Pintura de paisaje: características, historia Traductor traducir
Definición
En arte fino , el término ’paisaje’, de la palabra holandesa ’landschap’, un parche de tierra, describe cualquier pintura o dibujo cuyo "tema principal" es la representación de una vista panorámica. Tal paisaje abarca prados, colinas, montañas, valles, árboles, ríos, bosques, vistas costeras y paisajes marinos. La vista representada puede ser la de un lugar real, o puede ser una escena imaginaria o idealizada.
Arte del paisaje: su posición en la jerarquía de géneros
El paisaje era un género establecido en arte chino en el siglo IV dC, pero en el arte occidental, la pintura de paisajes no comienza realmente hasta después de la era de Arte renacentista en el siglo dieciseis. Por supuesto, muchos pintores, desde la época romana en adelante, habían incluido vistas escénicas en sus pinturas, pero estas eran secundarias al tema principal de la pintura. El principal problema con el paisaje era que ocupaba un lugar muy bajo en el ámbito académico. jerarquía de los géneros (tipos de pintura). Esta jerarquía, que cristalizó durante el Renacimiento, funcionaba de la siguiente manera: (1) pintura de historia; (2) Arte del retrato; (3) Pintura de género, es decir, escenas de la vida cotidiana; (4) paisaje; (5) Naturaleza muerta. Estos rankings fueron establecidos definitivamente en 1669 por Andre Felibien, el secretario de la Academia francesa , en su Prefacio a una serie de conferencias publicadas que entregó a la Academia. Por lo tanto, el mundo del arte, incluidos sus patrocinadores, maestros y artistas, no se tomó en serio la pintura de paisajes y atribuyó un mayor valor a las obras históricas, los retratos y las imágenes de género. Además, el Renacimiento (y más tarde las escuelas ’neoclásicas’ y académicas) siguieron el arte griego al dar primacía al cuerpo humano, especialmente al desnudo. En comparación, el paisaje no era un evento.
Historia y desarrollo de la pintura de paisajes.
En términos simples, hasta principios / mediados del siglo XVI, el paisaje se incluía en las imágenes simplemente como escenario de la actividad humana. La pintura podría tener un mensaje histórico o religioso, para el cual el escenario era simplemente un fondo. Los ejemplos incluyen: La Anunciación (1472) de Leonardo Da Vinci; Éxtasis de san francisco (1480) por Giovanni Bellini; Nacimiento de Venus (1482), de Botticelli; Descansa en la huida a Egipto (1597) de Caravaggio; La tempestad (1508) por Giorgione. Ver también Albrecht Altdorfer cuyo Paisaje con pasarela (1517-20, National Galley, Londres) es supuestamente el primer paisaje "puro".
Ver también: Pintura china .
Pintura de paisaje del siglo XVI
En este punto, ciertos artistas del norte como Joachim Patenier (1485-1524), Albrecht Altdorfer de la Escuela de Danubio de arte paisajístico , tanto como Albrecht Durer (1471-1528) y Pieter Bruegel el Viejo (1525-69), comenzó a pintar paisajes con mayor independencia. Un ejemplo de esto es Cazadores en la nieve (1565) por Bruegel. Pero incluso Bruegel mantuvo las tradiciones clásicas con su imagen – Paisaje con la caída de Ícaro (1558) – que incluye hermosos paisajes puramente como fondo del mensaje mitológico. El único paisaje inequívoco del siglo 16 es probablemente Vista de Toledo (1595), por El Greco (1541-1614).
Pintura de paisaje del siglo XVII
A pesar del número y la alta calidad de las pinturas de paisajes durante el siglo XVI, la pintura de vista no se hizo realidad hasta el siglo XVII con el surgimiento de las escuelas holandesas y flamencas: incluidos artistas como el estilo italiano. Aelbert Cuyp y el estilo realista Jacob Van Ruisdael y Rubens . Ver también The Little Street (Street in Delft) (c.1658, Rijksmuseum, Amsterdam) por Jan Vermeer. El artista francés, con sede en Roma. Nicolas Poussin fue otro contribuyente influyente para el género, como lo fue el artista popular Claude-Lorrain cuyas composiciones ’claudeanas’ (por ejemplo, Paisaje con el matrimonio de Isaac y Rebeca , 1648) comprendían exquisitos paisajes pastorales como escenario de temas religiosos.
Antes de entrar en el siglo XVIII, vale la pena enfatizar que la distinción real entre el paisaje como adorno y el paisaje como un género automático, no es la presencia de ausencia de figuras humanas, sino su tamaño y función. Cuando las figuras de primer plano ocupan la mayor parte de la superficie de la imagen, el paisaje es un mero fondo, por lo que Leonardo da Vinci, a pesar de su interés en el paisaje, no produjo verdaderas pinturas de paisajes. En la verdadera pintura de paisajes, las figuras humanas, ya sean dispersas o en primer plano, existen simplemente para indicar la escala y evocar la empatía de los espectadores.
