Cubismo: historia, características Traductor traducir

En las artes visuales, el término «Cubismo» describe un estilo revolucionario de pintura inventado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) en París entre 1907 y 1912. Sus métodos cubistas -influidos inicialmente por los motivos geométricos de las composiciones paisajísticas de un pintor postimpresionista como Paul Cézanne - revisaron radicalmente la naturaleza y el alcance de las bellas artes y, en menor medida, de la escultura, e inauguraron formas totalmente nuevas de representar la realidad. En este sentido, el cubismo marca el final del Renacimiento y el comienzo de la era del arte moderno .

Introducción: el arte abstracto revolucionario

En gran medida un tipo de arte semiabstracto -aunque a veces se acerca al arte no objetivo a gran escala -, el Cubismo se divide tradicionalmente en tres etapas:

1. Pintura cubista temprana (1907-09)
2. Cubismo analítico (1909-12)
3. Cubismo sintético (1912-14)

Además de Braque y Picasso, otros artistas famosos estrechamente relacionados con este movimiento son los pintores Juan Gry (1887-1927), Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941) y Albert Gliese (1881-1953), André Lotet (1885-1962), Roger de la Fresnaye (1885-1925), Jean Metzinger (1883-1956), Francis Picabia (1879-1953), el pintor universalista Marcel Duchamp (1887-1968) y los escultores Jacques Lipchitz (1891-1973), Alexandre Archipenko (1887-1964). (Véanse Artistas cubistas y Escultores del siglo XX .) El cubismo fue el punto de partida o el elemento esencial de otros movimientos artísticos modernos, como el futurismo (1909-14), el orfismo (1910-13), el vorticismo (1914-15), el constructivismo ruso (c.1919-1932) y el dadaísmo (1916-1924).

¿Cuáles fueron los orígenes del arte cubista?

Después de tres décadas de arte de inspiración impresionista, que culminó en el movimiento colorista fauvista (del que Braque era miembro por cierto), Picasso empezó a preocuparse de que este tipo de pintura fuera un callejón sin salida con cada vez menos potencial para la exploración intelectual. Con esta mentalidad, se familiarizó con el arte tribal africano, mientras que en España comenzó a pintar Les Demoiselles D’Avignon (1907, MoMA, Nueva York), su obra maestra pionera, en la que los planos planos divididos sustituyeron a la perspectiva lineal tradicional, señalando su ruptura con las tradiciones naturalistas del arte occidental. Al mismo tiempo, Georges Braque, antiguo alumno de la prestigiosa École des Beaux-Arts de París, quedó asombrado por las exposiciones de 1907 de los cuadros de Cézanne en el Salon d’Haute parisino y en la Galerie Bernheim-June . Se inspira especialmente en Les Grandes Baigneuses (1894-1905). Se reunieron en octubre de 1907 y durante los dos años siguientes desarrollaron lo que se conoce como Cubismo, un método totalmente nuevo de representar el mundo visual.

NOTA. Para ver cómo la pintura no naturalista de los impresionistas condujo al arte abstracto como el cubismo, véase: Del Realismo al Impresionismo (1830-1900). Para entender por qué el Cubismo está relacionado con el Clasicismo, véase «El Renacimiento Clásico en el Arte Moderno» (c.1900-30).

Origen del término «Cubismo»

En el verano de 1908, durante su estancia en L’Estaque, cerca de Marsella, Braque pintó una serie de paisajes que se expusieron ese mismo año en una galería de París propiedad del marchante de arte Daniel-Henri Kahnweiler . El célebre historiador del arte Louis Vauxcelles comentó que Braque reducía todos los puntos de referencia, figuras y casas a contornos geométricos en forma de cubos. Al año siguiente, Vauxcelles utilizó la expresión «bizarreries cubiques» (excentricidades cúbicas) -una frase supuestamente utilizada por primera vez por Henri Matisse- y en 1911 el término «cubismo» había entrado en la lengua inglesa. La descripción encaja bien con las formas en bloque de algunos de los primeros paisajes de Braque y de varias obras similares de Picasso pintadas en Horta del Ebro (España), pero no con sus cuadros cubistas posteriores, en los que las formas se descomponen en caras en lugar de cubos. El término fue utilizado por dos cubistas en activo, Gleizes y Metzinger, en su influyente libro de 1912 «Cubismo».

