Desnudos masculinos en la historia del arte Traductor traducir
Desnudos masculinos en el arte griego
La primera cultura importante en celebrar la importancia del desnudo masculino. estatua fue el de la antigua Grecia, cuyos festivales religiosos con frecuencia incluían competiciones deportivas en las que los jóvenes varones desnudos demostraban su destreza física y competían por importantes honores. Arte griego reflejó la vida griega y, por lo tanto, desde la temprana edad arcaica (600-500 aC), el joven desnudo de pie ) kouros) se convirtió en una imagen regular en la iconografía escultórica de la antigüedad clásica.
Algunos de los desnudos masculinos más famosos fueron esculpidos por artistas desconocidos. Incluyen: The Farnese Heracles (5to siglo AEC), el fabulosamente equilibrado Zeus de Artemision (c.470), The Belvedere Apollo (330), The Dying Gaul (240) y el semi-relieve The Barberini Faun (220). Los mejores escultores griegos conocidos de estatuas desnudas masculinas de pie incluyen: Polykleitos (Siglo V), Fidias (c.488-431 aC), Myron (Activo 480-444 a. C.), Praxiteles (Activo 375-335 a. C.) y también Hagesandrus, Athenodoros y Polydorus (siglo I-II a. C., creadores de Laocoon y sus hijos )
Escultura griega creó una gran cantidad de estatuas desnudas masculinas ) kouroi), que representan a individuos comunes, creados como ofrendas votivas para los dioses en los santuarios religiosos, o los propios dioses.
Es importante darse cuenta de que al crear hombres y mujeres desnudos, los escultores griegos generalmente celebraban un ideal , un estado ideal de salud, juventud y proporción geométrica, en lugar de la fisicalidad de un individuo desnudo. Así, el desnudo masculino griego fue creado para atraer a la mente más que a los sentidos.
Mientras que los griegos admiraban y celebraban el desnudo masculino tanto en escultura como en pintura, otras partes del mundo antiguo tenían una visión muy diferente y consideraban que la desnudez era un signo de desgracia y derrota militar.
Desnudos masculinos en el arte romano
Aunque los artistas de la antigua Roma eran imitadores serviles de los griegos a quienes consideraban muy superiores en todas las artes visuales, especialmente en la escultura, también siguieron la doctrina romana de que el arte debería servir a los intereses de Roma y promover su poder. Los emperadores desnudos probablemente no impresionarían al miembro de la tribu bárbaro, pero los soldados altos e imponentes podrían hacerlo. Así en Arte romano, con algunas excepciones, la desnudez idealizada fue reemplazada por imágenes políticas y militares, exudando realismo y seriedad.
Desnudos masculinos en el arte bizantino
Desafortunadamente para los admiradores de los kouros y los kore, y el arte desnudo en general, el cristianismo lo detuvo en gran medida. Un Cristo en la Cruz semidesnudo estaba bien, pero en general, Jesús, Dios, los apóstoles, otras imágenes cristianas masculinas, fueron representados vistiendo ropas. Esto estaba en línea con las Escrituras del Evangelio y la historia de Adán y Eva en el Jardín del Edén, cuya desnudez estaba asociada con la vergüenza y el castigo. También se ajustaba a la noción general de que la desnudez se consideraba una amenaza para el bienestar espiritual del individuo. El hecho de que casi todos Arte bizantino Era religioso significaba que la desnudez era aún menos aceptable. Los temas clásicos no religiosos ocasionales, como los ilustrados en una serie de ataúdes de marfil bizantinos, podrían incluir imágenes de desnudos masculinos, a veces bastante detallados, pero fueron la excepción. Para más, ver: Arte cristiano de la era bizantina (c.400-1200).
Tenga en cuenta también que la cultura religiosa bizantina prohibió cualquier representación humana tridimensional. Por lo tanto, no había escultura en el arte bizantino y, como resultado, mucho menos llamamiento a desnudos masculinos (o femeninos). Además, las autoridades bizantinas vieron su cultura como un faro de bondad cristiana rodeada de oscuridad pagana. Y debido a que asociaron la desnudez con los griegos paganos, lo vieron como algo primitivo y atrasado.
Desnudos masculinos en el arte medieval europeo
El arte románico y gótico estuvo dominado por la escultura, especialmente eclesiástica. escultura de piedra, especialmente las estatuas de columnas, ninguna de las cuales presentaba desnudos. Hasta el Renacimiento, la Iglesia Cristiana era virtualmente el único gran mecenas de las artes, financiando casi toda la arquitectura monumental, escultura, pintura y manuscritos iluminados en Europa. No necesitaba imágenes de dioses desnudos y, por lo tanto, desalentó el uso de la desnudez en el arte visual, sobre todo por su énfasis en los valores del celibato y la castidad. Esta postura eliminó efectivamente todo estudio de la figura desnuda, así como el dibujo de la vida. Roma, como Constantinopla, consideraba que la desnudez socavaba el bienestar espiritual y físico del individuo.