Pintura de paisaje del siglo XVIII
La pintura de paisajes en el siglo dieciocho continuó desarrollándose en respuesta al clima social y político general que los regímenes antiguos en Inglaterra, Francia y el resto de Europa. Surgieron nuevas actitudes hacia el entorno natural, y en Inglaterra aparecieron nuevas tradiciones topológicas distintivas, que reflejan la práctica de la jardinería paisajística: el reordenamiento de la naturaleza para satisfacer a los clientes aristocráticos. Las pinturas escénicas todavía no se consideraban fines en sí mismas. Más bien, retrataron la armonía divina de la naturaleza y una tranquila confianza en el clima actual de prosperidad.
Inglaterra
El orden, no el drama, era el motivo dominante en el paisaje inglés del siglo XVIII. Esto se ejemplifica en las obras del primer gran artista paisajista británico. Richard Wilson (p. ej., La destrucción de los niños de Niobe , 1760), Thomas Gainsborough (p. ej., Sr. y Sra. Andrews , 1749), William Marlowe (p. ej., The Pont du Gard Nimes , 1767), John Robert Cozens (p. ej., London From Greenwich Hill , 1791) y por el trágico consumo Thomas Girtin (por ejemplo, la Casa Blanca Chelsea , 1799) de quien Turner dijo: "Si Tom Girtin hubiera vivido, me habría muerto de hambre". Las obras de Girtin ejemplificadas en la escuela inglesa de pintura de paisajes, que ilustraron algunos de los mejores paisajes jamás producidos.
Europa
En Francia, Jean-Antoine Watteau combinado hermosos paisajes con convivencia al aire libre ( fiesta galantes ) – ver Pinturas famosas analizadas – mientras que a los artistas les gusta Jean-Honore Fragonard produjo follaje espumoso y nubes (por ejemplo, The Swing , 1767). En Italia, Giovanni Panini fue un paisajista contemplativo de gran éxito (por ejemplo, Ruins with Figures), contemporáneo de Giovanni. Canaletto , el más grande de todos los pintores pintores ( vedutisti ) en Pintura veneciana , conocido por sus vistas topográficas precisas ( vedute ) de Venecia y sus vías fluviales, y su trabajo pionero en perspectiva lineal . Otros maestros paisajistas italianos del siglo XVIII incluyeron: Francesco Guardi (p. ej., Paisaje con ruinas , 1775), Francesco Zuccarelli (p. ej., Un paisaje de río italiano ), y Bernardo Bellotto (p. ej. Vista de Varsovia desde el Castillo Real , 1772).
En resumen, durante este período, la pintura con vistas atrajo un interés creciente de artistas y mecenas por igual, y se estaba convirtiendo en un género mucho más respetado. Aun así, el siglo XVIII vio un aumento relativamente ordenado en la apreciación y práctica del paisaje, en comparación con los dramáticos eventos artísticos del siglo XIX.
Pintura de paisaje del siglo XIX
Después de los eventos cataclísmicos de la Revolución Francesa (c. 1978-1993) y las Guerras Napoleónicas (c. 1795-1815), la pintura de paisajes se convirtió en una de las más populares. tipos de arte y rápidamente se convirtió en un género pictórico importante para artistas, mecenas y coleccionistas. De hecho, el siglo XIX produjo muchos de los mejores paisajes jamás vistos. Surgieron dos tradiciones principales: el inglés y el francés, que influyeron en los pintores de paisajes de Europa y América del Norte, y tuvieron un gran impacto en el arte de la época. En Rusia, el género del paisaje encontró su expresión en el movimiento Wanderers , fundado en 1863, mientras que en América dominó la Escuela del Río Hudson .
NOTA: Para ver el papel que jugó la pintura de paisajes en el desarrollo estilístico del arte del siglo XIX, ver: Realismo al Impresionismo (1830-1900).
Escuela de inglés del siglo XIX: Chrome, Cotman, Constable, Turner
los Escuela de pintores de paisajes de Norwich (activo c.1803-1830s), fundada por John Crome (1768-1821) y John Sell Cotman (1782-1842), extendió la tradición luminista holandesa y produjo paisajes, escenas costeras y marinas de todo Norfolk, prefiriendo la pintura al aire libre al trabajo de caballete de estudio. Luego vino el artista de Suffolk John Constable (1776-1837) con obras maestras como The Hay Wain (1821), que retrata al hombre y la Naturaleza en perfecta armonía. Su cualidad nostálgica (nostalgia por un mundo que se marcha de una vida rústica inocente) proviene del hecho de que la agricultura estaba en depresión y había disturbios en el campo.
