Expresionismo abstracto: historia, características Traductor traducir

«Expresionismo abstracto» es un término vago para referirse a un movimiento general de pintura en gran parte no representativa que floreció en Estados Unidos en las décadas de 1940 y 1950. Liderado por una generación de artistas estadounidenses -muy influenciados por inmigrantes europeos- que crecieron durante la Depresión y se vieron influidos por la Segunda Guerra Mundial y sus secuelas, la pintura expresionista abstracta no era ni completamente abstracta, ni expresionista e incluía varios estilos completamente diferentes. A pesar de ello, los diversos representantes del Expresionismo Abstracto tenían varios objetivos comunes, entre ellos el deseo de replantearse la naturaleza de la pintura y, en el proceso, crear una nueva forma de arte .

Entre los principales artistas abstraccionistas asociados a este movimiento se encuentran: Jackson Pollock (1912-1956), su esposa Lee Krasner (1908-1984), Franz Kline (1910-1962), Robert Motherwell (1915-1991), Willem De Kooning (1904-1997), Mark Rothko (1903-1970), Clyfford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970), Josef Albers (1888-1976), Philip Guston (1913-1980), Adolph Gottlieb (1903-1974) y William Baziotes (1912-1963). Entre los artistas de la segunda generación se encuentran Sam Francis (1923-1994).

El término «Expresionismo abstracto» se introdujo originalmente en Europa para describir la obra de pintores expresionistas alemanes . Sólo más tarde, en 1946, fue aplicado al arte estadounidense por el crítico de arte Robert Coates. Un nombre alternativo, «pintura de acción», fue acuñado en 1952 por Harold Rosenberg (1906-1978), quien, junto con Clement Greenberg (1909-1994), fue el crítico y apologista más influyente del nuevo movimiento, que también llegó a conocerse como «Escuela de Nueva York». En 1955, el Expresionismo Abstracto se había convertido casi en la nueva ortodoxia. Mientras tanto, en Europa Occidental aparecieron movimientos paralelos con diversos nombres, como Art Informel (c. 1945-60), junto con subvariantes como Lyrical Abstraction (finales de los años cuarenta, años cincuenta), Tachisme (c. 1945-60) y el grupo COBRA (1948-51). En Europa del Este el Art Informel se consideró una expresión de individualismo feroz y fue totalmente rechazado por las autoridades comunistas.

Nota: Para formas anteriores de expresionismo, véase: Pintura expresionista .

Historia

La América de los años 40, de donde procede el Expresionismo Abstracto, aún estaba experimentando el colapso del orden mundial causado por la Segunda Guerra Mundial. Esto tuvo un gran impacto en los artistas del país - muchos de ellos aún recordaban la Gran Depresión y sus programas de ayuda, como la Works Progress Administration, que les dio una carrera en la pintura, y empezaron a buscar formas de responder al clima de incertidumbre.

El problema era que los dos principales movimientos artísticos de la década de 1930 -a saber, el Regionalismo y el Realismo Social no satisfacían su deseo de romper con el pensamiento existente. Para ello se vieron fuertemente influidos por la llegada desde Europa de numerosos refugiados, artistas contemporáneos cuyo enfoque radical del arte abría una serie de nuevas posibilidades.

Entre estos exiliados se encontraban figuras como el armenio Arshil Gorki, que se instaló en Estados Unidos en 1920, y el alemán Hans Hofmann, que se trasladó a América en 1930, así como el expresionista alemán Georg Grosz (1893-1959), el cubista Fernand Léger (1881-1955), el pintor abstraccionista de la Bauhaus Josef Albers (1888-1976) y el abstraccionista geométrico Piet Mondrian (1872-1944). Otros inmigrantes influyentes fueron el dadaísta Marcel Duchamp (1887-1968) y los surrealistas Yves Tanguy (1900-1955), André Masson (1896-1987), Max Ernst (1891-1976) y André Breton (1896-1966). Especialmente influyentes fueron los pintores surrealistas con su idea de la pintura «automática» inconsciente, que fue adoptada por Jackson Pollock y otros. Véase también: Historia de la pintura expresionista (c. 1880-1930).

