Arte estadounidense: historia de las bellas artes en América Traductor traducir

Arte americano (c.1750-2000)

Esta es una guía breve de 20 pasos de la historia del arte estadounidense, que incluye pintura, escultura, arquitectura y formas de arte contemporáneo, desde la época colonial. Para la cultura temprana en las Américas, ver: Arte precolombino (1200 BCE-1535 CE). Para la cultura nativa americana posterior, ver: Arte indio americano (1000 a. C.-1900).

Para la historia y características del diseño arquitectónico en los Estados Unidos, ver: Arquitectura americana (1600-presente).

1. Artistas coloniales del siglo XVIII

Arte colonial americano Durante los siglos XVII y XVIII se limitó en gran medida a los retratos y algunas pinturas de paisajes. Las pocas oportunidades disponibles para artistas derivadas de los contactos con la clase colonial. Los pintores coloniales estadounidenses importantes incluyen:

Benjamin West (1738-1820)
El "Padre de la pintura estadounidense", activo en Inglaterra, donde influyó en una serie de artistas de Estados Unidos, incluidos John Copley, Gilbert Stuart, Allston Washington.

John Singleton Copley (1738-1815)
Destacado por sus retratos de Boston y Londres y pinturas de historia.

Gilbert Stuart (1755-1828)
Conocido por sus retratos de George Washington, Stuart es visto como el mejor retratista estadounidense del siglo XVIII y el creador de un estilo de arte distintivamente estadounidense.

Otros pintores estadounidenses notables del siglo XVIII incluyen: el retratista Ralph Earl (1751-1801) y el retratista / pintor de historia John Trumbull (1756-1843).

La arquitectura estadounidense de la época colonial era típicamente georgiana o neoclásica. Este último abarcaba el ’Estilo Federal’ y los diseños del Renacimiento griego. Arquitectos americanos del período incluyen Thomas Jefferson (1743-1826), William Thornton (1759-1828), James Hoban (1762-1831), Charles Bulfinch (1763-1844) y Benjamin Latrobe (1764-1820).

2. Arte del paisaje americano del siglo XIX

Una América independiente ofreció más oportunidades para todos, incluidos los artistas. Aunque la fotografía (inventada en 1839) eventualmente reemplazó a la pintura como un cronista de eventos y experiencias, la América del siglo XIX confió en los pintores para registrar estas cosas. El retrato continuó siendo financieramente gratificante, pero los paisajes de la naturaleza estadounidense también fueron populares. Los dos estilos más famosos de pintura con vista panorámica, ambos muy románticos, fueron inspirados en Thomas Cole Escuela del río Hudson (c.1825-65) y su posterior ramificación Luminismo (c.1850-75). La escuela Barbizon de plein-air francesa también fue influyente, mientras que un estilo conocido como tonalismo creció en las décadas de 1880 y 90. Entre los pintores norteamericanos del siglo XIX y los pintores al aire libre más importantes se incluyen:

Thomas Cole (1801-48)
Famoso por la grandeza y la calidad dramática de sus escenas salvajes.

George Inness (1825-1894)
Trajo las técnicas de la Escuela Barbizon a América y ayudó a definir el movimiento impresionista tonalista.

Iglesia de Frederic Edwin (1826-1900)
Alumno de Cole, y el pintor paisajista más grande y romántico de Estados Unidos, Church cruzó el continente, pintando bosques tropicales, cascadas, volcanes e icebergs.

Albert Bierstadt (1830-1902)
Pintor paisajista nacido en Alemania, miembro de la Escuela de Dusseldorf, la Escuela del Río Hudson y la Escuela de Arte Paisajístico Romántico de las Montañas Rocosas.

Otros artistas del río Hudson incluyen: Thomas Doughty (1793-1856), Asher Brown Durand (1796-1886), Robert Walter Weir (1803-1889), John William Casilear (1811-1893), Worthington Whittredge (1820-1910), Robert Duncanson (1821-1872), William Hart (1823-1894), David Johnson (1827-1908), Jervis McEntee (1828-1891), James McDougal Hart (1828-1901), Thomas Hill (1829-1908), Hermann Ottomar Herzog (1831-1932), William Stanley Haseltine (1835-1900).

Los artistas luministas incluyen : John F. Kensett (1816-72), Martin Johnson Heade (1819-1904), Sanford Robinson Gifford (1823-80), Jasper Francis Cropsey (1823-1900), William Trost Richards (1833-1905), Norton Bush (1834-94), Edmund Darch Lewis (1835-1910), Alfred T. Bricher (1837-1908), Thomas Moran (1837-1926).

George Caleb Bingham (1811-1879)
El célebre y muy popular pintor de óleo fronterizo, paisaje luminista y artista de género de Missouri.

