Arte estadounidense: historia de las bellas artes en América 
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Este es un breve resumen de 20 pasos de la historia del arte americano, incluyendo pintura, escultura, arquitectura y formas de arte moderno desde la época colonial. Sobre la cultura primitiva de América, véase: Arte precolombino (1200 a.C.-1535 d.C.). Sobre la cultura posterior de los nativos americanos, véase: Arte de los indios americanos (1000 a.C-1900). Sobre la historia y las características del diseño arquitectónico en Estados Unidos, véase: Arquitectura americana (1600-presente).
1. Artistas coloniales del siglo XVIII
El arte colonial americano de los siglos XVII y XVIII se limitaba en gran medida al retrato y a un poco de pintura de paisaje. Las escasas oportunidades para los artistas llegaron a través de los contactos con la clase colonial. Entre los artistas coloniales americanos más importantes se encuentran:
Benjamin West (1738-1820)
«Padre de la pintura americana», que trabajó en Inglaterra, donde influyó en varios artistas americanos, entre ellos John Copley, Gilbert Stuart, Allston Washington.
John Singleton Copley (1738-1815)
Conocido por sus retratos y pinturas históricas de Boston y Londres.
Gilbert Stuart (1755-1828)
Conocido por sus retratos de George Washington, Stuart está considerado el mejor retratista americano del siglo XVIII y el creador de un estilo artístico claramente americano.
Otros famosos artistas estadounidenses del siglo XVIII son el retratista Ralph Earle (1751-1801) y el retratista y pintor de género histórico John Trumbull (1756-1843).
La arquitectura estadounidense de la época colonial solía ser georgiana o neoclásica. Esta última incluye «el estilo Federal» y los diseños del Renacimiento Griego. Los arquitectos estadounidenses de este periodo son Thomas Jefferson (1743-1826), William Thornton (1759-1828), James Hoban (1762-1831), Charles Bulfinch (1763-1844) y Benjamin Latrobe (1764-1820).
2. El paisajismo americano del siglo XIX
La América independiente ofreció más oportunidades a todo el mundo, incluidos los artistas. Aunque la fotografía (inventada en 1839) acabó sustituyendo a la pintura como cronista de acontecimientos y experiencias, la América del siglo XIX dependía de los pintores para plasmar estas cosas. La pintura de retratos seguía siendo económicamente lucrativa, pero los paisajes de la vida salvaje americana también eran populares. Los dos estilos más famosos de paisajismo, ambos muy románticos, son la Escuela del Río Hudson (c. 1825-65), inspirada en Thomas Cole , y su rama posterior , el luminismo (c. 1850-75). También influyó la escuela francesa de Barbizon de pintura al aire libre, y en la década de 1880-90 surgió un estilo conocido como tonalismo. Entre los paisajistas y pintores plein air estadounidenses del siglo XIX destacan:
Thomas Cole (1801-1848)
Conocido por la grandeza y el dramatismo de sus paisajes salvajes.
George Inness (1825-1894)
Llevó la técnica de la Escuela de Barbizon a América y ayudó a definir el movimiento impresionista tonalista.
Frederick Edwin Church (1826-1900)
Alumno de Cole y el mayor paisajista romántico estadounidense, Church viajó por todo el continente pintando selvas tropicales, cascadas, volcanes e icebergs.
Albert Bierstadt (1830-1902)
Paisajista alemán, miembro de la Escuela de Düsseldorf, la Escuela del Río Hudson y la Escuela de las Montañas Rocosas del paisajismo romántico.
Otros pintores del río Hudson : Thomas Doughty (1793-1856), Asher Brown Durand (1796-1886), Robert Walter Weir (1803-1889), John William Casiliar (1811-1893), Worthington Whittredge (1820-1910), Robert Duncanson (1821-1872), William Hart (1823-1894), David Johnson (1827-1908), Jervis McEntee (1828-1891), James McDougal Hart (1828-1901), Thomas Hill (1829-1908), Herman Ottomar Herzog (1831-1932), William Stanley Hazeltine (1835-1900).
Entre los artistas luministas se incluyen : John F. Kensett (1816-1872), Martin Johnson Heyde (1819-1904), Sanford Robinson Gifford (1823-1880), Jasper Francis Cropsey (1823-1900), William Trost Richards (1833-1905), Norton Bush (1834-1894), Edmund Darch Lewis (1835-1910), Alfred T. Bricher (1837-1908), Thomas Moran (1837-1926).
George Caleb Bingham (1811-1879)
Famoso y muy popular pintor al óleo, luminista, paisajista y pintor de género de Missouri.