Cómo entender el Cubismo

En primer lugar, es muy difícil apreciar el Cubismo sin estudiar sus pinturas. Un buen punto de partida es comparar los primeros bodegones cubistas con los bodegones tradicionales de, por ejemplo, las escuelas barroca o realista holandesa. Además, podrá apreciar la radicalidad del cubismo en comparación con el arte occidental tradicional. Ten en cuenta también que el Cubismo no era el único estilo de pintura: el Cubismo analítico es completamente diferente del posterior Cubismo sintético . El primero se ocupa de la estructura, de cómo un cuadro debe representar un objeto; el segundo se ocupa únicamente de la superficie de la imagen y de lo que puede incorporarse a ella. Un último consejo: no se desanime por su extrañeza. El cubismo es simbólico, complejo y lleno de ideas, pero no es una forma muy bella de arte visual .

¿Cuáles son las características del Cubismo?

Desde el Renacimiento, si no antes, los artistas han pintado cuadros desde un único punto de vista fijo, como si estuvieran haciendo fotografías. La ilusión de profundidad del fondo se creaba utilizando las convenciones estándar de la perspectiva lineal (por ejemplo, los objetos se mostraban más pequeños a medida que retrocedían) y pintando figuras y objetos con superficies sombreadas redondeadas para crear un efecto tridimensional. Además, se representaba una escena o un objeto en un momento determinado.

Por el contrario, Braque y Picasso creían que sólo se podía captar el significado completo de un objeto mostrándolo desde múltiples perspectivas y en diferentes momentos. Así pues, abandonaron la idea de un único punto fijo y utilizaron en su lugar múltiples puntos de vista. A continuación, el objeto se recomponía a partir de fragmentos de esos puntos de vista, como un complejo rompecabezas. De este modo, en la misma imagen se representaban simultáneamente muchos puntos de vista diferentes del objeto. En cierto sentido, es como tomar 5 fotografías diferentes (en momentos distintos) del mismo objeto, cortarlas y volverlas a montar sobre una superficie plana.

Esta fragmentación y reorganización de la forma significaba que el cuadro ya no podía verse como una especie de ventana al mundo, sino más bien como un objeto físico sobre el que crear una respuesta subjetiva al mundo. En cuanto a la técnica artística, el cubismo demostró cómo se podía crear una sensación de solidez y estructura pictórica sin la perspectiva o el modelado tradicionales.

Así, el estilo se centró en la superficie plana y bidimensional del plano pictórico y rechazó las convenciones tradicionales del espacio y las técnicas de la perspectiva lineal, el claroscuro (el uso del sombreado para mostrar la luz y la sombra) y las ideas tradicionales de imitación de la naturaleza. En lugar de crear objetos tridimensionales naturales, los pintores cubistas propusieron un conjunto de imágenes totalmente nuevo ensamblado a partir de fragmentos bidimensionales en el que los objetos se veían desde varios ángulos a la vez. Mientras que los fauvistas y los impresionistas trataban de expresar su sentimiento personal hacia un objeto o una escena en particular, los cubistas buscaban representar la idea intelectual o la forma de un objeto y su relación con otros objetos.

Para otras tendencias estilísticas importantes similares al Cubismo, mira en Movimientos Artísticos, Periodos, Escuelas (desde alrededor del 100 AEC).

Exposiciones cubistas

El Cubismo tenía dos identidades: la pública y la privada. El estilo fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque a partir de observaciones derivadas de Cézanne y, en cierta medida, del primitivismo etnográfico, como el explorado por Picasso durante su interés por el arte africano . Braque debutó con una exposición individual organizada por Kahnweiler en noviembre de 1908. Después, él y Picasso retrocedieron más o menos, pero la bandera del cubismo la mantuvieron otros, los llamados «cubistas del Salón», Robert Delaunay, Albert Glaze, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier y Jean Metzinger en el Salon des Indépendants de 1911.

En 1912, un grupo de cubistas autodenominado Secteur d’Or, con Delaunay a la cabeza, expuso en la Galerie La Boetie . Al reseñar esta exposición, el historiador del arte Guillaume Apollinaire (1880-1918) acuñó el término «Orfismo», aplicándolo en particular a la obra de Delaunay. La primera exposición publicada de la teoría cubista fue la de «Metisinger y Glaze» - «Du Cubisme», publicada en 1912; le siguió «Les Peintres Cubistes» de Apollinaire, publicada en 1913. En 1913 también se celebró la famosa Armoury Exhibition, en febrero-marzo en Lexington Avenue, Manhattan, Nueva York, en la que «Nude Staircase (#2)» de Marcel Duchamp (1912) fue una atracción controvertida, incluso escandalosa. (La obra fue adquirida posteriormente por el Museo de Arte de Filadelfia.)