Mientras tanto, JMW Turner (1775-1851), el pintor paisajista más grande y original de Inglaterra, había llegado a la escena. Acuarelista hasta 1796, se convirtió en 1802 en el miembro más joven de la Royal Academy de Londres. En el siglo XIX, sus vistas panorámicas se volvieron mucho más dramáticas y románticas, tanto en su tema como en su sentido del movimiento. Este fue un enfoque totalmente revolucionario para la pintura de paisajes. Comenzó a elevar el paisaje al estado de pintura histórica sembrando imágenes con acciones históricas (por ejemplo, Hannibal y su ejército cruzando los Alpes , 1812) y fuerzas naturales (por ejemplo, La quema de las cámaras de los Lores y los Comunes , 1835). A partir de la década de 1830, su arte paisajístico y marino se hizo cada vez más libre, centrándose principalmente en el efecto atmosférico. A principios de la década de 1840, algunas de sus pinturas tenían una composición casi abstracta, disolviéndose en una neblina de color y luz (por ejemplo, El amanecer del cristianismo ). En su tratamiento del color y la luz, Turner anticipó el impresionismo.
Las dramáticas obras de arte de Turner contrastaban con los paisajes pastorales, a menudo religiosos, de sus contemporáneos. Este último incluido: el artista romántico alemán Caspar David Friedrich (1774-1840), cuyas obras escénicas a pequeña escala (por ejemplo, Winter Landscape , 1811) estaban llenas de simbolismo religioso; Samuel Palmer (1805-1881) y su intensa visión cristiana de la naturaleza; y John Martin (1789-1854) cuyas pinturas incluyeron escenas dramáticas de la Biblia en escenarios panorámicos panorámicos.
Más adelante en el siglo, (1884 en adelante), el Escuela Newlyn se estableció en Cornwall. Esta colonia de artistas, especializada en paisajes y escenas de género rural / pesquero, fue dirigida por Stanhope Forbes, Frank Bramley y Norman Garstin.
Pintura de paisaje inglesa en perspectiva
Antes de la llegada de John Constable (1776-1837) y Joseph Mallord William Turner (1775-1851), la Escuela de Pintura de Paisaje de Inglaterra estaba muy infravalorada. En 1761, por ejemplo, el crítico Horace Walpole (1717-97) escribió (en sus Anécdotas de pintura): "En un país tan profusamente embellecido con las comodidades de la naturaleza, es extraordinario que hayamos producido tan pocos pintores de paisajes. " No podía entender por qué "nuestros céspedes siempre verdes, valles ricos, campos de pajar y campos de lúpulo son descuidados como sujetos". El comentario no estaba completamente justificado. Gainsborough había pintado su Cornard Wood y View of Dedham mucho tiempo antes de Walpole escribió. Una tradición topográfica ya existía en la primera mitad del siglo. Samuel Scott (c.1702-72) comenzó a pintar sus puntos de vista de Londres y el Támesis en la década de 1730, una década antes de que Canaletto (1697-1768) llegara al ciudad para intercambiar por un tiempo el Gran Canal de Venecia por el río de Westminster NOTA: para una explicación de las pinturas de paisajes del siglo XIX, como las producidas por Turner y Constable, consulte: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).
La influencia clásica
Sin embargo, es cierto que la segunda mitad del siglo fue la más fructífera y que a los conocedores de la época les llevó tiempo acostumbrarse a la idea de que los artistas en Gran Bretaña tenían una contribución original que hacer. Las tradiciones europeas del norte y del sur fueron admiradas, aunque por diferentes razones. El paisaje "clásico" que había crecido en Italia tenía su atractivo irresistible para el inglés culto en el Grand Tour . "Clásico" es una palabra ambigua, pero indica el respeto por la antigüedad que fue especialmente fuerte en los artistas que habían venido a Italia desde el norte de Europa, manifestado en sus pinturas de ruinas romanas y regiones a las que se hacía referencia clásica. Paul Bril, Adam Elsheimer y los pintores de la escuela boloñesa como Annibale Carracci (1560-1609) y Domenichino (1581-1641) agregaron a arreglos elaboradamente decorativos de árboles y lagos la sugerencia de un tema clásico en las pequeñas figuras que presentaron. Otra implicación de la palabra "clásico" se puede encontrar en el sentido de orden y medida transmitido por los paisajes de Nicolas Poussin (1594-1665).
