Legado del impresionismo de Claude Monet Traductor traducir
(1) Orígenes e influencias (2) Historia temprana (3) Impresionista Edouard Manet (4) Impresionista Claude Monet
(5) Impresionistas Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cezanne (6) Monet & Pissarro en Londres
(7) Desarrollos de pintura impresionista (8) Exposiciones impresionistas (9) Divisiones de grupo (10) Legado
Pero ahora deberíamos examinar el destino fundamental de Monet, su importancia especial y las responsabilidades que recaen sobre él. Por supuesto, no podemos estar satisfechos con caracterizar Impresionismo simplemente por una serie de datos técnicos: plein-airism, ausencia de luz y sombra y tono local, división de color y uso sistemático de complementarios. Estas cosas se encuentran repartidas entre los modos de expresión de numerosas escuelas anteriores francesas y extranjeras. Los impresionistas pudieron reunir estos elementos anteriormente raros y organizar su uso para expresarse de una manera particular, única y original. El elemento humano no es menos importante. El impresionismo parece haber nacido de la necesidad de libertad, de un enorme entusiasmo por la vida, y también de la búsqueda de la transformación básica de la pintura desde el punto de vista de su significado.
Pintores impresionistas quieren moverse rápidamente y seguir adelante, para probar sensaciones fuertes y urgentes, y lo hacen instintivamente porque en su caso, y particularmente en el caso de Monet , el instinto juega un papel esencial; recurren a la luz y al movimiento. Pero más allá de estos dos elementos, es el sentimiento vivo y violento que se esfuerzan por capturar y expresar. Contra el lapso de tiempo ideal que el Renacimiento Los pintores intentaron expresarse a través de la permanencia, afirman una calidad activa y dinámica de tal manera que experimentar la sensación permite que todos se apoderen de ella y la vivan. Así, los impresionistas son en cierto sentido realistas. Producen en la pintura una de las ideas fundamentales inmediatas de nuestra conciencia y Zola pudo sentirse cerca de ellos en sus comienzos.
Cada uno según su temperamento elige el camino que mejor se adapta a su hipótesis. Solo uno debe tener el coraje y la determinación para continuar su investigación de la sensación hasta el final. Monet no escatima en nada para capturarlo, y etapa por etapa se acerca a él y luego logra identificarse con él a riesgo de destruir la imagen tradicional de las cosas. Para más información, consulte: Características de la pintura impresionista. 1870-1910.
A veces se le reprocha a Monet su virtuosismo, su ausencia de un sistema preconcebido o que inclina su habilidad a los dictados de su corazón en sus dolores para mantener la integridad y la pureza de las sensaciones. En Normandía, por ejemplo, no duda en dar a sus lienzos la apariencia calcárea que indica el sujeto bajo contemplación. Su artesanía nunca es sistemática, ya sea que muestre campos de hierba o setos, en Poissy o en Giverny; rocas y el mar en Varengeville o en Etretat; y nieve y hielo que él llega hasta Noruega (1895) para estudiar. Para cada textura encuentra un equivalente pictórico. Para traducir cada material, su mano inventa un método especial para pintar mientras conserva el estilo. A veces usa trazos ligeros y fragmentados, a veces deja trazos largos y lentos o rayas de cebra en el lienzo; luego, los rápidos y rápidos movimientos de las mariposas hacen lugar para las masas de colores ("Cliffs at Pourville", 1882). Si el sujeto lo golpea con violentos sentimientos de color, se somete a ellos ("La Manneporte" y "Etretat", 1886). El follaje tembloroso se traduce por un trazo largo e inquieto o, por el contrario, ágil y reducido a una mancha ("Álamos en Giverny" y "Amanecer", 1888). Los lienzos que pinta en 1888, en Juan-les-Pins y Cap-Martin, muestran cómo puede someter su arte a las exigencias del lugar, incluso a su geología. Durante una estadía en Bordighera en la Riviera italiana, su pintura de repente estalla en llamas y se vuelve extravagante. Habiendo descubierto esta región con Renoir , regresa luego solo para preservar la sensación sin ninguna otra influencia que pueda afectar la intensidad de sus impresiones. Confía a Paul Durand-Ruel , "Esto traerá aullidos de los enemigos del azul y el rosa porque es exactamente ese brillo, esa luz fascinante que soy tan particular sobre la reproducción. Aquellos que no han visto este país, o no lo han visto correctamente, estoy seguro de que lo harán grito acerca de la improbabilidad a pesar de que ciertamente estoy muy por debajo de los tonos: todo es paloma y color de llama ".
