Manuscritos Góticos Iluminados, Salterios Traductor traducir

Si comparamos un manuscrito del siglo XII, como la tercera «Vida de San Amando», con un libro de mediados del siglo XIII, como el Salterio de San Luis, podemos ver que en la primera mitad del siglo XIII se produjo un tremendo cambio en el estilo de la pintura medieval . El cambio completo de actitud no puede trazarse de una manera sencilla. Antes de que el nuevo estilo gótico de la pintura pueda apreciarse en su totalidad, es preciso desentrañar medio siglo de complejas ideas y contradicciones.

Serie de ensayos sobre la ilustración medieval de libros

Iluminación medieval de manuscritos (c. 1000-1500)

Manuscritos iluminados románicos (c. 1000-1150)

Manuscritos góticos iluminados (c. 1150-1350)

Pintura internacional de libros góticos (c. 1375-1450)

Para una visión general de las artes decorativas cristianas durante la
Edad Media, véase: Arte medieval (c.450-1450).

Del románico al gótico

En cierta medida, el declive de la pintura románica y la aparición del nuevo estilo gótico en Francia, como en Inglaterra, se explican por los nuevos contactos con el arte bizantino, que llegó a través de Sicilia o de la propia Constantinopla. El nuevo naturalismo es particularmente notable en un libro como La Biblia de Souvigny (París, Bibliothèque Nationale), donde las escenas están impregnadas de un nuevo sentido de la forma y la composición.

La cuestión de dónde surgió esta nueva tendencia se complica por el hecho de que un grupo de libros, probablemente escritos en Francia durante el exilio de santo Tomás Becket, fueron trasladados a Canterbury. El monje de Canterbury Manerius fue el escriba de la Biblia en tres volúmenes (París, Bibliothèque Ste Genevieve). En la Biblia de St André aux Bois (Boulogne, Bibliotheque Municipale) las iniciales están rellenadas por combatientes que se distinguieron por su extraordinaria crueldad. Estos dos libros, y algunos otros, pueden agruparse por el estilo de sus iniciales. Todas están decoradas con un denso follaje de acanto que emerge de un patrón ordenado de tallos, y todas están fuertemente coloreadas.

En estos primeros libros del periodo de transición, hay que volver a subrayar la importancia de la metalistería Mosan . Muchas de las pequeñas obras de escultura en bronce de la segunda mitad del siglo XII presentan drapeados notablemente naturalistas, en los que la tela se retranquea de las rodillas en una serie de pliegues paralelos. Los paneles del retablo de Klosterneuburg, ejecutados en 1181 por Nicolás de Verdún, destacado representante del arte del mosaico, representan figuras de estilo similar a un libro como el Salterio de Ingeborg (Chantilly, Musée de Condé). Este salterio fue escrito para la reina danesa Felipe Augusto, rey de Francia, y probablemente fue producido hacia 1200. La pintura ha adquirido la calidad metálica de sus prototipos, y los cortinajes presentan los pliegues horizontales divergentes característicos de la obra de Nicolás de Verdún. En otra forma, este estilo se encuentra en algunas esculturas de piedra de la catedral de Reims.

El álbum de Villard d’Honnecourt no encaja bien en la introducción a los manuscritos iluminados, pero aun así merece ser mencionado. Al parecer, los diseños arquitectónicos se transferían de un centro a otro en los libros de muestras. Desgraciadamente, no se consideraban elementos importantes y fueron destruidos por las generaciones posteriores. Sin embargo, se ha conservado el cuaderno de bocetos de Villard, que nos dice mucho sobre la difusión de las ideas artísticas. Dibujó contrafuertes, rosetones y planos de emplazamiento, principalmente desde el punto de vista del arquitecto. Pero es probable que los cuadernos de bocetos también fueran utilizados por los pintores y, en cualquier caso, acabamos descubriendo que los pintores medievales, los albañiles y los metalistas utilizaban el mismo repertorio básico de formas.

Además del dibujo, el nuevo estilo se vio muy influido por el arte de las vidrieras . Aunque el arte románico prestó gran atención a las vidrieras, la superficie dedicada a ellas en las iglesias románicas era comparativamente pequeña, y la decoración era principalmente pintura mural, a la que podían dedicarse grandes superficies. Pero a medida que la arquitectura gótica perfeccionó la técnica de las bóvedas de piedra, pudo aligerar la carga mediante el uso de arbotantes y realizar aperturas de ventanas mucho mayores. Éstas se rellenaron con vidrieras. Este nuevo medio abrió un amplio abanico de posibilidades a los artistas pictóricos, que a su vez influyeron en la creación de manuscritos iluminados, tanto en la composición como en el color.

Para el texto bíblico iluminado más antiguo conocido, véanse los Evangelios de Garima (390-660) del monasterio etíope de Abba Garima.