Otros artistas de la frontera americana : Frederic Remington (1861-1909), la representación más famosa del Oeste vaquero; el acuarelista Charles Russell (1864-1926); el pintor de género William Sidney Mount (1807-1868), conocido por sus escenas rurales que atraían a los habitantes de las ciudades; Albert Pinkham Ryder (1847-1917), conocido por sus románticas pero sombrías escenas mitológicas.
Pintura histórica
Mucho menos popular que la pintura de paisajes y los retratos, la tradición de la pintura histórica en América fue continuada por el pintor germano-americano Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868), recordado sobre todo por su obra maestra «Washington Crossing the Delaware».
3. Retrato americano del siglo XIX y pintura de género
Además de paisajes, los artistas americanos produjeron retratos y varias pinturas narrativas o de género. John Singer Sargent fue el mayor retratista de la época, y Winslow Homer uno de los principales pintores de retratos. Los grandes movimientos artísticos europeos del Impresionismo y el Postimpresionismo tuvieron sus seguidores en Estados Unidos, pero el Realismo siguió siendo el estilo dominante.
Retratistas y pintores de género estadounidenses importantes del siglo XIX:
Winslow Homer (1836-1910)
Homer, uno de los artistas estadounidenses más famosos, tenía talento para representar la naturaleza de un modo que reflejaba el espíritu de los pioneros americanos. Autodidacta de la acuarela y el óleo, sus cuadros se centran en las oscuras vidas de pescadores, soldados, marineros, leñadores, cazadores y pioneros: miembros corrientes de la raza humana.
Thomas Eakins (1844-1916)
Simplemente el mayor exponente estadounidense del realismo figurativo; recibió mucho menos reconocimiento oficial en vida del que merecía.
John Singer Sargent (1856-1925)
Activo en Europa y Londres, fue el mejor retratista estadounidense de su época. Entre sus obras más destacadas se encuentran Las hijas de Edward Darley Boyte (The Boyte Sisters) (1882, Museum of Fine Arts, Boston); Retrato de Madame X (Madame Pierre Gautreau) (1884); y El Jaleo (1882, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston)
Realismo en la escultura
Estatuas realistas, véase: «Trail’s End» de James Earl Fraser (1876-1953) y «Fighting Stallions» de Anna Hite Huntington (1876-1973).
4. Impresionismo americano del siglo XIX
El pionero del Impresionismo americano fue el pintor tonalista emigrante James McNeil Whistler (1834-1903). Activo en Gran Bretaña como retratista, paisajista, simbolista y miembro del Movimiento Estético, es conocido sobre todo por sus «arreglos», «armonías» y «nocturnos». Entre los pintores impresionistas estadounidenses posteriores se encuentran: La pintora de Pittsburgh Mary Cassatt (1844-1926); el bostoniano Childe Hassam (1859-1935), más conocido por sus «pinturas de banderas"; el retratista de Múnich William Merritt Chase (1849-1916); J. A. Merritt Chase (1849-1916); y J. A. Merritt Chase (1849-1916). Alden Weir (1852-1919), que destacó en la pintura de paisajes, bodegones y flores; Theodore Robinson (1852-1896), amigo íntimo de Claude Monet; el pintor de Cincinnati John Twachtman (1853-1902); Thomas Dewing (1851-1938), pintor de interiores y paisajes y seguidor del esteticismo; y John Singer Sargent (1856-1925). También Robert Henri (1865-1929) y William James Glackens (1870-1938), ambos miembros «de los Ocho», produjeron una serie de excelentes cuadros de estilo impresionista.
A medida que el mundo del arte americano se expandía durante el siglo XIX, también lo hacían sus organizaciones. La Academia Americana de Bellas Artes se fundó en 1802 y duró hasta 1841. Le sucedió la Academia Nacional de Diseño (originalmente llamada Sociedad para la Mejora del Dibujo), que se fundó en 1825 en Nueva York. La National Academy fue la asociación de bellas artes más activa de Estados Unidos hasta el siglo XX, cuando el carácter conservador de la academia la llevó gradualmente a convertirse en una institución más histórica.
Además, Estados Unidos inmortalizó gran parte de su historia del siglo XIX en esculturas conmemorativas, como las obras de Daniel Chester French (1850-1931).
5. Arquitectura del siglo XIX
Los principales estilos de la arquitectura estadounidense del siglo XIX fueron el renacimiento griego, el renacimiento gótico, el Segundo Imperio y algunos estilos italianizantes y románicos. El renacimiento griego fue el primero en aparecer, principalmente bajo la dirección de Jefferson, Latrobe y Bulfinch. El diseño arquitectónico neogótico fue ejemplificado por la obra de Richard Upjohn (1802-1878) y James Renwick (1818-1895), y el estilo románico fue continuado por Henry Hobson Richardson (1838-1886). El menos común estilo Beaux-Arts -una mezcla de neorrenacimiento y neobarroco- fue defendido, entre otros, por Richard Morris Hunt (1827-1895) y Cass Gilbert (1859-1934). Al mismo tiempo, la Escuela de Arquitectura de Chicago (c. 1880-1910), dirigida por William Le Baron Jenney (1832-1907), diseñó los primeros rascacielos .