Es evidente que había mucho sentimiento poético y romántico en este tipo de paisaje, deliciosamente interpretado en los paisajes de Claude Lorrain (1600-82), quien combinó visiones oníricas de un pasado antiguo con efectos bellamente observados del amanecer y el atardecer. Poesía de otro tipo se encontraba en las escenas salvajes y accidentadas inspiradas en Calabria que fueron pintadas por Salvator Rosa (1615-73). Claude, Poussin y Salvator fueron nombres venerados para los entendidos ingleses del siglo XVIII. También era muy admirado Gaspard Dughet (1615-75), cuñado y admirable alumno de Nicolas Poussin, que adoptó el nombre de ’Poussin’. Pero Claude en particular era el ídolo británico; Los propietarios cultivados de fincas y sus jardineros copiaron su disposición cuidadosamente irregular de los árboles y las características arquitectónicas en árboles reales, extensiones de agua y accesorios clásicos: el parque inglés interpretó a Claude en tres dimensiones.
Influencia de la escuela holandesa
La otra tradición era la de la pintura holandesa en su aspecto más doméstico. Orgullo de posesión mezclado con sentimientos de afecto. Para Rubens, la región alrededor de su propia casa de campo, el Chateau de Steen, cerca de Malines, tenía un interés personal, lo que lo llevó a pintar cada detalle con amor y cuidado. Los pintores holandeses del siglo XVII tenían su apego patriótico a la tierra que había sido arrebatada de la dominación extranjera. Los niveles cosidos por vías fluviales, las horizontales rotas pintorescamente aquí y allá por molinos de viento y parches de bosque, toda la escena baja cubierta por el panorama de nubes en movimiento era tan íntima y hogareña como la Arcadia de los pintores en Roma era idealizada. y la Calabria de Salvator, románticamente salvaje.
En Inglaterra había conocedores tan dedicados a la escuela holandesa del paisaje como a la clásica, a Jacob van Ruisdael (1628-82) y Meindert Hobbema (1638-1709) en cuanto a Claude y Poussin. Una cierta similitud geográfica entre Holanda y los condados de East Anglian puede explicar en parte el número de imágenes holandesas adquiridas por esas familias de riqueza con casas en la región. Los paisajistas ingleses fueron tratados durante mucho tiempo con menos respeto. Un George Lambert (1700-65) podría ser empleado para retratar una mansión de la misma manera que un retratista menor podría ser llamado para pintar a un miembro de la familia, pero la imitación de un Lambert de Gaspard obviamente no podría tratarse con el mismo respeto como el trabajo del propio Dughet.
Las hermosas imágenes del paisaje de Suffolk pintadas por Gainsborough en sus primeros años fueron una fase de su arte que se desvaneció en la compulsión que lo llevó a mudarse a Bath y convertirse en un retratista de moda. El paisaje de sus últimos años, el escape de un ciudadano, no tenía sentido de localidad, aunque tenía la ventaja correspondiente de luz y masa en sí mismos.
Richard Wilson
La carrera de Richard Wilson (1714-82) es un ejemplo del destino de un artista enormemente talentoso que solo podría considerarse superficialmente como un imitador de los maestros del paisaje clásico en Italia. A Wilson le fue bastante bien como retratista hasta que a los 36 años se fue a Italia. Trabajó en Roma y Nápoles, donde tuvo varios alumnos y fue alentado a concentrarse en el paisaje por otros artistas como Francesco Zuccarelli (1704-88), el pintor de las pastorales decorativas. Al regresar a Londres después de seis años, profeso como pintor paisajista, descubrió que las cualidades de amplitud y simplicidad que hacían que sus brillantes paisajes italianos fueran realmente originales fueron ignorados por aquellos que deseaban recuerdos más glamorosos de la tierra clásica. Los entendidos sin duda tomaron la vista de Joshua Reynolds que los paisajes de Wilson estaban "demasiado cerca de la naturaleza común" para admitir la inclusión de dioses y diosas. El sabor mitológico era lo que valoraban. Fue la próxima generación, y más especialmente la próxima generación de artistas, la que apreciaría la grandeza de Wilson.
Constable y Turner
Nacidos con un año de diferencia, Constable y Turner respondieron igualmente a los destacados maestros de la tradición descritos anteriormente. Lo que queda de las conferencias de Constable sobre pintura de paisajes muestra en qué proporción vio el pasado. Fue un espectáculo de grandeza, decadencia y renacimiento. Elogió el arte ’tranquilo, penetrante y estudioso’ de Poussin, ’la elevada energía’ de los Caracci, el ’sentimiento y la grandeza romántica’ de Domenichino, la ’belleza serena’ del ’inimitable’ Claude, el ’salvaje y terrorífico’ ’concepciones de Salvator Rosa, y la’ frescura y luz húmeda ’de Rubens.
Para Constable, Rembrandt’s Mill fue una época en sí misma, aunque no omitió los elogios de Ruisdael y Aelbert Cuyp (1620-91). La disminución fue la de los hombres que "habían perdido de vista la naturaleza", entre ellos el pintor rococó Francois Boucher (1703-70) cuyo "paisaje", dijo Constable, era "un sueño desconcertante de lo pintoresco". Tenía poco que decir de John Wootton (c.1686-1765) o George Lambert. A partir de estas profundidades, Wilson y Gainsborough rescataron la pintura de paisajes a cuyos nombres Constable, sin reconocer ninguna distinción de mérito entre la pintura al óleo y la acuarela, agregaron las de los acuarelistas JR Cozens (1752-97) y Thomas Girtin (1775-1802).