Desnudos masculinos en el arte renacentista
El regreso a los valores clásicos y la cultura grecorromana durante el Renacimiento italiano restableció la forma desnuda (masculina y femenina) como el estándar ideal de arte representativo. El desnudo masculino, en particular, se utilizó en varias obras icónicas de escultura durante este período, incluida la estatua de bronce de David (c.1435-53) de Donatello, y las esculturas de mármol Bacchus (1497), Dying Slave (1513-16) y David de Miguel Ángel. Más tarde el artista manierista Giambologna produjo su asombrosa Violación de las sabinas (1581-3). Otros ejemplos de estatuas masculinas desnudas del Renacimiento incluyen: Heracles y Caco (1525-34) por Baccio Bandinelli ; y Perseo (1545-54) por Benvenuto Cellini.
En la pintura, la desnudez se volvió igualmente común. Tommaso di Masaccio dejó todo desnudo en su conocido fresco Expulsión del jardín del Edén. (1426) para la Capilla Brancacci, mientras que Antonio Pollaiuolo hizo lo mismo en su famoso grabado Batalla de los diez hombres desnudos (1470-5). Pintura del alto renacimiento (c.1490-1530) fue testigo del cenit de la figura masculina: Miguel Ángel pintó el Frescos de la Capilla Sixtina – una masa de imágenes religiosas con desnudos masculinos de todos los tamaños y formas, incluido su famoso Creación de Adán quien recibe la "chispa de la vida" de Dios; Luca Signorelli pintó una gran cantidad de desnudos masculinos en su fresco del Juicio Final de 1504 para la Cúpula de la Catedral de Orvieto en Umbría; mientras Leonardo da Vinci usó el desnudo masculino en su famoso Hombre de Vitruvio (ca.1492). Algunos pintores del Renacimiento del Norte también abrazaron al desnudo masculino, especialmente Jan Van Eyck en su maravillosa imagen de Adán en el Retablo de Gante (1432) y Hieronymus Bosch en la fantasía funciona como Jardín de las Delicias (1510).
Sin embargo, es importante entender que en Arte renacentista, los desnudos no eran las figuras idealizadas y proporcionadas geométricamente de la antigüedad clásica. Eran creaciones reales, individuales, de carne y hueso. Por ejemplo, el David por Miguel Ángel (1475-1564) está lejos de la perfección matemática y, de hecho, difícilmente podría ser más diferente de la versión ligeramente afeminada de David por Donatello (1386-1466).
Entonces, ¿qué pasó con la moral cristiana? Bueno, si difiere del genio de Miguel Ángel, es justo decir que la Iglesia cristiana se mantuvo ambivalente, incluso antipática, hacia el desnudo masculino y femenino. De hecho, el Concilio de Trento (1545-63) intentó detener los elementos "licenciosos" y "paganizadores" que, según ellos, se habían generalizado tanto en el arte religioso de los siglos XV y XVI, bajo la influencia de los cánones clásicos.
Desnudos masculinos en el arte barroco
En 1600, el manierismo, la fase final del Renacimiento había terminado, pero la influencia de este último perduró durante al menos tres siglos. Esto se debió a la arte fino academias que surgieron en toda Europa durante los siglos 16 y 17, para promover la pintura y la escultura. Su " arte académico "puso gran énfasis en dibujar desde el desnudo, y así mantuvo viva la tradición figurativa de Miguel Ángel y otros. Sin embargo, en Arte barroco, la desnudez se limitaba en gran medida, aunque no del todo, a obras alegóricas o mitológicas. Rubens, por ejemplo, usó el desnudo masculino en su pintura mitológica El borracho Hércules (1614), Caravaggio lo usó en su foto Amor Vincit Omnia (1603), mientras Guercino (1591-1666) ("squinter") – en su imagen que retrata la captura de Sansón – pintó a Sansón como el solitario desnudo, incapaz de resistir. En escultura, Bernini establece el estándar de la desnudez masculina con obras como Plutón y Proserpina (1621-2) y David (1623-4), seguidas de Pierre Puget ) Milon of Croton, 1671-82), Francois Girardon ) Plutón secuestrando Proserpina, 1693-1710), y Permoser Balthasar ) Apolo, 1715). Jean-Baptiste Pigalle causó un escándalo con su magnífica estatua desnuda del viejo Voltaire (1776).