La importancia de estos artistas para el nuevo movimiento americano fue reconocida ya en 1944 por el propio Jackson Pollock: «El hecho de que los buenos modernistas europeos estén aquí ahora es muy importante porque trajeron consigo una comprensión de los problemas de la pintura moderna».

El intercambio de ideas en Nueva York se vio facilitado por una creciente infraestructura de salas y exposiciones que promovían el arte moderno, como el Museo de Arte Moderno (fundado en 1929), que acogió exposiciones de cubismo, otros estilos de arte abstracto, dadaísmo, arte fantástico y surrealismo, así como retrospectivas de Léger, Henri Matisse y Pablo Picasso, entre otros. También se expusieron obras de Gabo, Mondrian, El Lissitzky y otros artistas de vanguardia en el Museo de Arte Vivo Albert Gallatin.

Otro lugar de exposiciones fue el Museo de Pintura No Objetiva (fundado en 1939), predecesor del Solomon R. Guggenheim Museum, que destacó por su colección de pinturas de Wassily Kandinsky (1866-1944). Los temas e ideas del modernismo europeo también se difundieron a través de la educación. El artista inmigrante alemán Hans Hofmann ejerció una enorme influencia en artistas, críticos y en el desarrollo del arte moderno estadounidense a través de su escuela de arte de Nueva York, donde enseñó de 1933 a 1958. Por último, no se puede subestimar el papel de críticos de arte, así como de mecenas y coleccionistas adinerados, en particular Peggy Guggenheim (1898-1979) y Leo Castelli (1907-1999), que fueron agentes activos del nuevo movimiento. Véase también: Museos de arte en América .

Figuras clave en el desarrollo del Expresionismo Abstracto

Entre los artistas locales, Albert Pinkham Ryder (1847-1917) está considerado un precursor temprano de la abstracción expresionista abstracta. Además, Stuart Davis (1894-1964), figura clave de la transición entre el arte estadounidense de preguerra y el de posguerra, aportó una decidida integridad a su búsqueda de la estructura pictórica. (En un curioso paralelismo con el estudio de cadáveres de caballos que George Stubbs realizaba durante meses para mejorar sus conocimientos de anatomía equina, Davis se encerró en un armario durante largos periodos en 1927 para estudiar el batido de huevos). Su aportación puede considerarse una continuación americana del cubismo: a veces se acercaba a Fernand Léger, pero utilizaba el color de un modo muy diferente, brillante y nítido, duro y plano.

Esto, y su llamativa modernidad, su uso del vocabulario banal de la vida urbana cotidiana, fue una influencia decisiva en los artistas de los años 40 y 50, y más tarde en el Pop Art. También fueron significativos los Precisionistas, un grupo poco unido que representó la América moderna en una versión rígida y audazmente coloreada del cubismo. Durante un tiempo incluyeron a Georgia O’Keeffe (1887-1986), que durante una larga carrera produjo imágenes cada vez más abstractas basadas en formas orgánicas ampliadas y en las llanuras onduladas y azotadas por el viento de Texas.

Pero los dos principales precursores del Expresionismo Abstracto fueron Arshile Gorky (1905-1948) y Hans Hofmann (1880-1966), ninguno de los cuales estuvo asociado con el primer movimiento expresionista en Alemania. En 1942, Gorki había llegado a una pincelada muy suelta y caligráfica, de colores muy vivos, a menudo totalmente desprovista de imágenes. "Nunca termino un cuadro, simplemente dejo de trabajar en él durante un tiempo". Hofmann fundó una escuela en Nueva York que ejerció una profunda influencia sobre él, donde no sólo dio un apoyo teórico poderosamente articulado al arte no figurativo, sino que también se mantuvo muy abierto a nuevos estímulos.

