Desnudos masculinos en la historia del arte Traductor traducir

La primera gran cultura que destacó la importancia de la estatua masculina desnuda fue la antigua Grecia, cuyos festivales religiosos incluían a menudo competiciones atléticas en las que jóvenes desnudos demostraban su destreza física y competían por considerables honores.

El desnudo masculino en el arte griego

El arte griego reflejaba la vida griega, por lo que desde el Arcaico temprano (600-500 a.C.) el desnudo masculino de pie ) kouros) se convirtió en una imagen constante en la iconografía escultórica de la Antigüedad clásica.

Algunas de las estatuas más famosas de hombres desnudos fueron esculpidas por artistas desconocidos. Entre ellas se encuentran el Heracles Farnesio (siglo V a.C.), el Zeus de Artemisa (c. 470), el Apolo del Belvedere (330), el Galo Moribundo (240) y el Fauno de Barberini (220). Algunos de los escultores griegos más famosos que crearon estatuas de desnudos masculinos de pie son Policleto (siglo V), Fidias (c. 488-431 a.C.), Mirón (activo 480-444 a.C.), Praxíteles (activo 375-335 a.C.), y Hagesandro, Atenodoro y Polidoro (siglos I-II a.C.), creadores de Laocoonte y sus hijos).

La escultura griega produjo un gran número de estatuas masculinas desnudas ) kouroi) que representaban a hombres corrientes -creados como ofrendas votivas a los dioses en santuarios religiosos- o a los propios dioses.

Es importante tener en cuenta que, al crear desnudos masculinos y femeninos, los escultores griegos solían glorificar el ideal -el estado ideal de salud, juventud y proporciones geométricas- más que la forma física del desnudo. Así, el desnudo masculino griego se diseñaba para apelar a la razón más que a los sentidos.

Mientras que los griegos admiraban y glorificaban la desnudez masculina tanto en la escultura como en la pintura, otras partes del mundo antiguo tenían una opinión muy diferente y consideraban la desnudez como un signo de deshonra y derrota militar.

El desnudo masculino en el arte romano

Aunque los artistas de la antigua Roma eran serviles imitadores de los griegos, a los que consideraban muy superiores en todas las bellas artes, especialmente en la escultura, también seguían la doctrina romana de que el arte debía servir a los intereses de Roma y contribuir a su poder. Los emperadores desnudos difícilmente impresionarían a las tribus bárbaras, pero los soldados altos e imponentes sí. Por ello, en el arte romano, con algunas excepciones, la desnudez idealizada fue sustituida por imágenes políticas y militares que destilaban realismo y seriedad .

El desnudo masculino en el arte bizantino

Desgraciadamente para los aficionados al kouros y al kore, y al arte del desnudo en general, el cristianismo acabó con él en gran medida. Un Cristo semidesnudo en la cruz estaba a la orden del día, pero en general Jesús, Dios, los apóstoles y otras imágenes cristianas masculinas se representaban vestidos. Esto concordaba con las escrituras evangélicas y la historia de Adán y Eva en el Jardín del Edén, cuya desnudez se asociaba con la vergüenza y el castigo. También era coherente con la idea general de que la desnudez se consideraba una amenaza para el bienestar espiritual.

El hecho de que casi todo el arte bizantino fuera religioso significaba que la desnudez era aún menos aceptable. Ocasionalmente, los temas clásicos no religiosos, como los representados en una serie de cajas de marfil bizantinas, podían incluir representaciones de desnudez masculina -a veces bastante detalladas-, pero éstas eran la excepción. Para más detalles, véase: Arte cristiano de la época bizantina (c. 400-1200).

Nótese también que la tradición religiosa bizantina prohibía cualquier representación tridimensional de personas. Por lo tanto, no había escultura en el arte bizantino y, en consecuencia, muchas menos referencias a desnudos masculinos (o femeninos). Además, las autoridades bizantinas veían su cultura como un faro de bondad cristiana en medio de la oscuridad pagana. Y como asociaban el desnudo con los griegos paganos, lo percibían como algo primitivo y atrasado.

El desnudo masculino en el arte medieval europeo

El arte románico y gótico estaba dominado por la escultura, especialmente la escultura eclesiástica en piedra, en particular las estatuas sobre columnas, ninguna de las cuales presenta desnudos. Hasta el Renacimiento, la Iglesia cristiana fue prácticamente el único mecenas importante de las artes, financiando casi toda la arquitectura monumental, la escultura, la pintura y los manuscritos iluminados de Europa. No necesitaba representaciones de dioses desnudos y, por tanto, desalentaba el uso del desnudo en las artes visuales, entre otras cosas por su énfasis en el valor del celibato y la castidad. Esta postura excluía de hecho cualquier estudio de la figura desnuda, así como el dibujo del natural. Roma, al igual que Constantinopla, creía que la desnudez socavaba el bienestar espiritual y físico del individuo.