Otros pintores de la frontera estadounidense incluyen Frederic Remington (1861-1909) el retratador más famoso del Cowboy West; el acuarelista Charles Russell (1864-1926); el pintor de género William Sidney Mount (1807-68) destacó por sus escenas rurales que atraían a los habitantes de la ciudad; Albert Pinkham Ryder (1847-1917) destaca por sus escenas mitológicas románticas pero sombrías.

Pintura de la historia
Mucho menos popular que la pintura de paisajes y retratos, la tradición de la pintura de historia en América fue llevada a cabo por el pintor germano-estadounidense. Emanuel Gottlieb Leutze (1816-68), quien es mejor recordado por su obra maestra Washington Crossing the Delaware .

3. Retrato americano del siglo XIX y pintura de género

Además de los paisajes, los artistas estadounidenses produjeron retratos y una variedad de pinturas de temas o géneros. John Singer Sargent fue el mejor retratista de la época, mientras que Winslow Homer fue uno de los principales pintores de temas. Los grandes movimientos artísticos europeos del impresionismo y el postimpresionismo tuvieron algunos seguidores en los Estados Unidos, pero el realismo siguió siendo el estilo dominante.

Entre los pintores y pintores de género estadounidenses importantes del siglo XIX se incluyen:

Winslow Homer (1836-1910)
Homero, uno de los artistas más famosos de Estados Unidos, tenía talento para representar la naturaleza de una manera que reflejara el espíritu pionero estadounidense. Autodidacta tanto en acuarela como en pintura al óleo, sus imágenes tratan de las oscuras vidas de pescadores, soldados, marineros, leñadores, cazadores, pioneros, la gente común de la raza humana.

Thomas Eakins (1844-1916)
Simplemente el mayor exponente estadounidense del realismo figurativo; recibió mucho menos reconocimiento oficial durante su vida de lo que merecía.

John Singer Sargent (1856-1925)
Activo en Europa y Londres, fue el mejor retratista estadounidense de su época. Sus mejores obras incluyen: Las hijas de Edward Darley Boit (The Boit Sisters) (1882, Museo de Bellas Artes, Boston); Retrato de madame X (Madame Pierre Gautreau) (1884); y El jaleo (1882, Museo Isabella Stewart Gardner, Boston)

Realismo en escultura
Para las estatuas realistas, vea Fin del camino por James Earle Fraser (1876-1953) y Fighting Stallions por Anna Hyatt Huntington (1876-1973).

4. Impresionismo americano del siglo XIX.

El pionero de Impresionismo americano fue el pintor tonalista expatriado James McNeill Whistler (1834-1903). Activo en Gran Bretaña como retratista, paisajista, simbolista y miembro del movimiento estético, es mejor conocido por sus "arreglos", "armonías" y "nocturnos". Los pintores impresionistas americanos posteriores incluyeron: el artista de Pittsburgh Mary Cassatt (1844-1926); el bostoniano Childe Hassam (1859-1935) mejor conocido por sus "pinturas de banderas"; el retratista entrenado en Munich William Merritt Chase (1849-1916); J. Alden Weir (1852-1919) que se destacó en paisajes, bodegones y pinturas de flores; Theodore Robinson (1852-96), un amigo cercano de Claude Monet; el artista de Cincinnati John H Twachtman (1853-1902); Thomas Dewing (1851-1938), pintor de interiores y paisajismo, y seguidor del esteticismo; y John Singer Sargent (1856-1925). Además, Robert Henri (1865-1929) y William James Glackens (1870-1938), ambos miembros de The Eight , produjeron una serie de excelentes lienzos de estilo impresionista.

A medida que el mundo del arte estadounidense se expandió durante el siglo XIX, también lo hicieron sus organizaciones. La Academia Estadounidense de Bellas Artes se fundó en 1802 y funcionó hasta 1841. Posteriormente, fue reemplazada por la Academia Nacional de Diseño (originalmente llamada Sociedad para la Mejora del Dibujo), que se estableció en 1825 en Nueva York. La Academia Nacional fue la asociación de bellas artes más activa de Estados Unidos hasta el siglo XX, cuando su naturaleza conservadora gradualmente la convirtió en una institución más histórica.

Además, Estados Unidos conmemoraba gran parte de su historia del siglo XIX en esculturas conmemorativas, como las de Daniel Chester francés (1850-1931).

