Cubismo analítico:
definición, características, historia Traductor traducir

Introducción

El retrato de Picasso de Ambroise Vollard (1909-10) marcó el comienzo de un nuevo estilo de Cubismo – Conocido como cubismo analítico o analítico. En esta pintura, Picasso desmontó una figura humana en una serie de placas geométricas transparentes planas que se superponen e intersectan en varios ángulos. De repente, todas las imágenes en forma de cubo de pintura cubista temprana ha desaparecido. De hecho, a partir de ahora, no hay más cubos en el arte cubista. En cambio, el elemento básico de esto pintura el estilo se convierte en el plano o la faceta: un área pequeña en forma de placa, delimitada por líneas rectas o curvas, generalmente dispuestas en capas superpuestas.

Características del cubismo analítico.

Una forma particularmente austera de arte de vanguardia, el cubismo analítico fue la etapa más intelectual e intransigente del movimiento cubista. En este estilo, las masas relativamente sólidas de las primeras pinturas de Braque y Picasso dan paso a un proceso consistente de composición en el que las formas de los objetos representados se fragmentan en una gran cantidad de pequeñas placas o planos opacos y transparentes intrincadamente articulados, todo en bajo relieve en un ligero ángulo al plano de la imagen, que se fusionan entre sí y con el espacio circundante. Además, los bordes de estos planos se disuelven, permitiendo que sus contenidos se filtren entre sí. Típicamente, las formas son compactas y densas en el medio de la pintura, cada vez más difusas hacia los bordes, como en Picasso’s Girl with Mandolin (1910) y Braque’s Mandora (1909). En términos muy simples, este enfoque cubista analítico semi-abstracto se puede comparar con el de un fotógrafo que toma una gran cantidad de fotografías de un objeto, todo desde diferentes ángulos y diferentes tiempos. Estas fotografías se cortan y reorganizan casi al azar en una superficie plana, de modo que se superponen entre sí.

Cubismo analítico rechazado Perspectiva de un solo punto

Desde el siglo XV, pintores renacentistas florentinos como Masaccio y Piero Della Francesca dominaron el arte de perspectiva lineal, la pintura se ha basado en la idea de un único punto de vista. Por lo tanto, una escena u objeto representado en un lienzo siempre se ve exclusivamente desde un punto fijo en el espacio y en un punto fijo en el tiempo. Picasso y Braque decidieron que este enfoque óptico estricto era insuficiente, incluso deshonesto, porque no representaba la "verdad". Por ejemplo, no podía mostrar la vista lateral o posterior del objeto; ni podía mostrar el objeto en diferentes momentos del día. La solución de Picasso y Braque fue el cubismo analítico, un tipo revolucionario de arte Moderno que rechazó la perspectiva de un solo punto y buscó mostrar el objeto desde múltiples ángulos, en diferentes luces. Era una imagen conceptual de un objeto, basada en lo que se sabía sobre él, en lugar de una imagen óptica, basada en lo que se veía. En resumen, un tipo de experimentación intelectual con estructura.

Nota: Para comprender cómo se relaciona el cubismo con el clasicismo, vea nuestro artículo: El renacimiento clásico en el arte moderno (c.1900-30).

Simultaneidad: la cuarta dimensión en la pintura

Después de 1909 y hasta 1912, la introducción y el desarrollo de una complicación conocida como simultaneidad hace que el cubismo sea un concepto revolucionario. La idea detrás de la simultaneidad es bastante simple. Las formas en la Hora del té de Jean Metzinger (1911, Museo de Arte de Filadelfia), que sufre el desafortunado título secundario ’Mona Lisa con una cucharadita’, se dividen en grandes facetas o planos. Pero también sucede algo más: en algunos lugares, estos planos se vuelven transparentes para revelar otros planos detrás de ellos; se cruzan y se fusionan con estos otros planos. A la izquierda, una taza de té y un platillo se dividen en su centro por una línea, en un lado de los cuales se los ve de frente, mientras que en el otro lado se los ve desde arriba. Teóricamente, sabemos más sobre la taza de té porque la vemos desde dos ángulos a la vez, lo cual es imposible cuando una taza de té y un platillo están representados en una perspectiva convencional que permite una vista desde un solo ángulo a la vez.