En particular, reflejó las ideas simbolistas sobre la independencia del mundo del arte del mundo de lo visible: utilizó el color para expresar el estado de ánimo, como Kandinsky, pero conservó un sentido de la estructura procedente de Paul Cézanne (1839-1906) y del cubismo. Anticipándose a Pollock, incluso experimentó con la técnica «de las gotas» en 1940, pero sus invenciones coloristas más mágicas, que aparecieron ya tarde en su vida, expresan una serenidad radiante muy distinta de todo lo que Pollock había creado. Entre los acólitos de Hofmann se encontraba el crítico de arte Clement Greenberg, firme defensor del expresionismo abstracto, y entre sus alumnos estaba la artista Lee Krasner, que presentó Hofmann a su marido Jackson Pollock.

Caracterización: dos estilos

En pocas palabras, el movimiento del Expresionismo Abstracto incluyó dos grandes grupos. Entre ellos se incluyen:
❶ los llamados « pintores de acción», como Jackson Pollock y Willem de Kooning, que se centraron en un estilo intensamente expresivo de pintura gestual ; y
❷ artistas más pasivos « del campo de color», en particular Mark Rothko, Barnett Newman y Clyfford Still, preocupados por la reflexión y el estado de ánimo. Sin embargo, no siempre es fácil trazar una línea precisa entre estos dos tipos de Expresionismo Abstracto, y varios artistas contribuyeron a ambos movimientos.

Pintura de acción

En 1947, tras la creación de numerosas pinturas abstractas en el estilo «all-over» (véase, por ejemplo, Pasiphae («all-over luminosa», 1943, Metropolitan Museum of Art) - Jackson Pollock, apoyado por su esposa Lee Krasner (1908-1984), desarrolló una nueva técnica radical (que tanto Hofmann como Krasner habían probado anteriormente) llamada «action painting», que consistía en gotear pintura diluida sobre un lienzo en bruto extendido en el suelo con amplias y rítmicas pinceladas de un pincel grande y cargado (si se utilizaba pincel) o, más a menudo, directamente de una lata -muy lejos del método pictórico tradicional de aplicar el pigmento con un pincel sobre un lienzo en un caballete. Pollock trabajaba de forma espontánea e improvisada, bailando alrededor del lienzo, vertiendo, lanzando y goteando pintura sobre él. Con ello pretendía canalizar sus impulsos internos directamente sobre el lienzo, en una forma de pintura automática o subconsciente. Para más información, véase Jackson Pollock’s Paintings (1940-56).

Los cuadros de Pollock rompieron todas las convenciones del arte tradicional americano. Su temática era completamente abstracta, la escala era enorme y el iconoclasta método de producción llegó a ser casi tan importante como las propias obras. Para estos expresionistas abstractos, la autenticidad de un cuadro radicaba en su franqueza e inmediatez de expresión: en la forma en que el artista transmitía sus impulsos internos, su ser inconsciente. En cierto sentido, el propio cuadro se convertía en un acontecimiento, un drama de autodesvelamiento. De ahí el término «pintura de acción».

Una característica importante de este «acontecimiento» era el carácter «global» o informe de las pinturas. Las obras de Pollock, en particular, parecían extenderse más allá del lienzo, cortadas únicamente por los límites físicos de los bordes del lienzo.

En resumen, Pollock (y otros) descartaron todas las nociones tradicionales de composición, espacio, volumen y profundidad, permitiendo que el plano del cuadro ocupara el centro del escenario. Como era de esperar, los cuadros causaron furor. El crítico de arte «del New York Times» John Canaday fue muy crítico, pero Clement Greenberg proclamó que el expresionismo abstracto en general y Jackson Pollock en particular eran el epítome del valor estético, Apoyó con entusiasmo la obra de Pollock por motivos formalistas, considerándola la mejor pintura de su tiempo y la heredera de una tradición artística -que se remonta al cubismo de Pablo Picasso, las pinturas cúbicas de Paul Cézanne y la serie de Claude Monet Nenúfares «»- cuya característica definitoria es la realización de marcas sobre una superficie plana. Harold Rosenberg hizo hincapié en la naturaleza «existencial» de la obra de Pollock, afirmando que "lo que iba a ir al lienzo no era una pintura, sino un acontecimiento".