Si Turner también hubiera expuesto lo que valoraba en el pasado, su selección de maestros no habría diferido mucho de la de Constable. Estudió a Claude tan atentamente como Constable estudió las obras suyas en la colección de Sir George Beaumont. Hubiera estado de acuerdo en dar un lugar honorable a los acuarelistas junto a los pintores de aceite. ¿No había trabajado con Girtin en Dr.Monro’s y había admirado a Cozens al copiar sus vistas alpinas finamente austeras?
Volver a la naturaleza
Constable y Turner pueden considerarse iguales no solo en su visión de la tradición paisajística, sino al reflejar consciente o inconscientemente la idea de un retorno a la naturaleza, tanto en el aire como se acercaba el final del siglo y sus anteriores urbanidades y convenciones palidecieron. Jean-Jacques Rousseau había promovido la idea filosóficamente, e incluso la "pastoral de la ópera" de Boucher, como Constable la describió despectivamente, indica la forma medio grave, aunque también frívola, de cómo impresionó a la corte francesa. Wordsworth dio a la idea una exposición poética en Inglaterra, con su prefacio sobre los principios de la poesía en la edición de 1800 de las Lyrical Ballads . Sin embargo, el sentimiento poético por la naturaleza había estado ganando impulso desde que James Thompson había publicado su colección The Seasons cincuenta años antes. La forma en que sus descripciones del paisaje estimularon a Turner se hace evidente por las citas adjuntas a los títulos de sus imágenes en los catálogos de la Royal Academy.
La campiña inglesa
A pesar de su igual respeto por la naturaleza y muchos puntos de similitud en el gusto, es sorprendente darse cuenta de la gran diferencia que había entre los dos pintores casi contemporáneos. Constable, el compatriota nacido, era un artista de apegos locales, a su Suffolk natal, a las tierras planas y su gran arco de cielo en lugar de las montañas que conmovieron la imaginación romántica; y no deseaba salir de Inglaterra por tema o estímulo.
East Anglia tenía una capacidad especial para mantener el afecto de los artistas nacidos en la región. John Crome (1768-1821), que pasó casi toda su vida en su ciudad natal de Norwich y como fundador de la Sociedad de Artistas de Norwich en 1803 se convirtió en el líder de la única escuela local de Inglaterra, era aún más regionalista que Alguacil. A diferencia de cualquiera de ellos, Turner, nacido en el centro oeste de Londres, en medio de un ladrillo oscuro y bajo un cielo cargado de humo, tuvo que viajar para obtener su primera experiencia del paisaje rural. El dibujo topográfico que lo llevó al éxito temprano lo llevó a realizar frecuentes expediciones por el país, y la inquietud romántica, así como la demanda de álbumes con ilustraciones de lugares en el extranjero, que surgieron al final de las guerras napoleónicas, lo impulsaron regularmente sobre Europa.
Como romántico, puede ser contrastado con Constable, el realista. Este último habitualmente trabajó directamente desde la naturaleza en bocetos al óleo y estudios diseñados para capturar de la manera más auténtica y espontánea posible la luz y la atmósfera de la escena que tenía delante. El romanticismo de Turner leyó en los accesorios claudescos de las ruinas antiguas toda la tragedia del declive y la caída de las civilizaciones, y se regocijó en los torrentes espumosos y los abismos vertiginosos de las rutas alpinas. El agente se contentó con canales plácidos y campos de maíz sonrientes; Turner destruyó la realidad para extraer de ella una nueva liberación de energías, de vibraciones cromáticas. El agente llegó a la costa de Brighton en beneficio del aire del mar para su esposa enferma y transmitió maravillosamente la frescura de la atmósfera. Turner tuvo que cruzar el mar, su elemento favorito, para experimentar y transmitir su poder y rabia.
Legado del arte paisajista inglés
Ninguno de estos dos maestros supremos del paisaje tuvo influencia inmediata en su propio país, aunque la descarga eléctrica de la verdad se sintió de inmediato en Francia cuando se mostró The Hay Wain en París. Su aclamación fue, dijo Constable (con una notable ausencia de ese respeto que otros pintores insulares han mostrado por los franceses), debido al hecho de que la vivacidad y la frescura eran ’cosas desconocidas para sus propias imágenes… descuidan el aspecto de la naturaleza en conjunto, bajo sus diversos cambios ’. Cualquier deficiencia a este respecto debía ser resuelta por los impresionistas, a quienes Constable (así como su compatriota más joven) Richard Parkes Bonington ) ciertamente anticipado, en la segunda mitad del siglo XIX. La conjunción de los elementos de Turner fue una aventura más revolucionaria. El arte expresionista y abstracto de los últimos tiempos, si no está directamente influenciado por él, puede al menos referirse a su gran ejemplo y señalar el hecho de que llamó a un nuevo mundo del arte para reparar el equilibrio de los viejos.