El desnudo masculino en el arte renacentista

El retorno a los valores clásicos y a la cultura grecorromana durante el Renacimiento italiano restauró la figura desnuda (masculina y femenina) como estándar ideal de las bellas artes . El desnudo masculino, en particular, se utilizó en varias obras icónicas de la escultura de la época, como la estatua de bronce de Donatello de David (c. 1435-53) y las esculturas de mármol de Baco (1497), El esclavo moribundo (1513-16) y David de Miguel Ángel. Más tarde, el pintor manierista Giambologna produjo su impresionante «Rapto de las Sabinas» (1581-3). Otros ejemplos de estatuas masculinas desnudas del Renacimiento son: Hércules y Caco (1525-34) de Baccio Bandinelli ; y Perseo (1545-54) de Benvenuto Cellini.

En la pintura, el desnudo se hizo igualmente habitual. Tommaso di Mazaccio dejó a todos desnudos en su famoso fresco «La expulsión del Jardín del Edén» (1426) para la Capilla Brancacci, y Antonio Pollaiuolo hizo lo mismo en su famoso grabado «La batalla de los diez hombres desnudos» (1470-5). La pintura del Alto Renacimiento (c. 1490-1530.) fue testigo del apogeo de la figura masculina - Miguel Ángel pintó los frescos de la Capilla Sixtina - una masa de imágenes religiosas con hombres desnudos de todos los tamaños y formas, incluyendo su famosa «Creación de Adán», que recibe «la chispa de la vida» de Dios; Luca Signorelli representó muchos desnudos masculinos en su fresco de 1504 El Juicio Final para la cúpula de la catedral de Orvieto en Umbría; y Leonardo da Vinci utilizó desnudos masculinos en su famoso Hombre de Vitruvio (ca. 1492). Algunos artistas del Renacimiento septentrional también utilizaron desnudos masculinos, en particular Jan van Eyck en su maravillosa representación de Adán en su maravilloso Retablo de Gante (1432), y Hieronymus Bosch en obras fantásticas como El jardín de las delicias (1510).

En el arte del Renacimiento , sin embargo, los desnudos no eran las figuras idealizadas y geométricamente proporcionadas de la Antigüedad clásica. Eran reales, individualizados, de carne y hueso. Por ejemplo, el David de Miguel Ángel (1475-1564) está lejos de la perfección matemática y, de hecho, difícilmente podría ser más diferente de la versión ligeramente afeminada del David de Donatello (1386-1466).

Entonces, ¿qué pasó con la moral cristiana? Bueno, si sucumbió al genio de Miguel Ángel, entonces podemos decir que la Iglesia cristiana seguía teniendo una actitud ambivalente, incluso antipática, hacia los desnudos masculinos y femeninos. De hecho, el Concilio de Trento (1545-63) intentó poner coto a los elementos «lascivos» y «paganos» que, a su juicio, se habían extendido tanto en el arte religioso de los siglos XV y XVI bajo la influencia de los cánones clásicos.

El desnudo masculino en el arte barroco

Hacia 1600 el Manierismo, fase final del Renacimiento, había terminado, pero su influencia persistió durante al menos tres siglos más. Esto se debió a las academias de bellas artes que surgieron en toda Europa en los siglos XVI y XVII para promover la pintura y la escultura. Su «arte académico» ponía gran énfasis en el dibujo del desnudo, manteniendo así la tradición figurativa de Miguel Ángel y otros.

En el arte barroco el desnudo se limitó en gran medida, aunque no totalmente, a obras alegóricas o mitológicas. Por ejemplo, Rubens utilizó el desnudo masculino en su cuadro mitológico «Hércules Borracho» (1614), Caravaggio lo utilizó en su cuadro «Amor Vincit Omnia» (1603), y Gwerchino (1591-1666) («entrecerrando los ojos») en su cuadro que representa la captura de Sansón, pintó a Sansón solo desnudo, incapaz de resistir.

En escultura Bernini marcó la pauta del desnudo masculino con obras como Pluto y Proserpina (1621-2) y David (1623-4), seguido de Pierre Puget ) Milon de Croton, 1671-82), François Girardon ) Plutón raptando a Proserpina, 1693-1710), y Balthasar Permoser ) Apolo, 1715). Jean-Baptiste Pigalle provocó un escándalo con su magnífica estatua desnuda del envejecido Voltaire (1776).

El desnudo masculino en el arte rococó y neoclásico

La desnudez masculina fue una característica común del arte del siglo XVIII, aunque quizás menos obvia que la desnudez femenina - al menos durante el periodo Rococó . Se utilizó principalmente en pinturas históricas (es decir, en obras que contienen «historia» o narrativa, como las pinturas mitológicas), en esquemas decorativos y, sobre todo, en escultura.