Iluminaciones góticas francesas

No es casualidad que este nuevo estilo de arte cristiano se originara en Francia. La Universidad de París fue el centro intelectual de Europa durante todo el siglo XIII y, desde la época de Luis el Santo (1226-70), la corte francesa adquirió cada vez más importancia. Estudiantes y eruditos de todo el continente viajaban a París para estudiar y debatir cuestiones científicas. Los caballeros que regresaban de las Cruzadas adoptaron la teoría y la ciencia orientales.

Con el auge de la universidad, disminuyó la importancia de los monasterios como centros de ilustración e iluminación de libros. Aparecieron los gremios comerciales y se empezaron a producir libros para propiedad privada. Los grandes libros ceremoniales, ricamente ilustrados y decorados con joyas, se hicieron menos comunes, y debemos seguir el desarrollo del estilo principalmente en los Salterios que los laicos de alta cuna hicieron suyos. Con el tiempo, el Salterio dio paso a la aún más pequeña Coronilla, pero los primeros fueron más populares en el siglo XIII.

Los patrones y motivos utilizados en las iluminaciones e ilustraciones góticas estaban fuertemente influenciados por los elementos decorativos utilizados en la arquitectura gótica ornamentada (1375-1500).

El desarrollo de la pintura francesa en la primera mitad del siglo puede seguirse a través de toda una serie de salterios pintados para la casa real de París. El primero de ellos, ya mencionado, es el Salterio Ingeborg (Musée de Condé, Chantilly), pintado para la reina Felipe Augusto. En segundo lugar, se trata del Salterio de Blanca de Castilla, un libro probablemente traído de York por su marido Luis. No parece probable que ninguno de estos dos libros fuera escrito en París; el Salterio de Ingeborg tiene rasgos claramente mozanos, mientras que el de Blanca de Castilla tiene rasgos ingleses.

En cambio, el salterio escrito hacia 1230 para la princesa noruega Cristina parece haber sido compuesto en París. Otro salterio, que siempre se ha asociado al nombre de Blanca de Castilla (París, Bibliothèque de l’Arsenal), procede de París en la misma época. Representa escenas encerradas en medallones entrelazados entre sí como paneles de vidrieras.

El estilo de Ingeborg recuerda los pliegues escultóricos del drapeado de la Madonna, pero en las figuras más pequeñas esta manera retrocede a un segundo plano. El rico y carnoso follaje de acanto de la orla sigue recordando a las biblias de finales del siglo XII, con sus bordes rizados y la curiosa forma en que el pliegue de la hoja está marcado con una serie de puntos blancos. Los elementos del arte románico están totalmente ausentes en un salterio escrito hacia 1250 (París, Bibliothèque Nationale). Aquí las escenas bajo los arquitrabes trilobulados están ricamente coloreadas. Las figuras, sobre un fondo de oro estampado, están tratadas con una nueva sencillez; las convenciones del drapeado dan paso a un nuevo interés por los suaves pliegues verticales y los contornos sin complicaciones.

Estos dos últimos salmos constituyen la base del más suntuoso de todos los salterios, el Salterio de San Luis (París, Biblioteca Nacional). Esta exquisita obra de arte bíblico fue creada entre 1253 y la muerte del rey en 1270. El libro contiene setenta y ocho ilustraciones a toda página que representan escenas del Antiguo Testamento. El libro está estrechamente relacionado con otra obra creativa de Luis el Santo, ya que la arquitectura que se presenta en él es una copia exacta de la Capilla de San (1241-48), construida por su arquitecto Pierre de Montray. Ejecutadas en ricos colores, las figuras se sitúan sobre un fondo de oro resplandeciente que parece bañarlas en una gloriosa luz solar. Son muy elegantes, con cabezas pequeñas y cuerpos altos y esbeltos que se mueven con gracia. Son ante todo «una edición de lujo», digna de un gran rey.

La tipología de la moral bíblica es obra del erudito dominico del siglo XIII Hugh de St Cher. Contiene escenas de la Biblia yuxtapuestas con escenas de significado moral. Se han realizado varias copias de esta gran obra, la más importante de las cuales es la «Biblia Moral de San Luis» (París, Biblioteca Nacional, Londres, Museo Británico, y Oxford, Bodleian). En ella, los textos se apoyan en ilustraciones, y cada acontecimiento bíblico va acompañado de su análogo moralizante. Las páginas parecen vidrieras trasladadas al pergamino. Los medallones están dispuestos en filas verticales de cuatro en cada hoja, y las bandas de texto intermedias sustituyen a los parteluces de las ventanas. El color tiene el brillo característico de las vidrieras, y los dibujos y las figuras se caracterizan por unos contornos marcados que recuerdan a los plomos. A veces la calidad real varía, pero hay que disculpar un poco a los artistas, ya que todo el libro contenía más de cinco mil medallones.