5. Arquitectura del siglo XIX

Los principales estilos de la arquitectura estadounidense durante el siglo XIX fueron el renacimiento griego, el renacimiento gótico, el segundo imperio, junto con algunos diseños de estilo italiano y románico. El avivamiento griego llegó primero, liderado en gran parte por Jefferson, Latrobe y Bulfinch. El diseño arquitectónico neogótico fue ejemplificado por el trabajo de Richard Upjohn (1802-78) y James Renwick (1818-95), mientras que los diseños de estilo románico fueron perseguidos por Henry Hobson Richardson (1838-86). El estilo Beaux-Arts menos extendido, una mezcla de arquitectura neorrenacentista y neobarroca, fue defendido en particular por Richard Morris Hunt (1827-95) y Cass Gilbert (1859-1934). Mientras tanto, los primeros rascacielos reales fueron diseñados por el Escuela de arquitectura de Chicago (c.1880-1910), dirigido por William Le Baron Jenney (1832-1907).

6. 1900: desarrollo del arte moderno en América

A partir de este momento, el arte europeo y, lo que es más importante, los artistas europeos, comienzan a tener un impacto mucho mayor en Estados Unidos. Este es el resultado de dos factores principales. (1) el surgimiento del poder comercial estadounidense, que a su vez llevó a la aparición de poderosos coleccionistas de arte y filántropos estadounidenses, que compraron arte europeo para museos en los Estados Unidos. El crecimiento de las ciudades americanas, por cierto, los convirtió en clientes ideales para – y desarrolladores de – nuevos estilos de arquitectura europea como el Art Nouveau (floreció entre 1890 y 1914) y el Art Deco (1920, 1930). (2) El caos y la carnicería de la Primera y la Segunda Guerra Mundial llevaron a muchos artistas continentales a emigrar a los Estados Unidos. Un efecto de este aumento de la influencia europea fue la aparición gradual de una escuela de arte abstracto: inicialmente orientada al cubismo, luego geométrica y colorista, proporcionó un contraste obvio con el representacionalismo nativo.

La famosa vanguardia Show de armería (oficialmente titulada Exposición Internacional de Arte Moderno), vista por más de un cuarto de millón de visitantes en Nueva York, Chicago y Boston, marcó un punto de inflexión en el interés público en el arte moderno. Las exhibiciones presentaron las mejores pinturas modernas, incluidas obras de artistas modernistas estadounidenses y europeos. Organizado por Arthur B Davies (1862-1928), presidente de la Asociación de Pintores y Escultores de América , un grupo iniciado por Robert Henri (1865-1929) – el espectáculo atrajo a varios mecenas y coleccionistas importantes, incluidos: Lillie P Bliss (1864-1931) y Katherine Dreier (1877-1952), quienes se convirtieron en benefactores clave del Museo de Arte Moderno (MoMA). York Otras exposiciones importantes que datan de este período incluyen la exposición internacional de arte contemporáneo Carnegie, realizada desde 1896 en el Museo de Arte del Instituto Carnegie de Pittsburgh; y, por supuesto, la Bienal de Whitney, un evento por invitación celebrado desde 1932.

Varios famosos museos de arte estadounidenses, dotados por filántropos industriales y estadounidenses, datan de alrededor del cambio de siglo. Incluyen: el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (1870), que ahora posee más de 3 millones de obras; El Museo de Bellas Artes de Boston (1870), cuya colección ahora tiene 450, 000 obras; El Museo de Arte de Filadelfia (1876), con 200 galerías y más de 225, 000 objetos; El Instituto de Artes de Detroit (principios de la década de 1880), con 100 galerías y una colección valorada en más de $ 1 mil millones; ¡El Instituto de Arte de Chicago (1893), cuya colección incluye 33 obras maestras de Claude Monet!; The Frick Collection (1919), uno de los mejores museos de arte "bijou" del mundo; The Phillips Collection (1921), otro de los mejores museos "pequeños" del mundo; El Museo Whitney de Arte Americano (1930), fundado por Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942).

Una influencia importante en el desarrollo del arte estadounidense a principios del siglo XX fue el fotógrafo, editor y comerciante de arte estadounidense. Alfred Stieglitz (1864-1946), más tarde el esposo de la artista Georgia O’Keeffe, quien, con la ayuda de su colega cercano Edward Steichen (1879-1973): dedicó gran parte de su energía a promover la fotografía artística, así como la pintura y escultura modernistas en el área de Nueva York. Otros primeros artistas de cámara incluidos Dorothea Lange (1895-1965) y Walker Evans (1903-1975).