Desarrollos importantes en la Francia del siglo XIX
Los mismos vientos de cambio que ayudaron a Turner a revolucionar el arte paisajístico inglés, también estaban arrasando sobre Francia. Pintura de paisaje Plein-air fue muy desarrollado en el Escuela barbizon , en Fontainebleau, cerca de París, debajo Theodore Rousseau y el romántico Camille Corot . Tuvo una enorme influencia en toda Europa y los Estados Unidos, y allanó el camino para el mundialmente famoso Impresionismo movimiento. Hermosos ejemplos de plein air Pintura de paisaje impresionista incluir: La playa de Trouville (1870, Wadsworth Atheneum, Hartford CT), Nenúfares (Nymphéas) (1897-1926) y El estanque de nenúfares: armonía verde (1899, Musee d’Orsay) de Claude Monet (1840-1926); Nieve en Louveciennes (1878, Musee d’Orsay) por Sisley (1839-99); Camino que conduce a través de la hierba alta (1877, Musee d’Orsay) por Renoir (1841-1919); y Los tejados rojos (1877, Musee d’Orsay) por Camille Pissarro (1830-1903). Ver también: Características de la pintura impresionista. 1870-1910.
Nota: las nuevas técnicas de fabricación de pintura, como la invención del tubo de pintura de estaño plegable en 1841 por el artista estadounidense John Rand, permitieron que las pinturas al óleo se empaquetaran en tubos, lo que permitió a los artistas pintar al aire libre. Esto condujo a un aumento significativo en la pintura de paisajes plein-air en el clima francés más templado.
En Melbourne, Australia, la pintura de paisajes al aire libre era la especialidad de Escuela Heidelberg de Impresionismo australiano , dirigido por Tom Roberts , cuyos otros miembros principales incluyeron Arthur Streeton (1867-1943), Walter Withers (1854-1914), Charles Conder (1868-1909) y Fred McCubbin (1855-1917).
El paisaje también fue un género muy importante en Post impresionismo . Hermosas composiciones de algunos de los mejores Pintores postimpresionistas incluyen: Nocturne in Blue and Green: Chelsea (1871, Tate Gallery, London) de Whistler (1834-1903); Lac d’Annecy (1896, Courtauld Gallery, Londres) por Paul Cezanne (1839-1906); Paisaje de Tahití (1893, Instituto de Artes de Minneapolis) por Paul Gauguin (1848-1903); Campo de trigo con cuervos (1890, Museo Van Gogh , Amsterdam) de Vincent Van Gogh (1853-1890); Domingo por la tarde en la isla de La Grange Jatte (1886, Instituto de Arte de Chicago) y Bañistas en Asnieres (1884, National Gallery, Londres) por Georges Seurat (1859-1891); El Talismán (1888, Musée d’Orsay, París) de Paul Serusier (1864-1927); Moulin de la Galette en nieve (1923, Colección privada) de Maurice Utrillo (1883-1955).
Pintura americana del paisaje
En América, el Escuela de pintura de paisajes del río Hudson fue la primera agrupación significativa de artistas, dirigida por pintores como Thomas Cole (1801-48) y Iglesia de Frederic Edwin (1826-1900), cuyas pinturas retratan los alcances vírgenes del nuevo continente como parábolas del poder y la benevolencia de Dios. Más tarde en el siglo dio lugar a una rama, conocida como Luminismo , como lo demuestran los paisajes fronterizos de Misuri George Caleb Bingham (1811-1879). Otro pintor paisajista estadounidense brillante y muy influyente fue George Inness (1825-1894) que ayudó a definir el estilo impresionista de enfoque suave del tonalismo.
Paisajes rusos
El mejor pintor paisajista tradicional ruso, al menos de bosques y bosques, fue Ivan Shishkin (1832-98), cuyas obras incluyeron Invierno (1890, Museo Ruso, San Petersburgo), Centeno (1878, Galería Tretyakov, Moscú), Oak Grove (1887, Museo de Arte Ruso, Kiev), Mañana en un bosque de pinos (1889, Tretyakov) y el bosque de la condesa Mordvinova en Peterhof (1891, Tretyakov). Otros pintores escénicos de Rusia, la mayoría de los cuales pertenecían a Movimiento de paisajistas , incluyen: Isaac Levitan (1860-1900), conocido por Monasterio Aislado (1890, Galería Tretyakov, Moscú) y Vladimirka (El camino a Vladimir) (1892, Tretyakov), Otoño dorado (1895, Tretyakov), Inundación de primavera (1897, Tretyakov) y Birch Grove (1889, Tretyakov); Vasily Polenov (1844-1927), responsable del Patio de Moscú (1878, Galería Tretyakov, Moscú) y Estanque cubierto de vegetación (1879, Galería Tretyakov); Vasily Perov (1833-82), cuyo paisaje más famoso fue La última taberna en la puerta de la ciudad (1868, Galería Tretyakov, Moscú); y Valentin Serov (1865-1911) conocido por Potros en un lugar de riego, Domotkanovo (1904, Tretyakov).
