Cubismo: historia, características Traductor traducir
Introducción: arte abstracto revolucionario
En bellas artes, el término cubismo describe el estilo revolucionario de pintura inventado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) en París, durante el período 1907-12. Sus métodos cubistas, inicialmente influenciados por los motivos geométricos en las composiciones de paisajes del pintor postimpresionista Paul Cezanne – redefinió radicalmente la naturaleza y el alcance de pintura de bellas artes y, en menor medida, la escultura, como se practicaba anteriormente, y anunciaba formas completamente nuevas de representar la realidad. En este sentido, el cubismo marca el final de la era dominada por el Renacimiento y el comienzo de arte Moderno .
En gran parte un tipo de semi arte abstracto – aunque a veces se acerca por completo arte no objetivo – El cubismo se clasifica tradicionalmente en tres etapas:
(1) Pintura cubista temprana (1907-9)
(2) Cubismo analítico (1909-12)
(3) Cubismo sintético (1912-14)
Además de Braque y Picasso, otros artistas famosos que estuvieron estrechamente asociados con el movimiento incluyen los pintores Juan Gris (1887-1927), Fernand Leger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), Albert Gleizes (1881-1953).), Andre Lhote (1885-1962), Roger de La Fresnaye (1885-1925), Jean Metzinger (1883-1956), Francis Picabia (1879-1953), el artista versátil Marcel Duchamp (1887-1968) y los escultores Jacques Lipchitz (1891 -1973), Alexander Archipenko (1887-1964). (Ver Pintores cubistas y Escultores del siglo XX .) El cubismo fue el punto de partida o un elemento esencial en una serie de otros movimientos de arte moderno , incluyendo el futurismo (1909-14), el orfismo (1910-13), el vorticismo (1914-15), el constructivismo ruso (c.1919-1932) y el Dada (1916-1924).
¿Cuáles fueron los orígenes del arte cubista?
Después de tres décadas de arte de inspiración impresionista, que culminó con el movimiento colorista fauvista (del cual, por cierto, Braque había sido miembro), Picasso comenzó a preocuparse de que este tipo de pintura fuera un callejón sin salida con menos y menos potencial para la exploración intelectual.. En este estado de ánimo, y recientemente expuesto a África arte tribal mientras que en España, comenzó a pintar Les Demoiselles D’Avignon (1907, MoMA, Nueva York), su obra maestra innovadora, cuyos planos astillados reemplazan la perspectiva lineal tradicional y los volúmenes redondeados, lo que indica su ruptura con las tradiciones naturalistas del arte occidental. Al mismo tiempo, Georges Braque, un ex alumno de la prestigiosa Ecole des Beaux-Arts en París, acababa de verse abrumado por la exposición de 1907 de las pinturas de Cézanne en el parisino Salon d’Automne y la Galería Bernheim-Jeune , especialmente la obra maestra de Cezanne Los grandes bañistas (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905). La pareja se conoció en octubre de 1907, y en los siguientes dos años desarrolló lo que se conoció como Cubismo, un método completamente nuevo para representar el mundo visual.
NOTA: Para ver cómo la pintura impresionista no naturalista condujo al arte abstracto como el cubismo, vea: Realismo al Impresionismo (1830-1900). Para ver por qué el cubismo está relacionado con el clasicismo, consulte nuestro artículo: El renacimiento clásico en el arte moderno (c.1900-30).
El origen del término "cubismo"
En el verano de 1908, mientras se hospedaba en L’Estaque, cerca de Marsella, Braque pintó una serie de paisajes que se mostraron más tarde ese año en una galería en París propiedad del comerciante de arte. Daniel-Henri Kahnweiler . Al revisar esta exposición, el famoso crítico de arte Louis Vauxcelles comentó sobre la forma en que Braque reduce todo: vistas, figuras y casas, a contornos geométricos, a cubos. Al año siguiente, Vauxcelles usó la expresión ’bizarreries cubiques’ (excentricidades cúbicas), una frase supuestamente utilizada por primera vez por Henri Matisse, y en 1911 el término "cubismo" había entrado en el idioma inglés. La descripción es bastante adecuada para las formas en forma de bloque en algunos de los primeros paisajes de los Braques, y en algunas obras similares de Picasso pintadas en Horta del Ebro en España, aunque no para sus imágenes cubistas posteriores en las que las formas se dividen en facetas en lugar de cubitos. El término fue tomado por dos cubistas practicantes, Gleizes y Metzinger en su influyente libro de 1912 Du Cubisme .
