Alta pintura renacentista: características, estética Traductor traducir

El estilo de pintura italiana conocido como «Alto Renacimiento», representa la cumbre del arte renacentista y la culminación de todos los estudios de la época del Quatrocento . Se caracteriza sobre todo por cualidades como la armonía y el equilibrio. Aunque el movimiento es necesario e importante, siempre es digno y tranquilo, y la mirada del espectador siempre tiene un punto de enfoque.

La pintura es invariablemente totalmente equilibrada y autosuficiente, lo que corresponde a la definición de belleza propuesta por Leon Battista Alberti (1404-1472) en el tratado «Della Pittura» : "una armonía tan completa de las partes a la que no se puede añadir ni quitar nada sin destruir el todo". La pintura del Alto Renacimiento no es tan intensa ni tan consciente de sí misma como la del Renacimiento temprano. Tampoco es tan artificiosa como gran parte de la pintura manierista . Por su aparente calma y monumentalidad, a menudo se compara con la escultura griega del siglo V a.C.

Sus máximos exponentes fueron los genios florentinos Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, así como el maestro de Urbino Raffaello Santi, conocido como Rafael, y el colorista veneciano Tiziano Vecellio, conocido como Tiziano .

Otros pintores notables del Alto Renacimiento son Andrea del Sarto (1486-1530) y Fra Bartolomeo (1472-1517) en Florencia, Giovanni Bellini (1430-1516), Giorgione (1477-1510) y Sebastiano del Piombo (1485-1547) en Venecia.

Dicho esto, la historia del Alto Renacimiento está estrechamente ligada al Renacimiento de Roma, donde papas ambiciosos como Julio II (1503-13) y León X (1513-21) financiaron una amplia gama de proyectos de arte público para garantizar que la ciudad superara a Florencia como mayor centro cultural de Italia. De hecho, tanto Florencia como Roma se convirtieron en escalas clave del Grand Tour europeo del siglo XVIII. Entre los artistas que trabajaron fuera de los grandes centros figura Antonio Allegri da Correggio (1489-1534), creador del influyente fresco «Asunción de la Virgen» (Catedral de Parma) (1526-30).

Leonardo da Vinci (a partir de 1490)

El estilo avanzado de pintura que Leonardo da Vinci practicó en Milán fue continuado con modificaciones en Lombardía por su principal seguidor milanés Bernardino Luini (c. 1480-1532) y otros. Sin embargo, no encontró aplicación inmediata en su Florencia natal, aunque su panel inacabado «Adoración de los Magos» permanece cerca de la ciudad, en el monasterio de San Donato a Scopeto. Algunos contemporáneos de Leonardo, como Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Filippino Lippi, imitaron las líneas generales del cuadro, pero no percibieron sus rasgos más profundos e innovadores.

La verdadera influencia de la pintura de Leonardo no se hizo patente hasta después de su regreso a Florencia en 1500. Artistas y público acudieron en masa a la iglesia de la Santissima Annunziata para contemplar su estudio del natural «Nuestra Señora con el Niño y Santa Ana». Su gran fresco que representa La batalla de Anghiari (1503-06) compitió con la obra de su rival Miguel Ángel en el concurso cívico para registrar la historia de Florencia. Ni el panel ni el fresco llegaron a terminarse.

Sin embargo, su obra dejó una huella imborrable en su ciudad natal. Aún le quedaba mucho por hacer. Su obra maestra «Mona Lisa» («Gioconda»), actualmente en el Louvre, revolucionó la pintura de retratos con su técnica pionera de sombreado - sfumato . (Véase también el cuadro anterior «Dama con armiño», 1490, Museo Czartoryski, Cracovia). Fra Bartolomeo (1472-1517), más tarde líder del Alto Renacimiento florentino, fue uno de los artistas más influidos por el trabajo de Leonardo con la luz y la sombra.

Además, sus dibujos renacentistas animaron tanto a otros artistas a realizar estudios preparatorios para sus cuadros como a los mecenas a coleccionarlos. Además, la reputación del artista, que también era erudito e investigador, se transmitía a sus colegas, lo que daba poder y estatus a todos los artistas.

Rafael (1483-1520)

El artista que más aprendió de la pintura de Leonardo fue sin duda Rafael. Hijo del pintor y escritor Giovanni Santi, desde muy joven recibió una gran influencia de Perugino (1450-1523). A los 21 años llegó a Florencia como pintor respetado y se horrorizó al comprobar que todo lo que aprendía era anticuado y, en última instancia, provinciano. Inmediatamente comenzó a aprender el nuevo estilo de los florentinos, incluidos los artistas provincianos que trabajaban en Florencia, como Luca Signorelli (1450-1523).

Desapareció el antiguo estilo de dibujo, con sus rígidos contornos y sombreados internos; llegó el estilo más suave de Leonardo. A partir de un estudio minucioso de la pintura de Leonardo «La Virgen de las Rocas», creó un nuevo tipo de Madonna frente a un paisaje suave y apacible («Madonna con Ricitos de Oro», Uffizi). Para sus retratos tomó prestado el formato «de la Gioconda de Leonardo» , y también estudió detenidamente la escultura de Miguel Ángel. En cinco años, cuando marchó a Roma en 1509, Rafael había absorbido todo lo que Florencia podía ofrecerle y estaba listo para hacerse un nombre.