La disposición de un lugar, el carácter de un escenario elegido, se lo revelan. Desde Londres (1901) y Venecia (1908) trae de vuelta una serie de atrevidos lienzos en los que las Casas del Parlamento, puentes, palacios e iglesias se funden en polvos de colores. El fenómeno de la luz se desarrolla tanto que la realidad se transforma. Había otras obras pintadas en serie: Pajares (1891), Álamos (1892), Catedrales (1895), Acantilados y mañanas en el Sena (1898) y "Le Bassin des Nympheas (nenúfares)" (1900). Estas famosas series son como estudios que llevan a casa la investigación técnica y los experimentos de los impresionistas en la sensación experimentada. Pero en cada lienzo tomado por separado, Monet demuestra constantemente su ingenio al satisfacer las necesidades particulares del tema. El carácter sistemático del proyecto, sin embargo, es brillante.
Monet parece querer asegurarse de que su razonamiento está bien fundado. ¿Podría esta investigación sobre la sensación no ser demasiado fácil, demasiado superficial, como han dicho los críticos? ¿No podría haber sido demasiado liberal al "dejar que el ojo viva su propia vida"? ¿Abre perspectivas suficientemente grandes sobre el hombre? La pasión de Monet por el trabajo es la única respuesta. Sin cesar, regresa incesantemente al mismo tema y, sin embargo, logra variedad. De un lienzo a otro, varía el ángulo de visión y modifica la geometría plástica subyacente. Su vista puede estar disminuyendo, su edad se hace sentir, pero logra expresar el paso del tiempo mediante el movimiento, al retratar en su pintura el equivalente de la sensación en el momento en que realmente se experimenta.
La tensión lo exaspera. Para traducir los abundantes frutos de su percepción, recurre al cambio instantáneo en el método. Pinta en coágulos, comas, puntos, manchas yuxtapuestas o rayas de cebra, según sea el caso. Su tema es a veces brillante, a veces opaco, a veces amontonado y en forma de profundidad. La luz parece provenir del interior del color y se difunde a través de ella. Esta pintura estaba bastante fuera de las reglas aceptadas, infligiendo una especie de tortura visual a quienes la miraban. Se volvió aún más provocador cuando uno solo quería ver en él un efecto de la naturaleza, una vibración de la atmósfera, mientras trataba de resolver un problema completamente diferente. Por lo tanto, estas series deben tomarse como una especie de ejercicio en el que Monet mide su fuerza, su poder de resistencia y la fuerza y precisión de su análisis. Lo preparan para la famosa suite Nympheas que se convertirá en su obra maestra. Se encuentra con el tema en 1899, pero no es hasta 1916, mucho después Pintura posimpresionista ha venido y se ha ido, que emprende la gran obra decorativa que ahora se encuentra en el Museo de la Orangerie. Él dedica toda su fuerza a ello. A su muerte el 26 de diciembre de 1924 fue su último pensamiento, su última preocupación.
Las obras importantes de Monet incluyen: Mujeres en el jardin (1867, Musée d’Orsay); La Grenouillere (1869, Metropolitan Museum, Nueva York); La playa de Trouville (1870, Wadsworth Atheneum, Hartford); Impresión, amanecer (1873, Musée Marmottan); Campo de amapolas (Argenteuil) (1873, Musée d’Orsay); Gare Sainte-Lazare (1877, Musée d’Orsay); la serie de Nenúfares (Nymphéas) (1897-1926) en varios museos; y El estanque de nenúfares: armonía verde (1899) Musée d’Orsay.