Cómo entender el cubismo
En primer lugar, es muy difícil apreciar el cubismo sin examinar sus pinturas. Un buen comienzo es comparar los bodegones cubistas tempranos con los bodegones tradicionales de (digamos) las escuelas barrocas u holandesas realistas. Como mínimo, apreciará la naturaleza radical del cubismo en comparación con el arte occidental tradicional. Tenga en cuenta también que el cubismo no era un estilo único de pintura: el cubismo analítico es completamente diferente del cubismo sintético posterior. El primero tiene que ver con la estructura: cómo la imagen debe representar el objeto que se está pintando; este último se ocupa exclusivamente de la superficie de la imagen y de lo que se puede incorporar en ella. Un último consejo: no se desanime por su extrañeza. El cubismo es simbólico, desafiante y lleno de ideas, pero no es una forma terriblemente bonita de arte visual .
¿Cuáles son las características del cubismo?
Desde el Renacimiento, si no antes, los artistas pintaron cuadros desde un único punto de vista fijo, como si estuvieran tomando una fotografía. La ilusión de profundidad de fondo se creó utilizando convenciones estándar de perspectiva lineal (por ejemplo, los objetos se mostraban más pequeños a medida que retrocedían) y pintando figuras y objetos con superficies sombreadas redondeadas para transmitir un efecto tridimensional. Además, la escena u objeto se pintó en un momento particular en el tiempo.
Por el contrario, Braque y Picasso pensaban que el significado completo de un objeto solo podía capturarse mostrándolo desde múltiples puntos de vista y en diferentes momentos. Entonces, abandonaron la idea de un único punto de vista fijo y en su lugar usaron una multiplicidad de puntos de vista. El objeto se volvió a montar a partir de fragmentos de estas diferentes vistas, más bien como un complejo rompecabezas. De esta manera, muchas vistas diferentes de un objeto se representaban simultáneamente en la misma imagen. En cierto sentido, es como tomar 5 fotografías diferentes (en diferentes momentos) del mismo objeto, luego cortarlas y volver a ensamblarlas de manera superpuesta en una superficie plana.
Tal fragmentación y reordenamiento de la forma significaba que una pintura ahora podría considerarse menos como una especie de ventana al mundo y más como un objeto físico sobre el cual se crea una respuesta subjetiva al mundo. En cuanto a la técnica artística, el cubismo mostró cómo se podía crear una sensación de solidez y estructura pictórica sin la perspectiva o el modelado tradicionales.
Por lo tanto, el estilo cubista se centró en la superficie plana y bidimensional del plano de la imagen, y rechazó las convenciones y técnicas tradicionales de perspectiva lineal, el claroscuro (uso del sombreado para mostrar luces y sombras) y la idea tradicional de imitar la naturaleza. En lugar de crear objetos tridimensionales de aspecto natural, los pintores cubistas ofrecieron un nuevo conjunto de imágenes reensambladas a partir de fragmentos bidimensionales que mostraban los objetos desde varios lados simultáneamente. Si los fauvistas e impresionistas se esforzaban por expresar su sensación personal de un objeto o escena en particular, los cubistas buscaban representar la idea intelectual o la forma de un objeto, y su relación con los demás.
NOTA: Para otras tendencias estilísticas importantes similares al cubismo, vea Movimientos de arte, períodos, escuelas (desde aproximadamente 100 a. C.).
Exposiciones cubistas
El cubismo tenía dos identidades, una pública y una privada. El estilo fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque sobre la base de observaciones derivadas de Cezanne, y también, en cierta medida, de etnografía. primitivismo como el investigado por Picasso durante su Arte africano período. Hizo su debut público con la exposición individual de Braque organizada por Kahnweiler en noviembre de 1908. Pero después de esto, tanto él como Picasso fueron más o menos al suelo, y la bandera cubista fue sostenida por otros, los llamados "salón-cubistas". incluyendo a Robert Delaunay, Albert Gleizes, Fernand Leger, Henri Le Fauconnier y Jean Metzinger en el Salon des Independeants en 1911.
En 1912, un grupo de cubistas que se hacen llamar Section d’Or , con Delaunay a la cabeza, expuesto en la Galerie La Boetie . Cuando revisó este espectáculo, el crítico de arte Guillaume Apollinaire (1880-1918) acuñó el término ’ Orfismo ’, aplicándolo a Delaunay en particular. La primera declaración publicada de la teoría cubista fue Du Cubisme , de Metzinger y Gleizes, publicada en 1912; Esto fue seguido por Les Peintres Cubistes de Apollinaire , publicado en 1913. El año 1913 también fue testigo de la famosa Show de armería , celebrada en febrero / marzo en Lexington Avenue, Manhattan, Nueva York, en la que Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp (no 2) (1912) fue la atracción controvertida, incluso escandalosa. (La obra fue comprada más tarde por el Museo de Arte de Filadelfia).
