Pintura británica contemporánea Traductor traducir

Antecedentes del arte británico

La década de 1960: la década que dio origen a arte contemporáneo – vio un gran aumento en la riqueza nacional, el poder adquisitivo del individuo aumentó enormemente. Los viajes aéreos estuvieron disponibles para todos; los discos de gramófono se reprodujeron por más tiempo y cada adolescente tenía los recursos para comprarlos. La guerra retrocedió al pasado, pero sus derivaciones tecnológicas estaban en todas partes. El mundo material del artefacto comercial llegó a dominar la percepción de la realidad de todos. La televisión estaba en la mayoría de los hogares, y las imágenes comunes de la vida cotidiana eran cada vez más las proporcionadas por el fotógrafo de noticias o inventadas por el agente de publicidad. La toma de drogas, que había sido común en la bohemia durante un siglo o más, se puso de moda. La introducción de la píldora anticonceptiva en 1963 rápidamente convirtió las restricciones tradicionales obsoletas en el comportamiento entre hombres y mujeres.

Influencia americana

En todos estos asuntos, la vida y la cultura estadounidenses llegaron a representar un estándar a imitar. Los militares estadounidenses, todavía estacionados en Gran Bretaña mucho después de la Guerra, ayudaron a naturalizar su forma de vida. Las películas estadounidenses se vieron en la televisión, la jerga estadounidense se escuchó en las calles. Jimmy Porter, el antihéroe de la obra de teatro de John Osborne Look Back in Anger (1957), observa con tristeza que vive en "la era estadounidense". En las artes, esa edad se anunció en el trabajo de los poetas y novelistas ’Beat’ en torno a Jack Kerouac y William Burroughs, y en la Escuela de pintores expresionistas abstractos de Nueva York , dirigida por Mark Rothko y Jackson Pollock . Los grandes lienzos de Pollock, articulados con gestos que abarcan todo el brazo de la pintura, a menudo usando cubos de pintura salpicados y goteados en remolinos y espirales, son quizás ejercicios existencialistas como el trabajo menos titánico de sus contemporáneos en Europa. Pero también son afirmaciones positivas de la energía de la creatividad o, en el caso de Rothko, de las alturas y profundidades espirituales que se deben sondear en la contemplación de un vacío de color.

Patrick Heron

Este tipo de energía positiva era algo que atraía Patrick Heron (1920-99), quien es uno de los pocos pintores británicos que se ha asociado directamente con el grupo de Nueva York. A fines de la década de 1950, abandonó las figuras y bodegones inspirados por Braque y Matisse que había estado pintando y comenzó a hacer grandes resúmenes, a menudo en las primeras ’pinturas de rayas’, altas pilas de pinceladas de muchos colores, que fueron reflejos tempranos de los desarrollos en Nueva York; Heron mismo afirmó haber llegado a este punto de forma independiente y haber liderado el camino para algunos de los estadounidenses.

Heron vivió gran parte de su vida en o cerca de St. Ives, que había sido el hogar de muchos de los pintores de paisajes más perceptivos de los años anteriores a la guerra, en particular Ben Nicholson (1894-1982). Sus imágenes de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta son como reminiscencias borrosas y fuertemente coloreadas de las ordenadas geometrías de Nicholson. Tienen algo en común con la obra de otro pintor asociado con St Ives, el artista irlandés del norte. William Scott (1913-89), que estaba preocupado por las implicaciones abstractas de la naturaleza muerta: una sartén o una jarra sobre una mesa se ve en el plano, como desde el aire, y se convierte en la base de una disposición muy simplificada de colores y formas. Las abstracciones de Heron se hicieron muy grandes en los años setenta y ochenta. Consisten en manchas rosadas, azules o amarillas de colores alegres que flotan una dentro de la otra, logrando injertar su carácter americano en una frescura no forzada y una sensación de belleza natural que es completamente inglesa.

Ver también: Pinturas famosas analizadas.