Visión fallida y proyecto de pintura final
Con el éxito que había logrado, Monet había podido ampliar su propiedad en Giverny, desviando el pequeño arroyo del Epte y extendiéndolo en estanques en un jardín de tierras de hadas. Este jardín, transformado una y otra vez como lo deseaba, sería su único consuelo cuando el destino le diera los golpes crueles de la muerte de su segunda esposa en 1911 y de su hijo Jean en 1914. Como Degas , sufrió con los ojos, se sometió a operaciones y estuvo ciego por un tiempo. Finalmente, en 1922, una doble catarata alteró su visión. Pero esto no le impidió emprender una tarea fabulosamente ambiciosa. Fue un trabajo tan ambicioso, tan impermeable a pesar de su apariencia externa, que durante mucho tiempo no se entendió. Para algunos era una obra maestra, para otros algo para ser menospreciado, si no despreciado.
Ordenado para el Estado por Georges Clemenceau, las Nympheas consisten en unas ochenta yardas de pintura en forma circular. El tema parece ser estanques adornados con nenúfares. De hecho, estos trabajos son básicamente una meditación en el lapso de tiempo, un intento de comprender completamente el mundo. Repitiendo un experimento que había realizado alrededor de 1910, Monet acorta el campo visual de su sujeto, lo observa desde un punto más cercano y, por lo tanto, dibuja el vuelo de la perspectiva. De esta manera, pone el mundo entero al revés y pone los tonos más claros a los pies del espectador, que generalmente está acostumbrado a encontrarlos por encima de su cabeza. Los elementos del paisaje, las ramas y el follaje, que también le permiten mantener una sensación de altura y profundidad, se entremezclan con sus reflejos y son absorbidos por ellos. Por lo tanto, es difícil saber cuál es la situación exacta. La materialidad y el peso de sus elementos se combinan para perderse y reflejarse en la luz. Los niveles vertical y horizontal, la opacidad y la transparencia ya no se oponen claramente en la mente del espectador, que de repente se encuentra en un mundo donde el carácter específico de las cosas, su peso, alivio y dónde están colocados, todo se mezcla en un fabuloso puré. Finalmente, la disposición circular de las obras, buscada por el propio Monet y respetada escrupulosamente en su presentación en el Museo de la Orangerie, aumenta aún más este efecto de un extraño mundo nuevo. Como descubrieron los arquitectos barrocos, un efecto circular no permite fácilmente que el espectador se dé cuenta de su posición y tiende a perderse. Así se acentúa la confusión; el ojo, al no encontrar un lugar conveniente para descansar, se desliza sobre el borde y percibe una especie de paso del tiempo. En lugar de la contemplación frontal habitual, parece estar en el seno mismo de la naturaleza, abrazando un vasto paisaje que no tiene principio ni fin. La altura del friso también altera su posición en relación con los fenómenos representados. Entre mundos luminosos, las transiciones bien gestionadas evitan la sensación de ruptura. Todo está vinculado (amanecer, mediodía, tarde y crepúsculo) para formar una especie de continuidad. Así, el espectador, con su percepción básica al revés, sus puntos de referencia normales desaparecidos y su conciencia de la división del tiempo ahora perdida, se siente arrastrado a un mundo donde las categorías y el orden de las cosas se confunden y luego desaparecen. Se extiende una impresión liberadora. El mundo se desmaterializa y cambia ante nuestros ojos. Se convierte en un fluido, una liberación de energía. Solo la luz se extiende por este mundo despojado de la restricción impuesta por la condición humana. Exige que el espectador se mezcle con él, la única forma de acomodarse a su impulso activo y tranquilo. En un instante, la fusión del hombre y los elementos se logra y se puede experimentar. Más allá de la luz, que se ha convertido en el personaje central, se alcanza el mecanismo mismo de la vida.
Ciertamente, Monet no pudo prever la moraleja que las nuevas generaciones sacarían de su trabajo. Kandinsky , después de contemplar un Monet exhibido en Rusia en 1895, escribió (Regards en arriere): "Hasta entonces solo conocía el arte naturalista y, para ser sincero, con el de Rusia… y de repente me encontré por primera vez tiempo antes de una pintura que, según el catálogo, representaba un pajar pero que no reconocí. Esto me molestó y me preocupó mucho. Pero noté con consternación que no solo me sorprendió, sino que se imprimió indeleblemente en mi memoria y se reformó ante mis ojos en cada detalle. Todo esto permaneció confundido en mi mente y aún no podía prever las consecuencias naturales de este descubrimiento. Pero lo que surgió claramente fue la increíble fuerza, desconocida para mí, de una paleta que excedía todo mis sueños. La pintura me pareció dotada de un poder fabuloso ".
