Pintores Cubistas, Escultores Traductor traducir

OBRA MAESTRA CUBISTA
Les Demoiselles d’Avignon
1907, MOMA, NY.
Guernica (1937)
Reina Sofía, Madrid.
Mujer llorando (1937)
Tate Modern, Londres.

Introducción

A pesar de que Georges Braque y Pablo Picasso se les atribuye la creación del nuevo lenguaje visual de Cubismo, fue retomado y desarrollado por dos artistas en particular, Juan Gris (1887-1927) y Fernand Leger (1881-1955), quienes son considerados los cubistas tercero y cuarto. La pintura cubista temprana surgió durante el período 1907-9, ya que tanto Picasso como Braque reaccionaron por separado a las exposiciones parisinas de Cezanne y arte primitivo. De 1909 a 12, la pareja trabajó en estrecha colaboración en el desarrollo de Cubismo analítico, que fue la fase más austera del movimiento. Otros, como Gris, se unieron a esta fase y en 1911, el cubismo era la forma dominante de arte de vanguardia en París, tras su exhibición en el Salon des Independants . Otros primeros cubistas incluyeron pintores como Robert Delaunay (1885-1941), Albert Gleizes (1881-1953), Francis Picabia (1879-1953), Jean Metzinger (1883-1956) y escultores como el artista ruso. Alexander Archipenko (1887-1964). En 1912, Picasso y Braque cambiaron de dirección ligeramente e introdujeron Cubismo sintético, un estilo de cubismo más relajado y personal, que implicaba el collage y la aplicación de materiales extraños en el lienzo, en cualquier forma temprana de arte basura. Aunque muchos Pintores del siglo XX exploró el idioma cubista, solo Picasso, Braque y Gris fueron vistos como cubistas "reales": los otros tendieron a ser vistos como "cubistas de salón" que adoptaron un enfoque menos purista del cubismo. Los principales distribuidores de arte utilizados por artistas cubistas fueron Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979), así como Leonce Rosenberg (1879-1947) y su hermano Paul Rosenberg (1881-1959).

Juan gris

El pintor de origen español Juan gris (1887-1927) solo comenzó a pintar seriamente a fines de 1910, pero hizo un debut sensacional en 1912 en el Salón de los Independientes con su Retrato de Picasso (Instituto de Arte de Chicago), y pronto fue reconocido como el tercer cubista. Aunque fuertemente influenciado por su compañero español Picasso, hizo su propio estudio de Cezanne, y rápidamente estableció su propio estilo distintivo de cubismo analítico. Esto implicaba una fragmentación de estilo geométrico, pero en el caso de Gris cada plano individual tendía a permanecer distinto, sin la compleja superposición o transparencia visible en las obras de Picasso y Braque. Además, durante la fase sintética, Gris pintó con notablemente más brillante, más lírico color ) The Open Window, 1917, Museo de Arte de Filadelfia), a menudo con armonías de colores intensos y de alto tono, que acentúan la llanura del lienzo ) Paisaje en Ceret, 1913, Museo Nacional, Estocolmo). Otras obras, como The Wash-Stand (1912, Private Collection), que usaba un espejo real, fueron construidas con gran precisión y sentido del humor.

Fernand Leger

Una de las estrellas más brillantes del cubismo fue Fernand Leger (1881-1955). Después de un período como aprendiz de arquitecto y una breve incursión en la escuela de la Academia, Leger descubrió a Cezanne en la gran retrospectiva de este último en el Salon d’Automne , y luego conoció a Braque y Picasso en 1910. Bajo su influencia trabajó durante un tiempo en el cubismo facetario, como en Three Figures (1910-11, Milwaukee Art Center), donde es posible discernir indicios de la conducción, el pistón. como energías que lo fascinarían más adelante. Pero Leger siempre fue una persona más directa y menos complicada que sus colegas, y se preocupó por el intelectualismo del análisis formal. Para 1913 había resuelto las complejidades cambiantes y superpuestas del cubismo analítico de una nueva manera, donde los cubos y los cilindros comenzaron a aparecer de manera más sólida y audaz, pintados en colores brillantes. Contraste de formas (Museo de Arte de Filadelfia) pintado en 1913, es típico de un grupo de pinturas donde Leger combina formas fuertes y simples en colores primarios puros (rojo, azul y amarillo) con una gran cantidad de líneas definidas en blanco y fuerte. negro. A pesar de la aglomeración de las formas, que se empujan y se apoyan entre sí en toda el área del lienzo, una comparación de Contraste de formularios con tres figuras debe mostrar no solo que el Contraste de formularios es una continuación lógica de la imagen anterior, sino que Es un paso en la dirección de la claridad y la definición específica.