Escuela St Ives

Siguiendo el ejemplo anterior de Graham Sutherland, muchos pintores ingleses, así como el crítico influyente Herbert Read – continuó buscando inspiración en St. Ives y desarrolló una tradición de abstracción (ver también Vorticismo) que merece más reconocimiento. Roger Hilton (1911-75) y Terry Frost (nacido en 1915) se encuentran entre los artistas distinguidos que han trabajado allí desde la guerra. La alegría de vivir que caracteriza gran parte de su trabajo atestigua un estado de satisfacción, si no optimismo, que impregna mucho Escuela St Ives Art º. En Peter Lanyon (1918-64) la ciudad tenía un hijo nativo, entrenado en Cornwall, que al igual que Nicholson estaba feliz de mezclarse pintura de bellas artes y 3-D escultura de manera libre y expresiva que lo condujo naturalmente a grandes obras abstractas, basándose en las características del paisaje local. Conoció a Rothko en Nueva York en 1957, y en escala y amplitud su trabajo tiene vínculos con los artistas de Nueva York. Pero sus pinturas suelen tener los colores del país y la costa ingleses: verdes y marrones arremolinados con azul y blanco, la pintura gruesa y aplicada enérgicamente en grandes trazos al aire libre. Estas imágenes encarnan físicamente la preocupación de Lanyon por el ciclo orgánico de la vida, la muerte y el renacimiento, y evocan el aire libre, la corriente de viento fresco. Quizás sea poéticamente apropiado que Lanyon muriera como resultado de un accidente de planeador.

St Ives, con sus cabañas blancas con techos de pizarra y calles estrechas, intrincadamente frondosos puertos y amplias bahías, parece haber poseído una capacidad extraordinaria para llevar a los artistas hacia adelante en la búsqueda de un lenguaje para expresar su fuerte sentido de este entorno elocuente. La inspiración fue crucial, ya que la cuestión de la abstracción no había sido resuelta. ¿Fue un desarrollo inevitable, la meta a la que cada pintor y escultor serio debe tender? ¿O siempre hubo una referencia subyacente a esa exigente realidad exterior? En St. Ives era posible tenerlo en ambos sentidos. El lugar era una especie de abstracción en sí mismo, que pedía ser dibujado y pintado.

El pintor inglés Victor Pasmore (1908-98) visitó la ciudad en 1950, y por esa época rompió decisivamente con arte representativo, abandonando sus escenas del Támesis poéticas, delicadamente coloreadas y sus estudios de figuras sólidamente modelados para abstracción pura, que siguió con vigor evangélico como Director de Pintura en la Escuela de Arte de la Universidad de Newcastle-upon-Tyne. Adoptó el nuevo lenguaje internacional del arte no representativo, en el que era a la vez palabra perfecta. Pero permitió deliberadamente sus piezas, ya sean pinturas, collages o esculturas en relieve, para llevar las marcas de la construcción "hágalo usted mismo" – bordes astillados, pegamento visible – que son un sello de autenticidad que va en contra de la ostensiblemente "mecánica" de estos ejercicios ingeniosos y reducidos en composición pura.

Euston Road School

Antes de todo esto, en 1937, Pasmore había sido fundador de la Escuela Euston Road con William Coldstream (1908-87) y Claude Rogers (1907-79) en un intento de alejarse de la incertidumbre sobre la abstracción y la representación. Aunque admiraban mucho de lo que se había logrado recientemente, sentían que la pintura debería ser comprensible para los no iniciados. Coldstream se vio muy afectado por los problemas sociales provocados por la depresión económica de la década de 1930. Sintió que un arte verdaderamente de izquierda debe ser generalmente accesible, no la intelectualidad enrarecida de la abstracción. "Me convencí de que el arte debería estar dirigido a un público más amplio", escribió Coldstream. "Mientras que todas las ideas que había aprendido a ser artísticamente revolucionarias iban en la dirección opuesta". Su propio método para tratar el problema era someter la realidad a un escrutinio cuidadoso, una medición a simple vista, que se transfirió al lienzo por medio de una cuadrícula mitad nocional y mitad real. La cuadrícula, que un alumno de Euston Road, Lawrence Gowing (1918-91), conocido como ’escaneo’, le da a las imágenes un aspecto ligeramente mecánico que tal vez ayude a validar un atractivo para la modernidad, si no para el modernismo. Gowing habló de "una estética de la verificación", y es probable que la filosofía británica contemporánea estuviera muy ocupada con el "verificacionismo". La necesidad pragmática de indicar solo lo que es confirmablemente verdadero impregna las imágenes de Euston Road.