6. 1900: El desarrollo del arte moderno en América
A partir de este momento, el arte europeo -y, lo que es más importante, los artistas europeos- empieza a tener una influencia mucho mayor en América. Esto es el resultado de dos factores principales.
❶ El crecimiento del poder comercial estadounidense, que a su vez propició el surgimiento de influyentes coleccionistas de arte y filántropos estadounidenses que adquirieron obras de arte europeo para museos de Estados Unidos. El crecimiento de las ciudades estadounidenses, por cierto, las convirtió en compradoras -y promotoras- ideales de nuevos estilos de arquitectura europea, como el Art Nouveau (apogeo 1890-1914) y el Art Déco (décadas de 1920 y 1930).
❷ El caos y la carnicería de las Guerras Mundiales I y II obligaron a muchos artistas continentales a emigrar a Estados Unidos. Una consecuencia de esta mayor influencia europea fue la aparición gradual de una escuela de arte abstracto: inicialmente orientada hacia el cubismo, más tarde de carácter geométrico y colorista, supuso un contraste evidente con el representacionalismo local.
El famoso y vanguardista Armory Show (oficialmente llamado Exposición Internacional de Arte Moderno), al que asistieron más de un cuarto de millón de personas en Nueva York, Chicago y Boston, marcó un punto de inflexión en el interés del público por el arte moderno. En ella se expusieron algunos de los mejores cuadros de nuestro tiempo, entre ellos obras de artistas modernistas estadounidenses y europeos. Organizada por Arthur B. Davis (1862-1928), presidente de la Asociación de Pintores y Escultores Americanos -un grupo iniciado por Robert Henri (1865-1929)-, la exposición atrajo a varios mecenas y coleccionistas importantes, entre ellos: Lillie P Bliss (1864-1931) y Catherine Dreyer (1877-1952), que se convirtieron en mecenas clave del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. Otras exposiciones importantes de este periodo son la Exposición Internacional Carnegie de Arte Moderno, celebrada a partir de 1896 en el Carnegie Institution Museum of Art de Pittsburgh; y, por supuesto, la Bienal de Whitney, un acontecimiento por invitación celebrado a partir de 1932.
Varios destacados museos de arte estadounidenses fundados por filántropos industriales americanos datan de principios de siglo. Entre ellos se encuentran el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (1870), con más de 3 millones de obras en su colección; el Museo de Bellas Artes de Boston (1870), con 450.000 obras en su colección; el Museo de Arte de Filadelfia (1876).), con 200 galerías y más de 225.000 objetos; el Instituto de Arte de Detroit (principios de la década de 1880), con 100 galerías y una colección valorada en más de 1.000 millones de dólares; el Instituto de Arte de Chicago (1893), cuya colección incluye 33 obras maestras de Claude Monet, la Colección Frick (1919), uno de los mejores «museos de arte bijou» del mundo; Phillips Collection (1921), otro de los mejores «pequeños» museos del mundo; Whitney Museum of American Art (1930), fundado por Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942).
El fotógrafo, editor y marchante de arte Alfred Stieglitz (1864-1946), más tarde marido de la artista Georgia O’Keeffe, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte estadounidense a principios del siglo XX. Con la ayuda de su colega Edward Steichen (1879-1973), dedicó gran parte de su energía a promover la fotografía artística y la pintura y escultura modernistas en la zona de Nueva York. Otros de los primeros artistas fotográficos fueron Dorothea Lange (1895-1965) y Walker Evans (1903-1975).
7. Arte urbano americano del siglo XX
La creciente jungla de hormigón de las ciudades estadounidenses, con su altísima arquitectura de rascacielos , atrajo las habilidades técnicas y artísticas de una serie de talentosos arquitectos estadounidenses, entre ellos figuras tan diversas como Frank Lloyd Wright (1867-1959), Walter Gropius (1883-1969), Mies van der Rohe (1886-1969) - campeón del «Estilo Internacional» y líder de la Segunda Escuela de Arquitectura de Chicago el mundialmente conocido estudio de arquitectos Skidmore, Owings y Merrill y su revolucionario diseñador Fazlur Khan (1929-1982), así como Philip Johnson (1906-2005), I. M. Pei (nacido en 1917), y Frank O. Gehry (nacido en 1929).