A principios de 1912, Picasso y Braque pasaron del cubismo analítico con el que habían comenzado al cubismo sintético, un nuevo estilo más decorativo y orientado a la superficie, creado mediante nuevas técnicas como el collage y el papier collé. La incorporación de detritus a sus cuadros puede considerarse el inicio del junk art (arte basura) . En esta etapa se les unió Juan Gry

Durante la Primera Guerra Mundial, la marcha forzosa de Daniel-Henry Kahnweiler hizo que Léonce Rosenberg (1879-1947) se convirtiera en el principal marchante de artistas cubistas en París. Su hermano Paul Rosenberg (1881-1959) fue el principal marchante de Picasso en el periodo de entreguerras.

Símbolo de la moda artística e intelectual

El Cubismo fue un estilo con pretensiones. Era iconoclasta, desafiante. Se centraba en las ideas más que en las imágenes bonitas. Pero captaba el espíritu de la época -la época de los sofisticados músicos franceses Claude Debussy (1862-1918), Erik Satie (1866-1925) y Maurice Ravel (1875-1937)- y el cubismo analítico en particular estaba en consonancia con las ideas del filósofo francés Henri Bergson (1859-1941), cuyo concepto de simultaneidad sostenía que el pasado se hace eco del presente, que fluye hacia el futuro. Mientras tanto, las artes plásticas se encontraban en una encrucijada. El impresionismo era moda de ayer, la Belle Epoque del cartel parisino había terminado, Toulouse-Lautrec había muerto, el Art Nouveau estaba en declive e incluso el colorista Fauvismo se estaba agotando. Al mismo tiempo, la temperatura política en Europa subía, revelando los terribles aspectos de la guerra y el caos. En su ataque a las viejas características del arte renacentista, el Cubismo reflejaba las llamadas al cambio en muchas otras disciplinas, así como en el mundo en general. Explicación de algunas de las grandes obras cubistas de Picasso y otros: Análisis de la pintura moderna (1800-2000).

Escultura cubista

Al igual que el Constructivismo, era demasiado radical para convertirse en parte integrante de la corriente artística dominante. A pesar de ello, las ideas cubistas también fueron absorbidas y adaptadas por quienes trabajaban en otras disciplinas como escultura abstracta, así como arquitectura y artes aplicadas . La escultura cubista evolucionó a partir del collage y el papier vessel, y se alimentó del assemblage . Los nuevos métodos no sólo liberaron a los escultores para utilizar nuevos temas, sino que también les animaron a pensar en las esculturas como objetos construidos, no sólo modelados. Las cualidades matemáticas y arquitectónicas de la obra de Gris ejercieron una gran influencia en este ámbito, como puede verse en la obra de Archipenko y Osip Zadkin, Raymond Duchamp-Villon y Henri Laurens, el lituano Jacques Lipshitz, el escultor francés de origen húngaro Joseph Csaki (1888-1971) y los escultores checos Emil Filla (1882-1953) y Otto Gutfreund (1889-1927).

Obras famosas de estilo cubista

Picasso (1881-1973)
Cabeza de mujer (1909) MoMA, Nueva York.
Guitarra (1912) Museo Picasso, París.

Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Caballo grande (1914) Musée National d’Art Moderne, París.

Henri Lauren (1885-1954)
Cabeza de mujer (1915) MoMA, Nueva York.

Alexander Arkhipenko (1887-1964)
Mujer caminando (1912) colección privada.
Soldado andante (1917) colección privada.

Naum Gabo (1890-1977)
Cabeza de mujer (1917-20) MoMA, Nueva York.

Jacques Lipchitz (1891-1973)
Hombre con guitarra (1915) MoMA, Nueva York.
Marinero con guitarra (1915) Museo Nacional de Arte Moderno, París.
Bañistas III (1917) Barnes Foundation.

Diseño cubista en Checoslovaquia

Pintores, escultores, diseñadores y arquitectos checos adoptaron con entusiasmo las teorías cubistas de diseño, que trasladaban las características de la pintura cubista (formas geométricas simplificadas, contrastes de luz y oscuridad, caras prismáticas, líneas angulosas) a la arquitectura y las artes decorativas. como muebles, joyas, vajillas, cerámicas y paisajismo. Los más notables fueron los miembros del Grupo de Artistas Plásticos, fundado en 1911 por Filla para centrarse en el cubismo. El grupo estuvo activo en Praga hasta 1914 e incluía a los escultores Filla y Gutfreund, así como a los arquitectos y diseñadores Pavel Janak, Josef Gokar (1880-1945), Josef Hochol (1880-1956), Vlaslav Hofmann (1884-1964) y Otokar Novotny. Gutfreund publicó influyentes artículos en la revista mensual del grupo.