Aun así, Leger seguía sintiendo su camino, y no fue hasta después de la Primera Guerra Mundial (durante la cual fue movilizado y dejó de pintar) que encontró lo que quería hacer. Ver por ejemplo: Soldados jugando a las cartas (1917, Museo Estatal Kroller-Muller, Otterlo). Mientras Gris empleaba el cubismo pensativamente, Leger lo adaptó a la vida mecanizada de la ciudad. Con la teoría de que en una era mecánica, el arte debería adoptar un carácter mecánico, desarrolló un estilo en el que cada forma, si no se derivaba realmente de un motivo mecánico, adoptaba el carácter de un engranaje, un volante, un pistón o algunos Otra parte de la máquina. Ver, por ejemplo, El mecánico (1920, Galería Nacional de Canadá). Según su propia declaración, su contacto diario con las máquinas durante la guerra podría explicar su nueva fascinación por un arte mecanicista, y su "contacto con la realidad violenta y cruda" en tiempos de guerra completó su divorcio de los hiperrefinamientos del cubismo analítico. La visión externa de Leger de una nueva sociedad mecanizada no era coherente con la de Picasso o Braque, quienes favorecían un enfoque más introspectivo sobre la naturaleza del arte.

La ciudad (1919, Museo de Arte de Filadelfia), un gran lienzo, es el clímax de su nuevo estilo y probablemente la imagen clave en su obra total. Algunos de los motivos más fáciles de identificar son vigas, postes, nubes de humo, y en el centro un tramo de escalones reducido a bandas claras y oscuras detrás de las figuras humanas mecanizadas que descienden. Los colores son puros y brillantes, incluso estridentes y estridentes, dominados por varios parches brillantes de amarillo limón y rojos brillantes, cortados de arriba a abajo por un poste de un color violeta rosado. En su mayor parte, las formas no están modeladas, con excepción de las figuras humanas, las bocanadas de humo y el poste, que se modelan en óvalos y cilindros geométricos lisos.

En muchos sentidos, las formas de la ciudad son tan obvias que parecen demasiado fáciles. Las sutilezas no deben leerse en Leger; más bien, un vigor vigoroso, una especie de primitivismo. Es el más fácil de imitar de los pintores, y ha sufrido una plaga de talentos de cuarta categoría que adoptaron su fórmula y revelaron sus limitaciones sin redimirlos por su fuerza y ​​entusiasmo. El arte de Leger no tiene sentido si está distorsionado por una búsqueda de intelectualidades que no existen en él. Su antiintelectualismo suele ser refrescante; en otras ocasiones, palidece, y uno se siente aliviado de alejarse de sus insistentes colores y formas obvias, para pinturas que ofrecen menos emoción superficial y más profundidad contemplativa. (Por supuesto, esto puede ser una cuestión de gusto personal; puede ser igualmente cierto que es un alivio alejarse de las pinturas llenas de sutilezas y disfrutar de la sencillez de Leger.) A veces, también, obliga a su estilo a motivos no compatibles con Vea, por ejemplo, The Breakfast (1925, Private Collection), en el que tres desnudos alrededor de una mesa de desayuno se reducen a autómatas deshumanizados.

Leger es un pintor con un estilo personal enfático en el que el vigor nativo y una afectación curiosa compiten entre sí, y con frecuencia llegan a un acuerdo. En estas ocasiones es un buen artista; en la mayoría de los demás, es al menos un buen diseñador. De hecho, directa e indirectamente, el estilo de Leger ha sido una de las influencias más poderosas en el diseño moderno y en sus decoradores, diseñadores y artistas comerciales.