La escena urbana también ha atraído la atención de varios movimientos artísticos en miniatura. Entre ellos se encuentra la Escuela Ashcan (Nueva York c.1892-1919), un grupo progresista de artistas e ilustradores estadounidenses que representaban la vida neoyorquina con un estilo tosco y sin pulir. La Escuela Ashcan (cuyo núcleo «» era conocido como los «Ocho») incluía a Arthur B. Davis, William J. Glackens (1870) Glackens (1870-1938), Robert Henri (1865-1929), Ernest Lawson (1873-1939), George Loucks (1867-1933), Maurice Prendergast (1858-1924), Everett Shinn (1876-1953) y John Sloan (1871-1951). Entre los artistas de la segunda generación de Ashan se encontraban George Wesley Bellows (1882-1925) y Edward Hopper (1882-1967), que produjeron numerosas obras de género realista, así como paisajes - véase, «The House by the Railway» (1925, Museum of Modern Art) y The Lighthouse at Two Lights (1929, Metropolitan Museum of Art) y su obra maestra Night Hawks (1942, Art Institute of Chicago).
Otra influencia en la pintura moderna en América fue el Precisionismo (o Realismo Cubista, años 20), que se centraba en la industria moderna y los paisajes urbanos, caracterizados por representaciones realistas de los objetos, pero de una manera que enfatizaba su forma geométrica. Las obras de Charles Demuth (1883-1935) y de Charles Sheeler (1883-1965) son ejemplos de este estilo, mientras que las pinturas urbanas de Georgia O’Keeffe (1887-1986) también se asocian al estilo precisionista. Otros precisionistas son: George Ault (1891-1948), Ralston Crawford (1906-1978) y Niles Spencer (1893-1952).
El estilo posterior del realismo social fue practicado por artistas urbanos estadounidenses de la era de la Depresión como Ben Shahn (1898-1969), Moses Sawyer (1899-1974), Raphael Sawyer (1899-1987), Reginald Marsh (1898-1954), William Gropper (1897-1977), Jack Levine (n. 1915), Isabel Bishop (n. 1915), y otros.), e Isabel Bishop (1902-1988). La mayoría se inspiró en la tradición de la Escuela Ashan de Nueva York, así como en los murales mexicanos de Diego Rivera (1886-1957), de José Clemente Orozco (1883-1949), y de David Alfaro Siqueiros (1896-1974).
8. El auge del arte moderno indígena en América (c. 1920-1940)
La mayor parte del arte vanguardista americano se basaba en las tendencias que emanaban de París, que seguía siendo el centro del arte mundial. El cubismo, el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo fueron los más importantes de estos movimientos y atrajeron a varios artistas estadounidenses autóctonos, entre ellos: El cubista y expresionista de Nueva Jersey John Marin (1870-1953); el enérgico modernista Marsden Hartley (1877-1943); el expresionista ruso Max Weber (1881-1961); el pionero de la Bauhaus Lionel Feininger (1871-1956), nacido en Nueva York; el malogrado Patrick Henry Bruce (1881-1937), conocido por sus pinturas semi-abstractas al empasto; Stanton MacDonald-Wright (1890-1973) y Morgan Russell (1883-1953), dos estadounidenses residentes en París que inventaron el colorido estilo abstracto conocido como Sincromismo ; Arthur Garfield Dove (1880-1946), conocido por sus abstracciones a pequeña escala, collages y ensamblajes; Burgoyne Diller (1906-1965), inspirado en Mondrian y De Stijl; el influyente cubista estadounidense Stuart Davis (1894-1964); abstraccionista caligráfico Mark Tobey (1890-1976); surrealista Man Ray (1890-1976); artista ruso-americano de artes mixtas Louise Nevelson (1899-1988); Escultor en metal de Indiana David Smith (1906-1965); Joseph Cornell (1903-1972), conocido por sus instalaciones; el nativo de Iowa Grant Wood (1892-1942), conocido por su obra maestra «American Gothic» (1930), y el nativo de Missouri Thomas Hart Benton (1889-1975), ambos fueron defensores del regionalismo rural y pueblerino parte de un lenguaje realista más amplio de la pintura paisajista americana ; y Jacob Lawrence (1917-2000), célebre pintor afroamericano.
Mientras tanto, la escuela tradicionalista estaba representada por Grandma Moses (1960-1961), conocida por sus idílicas escenas rurales; el ilustrador y retratista sentimental Norman Rockwell (1894-1978); y Andrew Wyeth (n. 1917), acuarelista y pintor de cuadros. 1917), pintor de acuarela y temple al huevo conocido por sus representaciones nostálgicas, a veces simbólicas, de Pensilvania y la costa de Maine - como «Christina’s World» (1948).
También hay que mencionar el auge de la fotografía artística y la aparición de fotógrafos paisajistas como Ansel Adams (1902-1984), Imogene Cunningham y Edward Weston (1886-1958). Lee sobre otros influyentes artistas fotográficos estadounidenses del siglo XX como Robert Mapplethorpe (1946-1989), y Cindy Sherman (n. 1954).