A principios de 1912, Picasso y Braque cambiaron del cubismo analítico con el que comenzaron, al cubismo sintético, un nuevo estilo más decorativo y orientado a la superficie creado utilizando nuevas técnicas como collage y colles de papel. La incorporación de los detritos cotidianos en sus pinturas puede verse como el comienzo de Arte basura . En este punto, se les unieron en sus exploraciones Juan Gris.
Durante la Primera Guerra Mundial, la salida forzada de Daniel-Henry Kahnweiler llevó a Leonce Rosenberg (1879-1947) convirtiéndose en el principal distribuidor de pintores cubistas en París. Su hermano Paul Rosenberg (1881-1959) fue el principal distribuidor de Picasso durante los años de entreguerras.
Símbolo de la moda artística e intelectual.
¡El cubismo era un estilo artístico con actitud! Fue iconoclasta, desafiante, intelectual. Se centró en ideas en lugar de imágenes bonitas. Pero capturó el espíritu de la época: la época de los desafiantes músicos franceses Claude Debussy (1862-1918), Erik Satie (1866-1925) y Maurice Ravel (1875-1937), y el cubismo analítico en particular correspondía con las ideas del El filósofo francés Henri Bergson (1859-1941), cuyo concepto de simultaneidad afirmó que el pasado se superpone con el presente, que a su vez fluye hacia el futuro. Mientras tanto, las bellas artes estaban en una especie de encrucijada. El impresionismo era la moda de ayer, la Belle Epoque del póster parisino había terminado, Toulouse-Lautrec estaba muerto, el Art Nouveau estaba en decadencia e incluso el colorido fauvismo se estaba quedando sin vapor. Al mismo tiempo, la temperatura política estaba aumentando en toda Europa, exponiendo las horribles posibilidades de guerra y caos. En su asalto a las viejas certezas del arte renacentista, el cubismo reflejó los llamados al cambio en muchas otras disciplinas, así como en el mundo en general. Nota: Para una explicación de algunas de las grandes obras cubistas de Picasso y otros, vea: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).
Escultura cubista
Escultura cubista, como Constructivismo , era demasiado radical para convertirse en una parte integral de la corriente principal artística. Aun así, las ideas cubistas también fueron absorbidas y adaptadas por quienes trabajan en otras disciplinas como escultura abstracta , tanto como arquitectura y arte aplicado . Escultura cubista desarrollada a partir de collage y papel maché , y alimentada montaje . Las nuevas técnicas no solo liberaron a los escultores para emplear nuevos temas, sino que también los impulsaron a pensar en las esculturas como objetos construidos, no solo modelados. Las cualidades matemáticas y arquitectónicas encontradas en el trabajo de Gris fueron muy influyentes aquí, como se ve en el trabajo de Archipenko y Ossip Zadkine, Raymond Duchamp-Villon y Henri Laurens, el lituano Jacques Lipchitz, el escultor francés nacido en Hungría Joseph Csaky (1888-1971), y los escultores checos Emil Filla (1882-1953) y Otto Gutfreund (1889-1927).
Picasso (1881-1973)
Cabeza de mujer (1909) MoMA, Nueva York.
Guitarra (1912) Musee Picasso, París.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
El gran caballo (1914) Musee National d’Art Moderne, París.
Henri Laurens (1885-1954)
Cabeza de mujer (1915) MoMA, Nueva York.
Alexander Archipenko (1887-1964)
Colección privada Woman Walking (1912).
Soldado marchando (1917) colección privada.
Naum Gabo (1890-1977)
Cabeza de mujer (1917-20) MoMA, NY.
Jacques Lipchitz (1891-1973)
Hombre con guitarra (1915) MoMA, NY.
Marinero con guitarra (1915) Musee National d’Art Moderne, París.
The Bathers III (1917) Fundación Barnes.
Diseño cubista en Checoslovaquia
Teorías cubistas de diseño fueron captados con entusiasmo en Checoslovaquia por artistas, escultores, diseñadores y arquitectos, quienes tradujeron las características de la pintura cubista (formas geométricas simplificadas, contrastes de luz y oscuridad, facetas similares a prismas, líneas angulares) en arquitectura y arte decorativa , incluidos los muebles, arte de joyería vajilla cerámica y paisajismo. Destacaron los miembros del Grupo de Artistas Plásticos , fundado en 1911 por Filla para centrarse en el cubismo. El grupo estuvo activo en Praga hasta 1914 e incluyó a los escultores Filla y Gutfreund, así como a los arquitectos y diseñadores Pavel Janak, Josef Gocar (1880-1945), Josef Chochol (1880-1956), Vlastislav Hofman (1884-1964) y Otokar Novotny.. Gutfreund publicó artículos influyentes en la revista mensual del grupo.