Robert Delaunay

Robert Delaunay (1885-1941), insatisfecho con los arreglos estáticos del cubismo, comenzó a componer en planos inquietos y arcos oscilantes en un esfuerzo por revelar las fuerzas inherentes a los objetos estáticos. Eligió como temas especiales dos piezas de ingeniería arquitectónica donde las fuerzas dinámicas se equilibran estructuralmente: la Torre Eiffel con sus vigas de acero y la iglesia medieval de St. Severin con sus bóvedas de piedra. Su Torre Eiffel semicubista (1909, Museo de Arte de Filadelfia), en comparación con su posterior Torre Eiffel (1925, también en Filadelfia), demuestra el cambio de formas estáticas a formas rotas que sugieren un movimiento. Delaunay también animó la paleta de colores cubista. En 1912, un año cuando el cubismo se disparó en una docena de direcciones, Delaunay formuló " Orfismo, "(también conocido como cubismo órfico) u orquestación de colores, en la que había tratado de liberar al cubismo de inmediato de los tonos oscuros que lo habían afectado durante su fase analítica y de su dependencia del tema. Como orfista pintó una serie de" composiciones de ventanas "- vea, por ejemplo, Windows (1912, Museo de Arte de Filadelfia) – en planos totalmente abstractos, algo así como láminas superpuestas de vidrio de colores brillantes. Aunque no siguió la dirección que establecían estas pinturas, otros pintores pronto lo hicieron así, Delaunay se unió al pintor checo Frank Kupka (1871-1957) que también incursionó en el cubismo y ahora se sumergió en un colorido arte abstracto.

Jean Metzinger

Jean Metzinger (1883-1956) desarrolló ciertos matices de estilo durante este período de cubismo analítico que le dan a su trabajo una cualidad ligera y alegre muy opuesta a los diagramas analíticos espartanos de Braque y Picasso. Sin embargo, Metzinger tenía una mentalidad científica. Antes de descubrir una pseudociencia más gratificante en el cubismo analítico, se sintió atraído por la codificación y el enfoque sistemático del neoimpresionismo. En 1912, al final del período del cubismo analítico, coescribió su declaración doctrinal, Du Cubisme, junto con su colega. Albert Gleizes (1881-1953). El primer estudio del nuevo movimiento, corrió a través de quince ediciones solo en el transcurso de 1912. Tanto Metzinger como Gleizes fueron miembros fundadores de Section d’Or y estaban entre los cubistas que insistieron en el uso del color, mientras que Braque y Picasso dejaron de lado el problema a favor del análisis puro en bronceados, cremas y grises.

Francis Picabia

Francis Picabia (1879-1953) también participó en el orfismo, pero al mismo tiempo pensó que el cubismo podría ser un vehículo para la expresión de ideas. Había comenzado como un imitador de Sisley, y pasó su vida investigando con entusiasmo cada nuevo "ismo" que apareció, sin profundizar en ninguno de ellos. Un excelente ejemplo de su marca de cubismo es la cultura física (1913, Museo de Arte de Filadelfia).

Marcel Duchamp

Lo que podría describirse como "cubismo dinámico", aparente en la Torre Eiffel posterior de Delaunay y en la Cultura física de Picabia, está más vivazmente presente en Desnudo descendiendo una escalera (No 2) (1912, Museo de Arte de Filadelfia) por Marcel Duchamp (1887-1968). Es una pintura de considerable importancia histórica, ya que se convirtió en la exposición clave de la Show de armería en 1913 en Nueva York, que fue la primera introducción al por mayor de Estados Unidos al arte de vanguardia. Por primera vez, los estadounidenses reaccionaron con la vehemencia de los franceses cuando se enfrentaron con obras de arte que los ofendieron. Los guardias de seguridad tuvieron que proteger las pinturas más controvertidas del ataque de un público enfurecido.