7. Arte urbano americano del siglo XX

La creciente jungla de hormigón de las ciudades americanas, completa con su imponente arquitectura de rascacielos , atrajo las habilidades técnicas y artísticas de varios talentos Arquitectos americanos , incluyendo figuras tan diversas como Frank Lloyd Wright (1867-1959), Walter Gropius (1883-1969), Mies van der Rohe (1886-1969) – campeón de la " Estilo internacional ", y líder de la Segunda escuela de arquitectura de Chicago – la firma de arquitectos de fama mundial Skidmore, Owings and Merrill y su revolucionario diseñador Fazlur Khan (1929-82), así como Philip Johnson (1906-2005), IMPei (n. 1917) y Frank O. Gehry (nacido en 1929). La escena urbana también atrajo la atención de varios movimientos de mini-arte. Incluyeron: el Escuela Ashcan (Nueva York c.1892-1919), un conjunto progresivo de pintores e ilustradores estadounidenses que describieron la vida de la ciudad de Nueva York, en un estilo arenoso y sin pulir. La Escuela Ashcan (cuyo ’núcleo’ era conocido como ’ Los Ocho ’, incluía a Arthur B. Davies, William J Glackens (1870-1938), Robert Henri (1865-1929), Ernest Lawson (1873-1939), George Luks (1867-1933), Maurice Prendergast (1858-1924), Everett Shinn (1876-1953) y John Sloan (1871-1951). Incluye pintores de Ashcan de segunda generación Fuelle de George Wesley (1882-1925) y Edward Hopper (1882-1967) que produjo numerosas obras de género realistas, así como paisajes, ver, por ejemplo, House by the Railroad (1925, Museum of Modern Art) y Faro a las dos luces (1929, Museo Metropolitano) y su obra maestra Nighthawks (1942, Instituto de Arte de Chicago).

Otra influencia en la pintura moderna en América fue Precisión (o Realismo cubista, década de 1920), cuyo enfoque era la industria moderna y los paisajes urbanos, caracterizados por la representación realista de los objetos, pero de una manera que también destacaba su forma geométrica. Fue ejemplificado en obras de Charles Demuth (1883-1935) y Charles Sheeler (1883-1965), mientras que las imágenes urbanas de Georgia O’Keeffe (1887-1986) también están asociados con el estilo Precisionista. Otros precisistas incluyen: George Ault (1891-1948), Ralston Crawford (1906-78) y Niles Spencer (1893-1952). Un estilo posterior de Realismo social fue practicado por pintores de la escena urbana estadounidense de la era de la depresión, como Ben Shahn (1898-1969), Moses Soyer (1899-1974), Raphael Soyer (1899-1987), Reginald Marsh (1898-1954), William Gropper (1897-1977), Jack Levine (nacido en 1915) e Isabel Bishop (1902-88). La mayoría se inspiró en las tradiciones de la Escuela Ashcan de Nueva York, y también en el Murales mexicanos de Diego Rivera (1886-1957), Jose Clemente Orozco (1883-1949) y David Alfaro Siqueiros (1896-1974).

8. Crecimiento del arte moderno indígena en América (c. 1920-1940)

La mayoría del arte de vanguardia estadounidense se basó en las tendencias que emanan de París, que sigue siendo el centro del arte mundial. El cubismo , el expresionismo , el dadaísmo y el surrealismo fueron los más importantes de estos movimientos y atrajeron a varios artistas indígenas estadounidenses, entre ellos: el cubista / expresionista de Nueva Jersey John Marin (1870-1953); el vigoroso modernista Marsden Hartley (1877-1943); el expresionista ruso-estadounidense Max Weber (1881-1961); el pionero Bauhaus nacido en Nueva York Lyonel Feininger (1871-1956); el desafortunado Patrick Henry Bruce (1881-1937), conocido por sus cuadros empastados semi-abstractos; Stanton Macdonald-Wright (1890-1973) y Morgan Russell (1883-1953), dos estadounidenses que viven en París y que inventaron un colorido estilo abstracto conocido como Sincromismo ; Arthur Garfield Dove (1880-1946) se destacó por sus resúmenes, collages y ensamblajes a pequeña escala; el Burgeryne Diller inspirado en Mondrian y De Stijl (1906-65); el influyente cubista estadounidense Stuart Davis (1894-1964); el pintor abstracto caligráfico Mark Tobey (1890-1976); el surrealista Hombre rayo (1890-1976); el artista ruso-estadounidense de medios mixtos Louise Nevelson (1899-1988); el escultor de metal de Indiana David Smith (1906-1965); Joseph Cornell (1903-72) destaca por sus instalaciones; el criado en Iowa Grant Wood (1892-1942) destacado por su obra maestra gótico americano (1930), y el nacido en Missouri Thomas Hart Benton (1889-1975), quienes fueron campeones de las zonas rurales y de los pueblos pequeños Regionalismo – parte del lenguaje realista más amplio de Pintura de escena americana ; y Jacob Lawrence (1917-2000), el famoso artista afroamericano. Mientras tanto, la escuela tradicional tradicional de vainilla estaba representada por la abuela Moisés (1960-1961), conocida por sus idílicas escenas rurales; el ilustrador y retratista sentimental Norman Rockwell (1894-1978); y Andrew Wyeth (n. 1917), el artista de acuarela y temple de huevo, conocido por sus representaciones nostálgicas y ocasionalmente simbólicas de Pensilvania y la costa de Maine, como Christina’s World (1948).