Aunque Willem de Kooning también se agrupó con Pollock en un tipo de Expresionismo Abstracto muy cargado de actividad, su obra difiere de la de este último tanto técnica como estéticamente. Su violenta y siniestra serie de seis cuadros «Mujer» (1950-3), que representa una figura femenina de tres cuartos, es un ejemplo de su estilo figurativo, aunque también produjo obras más abstractas. Véase también su primera obra maestra, Mujer sentada (1944, Metropolitan Museum of Art), prototipo de la serie Mujer .

Al igual que Pollock, De Kooning estaba convencido de que el artista encarna sus impulsos interiores y que el espectador puede leer algo de sus emociones o su estado de ánimo en los trazos de pintura resultantes. "Pinto así porque puedo poner más y más en un cuadro: drama, ira, dolor, amor… a través de tus ojos vuelve a ser una emoción o una idea".

Otros importantes defensores del action painting son: Mark Tobey, conocido por su estilo caligráfico de gesticulación caligráfica «White Writing» ; Franz Kline, artista cuya obra incluye composiciones de campo de color, así como una vigorosa gesticulación, a veces comparada con fragmentos de caligrafía china agrandados gigantescamente); Robert Motherwell (en su serie titulada «Elegía a la República Española», y sus poderosas pinturas en blanco y negro); Cy Twombly (en sus obras gestuales basadas en símbolos caligráficos y lineales); y Adolf Gottlieb (conocido por sus series abstractas surrealistas que incluyen Pictogramas, Paisajes imaginarios, Paisajes imaginarios, y Explosiones).

Los artistas asociados a las técnicas de action-painting siguen siendo muy buscados por los coleccionistas. Jackson Pollock y Willem de Kooning figuran entre los diez cuadros más caros del mundo .

Pintura de campo de color

Algo más tarde que la pintura de acción, se desarrolló un segundo estilo del Expresionismo Abstracto, que se conoció como Pintura de Campo de Color . (Una rama de este estilo fue la serie de obras de Josef Albers «Honouring the Square»). Surgió en una época en la que varios artistas importantes de Estados Unidos a finales de los años 40 y 50 (por ejemplo, Mark Rothko, Clyfford Stills, Barnett Newman) experimentaban con el uso de zonas planas o campos de color para evocar la contemplación en el espectador, incluso hasta el punto de alcanzar una intensidad mística.

Eran en gran medida el ala pasiva del movimiento expresionista abstracto, en contraste con las obras agresivas de Pollock o De Kooning, aunque es difícil trazar una línea divisoria definitiva. Por ejemplo, la obra de Clyfford Stills puede tener un humor atronador, pero contrastar positivamente con las acciones de Pollock. Las obras de estos artistas eran de gran escala, en lo que se diferenciaban marcadamente de los estudios afines de Albers y otros, siendo la escala necesaria para crear el efecto.

El impulso detrás de la pintura de campo de color era reflexivo y cerebral, caracterizado por imágenes pictóricas simples diseñadas para crear un impacto emocional. Rothko y Newman, entre otros, describieron su deseo de alcanzar lo «sublime», en lugar de lo «bello». Su estilo (en palabras de Newman), que era un tipo de minimalismo fuertemente coloreado, pretendía liberar al artista de "todas las restricciones de la memoria, la asociación, la nostalgia, la leyenda y el mito que eran características de la pintura europea occidental".

Las formas rectangulares de Rothko, de bordes suaves y color radiante, pretendían envolver al espectador y evocar una experiencia emocional semirreligiosa, hasta las lágrimas. Al igual que Pollock y los pintores accionistas, las pinturas de campos de color se ejecutaban a escala monumental para lograr un impacto óptimo, no para evocar una grandeza heroica, sino para afectar y crear una relación íntima con el espectador. Rothko dijo: "Pinto grandes cuadros para intimar".

El más destacado de estos artistas que trabajan en el campo del color fue Mark Rothko . Se le ha llamado, junto con Clyfford Steele, el principal representante «de lo sublime americano». Apareció por primera vez en una exposición en 1929 y hacia 1940 ya trabajaba en una línea surrealista. Sin embargo, en 1947 ya había desarrollado una fórmula a la que permaneció fiel el resto de su vida. Esta fórmula, aunque suele interpretarse a escala monumental, es casi tan simple como el cuadrado de Josef Albers.