La Casa de la Virgen Negra (1911-12), unos grandes almacenes diseñados por Gokar, fue la primera obra de arquitectura cubista. Situada en la planta baja del Gran Café Orient, con su interior cubista y su mobiliario cubista, se convirtió rápidamente en un punto de encuentro de la vanguardia hasta su cierre a mediados de los años veinte. En la actualidad, el edificio forma parte del Museo Checo de Bellas Artes. Alberga el Museo del Cubismo Checo, inaugurado en 1994 y que contiene una exposición permanente de pinturas, muebles, esculturas y porcelanas. El Museo del Cubismo Checo también alberga una exposición de collages del artista y poeta checo Jiří Kolar, que también trabajó en Francia. Sus ideas presentaron más tarde el collage en un contexto más amplio. Puede que París fuera la cuna del cubismo, pero fue en Praga donde se exploraron más a fondo sus posibilidades.

Legado

En última instancia, el cubismo en sí es menos importante como estilo artístico y más como indicador de lo que es posible en las artes visuales. Amplió los límites del arte para incluir alternativas al tradicional punto de vista único; demostró que se podía hacer arte con cualquier cosa, incluso con escombros; y planteó importantes cuestiones sobre la naturaleza de la realidad en el arte. Fue uno de los movimientos más importantes asociados a la Escuela de París y contribuyó significativamente al arte de vanguardia de principios del siglo XX. En particular, el cubismo ejerció una amplia y continua influencia en una gran variedad de movimientos pictóricos, entre los que destaca el futurismo (c.1909-14) - véase, por ejemplo, «Mujer en un balcón» (1912, colección privada) Carlo Carr (1881-1966). Otros movimientos y estilos influidos por los motivos cubistas son el orfismo francés (c.1910-13), el vorticismo inglés (c.1913-19), el luchismo ruso (c.1912-15) y el Constructivismo (c.1914-25), el grupo de diseño holandés De Stijl (1917-31), y estilos estadounidenses como Sincromismo (c.1913-18) y Precisionismo (años veinte). Sus elementos antiartísticos estimularon la aparición del dadaísmo en 1916 y del surrealismo en 1924.

Los grandes cuadros cubistas

Pablo Picasso
Casas en la colina (1909) Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Mujer con abanico (1909) Museo Pushkin.
Retrato de Ambroise Vollard (1910), Museo Estatal Pushkin de Bellas Artes.
Muchacha con mandolina (Fanny Tellier) (1910) Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Bodegón con sillas (1911-12) Museo Picasso, París.
Tres músicos (1921) Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Guernica (1937) Museo Reina Sofía, Madrid.
Mujer llorando (1937) Tate Collection, Londres.

Georges Braque
Casas en L’Estaque (1908) Kunstmuseum, Berna.
Gran desnudo (1908) Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Pompidou.
Bodegón con arenque (1909-11), MoMA, Nueva York.
Portugal (1911) Museo de Arte de Basilea.
Frutero y vaso (1912) Colección particular.

Juan Gry (1887-1927)
Retrato de Maurice Raynal (1911) colección particular.
Retrato de Pablo Picasso (1912) Art Institute of Chicago.
Violín y guitarra (1913) colección particular.
Bodegón con fruta y botella de agua (1914) Museo Kroller-Muller, Otterlo.
Envase de café (1914) Museo Ulmer, Ulm.

Fernand Léger (1881-1955)
Desnudo en el bosque (1909-11) Kroller-Müller, Otterlo.
Boda (1911) Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Pompidou.
Soldados en una partida de cartas (1917) Museo Estatal Kroller-Müller, Otterlo.

Marcel Duchamp (1887-1968)
Desnudo bajando las escaleras (nº 2) (1912) Philadelphia Museum of Art.
Rey y Reina delante de desnudo rápido a gran velocidad (1912) Filadelfia.

Robert Delaunay (1885-1941)
Ventana (1912) Colección Morton J. Neumann, Chicago.
Formas circulares: sol y luna (1912) Kunstmuseum, Zurich.

Francis Picabia (1879-1953)
Udny, joven americana (1913) National Museum of Modern Art.

Albert Glaeses (1881-1953)
Retrato de Jacques Nayral (1911) Tate Modern, Londres.
Mujer con animales (1914) Colección Peggy Guggenheim, Venecia.

Jean Metzinger (1883-1956)
La hora del té (Mujer con cucharilla) (1911) Philadelphia Museum of Art.
Bailarina en un café (1912) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

Lionel Feininger (1871-1956)
Iglesia franciscana (1924) Staatsgalerie, Stuttgart, Alemania.

Roger de la Fresnaye (1885-1925)
L’Artillerie (1911, Metropolitan Museum of Art, Nueva York).