También se debe mencionar el crecimiento de la fotografía artística y la aparición de fotógrafos de paisajes como Ansel Adams (1902-84), Imogen Cunningham, y Edward Weston (1886-1958). Para obtener detalles de otros artistas de cámara influyentes del siglo XX de América, como Robert Mapplethorpe (1946-89), y Cindy Sherman (b.1954).

9. Llegada de artistas modernos de Europa (1920-40)

Artistas importantes que dejaron Europa y se establecieron en América durante el período de entreguerras, incluido el nacido en Armenia Arshile Gorki (1905-48), quien se instaló en los Estados Unidos en 1920, nacido en Alemania Hans Hofmann (1880-1966), el ex pintor de la Bauhaus Joseph Albers (1888-1976), el cubista Fernand Leger (1881-1955), el abstraccionista geométrico Piet Mondrian (1872-1944) y los surrealistas Yves Tanguy (1900-55), Andre Masson (1896-1987), Max Ernst (1891-1976), quien se casó brevemente con la heredera y coleccionista estadounidense Peggy Guggenheim, y Andre Breton (1896-1966). Los artistas surrealistas fueron muy influyentes con su idea de ’pintura automática’ inconsciente que fue adoptada por Jackson Pollock y otros.

El intercambio de ideas fue ayudado en Nueva York por una creciente infraestructura de lugares que promueven el arte moderno, que incluyen: el Museo de Arte Moderno (MoMA, fundado en 1929), el Museo Whitney de Arte Americano (fundado en 1931 por Gertrude Vanderbilt Whitney ), El Museo de Arte Viviente de Albert Gallatin y el Museo de Pintura No Objetiva (fundado en 1939), el precursor del Museo Solomon R. Guggenheim . La educación también jugó un papel importante: el artista alemán Hans Hofmann tuvo una gran influencia en los pintores a través de su escuela de arte de Nueva York, donde enseñó desde 1933 hasta 1958. Por último, numerosos mecenas y coleccionistas estadounidenses, especialmente Peggy Guggenheim - fueron conductos activos y creativos.

La acción se centró en Nueva York. En 1936, varios pintores y escultores abstractos de Nueva York formaron un grupo conocido como American Abstract Artists , para exhibir y promover su trabajo, especialmente a instituciones estadounidenses como el Museo de Arte Moderno (MoMA), que tienden a favorecer las obras europeas. El primer presidente de AAA fue Balcombe Greene (1904-90), mientras que los primeros miembros incluyeron: Joseph Albers, Willem de Kooning y Jackson Pollock. Era una señal de lo que vendrá.

10. Expresionismo abstracto (c. 1940-1960)

A principios de la década de 1940, con Europa en fermento, Nueva York se hizo cargo silenciosamente de París como el innovador centro de arte. Esto coincidió con la aparición del primer gran movimiento artístico estadounidense, conocido como expresionismo abstracto (floreció desde 1943 hasta fines de la década de 1950). Los principales practicantes incluyen: Jackson Pollock (1912-56), su esposa Lee Krasner (1908-84) Franz Kline (1910-62), Robert Motherwell (1915-91), Willem De Kooning (1904-97), Mark Rothko (1903-70) Clyfford Still (1904-80) Barnett Newman (1905-70), Josef Albers (1888-1976), Ad Reinhardt (1913-67), Philip Guston (1913-80), Adolfo Gottlieb (1903-74) y William Baziotes (1912-63). La segunda generación incluyó: Morris Louis (1912-62), Norman Bluhm (1920-99), Richard Diebenkorn (1922-93), Jules Olitski (nacido en 1922), Ellsworth Kelly (nacido en 1923), Kenneth Noland (nacido en 1924), Joan Mitchell (1926-92), Helen Frankenthaler (nacido en 1928) y Frank Stella (nacido en 1936). Ni puramente abstracto ni expresionista, el estilo abarcaba dos grandes grupos: la escuela de "Action Painting" (un estilo de pintura gestual ) cuyos miembros principales incluyeron a Jackson Pollock y Willem De Kooning; y el estilo más pasivo de Pintura de campo de color practicado por Mark Rothko y otros. Ver: Las pinturas de Mark Rothko (1938-70). Philip Guston desarrolló su propia versión, a menudo llamada "Impresionismo abstracto", mientras que Adolf Gottlieb estaba profundamente interesado en el arte nativo americano a partir del cual desarrolló sus llamados "Pictogramas". Otra adherente importante de Color Field fue Helen Frankenthaler, quien comenzó como cubista antes de investigar la pintura expresionista abstracta a principios de la década de 1950. Josef Albers y Ad Reinhardt persiguieron una tercera tendencia menor, geométrica y puramente abstracta. A fines de la década de 1950 y principios de la década de 1960, artistas más jóvenes como Ellsworth Kelly, Kenneth Noland y Frank Stella desarrollaron Pintura de borde duro , cuyos contornos afilados contrastan con el enfoque más suave de la serie Albers ’ Homage to the Square y otras formas similares. En 1964, esta crítica recibió el nombre de abstracción post-pictórica por parte del crítico de arte. Clement Greenberg (1909-94) cuando fue el curador del influyente programa " Abstracción post-pictórica "en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.