Otro pintor de Euston Road, Euan Uglow (1930-2000), resolvió el problema dibujando el cuerpo humano con una objetividad implacablemente sistemática. Su ’exploración’ mide y divide la cabeza, las extremidades y el torso como elementos en un espacio que parece implicar que hay una respuesta exacta a la pregunta: ¿cómo se relacionan todas estas partes? No hay lugar para el azar; Los resultados son sin aliento equilibrados, ordenados por un proceso intelectual inexorable. A pesar de la presencia de la figura, esta es esencialmente una pintura abstracta.

Temas tradicionales

El maestro que conquistó los mundos modernista y tradicional fue Stanley Spencer (1891-1959), y no es sorprendente que algunos artistas encuentren su ejemplo valioso en la lucha por forjar un estilo personal viable. Norman Blarney (1914-2000) hizo de las composiciones monumentales de figuras de Spencer su punto de partida, elaborando diseños espaciales complejos en un lenguaje audaz y simplificado. También siguió a la profunda participación religiosa de Spencer. El trabajo de su vida estuvo dominado por una serie de pinturas que registraban los rituales de la Iglesia Anglicana Alta. Su escena durante la misa del decanato en la iglesia antigua de St Pancras (1960) es un poderoso ejemplo. Los temas religiosos no han muerto en modo alguno en la Gran Bretaña del siglo XX. Vanessa Bell y Duncan Grant , en la última parte de sus carreras que ya no son vanguardistas, hicieron murales a gran escala para la iglesia de Berwick, cerca de Charleston, su casa debajo de South Downs. En Kent, en la pequeña parroquia de Challock, John Ward (nacido en 1918) ejecutó una serie lírica de Escenas de la vida de Cristo (1958), ambientada en el campo local y con un elenco de gente local. Durante muchos años los muros de la real Academia mostró pinturas de Carel Weight (1908-97) que dan voz a una espiritualidad más incómoda, de finales del siglo XX, que establecen eventos de naturaleza vagamente trascendental en los paisajes sombríos del suburbio de Londres.

Escuela de fregadero de cocina

Estos artistas singulares encontraron sus respectivas voces en gran medida al optar por salir de las batallas intelectuales de la época e ignorar su brillante comercialismo. Para aquellos que participaron en el debate, fue esto lo que inspiró una comprensión más completa de la realidad. En la década de 1950, la llamada Escuela Kitchen Sink , quizás la más realista de todas movimientos de arte moderno – había aparecido lo que llevó el amor de Sickert por la miseria doméstica un paso más allá: las imágenes de John Bratby (1928-92) y Jack Smith (n. 1928), manejadas con aspereza, se glorían en la realidad de los ceniceros llenos de trozos, accesorios de baño y desordenados cocinas Tanto en Estados Unidos como en Inglaterra, una gran cantidad de mensajes de la calle (señales de tráfico, anuncios, fotografías de periódicos) se estaba abriendo camino en las imágenes de lo que rápidamente se conoció como Pop Art, uno de los primeros movimientos de arte contemporáneo. Y mientras pintura de aceite no pasó de moda, el nuevo, producido industrialmente Pintura acrílica, con su textura limpia, suave y fácil aplicación, ofreció una alternativa apropiadamente brillante.