A finales del siglo XIII, el iluminador de manuscritos se convirtió en una personalidad artística por derecho propio. Un tal maestro Honoré de la calle Boutebris de París es mencionado más de una vez. Su nombre aparece en los libros de cuentas del rey y en un manuscrito, los Decretos de Graciano (Biblioteca Municipal de Tours).

Por comparación estilística, otros libros pueden atribuirse al maestro Honoré, en particular El Breviario de Felipe el Hermoso (París, Biblioteca Nacional). Este libro, sin duda escrito para la casa real, contiene iniciales historiadas y una ilustración a toda página con escenas de la Vida de David. La narración es fácil de seguir y los nombres de los personajes principales están escritos bajo las ilustraciones. Esta obra es la culminación de las tendencias de principios de siglo. Las escenas están llenas de vida, y el movimiento de las figuras es claramente visible bajo las cortinas. El artista conservó los fondos estampados, pero en la escena inferior introdujo elementos de la pintura de paisaje, como colinas cubiertas de árboles, para dar la impresión de un escenario naturalista.

Jean Pucelle (c. 1290-1334), activo en París en el segundo cuarto del siglo XIV, era, como el maestro Honoré, iluminador profesional. Pucelle fue sin duda el artista del Breviario de Belleville (1326) y de la Biblia Billings (ambos en la Bibliothèque Nationale, París). Su mano se puede rastrear en otras Horas, especialmente en la obra maestra «Horas de Juana de Evreux» (1324-28, Claustros, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). Este artista utilizó las decoraciones marginales tan populares en el norte de Francia e Inglaterra, llenando los márgenes con escenas rústicas tomadas de la vida cotidiana.

Mariposas y caracoles se aferran a los zarcillos maduros de los guisantes, libélulas planean entre el follaje mientras el campesino recoge sus cosechas. Su interés por el naturalismo es evidente en «El trabajo del mes», donde las escenas habituales de cortar leña o sembrar los cultivos se sustituyen por un árbol cuyas ramas muestran el follaje cambiante en las distintas épocas del año. Aunque Jean Pucelle fue el sucesor del maestro Honoré y esencialmente un pintor parisino, su obra es importante porque también demuestra el conocimiento de la escuela italiana de pintura sienesa, una importante vertiente del arte del Trecento .

En 1309, la corte papal se trasladó de Roma a Aviñón, donde el gran pintor sienés Simone Martini (1285-1344) trabajó durante la segunda mitad de su vida. A pesar de su comprensión un tanto superficial de la manera italiana, Pucelle aún no era capaz de interiorizar la perspectiva lineal y el tratamiento plástico de los volúmenes y del espacio. Para la plena asimilación de estas lecciones a Italia es necesario esperar a otra generación, cuyos logros se clasifican generalmente con el estilo gótico internacional del arte. Entre ellos se encontraban artistas como Jacquemart de Esden (c. 1355-1414) y el trío conocido como los hermanos Limbourg (todos fallecidos en 1416), así como el provenzalista, creador de la notable Piedad de Aviñón (1454-6) - Engerrand de Cuarton (c. 1410-1466).

Iluminaciones góticas inglesas

En el artículo sobre la pintura románica de libros señalamos los signos de cambio evidenciados por la Biblia de Winchester (c. 1170), pero en los cincuenta años siguientes no apareció ninguna obra que pudiera calificarse de manuscrito verdaderamente gótico. El periodo de transición es un largo proceso de experimentación y cambio.

Ya se han mencionado las estrechas similitudes estilísticas entre los manuscritos escritos en Francia y en Inglaterra. Su finalidad puede determinarse a menudo por la inclusión o exclusión de ciertos santos del calendario, pero por lo general incluso esto nos dice poco sobre la nacionalidad del artista, ya que los scriptoria ingleses emplearon sin duda artistas franceses, y artistas ingleses en Francia. La copia parisina del Salterio de Utrecht, parece ser un ejemplo de ello.

Sobre iluminaciones inglesas e irlandesas anteriores en estilo insular, véanse: Libro de Derrow (c. 680), Evangelio de Lindisfarne (c. 700), Evangelio de Echternach (c. 700), Evangelio de Lichfield (c. 730), y Libro de Kells (c. 800), en particular su Página del monograma (Chi/Rho).

A finales del siglo XII, la moda de las grandes Biblias destinadas al uso ceremonial da paso a obras más pequeñas para estudios teológicos y Salterios para la devoción privada de los laicos. A medida que cambiaba la escala de los libros, la calidad del arte religioso en ellos se hacía cada vez más fina y minuciosa, allanando el camino a la pintura en miniatura del gótico internacional. Sin embargo, la scriptoria monástica duró más en Inglaterra que en Francia, y hubo actividad en St Albans y Winchester hasta al menos mediados del siglo XIII.