11. Neo-Dada (1950): reacción contra el expresionismo abstracto

A principios de la década de 1950, una tendencia antiestética conocida como Arte Neo-Dada – ejemplificado por Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper Johns (n. 1930): surgió como una reacción al intelectualismo del expresionismo abstracto. Al igual que el movimiento Dada completo anterior, utilizó materiales modernos, iconografía popular y contenido absurdo. También coincidió con el arte de Assemblage: obras de arte hechas de fragmentos de objetos "encontrados", como escombros domésticos, detritos urbanos, de hecho cualquier material (generalmente reconocible), grande o pequeño. Aunque efímero, y uno de varios grupos antiarte, Neo-Dada fue el precursor del Pop Art. Vea también las actividades del importante distribuidor y coleccionista de arte. Leo Castelli .

Otros movimientos modernos y contemporáneos

El arte cinético (móviles) fue iniciado por el renombrado ingeniero, dibujante y pintor gouache. Alexander Calder (1898-1976). El arte externo fue representado en América por Alfonso Ossorio (1916-90) quien produjo pinturas en papel cubierto de cera, así como ensamblajes decorativos en cemento con numerosos complementos. El Op-Art estadounidense fue ejemplificado por Richard Anuszkiewicz (nacido en 1930). El arte Fluxus fue practicado por George Brecht (nacido en 1925), Ray Johnson (nacido en 1927) y el japonés-estadounidense Yoko Ono (nacido en 1933). Para el "arte contemporáneo sobre fluidos corporales", visite Kiki Smith (n. 1954), hija del escultor Tony Smith.

12. Conceptualismo americano (1950s / 1960s)

El arte conceptual o conceptualismo es un movimiento mundial que dice que la "idea" de una obra de arte es más importante que la obra misma. Los artistas conceptuales intentan producir ideas ingeniosas diseñadas para sorprender y divertir sin dejar necesariamente atrás ninguna obra de arte impresionante. ¿Están tratando de desechar el arte formal o simplemente están extendiendo sus fronteras? Nadie parece estar seguro. Los participantes clave en el arte conceptual estadounidense incluyen: el compositor de vanguardia John Cage (1912–1992) que creó la controvertida composición musical ’4-33’, cuyos tres movimientos no contienen un solo sonido o nota musical; el escultor Sol LeWitt (nacido en 1928) destacado por su influyente ensayo ’Párrafos sobre arte conceptual’ (1967); los artistas, las artistas Allan Kaprow (1927-2006), John Baldessari (1931), Edward Kienholz (1927-94) y Joseph Kosuth (1945). La primera pieza de bellas artes conceptuales fue Erased de Kooning Drawing (1953) de Robert Rauschenberg. Ahora reside en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

Otros exponentes estadounidenses del conceptualismo incluyen: la artista de instalación nacida en Ohio Jenny Holzer (n. 1950); el artista del fotomontaje Barbara Kruger (nacido en 1945); el conceptualista del Bronx Lawrence Weiner (nacido en 1942); y Mel Bochner, nacido en Pittsburgh (n. 1940), el cubanoamericano Felix Gonzales-Torres (1957-96) y el artista multimedia Matthew Barney (n. 1967).

13. Pop Art (1960/70)

Influenciados por Dada y el surrealismo, los artistas pop buscaron distanciarse de la naturaleza de alto expresionismo del expresionismo abstracto mediante el uso de imágenes reconocibles instantáneamente reconocidas (hamburguesas, personajes de historietas, colillas, autos, guante de béisbol), así como tecnología moderna de grabado como serigrafía: todos hacen una excavación humorística en la sociedad estadounidense consumista. Entre los artistas pop famosos de Estados Unidos se incluyen: Wayne Thiebaud (nacido en 1920), Larry Rivers (1923-2002), Jim Dine (nacido en 1935), Robert Indiana (también conocido como John Clark) (nacido en 1928), Alex Katz (nacido en 1927), Roy Lichtenstein (1923-97), Claes Oldenburg (nacido en 1929), Ed Ruscha (nacido en 1937), James Rosenquist (nacido en 1933), Andy Warhol (1928-87) y Tom Wesselmann (nacido en 1931). Para más información sobre el líder de este estilo, vea Pop Art de Andy Warhol de los años sesenta y setenta.