9. La llegada de artistas modernos de Europa (1920-40)
Entre los artistas importantes que abandonaron Europa y llegaron a América en el periodo de entreguerras se encuentran el armenio Arshil Gorki (1905-1948), que se instaló en Estados Unidos en 1920, el alemán Hans Hofmann (1880-1966), el antiguo artista de la Bauhaus Josef Albers (1888-1976), el cubista Fernand Léger (1881-1955), el abstraccionista geométrico Piet Mondrian (1872-1944) y los surrealistas Yves Tanguy (1900-1955), André Masson (1896-1987), Max Ernst (1891-1976), que estuvo brevemente casado con la heredera y coleccionista estadounidense Peggy Guggenheim, y André Breton (1896-1966). Los pintores surrealistas ejercieron una gran influencia con su idea de la pintura automática «inconsciente», que fue retomada por Jackson Pollock y otros.
El intercambio de ideas en Nueva York se vio facilitado por una creciente infraestructura de lugares que promovían el arte contemporáneo, entre ellos: Museum of Modern Art (MoMA, fundado en 1929), Whitney Museum of American Art (fundado en 1931 por Gertrude Vanderbilt Whitney), Albert Gallatin Museum of Living Art, y Museum of Objectless Painting (fundado en 1939), predecesor de Solomon R. Guggenheim Museum.
La educación también desempeñó un papel importante: el artista alemán Hans Hofmann ejerció una gran influencia sobre los pintores a través de su escuela de arte de Nueva York, donde enseñó de 1933 a 1958. Por último, numerosos mecenas y coleccionistas estadounidenses -en particular Peggy Guggenheim fueron guías activos y creativos.
La acción se centró en Nueva York. En 1936, varios pintores y escultores abstractos neoyorquinos formaron un grupo conocido como American Abstract Painters, para exponer y promocionar su obra, especialmente en instituciones estadounidenses como el Museo de Arte Moderno (MoMA), que solía favorecer las obras europeas. El primer presidente del grupo fue Balcombe Green (1904-1990) y entre sus primeros miembros se encontraban Joseph Albers, Willem de Kooning y Jackson Pollock. Era una señal de lo que estaba por venir.
10. Expresionismo abstracto (c. 1940-1960)
A principios de la década de 1940, cuando Europa estaba en plena efervescencia, Nueva York sustituyó discretamente a París como centro innovador del arte. Esto coincidió con la aparición del primer gran movimiento artístico estadounidense conocido como Expresionismo Abstracto (que floreció desde 1943 hasta finales de la década de 1950). Entre los artistas más destacados se encontraban: Jackson Pollock (1912-1956), su esposa Lee Krasner (1908-1984), Franz Kline (1910-1962), Robert Motherwell (1915-1991), Willem De Kooning (1904-1997), Mark Rothko (1903-1970), Clyford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970), Josef Albers (1888-1976), Ad Reinhardt (1913-1967), Philip Guston (1913-1980), Adolph Gottlieb (1903-1974) y William Baziotes (1912-1963). La segunda generación incluía a: Morris Louis (1912-1962), Norman Blum (1920-1999), Richard Diebenkorn (1922-1993), Jules Olitski (n.1922), Ellsworth Kelly (n.1923), Kenneth Noland (n.1924), Joan Mitchell (1926-1992), Helen Frankenthaler (n.1928), y Frank Stella (n.1936). Aunque no es puramente abstracto ni expresionista, este estilo engloba dos grandes grupos: la «escuela de «action painting» (el estilo de gesture painting ), cuyos principales representantes fueron Jackson Pollock y Willem de Kooning; y el estilo más pasivo de colour field painting , practicado por Mark Rothko y otros. Véase Pinturas de Mark Rothko (1938-1970).
Philip Guston desarrolló su propia versión, a menudo denominada «impresionismo abstracto», y Adolf Gottlieb se interesó profundamente por el arte nativo americano, en el que basó sus llamados «pictogramas». Otra importante seguidora del campo de color fue Helen Frankenthaler, que empezó como cubista y a principios de la década de 1950 se dedicó a la pintura expresionista abstracta.