El periodo de transición queda bien ilustrado por una obra como el Salterio de Huntingfield (Nueva York, Pierpont Morgan Library). Un libro que muestra tendencias bastante similares es el Salterio de Imola . El comienzo del primer salmo se muestra en la doble página inicial con la letra inicial «B» «Beatus» frente a la página decorada con el primer verso del salmo. La letra «B» contiene «El sueño de Jesé». En las ilustraciones reina un orden sereno y equilibrado: los reyes y profetas están dispuestos simétricamente en los intervalos de las iniciales, y la orla se completa con relatos de la vida de David. La disposición del texto sobre un fondo de color era muy popular en esta época y es de una sobria belleza.

La Biblia De Bello (Londres, British Museum) fue escrita para Robert de Bello, abad de Canterbury de 1224 a 1253. Es más grande que la mayoría de los libros de esta época y tiene una gran inicial al principio del libro del Génesis llena de escenas de la Creación del mundo. Para dejar espacio a las escenas del pecado original, la inicial T se amplió en la parte inferior en forma de letra «L», lo que permitió una sola columna de texto. Cada escena está encerrada en un medallón, como en los libros franceses contemporáneos, pero las proyecciones foliadas alrededor de los bordes de la inicial son una novedad que se ampliará mucho en libros posteriores.

Algunos de los mejores libros del segundo cuarto de este siglo están asociados a la figura de sombra de W. de Brailes . Sólo se conoce el nombre del artista. Su procedencia, si era monje o eclesiástico secular, artista ambulante o trabajaba en el mismo scriptorium, son preguntas cuyas respuestas sólo pueden ser especulativas. Su nombre aparece en dos manuscritos y se le atribuyen varios más por motivos estilísticos. W. de Brailes posee todas las cualidades de un buen narrador. Es capaz de plasmar las ideas de su vívida imaginación en historias dibujadas con gran viveza.

Poseedor de un notable conocimiento de los detalles de los acontecimientos bíblicos, no dudaba en utilizarlos en sus ilustraciones. Existe una copia autógrafa de W. de Brailes en las hojas del Salterio (Cambridge, Fitzwilliam Museum); está encantadoramente representado en una pequeña figura escogida de entre los condenados en el Juicio Final, al parecer con la esperanza de que sus trabajos fueran recompensados con la salvación.

Una figura mucho más tangible es Matthew Paris . Nacido hacia 1200, ingresó en el monasterio de St Albans en 1217 y se sabe que se relacionó con el rey y otros nobles. En 1235 fue nombrado historiógrafo de la abadía de St Albans y compiló dos crónicas que hoy se conservan en el Museo Británico y en el Corpus Christi College de Cambridge.

En una de las páginas separadas pegadas en las crónicas hay un dibujo de la Virgen con el Niño . Esta famosa lámina, que muestra al propio Paris postrado a los pies de la Virgen, es una obra de arte monumental.

Las cualidades de dibujante de Paris se manifiestan plenamente, dando al dibujo de las figuras una forma firme y expresiva. Las figuras tienen una postura regia, pero cobran vida gracias a la vivacidad de los drapeados, realzados por pálidos difuminados de color. El texto de la Crónica está profusamente ilustrado con escenas relevantes esbozadas en los márgenes y al pie de las páginas, que nos ofrecen un relato instructivo de los acontecimientos históricos de 1230-1251. No todas las ilustraciones de una obra de esta envergadura son del propio maestro, pero la similitud de los temas sugiere que Matthew Paris fue el responsable del diseño de toda la serie.

La influencia de Matthew Paris se deja sentir con fuerza en el grupo de Apocalipsis procedentes de St Albans. Ya se ha mencionado un gran grupo de este tipo procedente de la España románica, pero la repentina popularidad de los Apocalipsis en la Inglaterra de mediados del siglo XIII es difícil de explicar. Entre los mejores se encuentra el Apocalipsis del Trinity College de Cambridge, prologado por escenas de la Vida de San Juan. Otro Apocalipsis interesante fue encargado en St Albans por un noble inglés.

El francés era la lengua adoptada por los aristócratas, por lo que este libro está escrito en ella y, por una feliz coincidencia, no se conserva en Inglaterra, sino en la capital de Francia (Bibliotheque Nationale). El libro tiene noventa y dos ilustraciones en la parte superior de las páginas de texto, y en el prefacio hay escenas a toda página, dispuestas en dos niveles, de la Vida de San Juan. Las ilustraciones, como en las «Crónicas», son dibujos a pluma y tinta con viñetas en color. Esta predilección por el dibujo de contornos, tan prominente en el Winchester anglosajón, persiste en la época gótica. Las escenas están llenas de figuras animadas, pero ahora el movimiento de los personajes se expresa con formas más sólidas, y las sombras ayudan a crear la forma del cuerpo. (Véase también: Escultura gótica inglesa c. 1150-1250)