Un crítico antipático calificó a Desnudo Descendiendo una Escalera "una explosión en una fábrica de tejas". El insulto fue perceptivo, hasta cierto punto. De hecho, la figura se rompe en planos con forma de tejas que se fusionan y se superponen en un patrón de gran energía. Pero la burla se queda corta en que la figura destrozada no es caótica. Por el contrario, se vuelve a montar en un patrón de gran orden y vivacidad, más expresivo de un movimiento descendente brillante que una pintura imitativa de un desnudo que desciende por una escalera. Pero para un público que todavía admiraba The Golden Stairs (1880, Tate Collection, Londres) de Burne-Jones, que muestra a dieciocho mujeres jóvenes en trajes bonitos bajando una escalera en una serie de actitudes graciosas, una foto de una mujer joven desnuda que baja una escalera en cientos de fragmentos de realidad, como máquinas, eran incomprensibles e irritantes. El hecho de que después de un siglo entero Desnudo descendiendo una escalera todavía tenga una capacidad persistente de interesar a los comprensivos e irritar a los antagonistas, mientras que otras docenas de sensacionales sensaciones han estallado y desaparecido por docenas, es una prueba tan buena como otra de que es un hito perdurable, y una obra de arte con extensiones más allá del cubismo. Uno de estos es su título deliberadamente provocativo que, como los sin sentido de Picabia, se alía con otros dos movimientos, Dada y Surrealismo, donde Duchamp aparecerá de nuevo.

Otros cubistas

Otros exponentes del cubismo tenían objetivos aún más diferentes en mente. Por ejemplo, en la pintura L’Artillerie (1911), el cubista francés Roger de la Fresnaye (1885-1925) hizo uso de la simplificación geométrica no para crear ambigüedad, sino para hacer una declaración nacionalista sobre la fuerza militar francesa. El pintor americano Lyonel Feininger (1871-1956) utilizó técnicas del cubismo en su pintura Iglesia franciscana (1924) para implicar un sentimiento religioso. Por su parte, Andre Lhote (1885-1962), además de ser un talentoso pintor y escultor cubista, fue un influyente maestro y teórico del arte.

El hermano pintor de Marcel Duchamp, Gaston, quien adoptó el seudónimo Jacques Villon (1875-1963), trabajó en una variación personal sobre el cubismo, siempre bastante tranquilo y elegante, y eventualmente se convirtió en configuraciones lucent de gran distinción. En la historia del cubismo, tiene un lugar especial como jefe de un grupo que se reunió en su estudio en los primeros días para debatir y teorizar. En 1912, después de su controvertido espectáculo en la Sala 41 del Salon des Independants, el grupo se llamó a sí mismo la Sección de Oro (según la fórmula matemática para armonías proporcionales) y organizó otra gran exposición en la Galerie La Boetie. Los participantes incluyeron a Juan Gris, Fernand Leger, Robert Delaunay, Francis Picabia, Marcel Duchamp y Jean Metzinger, así como Albert Gleizes, Roger de la Fresnaye, Louis Marcoussis (1883-1941), Andre Lhote (1885-1962) y muchos otros. Como un punto culminante en la mayoría de edad del cubismo, resumió las fuerzas en el trabajo antes de su difusión en el campo general de pintura, que han afectado profundamente. Picasso y Braque solos, las dos figuras principales en el desarrollo del cubismo y los dos pintores que posteriormente se basaron de manera más significativa en él, no estuvieron representados. La razón inmediata fue que la exposición se llevó a cabo en una galería comercial en la que no podían mostrar, debido a sus obligaciones contractuales anteriores con Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979). Pero psicológicamente su ausencia fue apropiada, ya que si bien es posible pensar que los hombres que exhibieron eran, en primer lugar, cubistas, es imposible no pensar que Braque y Picasso son, en primer lugar, pintores.

Pinturas cubistas notables

Lyonel Feininger (1871-1956)
Iglesia franciscana (1924) Staatsgalerie, Stuttgart.

Albert Gleizes (1881-1953)
Bañistas (1912) Musee National d’Art Moderne, París.

Fernand Leger (1881-1955)
En contraste de formas (1913) Museo Guggenheim, Nueva York.
La escalera (1914) MOMA, NYC.
La ciudad (1919) Museo de Arte de Filadelfia.
La Creation du Monde (1923) modelo de escenario para un acto de ballet.

Jean Metzinger (1883-1957)
En el Cycle Race Track (1911-12) Museo Peggy Guggenheim, Venecia.
Mujer tejiendo (1919) Musee National d’Art Moderne, París.

Roger de la Fresnaye (1885-1925)
L’Artillerie (1911) Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
La conquista del aire (1913) MOMA, NYC.

Robert Delaunay (1885-1941)
La ciudad, no 2 (1910) Musee National d’Art Moderne, París.