Pop Art Británico

A mediados de la década de 1950, el pintor inglés Peter Blake (nacido en 1932) comenzó a incorporar postales y portadas de revistas en sus cuadros, creando un híbrido de pintura y collage, una técnica que tiene sus raíces en el cubismo. Desde el principio Arte pop encarnaba las tensiones de la nueva cultura angloamericana. Blake’s Girls and their Hero, 1959 (Elvis), pintadas en acrílico, graba en imágenes tomadas de periódicos y revistas populares el abrumador entusiasmo británico por la música comercial estadounidense, Rock ’n’ Roll y Elvis Presley. En Autorretrato con insignias (1961), Blake se identificó en términos de sus actuales afiliaciones, intereses y lealtades como lo afirma la colección de insignias icónicas de estaño que muestra clavadas en su ropa. La juventud tímida del artista y sus accesorios es representativa del momento.

El creciente movimiento del arte pop recibió un poderoso impulso de la amistad de un artista inglés y estadounidense. RB Kitaj (1932) había venido a Londres desde los Estados Unidos en 1957 y entró en el Royal College of Art, donde se reunió David Hockney (nacido en 1937). El trabajo de los estudiantes de Hockney estaba en una vena concienzuda de Euston Road School . Su adopción de una manera pop hacia el final de la década fue una transformación sorprendente. Las superficies manchadas, como los viejos muros urbanos, cubiertas con grafitis al azar, se convierten en el fondo de los encuentros con louche o, a veces, constituyen la imagen completa. Tea Painting in an Illusionistic Style (1961) incorpora el acogedor paquete de té Ty-phoo, colocando esta versión de Pop, por todas sus ambigüedades de espacio e imagen al estilo de Francis Bacon, sin lugar a dudas en una acogedora Inglaterra de clase media baja en lugar de en el Calles nerviosas de Manhattan. Kitaj, por el contrario, era un cosmopolita, que combinaba ideas tomadas de la literatura, la filosofía y la historia del arte en sátiras caleidoscópicas del mundo moderno que, sin embargo, atraviesan la compasión humana. Esta simpatía calienta sus retratos bellamente dibujados y reflexivos. Hockney también es un excelente dibujante y durante la década de 1970 produjo una sucesión de estudios sensibles de sus amigos y sus contrastantes entornos domésticos en Londres y Los Ángeles. Rápidamente sucumbió a las atracciones de la vida estadounidense y se mudó a California, donde hizo fotos que evocan con una evidencia completamente apropiada el estilo de vida tranquilo y bañado por el sol de la piscina y el bulevar bordeado de palmeras. La transformación de pigmento lodoso y lodoso a claridad brillante de color primario es una respuesta notable al entorno cambiante.

La suave ironía general de estos artistas da paso a una sátira más feroz en el trabajo de Allen Jones (nacido en 1937), que ha estado obsesionado por el uso de la figura femenina en el arte comercial. El propósito obviamente sugestivo de estas imágenes se satiriza en sus figuras de pechos afilados, patas de rejilla pero a menudo significativamente sin rostro con su color llamativo y contornos pulidos. También hay ironía en el comentario social de Richard Hamilton (nacido en 1922), cuyas imágenes, a menudo basadas en fotografías y anuncios de prensa, destilan el espíritu de la sátira anticonservadora que se difundió por los medios en la década de 1960.

Escuela de londres

Vale la pena recordar que el pintor y grabador británico Walter Sickert (1860-1942) fue pionero en el uso de fotografías de periódicos como base para las imágenes de la década de 1930. La identificación de una calidad reconocible de ’Londres’ en la pintura se debe mucho al genio que preside Sickert, aunque no se puede decir que la llamada ’ Escuela de Londres ’ que floreció en la década de 1970 tuviera un solo estilo o enfoque. Bajo su paraguas se han agrupado muchos de los artistas discutidos en diferentes lugares aquí de acuerdo con sus preocupaciones. Tal vez las escenas de Leon Kossoff (n. 1926) con baños de natación o estaciones de metro, con sus pasta y urgente espontaneidad, continúe viendo Londres a través de los ojos sickertianos. Nos encontramos con una pintura igualmente densa en el trabajo de Frank Auerbach (b. 1931), cuya técnica, como la de Kossoff, deriva del estilo posterior de Bomberg, que les enseñó a ambos en el Politécnico de Borough. Al igual que Kossoff también, elige temas de Londres: su gente y sus paisajes. Es una experiencia gratificante penetrar en la aparente confusión de las superficies retorcidas de Auerbach para descubrir las estructuras firmes y tensamente disciplinadas debajo, ya sea de una cara o de un árbol en Hampstead Heath. Michael Andrews (1928-90), por el contrario, usa pintura con gran delicadeza, especializándose en el tema tradicional de la vida cotidiana urbana, el retrato grupal y el paisaje topográfico, aunque trabaja en lienzos que a veces son muy grandes. Nota: Para el análisis de algunas de las obras de pintores británicos contemporáneos, ver: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