A medida que cambiaba el patrocinio, también lo hacía la elección de los temas. Las representaciones de la Virgen y el Niño son comparativamente raras en los libros románicos, pero con el auge de un enfoque más suave y humano, las pinturas que representan a la Virgen y el Niño se incluyen en muchos salterios góticos . Ya se ha mencionado el dibujo de Matthew Paris. También hay un ejemplo conmovedor en el Salterio de Amesbury (Oxford, All Souls College), donde una monja, probablemente la propietaria del libro, está representada a los pies de la Virgen que está amamantando a su Niño. La monja reaparece a los pies de Cristo en la Majestad, donde el escenario está decorado con elaborados detalles arquitectónicos. El Salterio de Amesbury resume los logros de mediados del siglo XIII. Los ricos colores, hábilmente elegidos, se hacen eco del fondo dorado, las gráciles figuras de sauce se mecen en suaves curvas y los paños conservan una energía nerviosa, indicativa de una intensa devoción.

En general, la iluminación de la segunda mitad del siglo XIII confirma sus vínculos con Francia. Esto es particularmente evidente en un libro como el Salterio Tenison (Londres, British Museum), destinado nada menos que al hijo del rey Eduardo I. Las ilustraciones, de tamaño diminuto, están colocadas sobre una gran extensión de fondo estampado, y los temas han adquirido una elegancia exquisita. Los márgenes de las páginas están decorados con una orla de pájaros y animales, extraños grotescos y escenas de la vida cotidiana.

La decoración de los márgenes se convirtió en una de las señas de identidad de la escuela de East Anglian . A partir de 1300, por razones nada fáciles de entender, la escuela de East Anglian empezó a desempeñar un papel cada vez más importante, y es en este ámbito donde podemos rastrear los importantes cambios estilísticos de los treinta o cuarenta años siguientes.

De un grupo de salterios de muy alta calidad podemos distinguir el Salterio de Ormsby (Oxford, Bodleian) y el Salterio de Gorleston (Londres, British Museum). Aquí los temas bíblicos tradicionales se yuxtaponen a todo tipo de imágenes fantásticas y profanas. Los campos se llenan de mariposas y mariquitas, centauros y dragones, monos y humanos.

Babevin es el nombre que se da a estos marginales, y aunque en sentido estricto la palabra deriva del italiano «baboon», en la actualidad se utiliza para referirse a todo tipo de grotescos. Poco a poco, el énfasis en la ornamentación de los marginales empieza a primar sobre el contenido narrativo del salterio. Por ejemplo, en el Salterio de Gorleston, escrito unos años más tarde que el de Ormsby, la atención a la decoración profana pasa a ser primordial. El estilo de esta obra es más humorístico e incluso satírico: ¡los artistas representan conejos dirigiendo un funeral! Esto dista mucho de los bestiarios del siglo XII concebidos para el aprendizaje.

Este tipo de marginales eran populares a ambos lados del Canal de la Mancha y se encuentran en manuscritos de esta época del noreste de Francia y de los Países Bajos, pero los rasgos más serios de estos libros también merecen un comentario. Ya hemos visto que en Francia Jean Pucelle mostró sorprendentemente pronto cierta conciencia de los grandes logros pictóricos de Italia.

No hay que subestimar la rapidez de la propagación de la influencia artística de un país a otro, ya que en esta época aparece en Inglaterra un conocimiento paralelo del arte proto-renacentista italiano . No hay pruebas definitivas de que los italianos trabajaran en Inglaterra, pero si se examinan las pinturas, está claro que los artistas ingleses debieron conocer la obra de grandes maestros italianos como Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302), Duccio di Buoninsegna (c. 1255-1319) y Giotto (1267-1337). El Salterio de Ormsby se completó en gran parte antes de 1325, pero se hicieron algunas adiciones alrededor de esta época, y es aquí donde la influencia italiana es evidente.

Se hace un verdadero esfuerzo por dar profundidad al plano pictórico y cierto peso a las figuras. El estilo italiano es aún más perceptible en libros posteriores, como el Salterio de Douai (actualmente muy deteriorado) y el Salterio de San Omer (Londres, British Museum). Los artistas de estos libros interpretaron el tratamiento italiano de las formas de drapeado de manera muy similar a Jean Pucelle, utilizando pesados pliegues divergentes de materiales blandos.

El Salterio de Robert de Lisle (Londres, Museo Británico) es particularmente interesante porque demuestra una fase tardía de la escuela de East Anglian, y un estilo que se había desarrollado unos veinticinco años antes. En las últimas ilustraciones de este libro, el artista, que empieza a comprender la perspectiva, consigue agrupar las figuras de manera bastante satisfactoria.