Andre Lhote (1885-1962)
Los jugadores de rugby (1917) Colección privada.

Juan Gris (1887-1927)
Retrato de Picasso (1913), Instituto de Arte de Chicago.
Desayuno (1915) Musee National d’Art Moderne, París.
Violín y naipes (1913) Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Botella de ron y periódico (1913) Museo Guggenheim, Nueva York.
Naturaleza muerta (1917) Instituto de Artes de Minneapolis.

Alexander Archipenko (1887-1964):
Glass on a Table (1920) MOMA, Nueva York.

Escultores cubistas

El cubismo también tuvo una gran influencia en Escultores del siglo XX, quienes adaptaron las ideas cubistas de varias maneras: notablemente mediante la apertura de formas para que los vacíos y los sólidos formen formas distintas. El propio Picasso realizó esculturas cubistas y otros artistas destacados que trabajaron en el idioma incluyen al pintor / escultor Marcel Duchamp (1887-1968), los escultores franceses. Jacques Lipchitz (1891-1973), Henri Laurens (1885-1954), Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), y los escultores rusos Alexander Archipenko (1887-1964) y Vladimir Baranoff-Rossine (1882-1942). Otro escultor cubista destacado fue el checo Otto Gutfreund (1889-1927), que formó parte de un notable florecimiento del arte y el diseño cubistas en Praga en los años anteriores a la Primera Guerra Mundial. En arte aplicado, El cubismo fue una de las fuentes de Arte deco y más generalmente ha tenido un impacto enorme y variado en arte Moderno y diseño.

Famosas esculturas cubistas

Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Caballo (1914) Colección Tate; MOMA, NYC.

Pablo Picasso (1881-1973)
Cabeza de mujer (1909) MOMA, NYC.

Vladimir Baranoff-Rossine (1882-1942)
Sinfonía número 1 (1913) MOMA, NYC.

Henry Laurens (1885-1954)
Guitarra (1914) Museo Ludwig, Colonia.
Payaso (1915) Museo Wilhelm Lehmbruck, Duisburg.

Alexander Archipenko (1887-1964)
Walking Woman (1912) Museo de Arte de Denver.
El combate de boxeo (1914) Museo Guggenheim, Nueva York.
Soldado marchando (1917) Colección privada.
Desnudo de pie (1921) Colección privada.

Otto Gutfreund (1889-1927)
Vikey (Cabeza cubista) (1911-13) Colección privada.

Ossip Zadkine (1890-1967)
Madre e hijo (1918) Museo Hirshhorn / Jardín de Esculturas, Washington DC.
Músicos (1927) Museo Pushkin de Bellas Artes.

Jacques Lipchitz (1891-1973)
Hombre con guitarra (1915, Museum of Modern Art, Nueva York)
Bañista III (1917) Fundación Barnes, Merion.
Mujer con guitarra (1927, colección privada)

Legado / Influencia en otros movimientos y artistas

El cubismo resultó inmensamente adaptable y fue el punto de partida o un componente esencial de varios otros movimientos de arte moderno. En su uso general de la fragmentación de imágenes, el cubismo influyó en el italiano. Futurismo (c.1909-14) e inglés Vorticismo (c.1914-15) dirigido por Percy Wyndham Lewis (1882-1957), así como estilos de pintura rusa de Rayonismo (c.1912-14) y Suprematismo (c.1913-18), junto con los estilos de diseño de Constructivismo (c. 1919-32) y De Stijl (1917-31). El cubismo también influyó en el orfismo de Robert Delaunay, así como en el purismo. Otros grupos del siglo XX que se beneficiaron de los dispositivos e imágenes cubistas incluyeron: el movimiento Dada, cuyo método de combinar palabras con imágenes y arte con no-arte, no podría haber prosperado sin la invención del collage de Picasso y Braque, el Precisión estilo de realismo urbano / industrial en la América de 1920, desarrollado por Charles Demuth (1883-1935) y Charles Sheeler (1883-1965); mientras que los surrealistas de entreguerras se fortalecieron enormemente con las imágenes ambiguas del cubismo. El legado cubista también benefició tanto a los expresionistas alemanes, que hicieron uso de sus formas para agudizar su mensaje, como a los expresionistas abstractos que se beneficiaron de su promoción de la primacía del lienzo plano.