Una tercera tendencia, menos significativa, geométrica y puramente abstracta, la siguieron de distintas maneras Josef Albers y Ad Reinhardt. A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, jóvenes artistas como Ellsworth Kelly, Kenneth Noland y Frank Stella desarrollaron un estilo de bordes duros, cuyos contornos afilados contrastaban con el enfoque más suave de la serie «Memoria de un cuadrado» de Albers y otras formas similares. En 1964, el crítico de arte Clement Greenberg (1909-1994) bautizó esta tendencia como Abstracción pospictórica cuando comisarió una influyente exposición « Abstracción pospictórica » en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
11. Neo-Dada (década de 1950): Reacción contra el Expresionismo Abstracto
A principios de la década de 1950, la tendencia antiestética conocida como arte neodada -de la que son ejemplos Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper Johns (n.1930)- surgió como reacción contra el intelectualismo del Expresionismo Abstracto. Al igual que el movimiento dadaísta, utilizaba materiales contemporáneos, iconografía popular y contenidos absurdos. También coincidió con el arte del ensamblaje: obras de arte realizadas a partir de fragmentos «de objetos encontrados», como basura doméstica, desechos urbanos y, en general, cualquier material (normalmente reconocible), grande o pequeño. Aunque el Neo-Dada no duró mucho y fue uno de varios grupos antiartísticos de este tipo, fue un precursor del Pop Art. Véanse también las actividades del famoso marchante y coleccionista de arte Leo Castelli .
Otros movimientos modernos y contemporáneos
El arte cinético (movilizado) fue promovido por el famoso ingeniero, dibujante y pintor de gouache Alexander Calder (1898-1976). El arte outsider estuvo representado en América por Alfonso Ossorio (1916-1990), que realizó pinturas sobre papel encerado y montajes decorativos sobre cemento con numerosos añadidos. El op art estadounidense estuvo representado por Richard Anuszkiewicz (n. 1930). El arte fluxus fue practicado por George Brecht (n. 1925), Ray Johnson (n. 1927) y la japonesa-estadounidense Yoko Ono (n. 1933). El arte contemporáneo «de los fluidos corporales» puede verse en Kiki Smith (nacida en 1954), hija del escultor Tony Smith.
12. Conceptualismo estadounidense (años 50-60)
El arte conceptual o conceptualismo es un movimiento mundial que defiende que «la idea» de una obra de arte es más importante que la obra en sí. Los artistas conceptuales intentan crear ideas originales diseñadas para impactar y entretener sin dejar obras de arte impresionantes. ¿Intentan destruir el arte formal o simplemente ampliar sus límites? Nadie parece saberlo con certeza.
Los principales contribuyentes al arte conceptual estadounidense son el compositor vanguardista John Cage (1912-1992), creador de la controvertida composición musical «4-33», cuyos tres movimientos no contienen ni un solo sonido o nota musical; el escultor Sol Lewitt (n. 1928), conocido por su influyente ensayo «Paragraphs on Conceptual Art» (1967); los artistas Allan Kaprow (1927-2006), John Baldessari (n.1931), Edward Kienholz (1927-1994) y Joseph Kosuth (n.1945). La primera obra de arte conceptual fue «De Kooning’s Erased Drawing» (1953), de Robert Rauschenberg. Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.
Otros representantes estadounidenses del Conceptualismo son: la artista de instalaciones Jenny Holzer (n. 1950), nacida en Ohio; la artista de fotomontajes (n. 1945); la artista del Bronx Barbara Kruger (n. 1945); el conceptualista del Bronx Lawrence Weiner (n. 1942); el nativo de Pittsburgh Mel Bochner (n.1940), el cubano-americano Félix González-Torres (1957-1996) y el artista multimedia Matthew Barney (n.1967).
13. Arte pop (décadas de 1960-1970)
Influenciados por el dadaísmo y el surrealismo, los artistas del arte pop intentaron distanciarse de la naturaleza intelectual del expresionismo abstracto utilizando imágenes reconocibles al instante (hamburguesas, personajes de cómic, colillas de cigarrillos, coches, guantes de béisbol) y técnicas modernas de grabado, como la serigrafía, que constituían una invectiva humorística contra la sociedad de consumo estadounidense.
Entre los artistas estadounidenses de Pop Art destacan: Wayne Thibault (n. 1920), Larry Rivers (1923-2002), Jim Dine (n. 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (n. 1928), Alex Katz (n.1928), et al.), Alex Katz (n.1927), Roy Lichtenstein (1923-1997), Claes Oldenburg (n.1929), Ed Ruscha (n.1937), James Rosenquist (n.1933), Andy Warhol (1928-1987), y Tom Wesselman (n.1931). Para más información sobre el líder de este estilo, véase Pop Art de los años sesenta y setenta de Andy Warhol.
14. Arte medioambiental (años 60) (Earthworks, Land Art)
El land art es una forma de escultura moderna en la que se manipula el paisaje para crear formas de arte o «acontecimientos». Los pioneros de esta forma de arte, muchos de los cuales participaron en la gran exposición «Land Art» en el Andrew Dickson White Museum of Art de la Universidad de Cornell, fueron Robert Smithson (1938-1973), su esposa Nancy Holt (n.1938), Walter De Maria (n.1938), y otros.), Walter De Maria (n.1935), Agnes Denes (1938), Dennis Oppenheim (1938), Alice Aycock (1946), James Turrell (1943), Michael Heiser (1944) y el matrimonio Christo y Jeanne-Claude (1935-2009). Nota: Los retratos presidenciales del Monte Rushmore, aunque son obras de arte, no se consideran land art porque no tratan de la tierra, sino de las imágenes realizadas en ella.