En Inglaterra, sin embargo, esta fase de influencia italiana no resultó concluyente. En el Salterio de Luttrell, pintado en East Anglia hacia 1340 para Sir Geoffrey Luttrell de Irnham en Lincolnshire, ya vemos su desvanecimiento. Las figuras vuelven a ser más planas y se describen con ritmos lineales.

El Salterio de Luttrell ha sido calificado, no sin razón, de modelo de la escuela de East Anglian en su decadencia. La originalidad fresca deja paso a una técnica más rígida y mecánica, pero este libro contiene las famosas series de campesinos trabajando, escenas de interés para el historiador social, incluso a pesar del tratamiento tosco y algo pesado.

El Salterio de la reina María (Londres, British Museum) es uno de los mejores manuscritos góticos ingleses. Aunque el artista no pertenece a la escuela de East Anglian, debe algo a su ejemplo. Está prologado por seiscientas sesenta y seis escenas del Antiguo Testamento, con otras ilustraciones a toda página e innumerables decoraciones marginales de la más alta calidad. Si, como parece probable, este libro es obra de un solo artista, es aún más notable. Es característico de la escuela inglesa: finos dibujos de contorno y sutiles manchas de delicado color.

La peste negra (1348-1349) fue probablemente la causa de la escasa producción de manuscritos ingleses entre 1350 y 1370. Sin embargo, no hubo un paréntesis total, y un pequeño número de manuscritos ayudó a llenar el vacío. El más interesante de ellos es «el Génesis» de Egerton (Londres, Museo Británico), que quizá represente el único episodio inglés en la historia de los manuscritos iluminados, en el que el artista hizo un serio intento de darse cuenta del significado más profundo del arte renacentista que estaba empezando a aparecer en Italia. El tema real de este libro no tiene prototipos ingleses, y aunque las ilustraciones tienen contornos característicamente ingleses, el estilo debe tomarse prestado en parte de Italia.

La mano del maestro «de Génesis Egerton» es visible en dos páginas «de la Capilla Fitzwarin» (París, Bibliothèque Nationale), aunque el resto del libro es de carácter mucho más inglés. Lo más llamativo «de las Horas de Fitzwarin» es la introducción de pináculos fantásticos en la escenografía arquitectónica y en el encuadre de las miniaturas.

Estas mismas fantasías arquitectónicas, estructuras que nunca podrían haberse construido, forman un vínculo con un importante grupo de libros escritos para Humphrey de Bohun, conde de Leicester. Su muerte se registra en 1373, lo que da una fecha aproximada para el grupo, pero su familia continuó su mecenazgo.

El Salterio de Brescia puede estar vagamente relacionado con este grupo de obras. La tradición inglesa se conserva en gran medida en la disposición de las páginas, pero los animales extraños y grotescos son mucho menos prominentes aquí. En esta época se empieza a notar la influencia francesa. Durante la década siguiente se introducen otras ideas nuevas en la pintura inglesa de miniaturas, y los manuscritos de Inglaterra, como los de otros lugares, pasan a formar parte del estilo internacional europeo.

Iluminaciones góticas alemanas

Al igual que el arte medieval alemán anterior , el desarrollo del gótico alemán no estuvo centralizado como en Francia. Aquí no hubo una influencia estabilizadora comparable a la de la casa real de París, y la scriptoria monástica duró mucho más tiempo. En un ambiente así, las distintas partes del país siguieron desarrollando sus ideas individuales. Aunque sólo sea por esta razón, al hablar de la pintura gótica de esta región, parece más apropiado prescindir de las fronteras modernas de Alemania y considerar la pintura centroeuropea en su conjunto.

Los manuscritos de la primera mitad del siglo XIII en Alemania presentan un problema especial de clasificación. ¿Son románicos o góticos? En general, deberían clasificarse como obras góticas, ya que representan otro aspecto de la importancia de Bizancio en la formación del nuevo estilo. El Misal de Berthold (Nueva York, Pierpont Morgan Library) de Weingarten fue escrito poco después de 1200 y muestra claramente ideas nuevas. En lugar de los habituales dibujos lineales de finales del siglo XII, tenemos pinturas con colores ricos y fuertes. La deuda con los ejemplos bizantinos es primordial, y la narrativa competente se combina con un buen sentido de la composición. Las figuras están dotadas de las cualidades de la escultura gótica alemana, y de nuevo nos viene a la mente el arte de la metalistería.

Una característica sorprendente de esta segunda oleada de influencia oriental es que se hunde rápidamente bajo las características nacionales de los artistas. Esto se aprecia especialmente en los salterios del landgrave Hermann, pintados para el landgrave Hermann de Turingia en las primeras décadas del siglo XIII.