14. Environmental Art (1960) (Movimiento de tierras, Land Art)

El land art era una forma de escultura contemporánea, en la que el paisaje se manipula para crear formas artísticas o "eventos". Los pioneros de esta forma de arte, muchos de los cuales participaron en una importante exposición de "Arte de la Tierra" en el Museo de Arte Blanco Andrew Dickson de la Universidad de Cornell, incluyeron Robert Smithson (1938-73), su esposa Nancy Holt (n. 1938), Walter De Maria (n. 1935), Agnes Denes (n. 1938), Dennis Oppenheim (n. 1938), Alice Aycock (n. 1946), James Turrell (nacido en 1943), Michael Heizer (nacido en 1944) y el equipo de marido y mujer Christo y Jeanne-Claude (1935-2009). Nota: los retratos presidenciales del Monte Rushmore, aunque claramente son obras de arte, no se consideran Land Art, ya que no celebran la tierra, sino las imágenes hechas de ella.

15. Videoarte

El videoarte surgió alrededor de 1963 en los Estados Unidos y luego en Europa. Fue retomado por varios de los principales movimientos, incluidos el conceptualismo y el minimalismo. Entre los artistas de video estadounidenses importantes se incluyen: Joan Jonas (nacido en 1936), Peter Campus (nacido en 1937), Vito Acconci (nacido en 1940), Bruce Nauman (n. 1941), Dan Graham (n. 1942), Gary Hill (n. 1951), Tony Oursler (n. 1957) y el gran Bill Viola (n. 1951). Los exponentes posteriores incluyen: Matthew Barney (n. 1967) y la japonesa-estadounidense Mariko Mori (n. 1967).

16. Minimalismo (años 60)

Minimal Art es una forma purista de arte abstracto que se convierten en un estilo influyente en todo el mundo en escultura, pintura y arquitectura. Las obras minimalistas (de escultura y pintura) generalmente consisten en elementos desnudos uniformes que forman algún tipo de cuadrícula o patrón. Cosas aterradoras! El término minimalismo también se aplica a obras tridimensionales de artistas como los nacidos en Massachusetts. Carl Andre (n. 1935), los artistas de Nueva York Dan Flavin (1933-1996) y Ellsworth Kelly (n. 1923), nacido en Missouri Donald Judd (1928-1994), el escultor de Connecticut Sol LeWitt , el artista de Kansas City Robert Morris (n. 1931), Kenneth Noland, nacido en Carolina del Norte (n. 1924), el franciscano Richard Serra (n. 1939), el escultor de Nueva Jersey Tony Smith (1912-80), y la artista de Baltimore Anne Truitt (n. 1933); y a las pinturas de los neoyorquinos Ad Reinhardt (1913-67), Robert Mangold (nacido en 1937) y Brice Marden (nacido en 1938), nacido en Canadá Agnes Martin (1912-2004), el italiano-estadounidense Frank Stella , y el artista de Tennessee Robert Ryman (nacido en 1930), entre otros. Para el principal exponente del post-minimalismo, ver: Eva Hesse (1936-70) el alumno germano-estadounidense de Joseph Albers.

17. Arte feminista estadounidense (finales de 1960)

Nacido del movimiento de Liberación de la Mujer, arte feminista tenía como objetivo dar más protagonismo a las mujeres artistas en la historia y lograr un mejor trato para las artistas femeninas en el mundo del arte. Destacadas artistas feministas estadounidenses incluyeron a Nancy Spero, nacida en Cleveland, Ohio (n. 1926), Judy Chicago (Judy Cohen) (n. 1939), Mary Kelly, nacida en Oklahoma (n. 1941), Miriam Schapiro (n. 1923), entrenada en Iowa, y Barbara Kruger, nacida en Nueva Jersey (n. 1945). Tenga en cuenta también la escultura feminista de la estadounidense de origen francés. Louise Bourgeois (1911-2010).

18. Fotorrealismo, superrealismo (1960, 1970)

Estos términos describen un estilo de pintura hiperrealista que apareció a fines de la década de 1960, en el que los sujetos se representan de manera muy detallada, como una fotografía. A menudo utilizado para demostrar virtuosismo técnico, el lenguaje es ejemplificado por pintores como Richard Estes (nacido en 1932) que se especializa en escenas callejeras; Chuck Close (b.1940) que produce retratos monumentales y autorretratos; Robert Cottingham (nacido en 1935) que representa carteles publicitarios; Audrey Flack (n. 1931) destacó por sus bodegones emocionales; Howard Kanowitz (1929-2009) que empleó recortes pegados; Ralph Goings (nacido en 1928) que se centra en los automóviles. Los escultores prominentes incluyen Duane Hanson (1925-96) que replica a los consumidores mundanos, John de Andrea (n. 1941), que se especializa en escultura desnuda, Carole Feuerman (n. 1945), que se especializa en nadadores, y Robert Gober (n. 1954), conocido por sus partes del cuerpo en cera de abejas.