En el arte neoclásico escultores como Antonio Canova ) Apolo coronándose, 1781; Perseo con la cabeza de Medusa, 1797-1801; Damoxenos, 1796; Hércules y Lichas, 1795-1815) modeló sus esculturas a partir de formas clásicas -su Perseo imita las proporciones y la pose del famoso Apolo de Belvedere -, al igual que John Flaxman ) Furia de Atamas). El pintor francés Jacques-Louis David también siguió la pose tradicional en su cuadro «El hombre desnudo conocido como Patroclo» (1779), al igual que Jean-Auguste Dominique Engres en su cuadro «Edipo y la esfinge» (1808). El gran pintor y dibujante de figuras alemán Anton Raphael Mengs también produjo varios desnudos masculinos sobresalientes, como su dibujo a lápiz y carboncillo «Desnudo sentado como cíclope» (1770).

El desnudo masculino en el arte del siglo XIX

El siglo XIX brindó la última oportunidad a la tradición clásica del desnudo masculino. Pierre-Charles Simard aprovechó plenamente esta oportunidad con su obra maestra de mármol «Orestes cobijado en el Retablo de Pallas» (1839-40). Jean-Baptiste Carpeaux utilizó el desnudo en su sombrío bronce Ugolino (1862), y Rodin creó obras maestras como Edad de bronce (1876), El pensador (1881) y El beso (1889), ninguna de las cuales se ajustaba a la teoría clásica de la proporción.

El escultor belga Georges Minné creó un estilo más intimista de desnudos masculinos en obras como Spurgeon I (1891) y Joven arrodillado ante la fuente (1898), mientras que el artista francés Marius-Jean-Antonine Mercier creó el notable David (1872-3), que tiene ecos de Donatello. Entre los ejemplos de desnudez masculina en la pintura del siglo XIX figuran imágenes tan vigorosas como El hombre desnudo (1810-11) de Théodore Géricault.

El desnudo masculino en el arte del siglo XX

A pesar de la aparición del Cubismo, el Expresionismo y otras escuelas modernas y el posterior declive de la tradición clásica, el desnudo masculino sigue siendo un símbolo poderoso en el arte visual del siglo XX. En escultura, los ejemplos de desnudo masculino incluyen Benga imparable (1935) de Richmond Barthes; Tormenta (1947-8) de Germaine Richier; y la hiperrealista Pareja (1971) de John De Andrea . En pintura, el ejemplo del desnudo masculino lo constituyen numerosas obras del gran genio figurativo Lucian Freud, como «Hombre desnudo con rata» (1977).

Aunque la fotografía se ha llegado a considerar recientemente una de las bellas artes, la falta de barreras entre la impresión fotográfica y el espectador sitúa esta forma de arte en una categoría muy diferente de la pintura y la escultura, por lo que no se considera aquí. Pero véanse también artistas de la cámara como Robert Mapplethorpe y otros.

Los 10 mejores desnudos masculinos de la historia del arte

La lista ha sido elaborada por nuestro editor Neil Collins LLB MA, que también elaboró nuestras listas de Las mejores pinturas: top 300, y Las mejores esculturas: top 100 .

10. Joven arrodillado en la fuente (1898)
Escultura de bronce, Museo de Orsay, París.
De George Minné (1866-1941).

9. Galo moribundo (c. 240)
Copia en mármol de un original en bronce, Museo Capitolino, Roma.
Obra de un escultor desconocido.

8. Orestes cobijado en el retablo de Pallas (1839-40)
Escultura de mármol, Museo de Bellas Artes de Ruán.
De Pierre-Charles Simart (1806-1857).

7. Jasón con el vellocino de oro (1803-28)
Mármol, Museo Thorvaldsen, Copenhague.
Autor Bertel Thorvaldsen (1770-1844).

6. Perseo con la cabeza de Medusa (1545-54)
Bronce, Loggia dei Lanzi, Florencia.
Autor Benvenuto Cellini (1500-1571).

5. Apolo Zauroctonos (siglo IV)
Mármol, Museo Pio Clementino, Ciudad del Vaticano.
Copia del original de Praxíteles (activo a mediados del siglo IV a.C.).

4. Rapto de las Sabinas (1581-3)
Mármol, Loggia dei Lanzi, Florencia.
Autor Giambologna (1529-1608).

3. Apolo coronándose (1781)
Mármol, J. Paul Getty Museum, Los Angeles.
Autor Antonio Canova (1757-1822).

2. David de Miguel Ángel (1501-4)
Mármol, Galleria dell’Accademia, Florencia.
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).

1. David de Donatello (c. 1440)
Bronce, Museo Nazionale del Bargello, Florencia.
Obra de Donatello (1386-1466).

Para una lista de los 50 mejores retratos, véase: The Greatest Portrait Paintings .