Entre ellos se encuentra el Salterio de Santa Isabel conservado actualmente en Cividale. Es un libro suntuoso con ricas ilustraciones rojas, azules y doradas, que contiene acontecimientos escogidos del Antiguo Testamento, así como escenas de la vida de Cristo. En los rostros y en la pesadez de las figuras hay de nuevo claramente elementos del arte bizantino cristiano, pero los cortinajes son nítidos y angulosos, dividiéndose en una serie de pliegues horizontales irregulares. Al parecer, este estilo se originó en el norte de Alemania, pero pronto se extendió hacia el sur y el este, a Baviera, Austria y Bohemia.

Se hizo cada vez más exagerado, como vemos en el ejemplo del Salterio del Tirol (Nueva York, Pierpont Morgan Library). Este rasgo define aún más todo el espíritu de las Iluminaciones y confiere a las pinturas un expresionismo nervioso y excitado que recuerda a los grandes retratos de los Evangelistas del arte otomano .

En obras como el Evangelio de Maguncia (Múnich, Biblioteca Estatal) y el Salterio de Bonmont (Besançon, Biblioteca Municipal), alcanza su clímax en un estilo que quizá sea precursor del lenguaje expresionista del Renacimiento alemán del siglo XV. En estas obras, sin embargo, vemos los primeros signos de la influencia francesa. El Salterio de Bonmont tiene iniciales puramente francesas con follaje gótico.

Es difícil determinar cómo llegó el estilo francés a Alemania en esta época, hacia 1250, pero puede atribuirse en parte a las órdenes monásticas del Císter y los dominicos. Poco a poco se extendió hacia el este y en 1300 ya había llegado a Bohemia. Los libros de pequeñas horas nunca se pusieron de moda en Alemania, por lo que es raro encontrar copias directas de temas de libros franceses. Es en los libros de derecho, las crónicas y los escritos profanos donde se aprecia por primera vez la influencia del estilo francés.

Uno de los mejores libros profanos de la Edad Media es el Manuscrito Minnesanger de la familia Manesse (Heidelberg, Biblioteca Universitaria). Se trata de una colección de dibujos de poetas, amantes y trovadores, creada para Rudger Manesse von Maneck de Zúrich, fallecido en 1304, y completada por su hijo Johannes.

Entre los temas figuran el rey Wenzel de Bohemia (1278-1305), el poeta Wolfram von Eschenbach (1170-1220) y Heinrich Frauenlob dirigiendo su orquesta. De repente entramos en un nuevo mundo de arte decorativo, lleno de finos detalles cortesanos. Se presta especial atención a los detalles del vestuario: una capa de armiño sobre los hombros del director, un ribete de piel en el abrigo del músico central. Todo el libro está repleto de animada narrativa de actualidad y constituye una espléndida pieza decorativa.

Una copia de un poema de Wolfram von Eschenbach «Willehalm von Orans» realizada en 1334 para el landgrave Enrique II era uno de los tesoros de la biblioteca de Kassel. El manuscrito se perdió trágicamente durante la Segunda Guerra Mundial, pero se conservan fotografías de su belleza.

Artísticamente, las pinturas eran de mayor calidad que el manuscrito de Minnesanger y atestiguan el alto calibre del artista. Probablemente era natural de Colonia, y su mano puede rastrearse de nuevo en el Gradual de Wettingen (Aarau, Cantonsbibliothek), donde las gráciles figuras parecen lastradas por pesados y caídos cortinajes. Cabe preguntarse si el artista conocía la obra de Jean Pucelle.

Iluminaciones góticas de Bohemia

Antes de la llegada de la dinastía luxemburguesa (1311), el arte doméstico de Bohemia muestra claramente las diversas influencias extranjeras en las que se inspiró. Del norte vemos los característicos drapeados ondulantes de la escuela sajón-turingia, de Venecia en el sur hay fuertes huellas de Bizancio e Italia, y del oeste hay una influencia francesa que dio a todo un refinamiento.

Tras la llegada de Juan de Luxemburgo, estas últimas influencias se acentúan. A principios del siglo XIV se producen en Praga, por encargo de la casa real, libros que siguen el modelo de los manuscritos franciscanos, y son estas obras las que dan origen a la excelente tradición de manuscritos iluminados de Bohemia que se prolonga hasta el periodo gótico internacional de principios del siglo XV.

La Pasión de la abadesa Kunigunda (Praga, Biblioteca Universitaria) fue escrita para Kunigunda, hija del rey de Bohemia. La princesa murió en 1321, y parece que el libro fue escrito e ilustrado antes de esa fecha. «El Pasionario» está inacabado, pero sus ilustraciones son de gran calidad. Entre ellas destaca la conmovedora escena de la despedida de Cristo de su madre. Una emoción fuerte y profunda une a estos dos personajes y parece no admitir ninguna mirada exterior. El grupo está encerrado en un único contorno, y las líneas verticales del cortinaje conducen la mirada hacia las dos expresivas cabezas.