Arte del paisaje del siglo XX
El arte del paisaje del siglo XX ha sido redefinido como un género, por una serie de movimientos del siglo XX. En Estados Unidos, estos incluyen: Precisión (1920) un idioma desarrollado por Charles Demuth (1883-1935) y Charles Sheeler (1883-1965) que se centró en paisajes urbanos con edificios industriales; American Scene Painting y Regionalism, ambos enfocados en los paisajes urbanos de la pequeña ciudad de Estados Unidos; vea también las estructuras inmóviles de Edward Hopper , como en House by the Railroad (1925, Museum of Modern Art) y Faro a las dos luces (1929, Museo Metropolitano); y Fotorrealismo (1960/70), cuyos paisajes urbanos fueron realizados por pintores como Ricard Estes (nacido en 1932).
Mientras tanto, Land Art / Earth Works y otras formas de arte ambiental han permitido a los artistas expresar sus sentimientos por la grandeza y la inmensidad de la naturaleza. Por lo tanto, si bien la pintura de paisajes sigue siendo popular y sigue atrayendo el interés de artistas y coleccionistas por igual, se ha desarrollado en diversas direcciones sin mantener el estado que alcanzó durante el siglo XIX. Esto no es sorprendente. La mayoría de las tradiciones artísticas fueron totalmente redefinidas, si no barridas por el cubismo, dos guerras mundiales y la bomba atómica.
París
Aunque pintores talentosos y numerosos movimientos artísticos surgían en Alemania, Rusia y Suiza, París seguía siendo el centro del arte visual moderno, a principios del siglo XX. Casi todos los artistas occidentales importantes visitaron París, trabajaron allí o eran conscientes de sus modas en la composición y la técnica de la pintura. El paisaje continuó desarrollándose como género en Europa, pero todos los pintores se vieron fuertemente afectados por el nuevo clima político y artístico de cambio, y reaccionaron de diferentes maneras.
Paisajes fauvistas
Maurice de Vlaminck (1876-1958), el ciclista de carreras y violinista de orquesta, exploró activamente Fauvismo a principios de 1900, con coloridos paisajes pintados densamente. Más tarde, estos degeneraron en composiciones formuladas basadas en una paleta de rojo, azul, amarillo y verde. Sus paisajes incluyen: Remolcador en Chatou (1906); Vista del Sena (1906), así como de varios campos invernales. El arte parisino en la década de 1900 también influyó en el estadounidense John Marin (1870-1953), conocido por sus paisajes marinos cristalinos y su representación lírica de Nueva York. Otros pintores fauvistas que contribuyeron al género del paisaje incluyeron a Andre Derain, Albert Marquet y Othon Friesz.
Paisajes cubistas (1908)
Inspirado en los paisajes de estilo geométrico de Cézanne en Aix-en-Provence ( Mont Sainte-Victoire , 1904-6, Kunstsammlung, Basilea), Georges Braque comenzó a incluir imágenes cubistas en sus paisajes en L’Estaque ( Casas en L’Estaque , 1908, Kunstmuseum, Berna). Picasso también estaba emulando a Cézanne en sus opiniones sobre Horta del Ebro en España ( Casas en la colina , 1909, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Fueron elementos en este estilo de pintura cubista temprana a lo que el crítico de arte francés Louis Vauxcelles se refería en 1909, cuando usó por primera vez la expresión ’bizarreries cubiques’, que condujo a la palabra cubismo.
Paisajes expresionistas alemanes
Die Brucke era un grupo crudo pero talentoso de pintores expresionistas alemanes con sede en Dresde, que incluía, Ernst Kirchner (1880-1838) Erich Heckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rotluff (1884-1976), Max Pechstein (1881-1955), Otto Mueller (1874-1930) – quienes fueron influenciados por los fauvistas, Gauguin y el arte primitivo en general. Usando colores brillantes y contornos llamativos, expresaron su política radical en los paisajes de las personas modernas (c.1908) y, a partir de 1911, en los paisajes urbanos. Wassily Kandinsky (1866-1944), fundador de Der Blaue Reiter , un pionero alemán del arte moderno, desarrolló una forma de pintura de paisaje, pero a partir de 1912 avanzó hacia la abstracción completa. Oskar Kokoschka (1886-1980), el artista austriaco, era conocido por sus coloridas ciudades y ríos. A diferencia de, Max Ernst (1891-1976), el pintor Dada / Surrealista produjo paisajes metafísicos y paisajes urbanos en técnicas mixtas que incluyen aceites y frottage. Sus paisajes fueron una fuerte influencia en Salvador Dalí , el extravagante líder autodenominado del movimiento surrealista en los años de entreguerras.