15. Videoarte
El videoarte surgió en torno a 1963 en Estados Unidos y más tarde en Europa. Fue adoptado por varios movimientos importantes, como el Conceptualismo y el Minimalismo. Entre los videoartistas estadounidenses más importantes figuran: Joan Jonas (n.1936), Peter Campus (n.1937), Vito Acconci (n.1940), Bruce Nauman (n.1941), Dan Graham (n.1942), Gary Hill (n.1951), Tony Oursler (n.1957) y el gran Bill Viola (n.1951). Entre los autores más recientes figuran: Matthew Barney (n.1967) y la japonesa-estadounidense Mariko Mori (n.1967).
16. Minimalismo (años 60)
El minimalismo es una forma purista de arte abstracto que se ha convertido en un estilo influyente en todo el mundo en escultura, pintura y arquitectura. Las obras minimalistas (escultura y pintura) suelen consistir en elementos homogéneos desnudos que forman algún tipo de cuadrícula o patrón. El término minimalismo también se aplica a las obras tridimensionales de artistas como Carl Andre (nacido en 1935), nacido en Massachusetts , Dan Flavin (1933-1996) y Ellsworth Kelly (nacido en 1923), nacido en Missouri (1933-1996) y Ellsworth Kelly (nacido en 1923).)), natural de Missouri Donald Judd (1928-1994), escultor de Connecticut Saul LeWitt, artista de Kansas City Robert Morris (n.1931), natural de Carolina del Norte Kenneth Noland (n.1924), el sanfranciscano Richard Serra (n.1939), el escultor de Nueva Jersey Tony Smith (1912-1980) y la artista de Baltimore Ann Truitt (n.1933); y pinturas de los neoyorquinos Ad Reinhardt (1913-1967), Robert Mangold (n.1937) y Bryce Marden (n.1938), la canadiense Agnes Martin (1912-2004), el italoamericano Frank Stella, el artista de Tennessee Robert Ryman (n.1930), y otros. Sobre una destacada representante del postminimalismo, véase: Eva Hesse (1936-1970), germano-estadounidense, alumna de Josef Albers.
17. Arte feminista estadounidense (finales de los años 60)
Nacido del movimiento de liberación de la mujer, el arte feminista pretendía dar mayor importancia a las mujeres artistas en la historia y lograr un mejor trato de ellas en el mundo del arte. Entre las artistas feministas estadounidenses destacan Nancy Spero (nacida en 1926), de Cleveland, Ohio , Judy Chicago (nacida Judy Cohen) (nacida en 1939), Mary Kelly (nacida en 1941), de Oklahoma, Miriam Shapiro (nacida en 1923) y Barbara Kruger (nacida en 1945), de Nueva Jersey . Cabe destacar también la escultura feminista de la estadounidense de origen francés Louise Bourgeois (1911-2010).
18. Fotorealismo, superrealismo (años 60, 70)
Estos términos describen un estilo de pintura hiperrealista que surgió a finales de la década de 1960, en el que los sujetos se representaban con gran detalle, como en una fotografía. A menudo utilizado para demostrar virtuosismo técnico, este estilo lo demuestran artistas como Richard Estes (n.1932), especializado en escenas callejeras; Chuck Close (n.1940), que crea retratos monumentales; Chuck Close (n.1940), que crea retratos monumentales y autorretratos; Robert Cottingham (n.1935), que representa carteles publicitarios; Audrey Flack (n.1931), conocida por sus emotivos bodegones; Howard Kanowitz (1929-2009), que utiliza recortes pegados; Ralph Goings (n.1928), especializado en automóviles.
Escultores destacados: Duane Hanson (1925-1996), que reproduce consumidores mundanos, John de Andrea (n.1941), que se especializa en esculpir desnudos, John de Andrea (n.1941 año), también especializado en la escultura de desnudos, Carole Feuerman (n.1945), especializada en nadadores, y Robert Gober (n.1954), conocido por sus partes del cuerpo en cera de abeja.