Estilísticamente, el cuadro refleja el arte francés, cuya influencia se aprecia en la Biblia de Velislav (Praga, Biblioteca Nacional), ilustrada unos veinte años más tarde. La tipología de esta Biblia ilustrada se basa en los libros de la orden franciscana; es un libro relativamente grande que contiene más de setecientas ilustraciones acompañadas de un texto explicativo. Se realizó para Velislav, que más tarde fue canciller del emperador Carlos IV. Las cualidades lineales «de la Pasión» se desarrollan aún más en este manuscrito, donde las escenas están dibujadas a pluma y tinta y sólo ligeramente coloreadas.

En 1348, Carlos IV fundó la gran Universidad de Praga y abrió así las puertas de Bohemia a los artistas y artesanos extranjeros que acudían a Praga. En este ambiente internacional se crearía un nuevo estilo unificado.

Iluminaciones góticas italianas

En una época en la que Matthew Paris y el maestro Honoré ponían de relieve el arte de la iluminación de manuscritos en Inglaterra y Francia, los iluminadores de Italia seguían luchando por un estilo individual. Hoy en día, la iluminación de manuscritos italianos de finales del siglo XIII sigue considerándose un arte esencialmente menor, completamente eclipsado por los logros de Cimabue, Duccio y Giotto. Este hecho es en sí mismo significativo, y es importante recordar que en Italia los nuevos desarrollos artísticos surgieron invariablemente de la pintura sobre tabla y al fresco , mientras que en el norte de Europa los primeros avances llegaron a través de los libros iluminados.

Los códigos legales eran numerosos, un buen ejemplo de ello es el ilustrado Libro de Derecho Civil (Turín, Biblioteca Nacional), que contiene escenas representadas en vivos colores. En la ilustración que representa la justicia en acción, las figuras están representadas con una fuerte pátina de arte plástico, debida sin duda a la omnipresente influencia de Giotto, y las escenas están dotadas de una viva vitalidad.

La escuela boloñesa de pintura de libros -que no debe confundirse con la escuela boloñesa barroca, fundada por Annibale Carracci-, con su firme construcción de figuras y el uso comedido de la decoración, encontró su máximo exponente en Niccolò da Giacomo . Este artista, activo en la segunda mitad del siglo XIV, era el jefe de un gran taller, y varios manuscritos llevan su firma. Niccolò da Giacomo fue un individualista de gran talento.

La copia «de la Farsalia» Lucana (Milán, Biblioteca Trivulziana) es típica de su mejor obra y exhibe muchos de sus rasgos característicos. No hay belleza ideal que lo contenga, los rostros son de un color lívido estrafalario, y los colores chillones y la ostentosa superficialidad subrayan el carácter secular del maestro.

Florencia, más que ninguna otra ciudad, demuestra la subordinación de la iluminación de manuscritos a formas artísticas más monumentales. En los grandes libros de coro de San Marcos pueden verse ecos de la pintura de Cimabue, y Pacino da Buonaguida se inspiró en Giotto en su iconografía y estilo. Sus obras son toscas y bastante pesadas, como si no quisiera reducir la escala de sus prototipos a las minuciosas decoraciones de los libros. El Biadaiolo (Florencia, Biblioteca Laurenciana) es una especie de «espejo de la vida» y contiene escenas relacionadas con acontecimientos cotidianos. Fue compilado por un mercader florentino de grano como una especie de diario. La historia se cuenta de forma sencilla con la ayuda de algunas figuras; es un manuscrito colorista y esencialmente popular, pero al mismo tiempo una obra maestra por derecho propio.

Los primeros manuscritos góticos de Siena muestran una conexión con la scriptoria boloñesa, pero el estilo se modifica bajo la influencia del gran Duccio . El mejor iluminador de la escuela sienesa fue sin duda Simone Martini . Su maestría como iluminador queda patente en una sola página. Se trata del frontispicio de un ejemplar de Virgilio que perteneció a Petrarca (Milán, Biblioteca Ambrosiana). Simone entabló amistad con Petrarca durante su larga estancia en Aviñón, y sin duda el carácter humanista de la ilustración se debe a las instrucciones del propio Petrarca.

El estilo del cuadro muestra una notable fusión entre los ritmos lineales aprendidos por Simone en Francia y los vivos colores de la tradición bizantina italiana. En cierto sentido, Simone fue un pintor adelantado a su tiempo. Murió en Aviñón en 1344, y su influencia inmediata es difícil de evaluar, pero el arte de Simone fue sin duda una fuerza motriz en la formación del Estilo Internacional una generación más tarde, y fue en esta época cuando los sieneses le consideraron su mejor artista.

En Venecia y Milán, los manuscritos más importantes no aparecen hasta finales del siglo XIV, y los examinaremos en nuestro próximo artículo sobre el estilo gótico internacional .

Los textos góticos iluminados pueden verse en algunos de los mejores museos de arte del mundo, sobre todo en el Musée de Condé, Chantilly, el British Museum y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.