Arte abstracto británico

La mayoría de estos desarrollos tuvieron sus paralelos en arte abstracto. El cuidadoso escrutinio y la medición de los estudios de Coldstream del mundo cotidiano se corresponden con el trabajo de Kenneth Martin (1905-84) y su esposa Mary Martin (1907-69), cuyas pinturas y relieves son un desarrollo de Piet Mondrian y Rusia. Constructivismo. Desarrollaron sus composiciones mediante cálculos matemáticos, colocando marcas mínimas (líneas, bloques o espacios) en el lienzo, no como consecuencia de decisiones estéticas, sino siguiendo una secuencia cuidadosamente planificada de ’sumas’. Los patrones resultantes son fríos y secos, pero, en el caso de Kenneth Martin, sorprendentes y, a veces, altamente expresivos en su forma discreta. Se extienden naturalmente en tres dimensiones en forma de esculturas móviles delicadamente equilibradas. Las pinturas de Mary Martin, igualmente fríamente calculadas, poseen una rara quietud y equilibrio.

Arte abstracto

Del mismo modo, los comentarios del Pop Art sobre las imágenes del comercio y los medios encontraron una contrapartida en las abstracciones de Bridget Riley (nacido en 1931). Riley ha sido un exponente resuelto de lo internacional Movimiento de Op Art que disfrutó de su apogeo en las décadas de 1960 y 1970. Este fue un enfoque de abstracción que se concentró en una geometría rígida pero sutil y combinaciones de colores ópticamente sorprendentes. Riley comenzó a pintar solo en blanco y negro, excitando el ojo con rayas o puntos finamente modulados que parecen parpadear, desvanecerse o doblarse fuera de la vista a medida que uno mira. Su objetividad fría y dura la llevó a emplear asistentes en la aplicación real de la pintura: la personalidad del artista, y toda referencia representativa, se eliminan deliberadamente hasta un punto que ha sido inusual en la abstracción británica: compare la ansiedad de Pasmore por conservar su personalidad. imprimir. Las cuadrículas de Mondrian se encuentran en la raíz del enfoque de Riley, pero es interesante que cuando intentó hacer una copia de su Broadway Boogie Woogie lo abandonó, incapaz de sentir su camino hacia los procesos creativos de Mondrian. Su propio lenguaje abstracto es, entonces, esencialmente diferente, y es uno de los más originales del período de posguerra.

Howard Hodgkin

En el extremo opuesto del espectro artístico de Riley and the Martins se encuentra la pintura sensual y exuberante de Howard Hodgkin (nacido en 1932), quien ha mantenido la tradición nativa de la abstracción fundada en la representación: los desnudos y las naturalezas muertas de Sir Matthew Smith (1879 -1959) y los paisajes acuosos de Ivon Hitchens (1893-1979) parecen haber influido en él. Ha pintado retratos, interiores, paisajes, todo transformado en brillantes calderos de color, abigarrados con lunares y arcoíris fundidos, en los que el brillo de la pintura contribuye al efecto exuberante. Ha pasado mucho tiempo en India, y los brillantes patrones de las telas indias juegan un papel importante en su trabajo. Incluso sus cuadros están pintados, extendiendo la amplitud opulenta de su pincel más allá del espacio de la imagen y dentro de la habitación. Un exponente más joven de los valores de aplicación exquisita pigmento de color es Therese Oulton (n. 1953), cuyos lienzos a menudo grandes están inundados por mareas de pintura ondulante, inundaciones de color rico y sombrío iluminadas por destellos intermitentes de luz intermitente.