19. Graffiti Art (1970s, 1980s)

También llamado "Writing", "Spraycan Art" y "Aerosol Art", Arte grafiti está estrechamente relacionado con el movimiento cultural hip-hop, que surgió en varias ciudades estadounidenses, a principios de la década de 1970, especialmente en el metro de Nueva York. A mediados de la década de 1970, la mayoría de los estándares creativos en Aerosol Art ya se habían establecido, y el género comenzó a estancarse. A principios de la década de 1980, un grupo de pintores vanguardistas del siglo XX conocidos como United Graffiti Artists (UGA), fundado en 1972 por Hugo Martínez, había ampliado su membresía para incluir a muchos de los principales grafiteros y rociadores de graffiti, con miras a mostrando obras en lugares oficiales, como la Galería Razor. A partir de entonces, a fines de los años ochenta y noventa, reconocidos artistas de graffiti comenzaron a alquilar estudios y exhibir sus obras en galerías y alquilar estudios de arte. El artista de graffiti estadounidense más famoso fue probablemente Jean-Michel Basquiat (1960-88). Otros incluyen: Futura 2000 (b.1956), Keith Haring (1958-1990) David Wojnarowicz (1954-92), Rhonda Zwillinger, Mike Bidlo, Kenny Scharf, Rammellzee (nacido en 1960), Blade (nacido en 1957), Vinnie Ray y Shepard Fairey. Fuera de los Estados Unidos, el pintor de graffiti más famoso es el artista de la plantilla conocido como Banksy . Muchas obras de graffiti se pueden ver en la Galería B5, Nueva York.

20. Neo-Pop Art (finales de 1980 en adelante)

Los términos "Neo-Pop" o "Post-Pop" denotan el resurgimiento del interés en los temas y métodos del movimiento Pop-Art de los años 50 y 60. En particular, se refiere al trabajo de artistas como la angloamericana Ashley Bickerton (n. 1959), Jeff Koons (n. 1955) y Haim Steinbach (n. 1944). Empleando objetos reconocibles, imágenes de celebridades y símbolos de la cultura popular, esta forma actualizada de Pop-Art también se inspiró en Dada (en su uso de readymades y objetos encontrados), y en el conceptualismo moderno.

21. Arte estadounidense en el siglo XXI.

El arte posmodernista, ejemplificado por las innovadoras obras kitsch de Jeff Koons, continúa dominando en América, reflejando desarrollos similares en Gran Bretaña ilustrados en las obras de Damien Hirst (nacido en 1965). Sin embargo, mientras que en Gran Bretaña y en el continente, el arte posmodernista se encuentra incómodamente junto a Miguel Ángel y Monet, el mundo del arte estadounidense ha tendido a estar más basado en productos. En pocas palabras, mientras que los europeos se preocupan por la estética , los estadounidenses compran y venden arte como si fuera solo otro conjunto de productos. Si esto es cierto, es probable que la recesión de 2008-9 establezca un nuevo valor en las obras de arte estadounidenses del siglo XIX, principios / mediados del siglo XX y la era contemporánea. El arte contemporáneo ya ha sufrido una disminución significativa en el valle financiero, mientras que el período de Warhol parece estar bien.

Los mejores museos de arte en América

Para experimentar la pintura y la escultura estadounidenses (1750-presente) en su mejor momento, visite las colecciones en estos museos. Ver también Museos de arte en América .

Coleccionistas de arte americanos

Ver también: Coleccionistas de arte: el más grande .

Isabella Stewart Gardner (1840-1924)
Boston decorativa / coleccionista de bellas artes, centrada en pinturas renacentistas.

Solomon R Guggenheim (1861-1949)
Coleccionista de arte estadounidense, fundador del museo, centrado en el arte contemporáneo del siglo XX.

Dr. Albert C Barnes (1872-1951)
El mejor coleccionista de arte de Estados Unidos, famoso por su montaje de lienzos impresionistas y postimpresionistas.

Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942)
Fundador del Museo Whitney, NY, dedicado a la pintura y escultura estadounidense.

Duncan Phillips (1886-1966)
Fundador de Phillips Collection, uno de los mejores museos de arte pequeños.

J Paul Getty (1892-1976)
El magnate del petróleo, coleccionista de arte / antigüedades, estableció la Villa Getty, el Centro Getty y la Fundación Getty.

Peggy Guggenheim (1898-1979)
Coleccionó arte abstracto moderno, ubicado en su casa del Gran Canal en Venecia.