Inglaterra
La tradición inglesa del innovador arte del paisaje fue continuada por Paul Nash (1889-1946) que personalizó su lenguaje naturalista para prestar a sus paisajes una calidad trascendente a veces apocalíptica. Graham Sutherland (1903-1980) añadió notas dramáticas a sus paisajes galeses de finales de la década de 1930, mientras que Ivon Hitchens (1893-1979) retrató el paisaje del sur de Inglaterra en términos semi abstractos a mano alzada.
Irlanda
La historia del arte irlandés revela una serie de talentos Paisajistas irlandeses . Dos maestros de la primera mitad del siglo XX incluyen Paul Henry (1876-1958), quien construyó su reputación en el cielo, el pantano, el mar y el campo del oeste de Irlanda, y Jack B Yeats (1871-1957) cuyos lienzos expresionistas incluyeron paisajes cambiantes de la costa oeste de Irlanda. El primitivo pintor Tory Island James Dixon fue otro exponente único del género. Ver también: Pintura Plein-Air en Irlanda .
Escuela St Ives
Al igual que Newlyn antes, la ciudad de St Ives, en el oeste de Cornualles, se convirtió en un faro para pintores de paisajes, escultores y otros artistas después de la finalización del Great Western Railway, en 1877. En una visita a St Ives en 1928, el pintor Ben Nicholson (1894-1982) quedó impresionado por el trabajo primitivo del artista local Alfred Wallis. Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Nicholson regresó y se estableció cerca de St Ives, junto con su esposa Barbara Hepworth y el escultor constructivista ruso Naum Gabo. Después de la guerra, la ciudad se convirtió en un centro de pintura y escultura de vanguardia. Los miembros de la Escuela St Ives incluido, Terry Frost, Patrick Heron , Wilhelmina Barns-Graham, Roger Hilton, Peter Lanyon y Bryan Wynter, así como el alfarero moderno, Bernard Leach. En 1993, la galería de arte Tate St Ives se abrió para mostrar las obras de la Escuela St Ives. Las obras de arte importantes incluyen: Movimiento verde, blanco y negro (1951) de Terry Frost, Pintura horizontal de rayas (1958) de Patrick Heron y Porthleven (1951) de Peter Lanyon.
Paisajes de posguerra
En todo caso, el arte después de la Segunda Guerra Mundial fue aún más confuso y desarticulado. Surgieron nuevos movimientos como el expresionismo abstracto, el neodada, el pop-art, el nuevo realismo, el minimalismo y el arte op para reflejar valores cambiantes y prioridades creativas.
En Australia, un grupo de jóvenes artistas expresionistas, dirigido por Russell Drysdale (1912-81) y Sidney Nolan (1917-92), produjo una gama de pinturas de paisajes excepcionales en las décadas de 1940 y 1950. Los ejemplos incluyen: Sofala (1947, Galería de arte de Nueva Gales del Sur ) por Drysdale; y Burke and Wills Expedition (1948, Sidney Nolan Trust) de Nolan.
El paisajista inglés Ben Nicholson se mudó a Suiza y basó sus paisajes abstractos en vistas desde sus ventanas y sus viajes. El aristócrata ruso subestimado Nicolas de Stael (1914-1955) produjo formas simples de estilo paisaje con pintura de colores gruesos, antes de suicidarse en 1955. El estadounidense Matisse, Richard Diebenkorn (1922-1993) se hizo conocido por sus innovadoras costas semi-abstractas, mientras que los artistas Pop recurrieron a fórmulas y signos asociados con el paisaje y el camino abierto. Las obras de David Hockney (nacido en 1937), el brillante hijo de la hija de Yorkshire y observador, incluían paisajes californianos sintetizados a partir de escenas vistas sucesivamente desde su automóvil. Los artistas fotorrealistas también han centrado su atención en la pintura de paisajes con resultados interesantes y sugerentes.
Arte del paisaje en el siglo XXI
No está claro cómo se desarrollará el paisaje en el nuevo siglo. ¿Las demandas y disciplinas de Arte académico ¿estimulará el regreso a los lienzos tradicionales y naturalistas, o seguirá dominando la moda del arte abstracto y discursivo, que involucra figuras y acciones, así como métodos modernos de entrega como el video? Uno se pregunta qué tipo de paisajes pintarían Turner y Monet, si estuvieran vivos hoy.
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