Otro pintor abstracto de la generación de Oulton, Christopher Le Brun (nacido en 1951), reflejó algunas de las preocupaciones de la escuela de Nueva York en sus lienzos grandes, inquietantes y sin pintar; aunque sus espacios sombríos usualmente evocan lo trascendental de maneras más concretas. Recientemente, especialmente, ha introducido fuertes elementos de representación, a menudo tomados de los favoritos simbolistas Wagner y Dante. El resumen se fusiona sin esfuerzo en el expresionista musical. El alejamiento de Le Brun de lo totalmente abstracto a una descripción representativa de los aspectos más inefables del anhelo, la nostalgia o el dolor humanos es sintomático de una creciente pluralidad de enfoques en los últimos años del siglo.

Lucian Freud

Tal vez no sea casualidad que el genio de la pintura en Gran Bretaña a fines de siglo sea un artista mayor que ha insistido repetidamente en las virtudes de la escuela de arte, una institución que parecía haber sido seriamente amenazada en los iconoclastas de los años sesenta y setenta. Lucian Freud (1922-2011) vino de Viena con su familia en la década de 1930, y su primer trabajo respira Surrealismo y temas de Expresionismo alemán, atravesó la tensa ansiedad de los primeros años de la posguerra. Pero ya en sus retratos de la década de 1950 hay una fascinación intransigente (obsesión no es una palabra demasiado fuerte) con los detalles minuciosos del cuerpo humano. A lo largo de los años, el escrutinio se ha vuelto más microscópico, atrayendo una atención implacable a cada vena y poro. A veces, recordamos los desnudos terrosos de Spencer y su comparación explícita de carne humana con carne de animal muerto, tal vez no tan lejos de las preocupaciones de Francis Bacon (1909-92) como podría parecer a primera vista. A la larga, nunca ha sido necesario que Freud abandone la escuela de arte: todos sus materiales están allí. El modelo dispuesto, exponiéndose sinceramente a sí mismo a la observación intensa del artista, el entorno significativamente sin importancia: un sofá, una cama más o menos drapeada, tablas desnudas. Todo esto es de antiguo linaje, y Freud no intenta vestir su tema como moderno. Sin embargo, es moderno por la naturaleza misma de su mirada: sin censura, inquebrantable, compasivo. Estas son las cualidades de las cuales nos enorgullecemos después de una liberación que todavía estamos tratando de entender por completo.

Freud ha pintado muchos retratos, aunque no es un retratista en el sentido anticuado: no atiende al amor propio y no desea halagar a nadie, y menos a sí mismo. Fue su abuelo, Sigmund Freud, quien hizo que el pintor de retratos de la sociedad fuera casi imposible en el siglo XX. Ahora el pintor del rostro humano está casi obligado a exponer su propia psicología sea cual sea su tema aparente. Los retratos de Auerbach con su pintura torturada y muy trabajada son un buen ejemplo. Pero por esta razón, debemos dar crédito a los muchos artistas que continúan cumpliendo la función de retratista social. Lo hacen en un mundo que hace cada vez más difícil respetar las viejas agendas de poder, estatus y riqueza que dictaban los parámetros del retrato. Es típico del patrocinio británico de la pintura que el retrato siga siendo una preferencia. El deseo de una imagen reconocible es tan fuerte como siempre. Blarney y Ward se encuentran entre los que han producido retratos técnicamente realizados para fines de registro, y Howard Morgan (nacido en 1949) ha reelaborado la tradición de los halagos brillantes tan efectivamente explotados por Thomas Lawrence y John Singer Sargent para crear un estilo en gran parte de su momento mediático.