La Casa de la Virgen Negra (1911-12), una tienda por departamentos diseñada por Gocar, fue la primera pieza de arquitectura cubista que se construyó. El Grand Cafe Orient, ubicado en el primer piso, con un interior cubista y accesorios de iluminación cubistas, se convirtió rápidamente en un lugar de encuentro para la vanguardia hasta su cierre a mediados de la década de 1920. El edificio ahora forma parte del Museo Checo de Bellas Artes y alberga el Museo del Cubismo Checo, inaugurado en 1994, que contiene una exposición permanente de pinturas, muebles, esculturas y porcelanas cubistas. El Museo del Cubismo Checo también contiene una exposición de collages del artista y poeta checo Jiri Kolar, que también estuvo activo en Francia. Sus ideas más tarde introdujeron el collage a un contexto más amplio. París puede haber sido el lugar del nacimiento del cubismo, pero fue en Praga donde se exploraron sus posibilidades más a fondo, como una forma de vida completa.
Legado
En última instancia, el cubismo es menos importante por derecho propio, como estilo artístico, y más importante como indicador de lo que es posible en las bellas artes. Extendió los límites de Art º incluir alternativas a la perspectiva tradicional de un solo punto; demostró que las bellas artes podían estar hechas de cualquier cosa, incluso restos de basura; y planteó preguntas importantes sobre la naturaleza de la realidad en el arte. Fue uno de los movimientos más importantes asociados con el Ecole de Paris e hizo contribuciones significativas al arte de vanguardia a principios del siglo XX. En particular, el cubismo tuvo una influencia generalizada y persistente en una amplia variedad de movimientos de pintura, incluyendo, lo más importante, Futurismo (c.1909-14) – ver, por ejemplo, Mujer en el balcón (1912, Colección privada) por Carlo Carra (1881-1966). Otros movimientos y estilos influenciados por motivos cubistas incluyen: Orfismo francés (c.1910-13), inglés Vorticismo (c.1913-19), ruso Rayonismo (c.1912-15), y constructivismo (c.1914-25), el grupo de diseño holandés De Stijl (1917-31), así como estilos estadounidenses como Sincromismo (c.1913-18) y Precisión (1920). Sus elementos antiarte estimularon la aparición de Dada en 1916, y Surrealismo en 1924
Las mejores pinturas cubistas
Pablo Picasso
Casas en la colina (1909) Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Mujer con abanico (1909) Museo Pushkin.
Retrato de Ambroise Vollard (1910), Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin.
Chica con mandolina (Fanny Tellier) (1910) Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Bodegón con silla-Caning (1911-12) Museo Picasso, París.
Three Musicians (1921) Museum of Modern Art, Nueva York.
Guernica (1937) Museo de Arte Reina Sofía, Madrid.
Mujer llorando (1937) Tate Collection, Londres.
Georges Braque
Casas en L’Estaque (1908) Kunstmuseum, Berna.
Desnudo grande (Nu) (1908) Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Pompidou.
Bodegón con arenques / pescado (1909-11), MoMA, NY.
El portugués (1911) Kunstmuseum, Basilea.
Plato de frutas y vidrio (1912) colección privada.
Juan gris (1887-1927)
Retrato de Maurice Raynal (1911) colección privada.
Retrato de Pablo Picasso (1912) Instituto de Arte de Chicago.
Violín y guitarra (1913) colección privada.
Bodegón con fruta, botella de agua (1914) Museo Kroller-Muller Otterlo
Paquete de café (1914) Museo Ulmer, Ulm.
Fernand Leger (1881-1955)
Desnudos en el bosque (1909-11) Kroller-Muller, Otterlo.
La boda (1911) Musee National d’Art Moderne, Centro Pompidou.
Soldados jugando a las cartas (1917) Museo Estatal Kroller-Muller, Otterlo.
Marcel Duchamp (1887-1968)
Desnudo descendiendo una escalera (No 2) (1912) Museo de Arte de Filadelfia.
Rey y reina atravesados por Swift Nudes a alta velocidad (1912) Filadelfia.
Robert Delaunay (1885-1941)
Ventana (1912) Colección Morton G Neumann, Chicago.
Formas circulares: sol y luna (1912) Kunstmuseum, Zurich.
Francis Picabia (1879-1953)
Udnie, joven americana (1913) Musee National d’Art Moderne.
Albert Gleizes (1881-1953)
Retrato de Jacques Nayral (1911) Tate Modern, Londres.
Mujer con animales (1914) Colección Peggy Guggenheim, Venecia.
Jean Metzinger (1883-1956)
La hora del té (Mujer con cucharita) (1911) Museo de Arte de Filadelfia.
Bailarina en un café (1912) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.
Lyonel Feininger (1871-1956)
Iglesia franciscana (1924) Staatsgalerie, Stuttgart, Alemania.
Roger de la Fresnaye (1885-1925)
L’Artillerie (1911, Metropolitan Museum of Art, Nueva York).
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