19. Arte del graffiti (años 70, 80)
También llamado «arte del aerosol», el arte del graffiti está estrechamente relacionado con el movimiento cultural hip-hop que se originó en varias ciudades estadounidenses a principios de la década de 1970, sobre todo en el metro de Nueva York. A mediados de la década de 1970, la mayoría de los estándares creativos del arte del aerosol ya se habían establecido, y el género empezó a estancarse. A principios de la década de 1980, un grupo de artistas vanguardistas del siglo XX conocido como United Graffiti Artists (UGA), fundado en 1972 por Hugo Martínez, amplió su membresía para incluir a muchos de los principales grafiteros y artistas del aerosol, con el objetivo de exhibir obras en lugares oficiales como la Razor Gallery. Más tarde, a finales de los años 80 y 90, destacados grafiteros empezaron a alquilar estudios y a exponer sus obras en galerías y estudios de arte alquilados.
El grafitero estadounidense más famoso fue probablemente Jean-Michel Basquiat (1960-88). Otros artistas son: Futura 2000 (n.1956), Keith Haring (1958-1990), David Wojnarowicz (1954-1992), Rhonda Zwillinger, Mike Bidlo, Kenny Scharf, Rammelsi (n.1960), Blade (n.1957), Vinnie Ray y Shepard Fairey. Por cierto, fuera de Estados Unidos, el grafitero más famoso es el artista del esténcil conocido como Banksy . En la B5 Gallery de Nueva York se pueden ver muchas obras de graffiti.
20. Arte neopop (finales de los 80 en adelante)
Los términos «neo-pop» o «post-pop» denotan un resurgimiento del interés por los temas y métodos del movimiento Pop Art de los años cincuenta y sesenta. En particular, esto se aplica a la obra de artistas como los angloamericanos Ashley Bickerton (nacido en 1959), Jeff Koons (nacido en 1955) y Haim Steinbach (nacido en 1944). Utilizando objetos reconocibles, imágenes de famosos y símbolos de la cultura popular, esta forma actualizada de Pop Art también se inspiró en el dadaísmo (en su uso de readymades y objetos encontrados) y en el conceptualismo moderno.
21. El arte estadounidense del siglo XXI
El arte posmodernista, ejemplificado por la obra pionera de Jeff Koons, de estilo kitsch, sigue persistiendo en Estados Unidos, reflejando una evolución similar en Gran Bretaña, ilustrada por la obra de Damien Hirst (nacido en 1965). Sin embargo, mientras que en Gran Bretaña y en el continente el arte posmoderno se sitúa torpemente junto a Miguel Ángel y Monet, el mundo del arte estadounidense está más orientado al producto. En pocas palabras, mientras que los europeos se preocupan por la estética, los estadounidenses compran y venden arte como si fuera una mercancía más.
Si esto es cierto, es probable que la recesión actual fije un nuevo precio para el arte estadounidense del siglo XIX, de principios y mediados del siglo XX y de la era moderna. El arte moderno ya ha sufrido un descenso significativo de su valor financiero, mientras que el periodo de Warhol parece estar prosperando.
Los mejores museos de arte de Estados Unidos
Para ver lo mejor de la pintura y la escultura estadounidenses (desde 1750 hasta la actualidad), visite las colecciones de estos museos. Ver también Museos de Arte de América .
Whitney Museum of American Art, Nueva York
Metropolitan Museum of Art, Nueva York
Museum of Modern Art (MOMA), Nueva York
Guggenheim Museum, Nueva York
National Gallery of Art, Washington
National Portrait Gallery, Washington
Phillips Collection, Washington
Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
Museum of Fine Arts Boston (MFA)
Art Institute of Chicago
Museum of Contemporary Art (MCA) Chicago
Detroit Institute of Arts (DIA)
Philadelphia Museum of Art
Carnegie Museum of Art, Pittsburgh
Cleveland Museum of Art (CMA)
Toledo Museum of Art
Museum of Fine Arts Houston (MFAH)
St. Louis Museum of Art
Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri
Los Angeles County Museum of Art (LACMA)
San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA)
Coleccionistas de Arte Americano
Véase también: Grandes coleccionistas de arte
Isabella Stewart Gardner (1840-1924)
Coleccionista de arte decorativo y bellas artes de Boston especializada en pinturas renacentistas.
* Solomon Guggenheim (1861-1949)
Coleccionista estadounidense, fundador de museos, especializado en arte moderno del siglo XX.
* Dr. Albert Barnes (1872-1951)
Gran coleccionista de arte estadounidense, conocido por su colección de cuadros impresionistas y postimpresionistas.
* Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942)
Fundadora del Museo Whitney de Nueva York, dedicado a la pintura y escultura americanas.
* Duncan Phillips (1886-1966)
Fundador de la Phillips Collection, uno de los mayores pequeños museos de arte.
* Jay Paul Getty (1892-1976)
Magnate del petróleo, coleccionista de arte y antigüedades, fundó la Villa Getty, el Centro Getty y la Fundación Getty.
* Peggy Guggenheim (1898-1979)
Coleccionista de arte abstracto moderno, pasó los últimos años de su vida en su casa del Gran Canal de Venecia.
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