El ejemplo de Freud ha estimulado un nuevo interés en la figura, y de hecho las últimas décadas del siglo vieron un renacimiento de la pintura temática, como en los enigmáticos, a menudo surrealistas paisajes e interiores del artista irlandés Stephen McKenna (nacido en 1939), y fantasías de Ken Kiff (1935-2001), cuyas historias de cuentos de hadas, algunas de ellas con un horror parecido a Grimm, otras cómicas, se cuentan en formas simples, infantiles y en tonos vibrantes y sin mezclar, a menudo utilizando una acuarela densa pero luminosa.

Jóvenes artistas británicos (YBA)

Hemos visto cómo algunas pinturas del siglo XX, de Nicholson, Martin y otros, han tendido a conducir naturalmente a la escultura. En las últimas décadas, los límites entre los diversos medios se han vuelto cada vez más borrosos, muchos artistas trabajan juntos en varios. La cámara ha desempeñado un papel cada vez más destacado: la fotografía, el cine y el video han entrado en el campo de la creatividad de medios mixtos. Arte conceptual ha tendido a robar el protagonismo, especialmente entre los ’Britpack’, un grupo altamente publicitado de enfants terribles dirigido por Damien Hirst que surgió en la década de 1990, reinventando en su Britart las viejas técnicas de la vanguardia: se utilizan incongruencias extrañas, objetos cotidianos o eróticos para explorar la experiencia cada vez más diversa de la vida moderna. Sin embargo, a pesar de esta explosión de medios técnicos, muchos artistas más jóvenes han adoptado la pintura como un medio apropiado para sus reflexiones sobre el mundo. Pero el estado de ánimo de la época se ha visto afectado por una conciencia consciente del arte de las épocas pasadas, y existe una corriente subterránea constante de préstamos irónicos, un amor posmoderno a la deconstrucción de los conceptos y métodos de trabajo tradicionales.

Uno de los artistas contemporáneos más abiertamente tradicionales de estos jóvenes artistas contemporáneos es Peter Doig (n. 1959), que vuelve al lenguaje reconocible del paisaje con figuras, jugando con los patrones de los árboles contra la nieve (los deportes de invierno son un tema frecuente), o La interrelación de las formas naturales y arquitectónicas. Gary Hume (nacido en 1962) revive algunos de los aspectos más audaces del movimiento Pop en imágenes que extraen gran parte de su efecto de una abstracción audazmente simplificada, proyectada en los llamativos colores y formas de la publicidad.

El deseo de ofrecer una crítica de la historia del arte reciente toma una forma interesante en las abstracciones de Fiona Rae (n. 1963). Sus composiciones pueden leerse como deconstrucciones de muchos movimientos del siglo XX, y aluden de diversas maneras a Picasso, a Bacon, a Pollock. Se construyen a partir de motivos conectados por lo que parece ser casualidad. El efecto es llevar las posibilidades de abstracción a su límite.

Comenzando desde una posición muy diferente, Jenny Saville (n. 1970) lleva las 183 anatomías del marco humano de Freud un paso más allá, presentando sus vastos desnudos femeninos en primer plano Brobdingnagian, distorsionados y a veces deformados como mutantes.

Por el contrario, el pintor escocés Jack Vettriano (n. 1951) ha logrado un enorme éxito comercial con su pintura de género fórmula que retrata escenas nostálgicas, aunque algo sugerentes, de hombre y mujer, como lo ejemplifica The Singing Butler (1992, Private Collection).

A pesar de las profecías de su inminente desaparición que han estado vigentes durante casi ciento cincuenta años, la pintura aún no se ha desalojado de su posición única entre las artes visuales, y continúa atrayendo a practicantes serios mientras reflexiona, con la debida consideración de un hermano mayor., muchas de las innovaciones del arte multimedia contemporáneo. La abstracción persigue su misión de investigar los aspectos más inefables del pensamiento y la experiencia, mientras que en una tradición figurativa revitalizada, nuestra humanidad es nuevamente examinada en términos de individuos y su interacción. Las cosas rara vez son exactamente lo que parecen: estos artistas llaman la atención sobre lo extraño de la vida y de las personas que la viven: de nosotros mismos. Un compromiso de búsqueda con la realidad humana es vital para la recarga de las baterías del arte, y ese encuentro no puede tener fin.