue otro representante singular del género. Véase también: La pintura al aire libre en Irlanda .

St Ives

Al igual que Newlyn antes que ella, la ciudad de St Ives, en el oeste de Cornualles, se convirtió en un faro para paisajistas, escultores y otros artistas tras la finalización del Great Western Railway en 1877. Durante una visita a St Ives en 1928, el artista Ben Nicholson (1894-1982) quedó impresionado por el primitivismo de la obra del artista local Alfred Wallis. Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Nicholson regresó y se instaló cerca de St Ives con su esposa Barbara Hepworth y el escultor constructivista ruso Naum Gabo. Después de la guerra, la ciudad se convirtió en un centro de pintura y escultura de vanguardia. Entre los miembros de la Escuela de St Ives figuran Terry Frost, Patrick Heron, Wilhelmina Barnes-Graham, Roger Hilton, Peter Lanyon y Brian Winter, y el ceramista contemporáneo Bernard Leach. La galería de arte Tate St Ives abrió sus puertas en 1993 y en ella se exhibieron obras de esta escuela: «Movimiento verde, negro y blanco» (1951) de Terry Frost, Pintura con rayas horizontales (1958) de Patrick Heron y Portleven (1951) de Peter Lanyon.

Paisajes de posguerra

En cualquier caso, inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, el arte se volvió aún más confuso y fragmentado. Nuevos movimientos como el Expresionismo Abstracto, el Neo-Dada, el Pop Art, el Nuevo Realismo, el Minimalismo o el Op Art surgieron para reflejar el cambio de valores y prioridades creativas.

En Australia, un grupo de jóvenes artistas expresionistas liderados por Russell Drysdale (1912-1981) y Sidney Nolan (1917-1992) produjeron una serie de excepcionales pinturas de paisajes en las décadas de 1940 y 1950: «Sofala» (1947, Art Gallery of New South Wales) Drysdale; Expedición de Burke y Wills (1948, Sydney Nolan Trust) Nolan.

El paisajista inglés Ben Nicholson se trasladó a Suiza y basó sus paisajes abstractos en vistas desde ventanas y en sus viajes. El infravalorado aristócrata ruso Nicholas de Stael (1914-1955) creó formas sencillas en estilo paisajista utilizando pintura de colores gruesos antes de suicidarse en 1955. El matissista estadounidense Richard Diebenkorn (1922-1993) se dio a conocer por sus innovadoras costas semiabstractas, mientras que los artistas pop recurrían a fórmulas y signos asociados al paisaje y la carretera abierta. Las obras de David Hockney (n.1937) son paisajes californianos sintetizados a partir de escenas vistas secuencialmente desde su coche. Los artistas fotorrealistas también se dedican a pintar paisajes con resultados interesantes y memorables.

Paisajismo del siglo XXI

Aún no está claro cómo evolucionará el paisaje en el nuevo siglo. ¿Fomentarán las exigencias y disciplinas del arte académico una vuelta a la pintura tradicional y naturalista, o seguirá dominando la moda del arte abstracto y discursivo que incorpora figuras y acción, así como métodos modernos de presentación como el vídeo? Me pregunto qué paisajes pintarían Turner y Monet si vivieran hoy.

Para más información sobre los distintos tipos de pintura (retratos, paisajes, bodegones, etc.), véase: Géneros de pintura .