Los cuadros de Mark Rothko suelen consistir en dos o tres rectángulos horizontales o verticales de diferentes colores, que varían en anchura o altura, sobre un fondo de color liso. Los rectángulos están rellenos de color difuminado o coloreado con tonos cambiantes e intensidad luminosa, y sus bordes están difuminados en enfoque suave. Esta difuminación de los bordes hace que el color parezca flotar. Tan fuerte e intensa es la impresión de un misterioso resplandor que emana de estos grandes lienzos que los propios espectadores pueden experimentar la sensación de flotar.

Clyfford Still, siempre distante, también trabajó a gran escala. Su estilo característico son las formas fuertemente superpuestas, dentadas, siluetas en dramático contraste contra un plano de color amplio y plano.

Barnett Newman, asociado con Rothko y Motherwell en la creación de la 8th Avenue Art School de Nueva York en 1947, trabajó durante un tiempo en la revista The Tiger’s Eye, que expresaba las opiniones de muchos miembros del grupo. En su obra de madurez llegó a soluciones aún más simplistas que Rothko y nunca se dejó influir por la pintura gestual de Pollock. En su fórmula, sin embargo, el propósito místico se reduce a la geometría simbólica más exigua, compuesta por un lienzo rectangular con un área de color dividida por una o varias franjas verticales. Sus obras tienen un carácter impasible y son esencialmente frías.

Otros artistas que trabajaron con un campo de color fueron William Baziotes, que tenía un talante similar al de Mark Rothko y Barnett Newman, pero desarrolló un estilo que rozaba lo figurativo, algo que ellos nunca tuvieron. Sus cuadros contienen formas relativamente complejas que se asemejan a formas animadas o inanimadas; Philip Guston (1913-1980), que tuvo su propia variante muy personal, a veces denominada «impresionismo abstracto», de la que pasó a un estilo más expresivo a finales de la década de 1950.

Adolf Gottlieb, contemporáneo cercano de Clyfford Stills, utilizó la imaginería surrealista en la década de 1930, pero también se interesó profundamente por el arte indio americano, en el que basó sus llamadas «Pictografías», caracterizadas por una imaginería muy freudiana, en la década de 1940. Otra figura importante en el desarrollo de la pintura de campo de color fue Helen Frankenthaler (nacida en 1928), que comenzó como cubista y a principios de la década de 1950 se orientó hacia un estilo de expresionismo abstracto, desarrollando considerablemente la técnica de las «Gotas» de Pollock.

El cuadro de Mark Rothko «White Centre» (1950) se vendió en subasta en 2007 por la cifra récord de 72,8 millones de dólares. Véase Los 20 cuadros más caros del mundo .

Josef Albers: Homenaje al cuadrado

El artista alemán Josef Albers, profesor del Black Mountain College de Carolina del Norte desde 1933, desarrolló una rama del arte del color que exploraba la armonía y la proporción en el Expresionismo Abstracto. En sus clases exploró la relación entre geometría y color en una serie de cuadros titulados «Variaciones sobre un tema».

Tras trasladarse a Yale en 1950, comenzó su serie titulada Homenaje al cuadrado . Esta enorme colección de obras estaba formada por cientos de pinturas y grabados de formato cuadrado. Aunque varían en tamaño, todos tienen tres o cuatro cuadrados superpuestos, un nido de cuadrados dispuestos con simetría vertical pero no horizontal. Albers utilizó esta fórmula para demostrar su profunda creencia en la dicotomía más importante del arte - «la discrepancia entre el hecho físico y el efecto físico», por lo que la estructura lineal de sus cuadros cuadrados se caracteriza por una claridad extrema.

La estructura cromática se crea de manera similar mediante pintura aplicada uniformemente, directamente del tubo. El color de cada uno de los tres o cuatro cuadrados no suele variar en intensidad y, por lo tanto, no expresa más cualidades que su tono definido. A los ojos del espectador, el plano del cuadro se convierte en tridimensional, ya que un color parece avanzar y el otro retroceder, de acuerdo con su naturaleza contrastada. Además, la uniformidad pura del color dentro de cada cuadrado se ve afectada ópticamente por la reacción con sus vecinos, y todos los colores cambian de carácter a medida que cambia la luz con la que se ven.