La taza de té de Metzinger demuestra de manera elemental el dispositivo de simultaneidad: la revelación simultánea de más de un aspecto de un objeto en un esfuerzo por expresar la imagen total. En el caso de la taza de té, el proceso es simple. En otra parte de la imagen, el cruce y la fusión de planos transparentes son una aplicación más complicada de la misma idea. La mitad izquierda de la cabeza, si la mitad derecha se ignora o se tapa, produce un perfil. Al mismo tiempo, se incluye en una vista de la cara completa. El argumento de que no tenemos un buen perfil ni una buena cara para los estándares de representación habituales no viene al caso. El cubista no está interesado en los estándares de representación habituales. Es como si estuviera caminando alrededor de los objetos que está analizando, ya que uno es libre de caminar alrededor de una escultura para obtener vistas sucesivas. Pero debe representar todos estos puntos de vista a la vez.

Esta es la famosa "cuarta dimensión" en la pintura. Durante siglos, los pintores se habían conformado con representar una ilusión de tres dimensiones en una superficie bidimensional mediante una distorsión sistemática conocida como perspectiva. La tercera dimensión en la pintura es profundidad por perspectiva; la cuarta dimensión es el movimiento en profundidad, o tiempo, o espacio-tiempo, mediante la presentación simultánea de múltiples aspectos de un objeto. Una nueva distorsión sistemática es necesaria para esta nueva dimensión, ya que la antigua perspectiva ha quedado superada. Se exploró el proceso del cubismo analítico, se destruyeron los objetos sometidos a sus elaboraciones El desnudo femenino de Picasso (1910-11, Museo de Arte de Filadelfia) es una complicación de formas de cuarta dimensión que comenzó, sin duda, como formas similares a las de su anterior mujer desnuda sentada (1908, Museo de Arte de Filadelfia). Pero a medida que los aviones se superponen, giran en el borde, retroceden, progresan, se acuestan o giran en ángulos conflictivos, el objeto del cual se originaron es lo st en lugar de totalmente revelado. Nota: Para una explicación de algunas de las grandes pinturas cubistas, vea: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

La estructura es primordial: color minimizado

Este énfasis en la estructura hizo que se minimizara el color, para no distraer al espectador, y las pinturas cubistas analíticas arquetípicas son prácticamente monocromáticas, pintadas en marrones apagados o grises cálidos. Los ocres a menudo se usan para los planos o facetas, negro para los contornos y contornos requeridos, y blanco para los resaltados de la superficie. Este esquema de color de un tono (como el tema simple: rostros, figuras con instrumentos musicales, bodegones) era ideal para una intrincada imagen abstracta de múltiples capas, donde se requería un cierto descifrado. Tal esquema de color austero evitó cualquier sugerencia de humor y emoción, y dejó la composición desprovista de asociaciones simbólicas o narrativas naturalistas y de otro tipo, para permitir al espectador centrarse en el aspecto estructural de la pintura. Picasso y Braque también lo vieron como una ruptura completa de las tradiciones decorativas de pintores de vanguardia anteriores, como los impresionistas, Les Nabis y Fauvists. Otros artistas, sin embargo, notablemente Robert Delaunay y Andre Lhote (1885-1962) no estaban satisfechos con este efecto monocromático e introdujeron más color en sus pinturas cubistas analíticas. En el caso de Delaunay, esto lo llevó a ser pionero en una nueva forma de pintura que se conoció como Orfismo o cubismo órfico.

Nota: a pesar de su paleta monocromática y neutralidad emocional, la pintura cubista analítica podría pasar de la melancolía (Picasso’s Seated Nude (1909-10) Tate Gallery) a la sensualidad (colección privada Girl with a Mandolin (1910)).

Similitud de estilo

Ambos artistas colaboraron extremadamente de cerca durante este período. Como hijo de un artesano, Braque se apresuró a adoptar nuevas técnicas, aunque su compañero pudo utilizarlas de manera más creativa. Ejemplos de pinturas que muestran cuán similares eran los estilos en esta fecha: Braque’s The Portuguese (1911, Kunstmuseum, Basel) y Picasso’s The Accordionist (1911, Guggenheim Museum, New York). Fue en portugués que Braque incorporó por primera vez letras estampadas, por lo que quizás sin darse cuenta señala la forma de cosas extrañas por venir.