Desnudos masculinos en el arte rococó y neoclásico
La desnudez masculina era una característica habitual del arte del siglo XVIII, aunque tal vez menos evidente que la desnudez femenina, al menos durante el Rococó período. Se usó principalmente en pinturas de historia (es decir, obras que contienen "istoria" o narrativa, como cuadros mitológicos), en esquemas decorativos y especialmente en escultura. En Arte neoclásico Escultores como Antonio Canova ) Apolo coronándose, 1781; Perseo con la cabeza de Medusa, 1797-1801; Damoxenos, 1796; Hércules y Licas, 1795-1815) modelaron sus esculturas en formas clásicas: su Perseo imita las proporciones y la postura de el famoso Apollo Belvedere, al igual que John Flaxman ) The Fury of Athamas). El pintor francés Jacques-Louis David también siguió una pose tradicional en su pintura Hombre desnudo conocido como Patroclo (1779), al igual que Jean-Auguste Dominique Ingres en su Edipo y la esfinge (1808). El gran pintor y dibujante figurativo alemán. Anton Raphael Mengs También produjo una serie de desnudos masculinos sobresalientes, incluyendo su dibujo de crayón y carboncillo Seated Nude como Cyclop (1770).
Desnudos masculinos en el arte del siglo XIX
El siglo XIX proporcionó una oportunidad final para la tradición clásica del desnudo masculino. Pierre-Charles Simart aprovechó al máximo con su obra maestra de mármol Orestes Sheltered in the Pallas Altar (1839-40). Jean-Baptiste Carpeaux usó la desnudez en su sombrío Ugolino de bronce (1862), y Rodin produjo obras maestras como The Age of Bronze (1876), The Thinker (1881) y The Kiss (1889), ninguna de las cuales se ajustaba a la teoría clásica de las proporciones. El escultor figurativo belga George Minne concibió un estilo completamente más íntimo de desnudo masculino, en obras como Adolescente I (1891) y Joven arrodillado en la fuente (1898), mientras que el artista francés Marius-Jean-Antonin Mercier produjo un notable David (1872-3), con ecos de Donatello. La desnudez masculina en la pintura del siglo XIX fue ejemplificada por imágenes vigorosas como Male Nude (1810-11) por Theodore Gericault.
Desnudos masculinos en el arte del siglo XX
A pesar del advenimiento del cubismo, el expresionismo y otras escuelas modernas, y el consiguiente declive de la tradición clásica, el desnudo masculino sigue siendo un símbolo potente en las bellas artes del siglo XX. En escultura, la desnudez masculina es ejemplificada por Feral Benga (1935) por Richmond Barthe; La tormenta (1947-8) de Germaine Richier; y la pareja hiperrealista (1971) por John De Andrea. En la pintura, el desnudo masculino está ejemplificado por numerosas obras del gran genio figurativo. Lucian Freud, como Naked Man with a Rat (1977).
A pesar de que fotografía Últimamente se ha aceptado como un arte, yo diría que la ausencia de barreras entre la impresión fotográfica y el espectador coloca al medio en una categoría significativamente diferente de la pintura y la escultura, por lo que no se trata aquí. Pero vea también artistas de cámara como Robert Mapplethorpe y otros.
Los 10 mejores desnudos masculinos en la historia del arte
Lista compilada por nuestro editor, Neil Collins LLB MA, quien también seleccionó nuestras listas de Las mejores pinturas: Top 300 y Grandes esculturas: Top 100.
10. Jóvenes arrodillados en la fuente (1898)
Escultura de bronce, Musee d’Orsay, París.
Por George Minne (1866-1941).
9. La Galia moribunda (c.240)
Copia de mármol de bronce original, Museo Capitolino, Roma.
Por escultor desconocido.
8. Orestes al abrigo del Altar de Pallas (1839-40)
Escultura de mármol, Museo de Bellas Artes, Rouen.
Por Pierre-Charles Simart (1806-57).
7. Jason con el vellocino de oro ((1803-28)
Mármol, Museo Thorvaldsen, Copenhague.
Por Bertel Thorvaldsen (1770-1844).
6. Perseo con la cabeza de Medusa (1545-54)
Bronce, Loggia dei Lanzi, Florencia.
Por Benvenuto Cellini (1500-71).
5. Apollo Sauroktonos (siglo IV)
Mármol, Museo Pio Clementino, Vaticano.
Copia del original por Praxiteles (activo a mediados del siglo IV a. C.).
4) Violación de las sabinas (1581-3)
Mármol, Loggia dei Lanzi, Florencia.
Por Giambologna (1529-1608).
3. Apolo coronándose a sí mismo (1781)
Mármol, Museo J Paul Getty, Los Ángeles.
Por Antonio Canova (1757-1822).
2) David de Miguel Ángel (1501-4)
Mármol, Galleria dell’Accademia, Florencia.
Por Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).
1) David por Donatello (c.1440)
Bronce, Museo Nazionale del Bargello, Florencia.
Por Donatello (1386-1466).
Para obtener una lista de los 50 retratos principales, consulte: Las mejores pinturas de retratos.
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