Algunos historiadores del arte han comparado la serie de obras de Albers «Memoria de un cuadrado» con los famosos cuadros de Claude Monet «Nenúfares», pero los herederos de Albers fueron los norteamericanos de finales de los años cincuenta y sesenta que, respetando los logros del expresionismo abstracto, encontraron en sus obras un patrón y un intenso sentido del color sobre los que basarse. Más tarde, su interés por la percepción volvió a ser relevante para el op art e incluso para el arte conceptual.

Para otros movimientos similares a la pintura expresionista abstracta, véase Movimientos, periodos y escuelas artísticas (desde aproximadamente el año 100 a.C.).

Herencia

La primera generación de pintores expresionistas abstractos floreció desde 1943 hasta mediados de la década de 1950. Ejercieron una gran influencia en la reputación de la pintura estadounidense, lo que llevó al establecimiento de Nueva York como centro del arte mundial. El estilo fue introducido en París en la década de 1950 por el artista canadiense Jean-Paul Riopelle (1923-2002), a quien ayudó mucho el libro seminal de Michel Tapie «Un Art Autre» (1952). Michel Tapie también promovió la obra de Jackson Pollock y Hans Hofmann en Europa.

Al mismo tiempo, surgieron nuevos submovimientos estadounidenses como Hard Edge Painting, ejemplificado por artistas como Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella (n.1936), Jules Olitski (n.1922) y Al Held (n.1928). En Europa, en las décadas de 1940 y 1950, el expresionismo abstracto se conocía como Art Informel (arte sin forma). Entre las subvariantes del Art Informel se incluyen: Tachismo (c. 1945-60), caracterizado por el uso irregular de manchas de color. Entre sus defensores se encontraban artistas como Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992) y los artistas estadounidenses Pierre Soulages (n. 1919) y Sam Francis (1923-1994).

Estrechamente relacionado con el tachismo está el abstraccionismo lírico, un tipo de pintura abstracta más suave que eliminaba algunos de los elementos más subjetivos del estilo art-informel, Ejemplificado por Nicolas de Staël (1914-1955), Jean Paul Riopelle (1923-2002) y el colorista Patrick Heron (1920-1999). Véase también: Grupo COBRA . El término «Abstracción lírica» también se utilizó en Estados Unidos a principios de la década de 1960 para referirse a un estilo puramente abstracto de pintura en color que apareció en la obra de Helen Frankenthaler, Morris Louis (1912-1962), Kenneth Noland (n.1924) y otros. Rechazó el contenido emocional o religioso del anterior estilo del Expresionismo Abstracto y la aplicación altamente individual o gestual asociada a él.

En 1964, el crítico de arte Clement Greenberg organizó una influyente exposición (» Post-Painterly Abstraction») de obras de 31 artistas asociados a este movimiento en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. La exposición viajó posteriormente a importantes museos de arte de Estados Unidos. Mientras tanto, en Gran Bretaña, en la década de 1960, apareció una nueva variante de la pintura de campo de color en la obra de Robin Denny, John Hoyland, Richard Smith y otros.

En la década de 1960, los principales efectos del Expresionismo Abstracto habían sido completamente absorbidos, aunque sus temas y técnicas siguieron influyendo en artistas posteriores de diversas escuelas, como el Op Art, el Fluxus, el Pop Art, el Minimalismo, el Postminimalismo, el Neoexpresionismo y otros.

EVOLUCIÓN DEL ARTE VISUAL
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ABSTRACTO
Para aprender sobre el arte concreto y sin objeto, ver: Pintura abstracta: Top 100 . Para una lista de estilos importantes, véase Movimientos en el Arte Abstracto .

HISTORIA DE LAS BELLAS ARTES
Sobre la evolución de las bellas artes, véase : Cronología de la Historia del Arte . Sobre el óleo, el acrílico, la acuarela y otros tipos de pintura: Pintura .