Supercedido por el cubismo sintético

Como hemos visto, el cubismo analítico involucraba la deconstrucción de objetos y su reforma como arreglos de capas superpuestas de paneles superpuestos, con el fin de mejorar la "realidad" del proceso de pintura. A medida que este proceso de deconstrucción aumentó en severidad (compárese el Retrato de Ambroise Vollard de Picasso con su posterior Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler), las imágenes se hicieron cada vez menos reconocibles, llegando a arte no objetivo. Luego, abruptamente en 1912, abandonaron por completo el estilo y recurrieron a lo que se conoce como Cubismo sintético – Una forma de pintura igualmente revolucionaria que utilizaba materiales de la vida real, así como pintura y lienzo.

Importancia del cubismo analítico

Para muchos laicos, el cubismo analítico es cubismo. En comparación, los colores vivos de las pinturas de estilo cubista anteriores y el cubismo sintético posterior son mucho menos conocidos. Así fue el cubismo analítico tan revolucionario como el críticos de arte ¿decir? ¿Picasso y Braque realmente crearon un nuevo lenguaje visual en las artes visuales? Es casi imposible dar una respuesta adecuada a estas preguntas un siglo después del evento. El cubismo analítico ciertamente fue aclamado como revolucionario en ese momento, pero no por el público: fueron otros artistas, críticos y comerciantes los que quedaron más impresionados. Esto se debió principalmente a que, con la excepción del Armory Show de 1913 en Nueva York, ni Picasso ni Braque exhibieron sus obras analistas cubistas en público antes de la Primera Guerra Mundial. Aun así, el modismo fue adoptado y desarrollado por muchos pintores en París, y promovido por comerciantes de arte como Daniel-Henry Kahnweiler y Leonce Rosenberg (1879-1947), de modo que en 1911 los comentaristas hablaban de una "escuela cubista". Picasso continuó empleando imágenes de estilo cubista con múltiples puntos de vista durante gran parte de su vida (por ejemplo, Retrato de Dora Maar, 1937, Musee Picasso, París; Mujer desnuda y fumadora, 1968, Galerie Rosengart, Lucerna), mientras que Braque dedicó gran parte de su vida. vida a pintura de bodegones, en una variedad de estilos. Quizás el comentario más justo es decir: Sí, el cubismo analítico fue verdaderamente revolucionario, pero no realmente por sí mismo. Fue revolucionario porque estimuló a los pintores a repensar los cánones de la tradición. Art º.

Las mejores pinturas cubistas analíticas

Aquí hay una breve lista de algunas de las mejores obras de cubismo analítico de Picasso y Braque.

Pablo Picasso:
Desnudo (1909) Museo del Hermitage, San Petersburgo.
Mujer joven (1909) Museo del Hermitage.
Desnudo sentado (1909-10) Tate Gallery.
Mujer sentada en una silla (1910) Musee National d’Art Moderne.
Retrato de Ambroise Vollard (1910), Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin.
Retrato de Daniel-Henri Kahnweiler (1910), Instituto de Arte de Chicago.
Chica con mandolina (Fanny Tellier) (1910) Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Retrato de Wilhelm Uhde (1910) Colección Joseph Pulitzer, St Louis.
Mujer con guitarra (1911), MoMA, NY.
La colección privada de Pont-Neuf (1911).
Hombre con clarinete (1911-12) Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Mesa en un café (Botella de Pernod) (1912) Museo del Hermitage.

Georges Braque:
Bodegón con arenques / pescado (1909-11), MoMA, NY.
Mandora (1909-10), Tate Gallery, Londres.
Bodegón con violín y cántaro (1910), Kunstmuseum, Basilea.
Las fábricas de Rio-Tinto en Estaque (1910) Musee National d’Art Moderne.
Violin and Candlestick (1910), Museo de Arte Moderno de San Francisco.
Violin and Palette (1910), Solomon R Guggenheim Museum, Nueva York.
Naturaleza muerta con violín (1911) Musee National d’Art Moderne.
Hombre con guitarra (1911), MoMA, NY.
Bodegón con vidrio, dados, periódico, tarjeta (1913), Art Institute Chicago.

Para obras de arte de otros cubistas, ver Pintores cubistas.