NOTA: Para una explicación de cómo el arte impresionista de Monet llevó a la abstracción, ver: Realismo al Impresionismo (1830-1900).
Más tarde, sabemos lo que este interrogatorio del tema, esta implicación de sus exigentes demandas, engendró. Algunos años más tarde, otro pintor, un divisionista en sus primeros días, meditó sobre la luz y el color. Robert Delaunay estudia las teorías de Chevreul y de ellas deriva el término "contraste simultáneo". A partir de 1912 en adelante, en sus célebres "ventanas" y "formas circulares" demuestra dos ideas derivadas de experimentos impresionistas. La primera es que la luz en constante cambio "en sí misma engendra forma independiente de la presencia de objetos". La segunda es que "las formas autónomas de luz implican percepción de movimiento". Estas dos concepciones debían ser la base de su desarrollo futuro. Pierre Francastel escribió sobre su "Rythmes sans fin" de 1934: "Es, por así decirlo, una aventura de rayos de luz a través de la atmósfera. Resucitar esta idea que fue la base de sus grandes descubrimientos de 1912… escribe con un una especie de poesía lírica sobre el sol y el espacio. De hecho, al final de su vida, Delaunay, en algunos aspectos, vuelve a los impresionistas de donde vino. Un día sus "Rythmes sans fins…" serán comparadas con las Nympheas de Monet.
Fernand Leger , en una conferencia en la Academia Wassiliev en 1913, cita al impresionismo como el punto de partida de la pintura contemporánea. "Los impresionistas", los primeros en hacerlo, rechazaron el valor absoluto del tema a favor de considerar solo el valor relativo ", escribió." Este es el vínculo que une y explica toda la evolución moderna… "
Estas nociones de movimiento, de traducción de sensaciones, de la intensidad de su percepción y la inestabilidad del mundo y su imagen, están incluidas en lo que hicieron los impresionistas. La nueva generación debía retomarlos e interpretarlos de diferentes maneras, muy a menudo transformados hasta el punto de ser irreconocibles. Pero parece que todavía no hemos pasado, o solo hemos pasado, el reino de las sensaciones. Si los impresionistas fueron lo suficientemente ambiciosos como para ponerlo en el lienzo, los pintores que los sucedieron presionaron aún más sus esfuerzos. Es menos una cuestión de pararse en un punto fijo ante un paisaje que se transforma hora por hora, como considerar al hombre mismo como en movimiento a través de un paisaje que se ve simultáneamente desde diferentes puntos.
Una reciente exposición de las últimas ninfas (nenúfares) de Monet, que hasta entonces habían sido enterradas en su estudio y, por lo tanto, desconocidas, renovó su aprecio por su trabajo. Si la rapidez con la que capturó los fugaces hechizos de luz trajo éxtasis al espectador, o incluso más si se apreciara su gran serie, debe admitirse que su Nympheas seguía siendo algo para ser juzgado como espontáneo o inusual. Esta imagen confusa de un mundo desordenado no se entendió. Pero mientras tanto, la ciencia nos ayudó a proporcionar una mejor comprensión de ello. Lo que durante mucho tiempo había parecido delirante, tal vez incluso el resultado de alguna anomalía de la vista, se volvió creíble a la luz del último trabajo teórico en física. La visión poética de Monet de repente parecía plausible. La física moderna nos familiarizó con la noción de que la materia ya no es inerte sino una especie de condensación de energía, con redes interminables y siempre en movimiento. Así, mientras el pintor intentaba lograr la fusión de los elementos, una comprensión completa del mundo, sus destellos de intuición alcanzaron lo que luego se demostró que era realidad. Una vez más, la poesía ocupó su lugar junto a la ciencia. Y, nuevamente como el primero, la pintura descubrió una nueva forma de concebir el mundo, percibirlo y luego representarlo.
La obra de Monet, junto con su discípulo más cercano. Camille Pissarro , el subestimado Alfred Sisley , el dedicado Degas , el virtuoso Renoir y el minucioso Cezanne , ayudó a crear el primer movimiento de Arte Moderno y allanó el camino para Fauvismo , Expresionismo y las composiciones sensibles al color de Expresionismo abstracto .
REGRESAR PARA COMENZAR: Impresionismo: orígenes e influencias .
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