Situada en el último piso del Palacio Vaticano , la Stanza della Segnatura fue utilizada por el anciano pontífice Julio II (1503-13) como biblioteca. Fue aquí, en 1509-1511, donde Rafael pintó su famoso fresco «Escuela de Atenas» . Fue el segundo fresco de la sala después de la «Disputación» en la pared opuesta, y se considera uno de los ejemplos más llamativos y perfectos del estilo del Alto Renacimiento. En esta obra Rafael, como Leonardo antes que él, crea un equilibrio entre el movimiento de las figuras y el orden y la estabilidad del espacio pictórico. Llenó la composición con numerosas figuras en una amplia variedad de poses, pero manipuló estas poses de tal manera que, en última instancia, conducen la mirada del espectador a la pareja central de Platón y Aristóteles, a quienes convirtió en el punto de fuga de su sistema de perspectiva lineal . Un ejemplo magistral de la técnica pictórica del Alto Renacimiento.

Véase también su maravillosamente armoniosa «Madonna Sixtina» (1513-14, Gemäldegalerie Alte Meister Dresden).

El estilo de Rafael siguió influyendo en generaciones de artistas en Roma y en otros lugares. Por ejemplo, las obras de Carlo Maratta (1625-1713), el principal artista católico después de Bernini.

Miguel Ángel (1475-1564)

Mientras Rafael, de 26 años, pintaba al fresco los apartamentos vaticanos, Miguel Ángel Buonarroti, de 33 años, decoraba (contra su voluntad) el techo de la Capilla Sixtina (1508-12) con su fresco «Génesis» . Aunque Domenico Ghirlandaio le enseñó pintura al fresco, e influyó en él, como Luca Signorelli, y a pesar de que pintó algunos paneles de gran calidad (por ejemplo, Tondo Doni, 1504-06), Miguel Ángel se veía a sí mismo como escultor.

Fresco «Génesis» comenzó a pintar en colaboración con varios otros artistas del Alto Renacimiento, a quienes conocía del taller de Ghirlandaio, pero pronto los descartó y pintó todo el techo en solitario. Durante los cuatro años siguientes (1508-1502) decoró unos mil metros cuadrados del techo con un hervidero de figuras de vivos colores que ilustraban escenas del libro bíblico del Génesis, así como del Antiguo Testamento y de la mitología clásica

Una de estas pinturas religiosas - «La Creación de Adán» , en la que la energía cinética del Dios Creador contrasta vívidamente con la forma flácida y sin vida de Adán - es considerada por muchos eruditos como la mayor obra pictórica del cristianismo. El techo de la Sixtina ya fue reconocido como una obra maestra en su época, y su creador pasó a ser conocido como «Miguel Ángel» Il divino «Miguel Ángel divino».

Los contemporáneos hablaban de su impresionante poder (» terribilita») y de su genio divino. Estos tres artistas - Leonardo, Rafael y Miguel Ángel - desempeñaron un papel decisivo en la elevación de la categoría del pintor (y su disegno) a un nuevo nivel, al mismo nivel que los arquitectos y otros especialistas. Sus enormes logros establecieron estándares que no podían ser superados, contribuyendo a la aparición del estilo anticlásico del Manierismo (c. 1530-1600).

La dispersión de la troika del Alto Renacimiento

En 1513, año de la muerte de Julio II y de la ascensión del papa León X, los tres grandes artistas del Alto Renacimiento italiano estaban ocupados con nuevos proyectos que les desviaban de sus caminos anteriores. Leonardo se encontraba en la corte francesa de Milán, donde se dedicó a finalizar «la Gioconda», escribir tratados y realizar encargos para el monarca francés. Mientras tanto, sus mecenas italianos desconfiaban de su irrefrenable curiosidad, una cualidad de doble filo que dejó la mayoría de sus proyectos inacabados.

Miguel Ángel esculpió la tumba de Julio II en Roma; en 1516 regresó a Florencia para realizar una serie de obras escultóricas y arquitectónicas para la familia Médicis. En cuanto a Rafael, se vio desbordado por las tareas administrativas como arquitecto supervisor de la construcción de la nueva catedral de San Pedro. A medida que aumentaba su carga de trabajo, dependía cada vez más de Giulio Romano (c. 1499-1546) y de sus otros ayudantes. Como consecuencia, entre 1514 y 1520 sólo pintó unos pocos cuadros con sus propias manos. Uno de ellos, la célebre «Madonna Sixtina» (1513-14, Gemäldegalerie Alte Meister Dresden), es sin duda uno de sus mejores cuadros.

Gran parte del trabajo pionero sobre la atribución de pinturas del Alto Renacimiento ha sido realizado por el historiador del arte Bernard Berenson (1865-1959), que vivió la mayor parte de su vida cerca de Florencia y publicó una serie de obras muy influyentes sobre el Renacimiento italiano en Florencia y en otros lugares.

Tendencias manieristas (c. 1512 en adelante)

En los últimos frescos vaticanos de Rafael en la Stanza d’Elidoro (1512-14) ya se aprecian tendencias manieristas - por ejemplo, La expulsión de Heliodoro de los templos y La liberación de San Pedro . Una de las últimas obras (inacabadas) del artista, «Transfiguración» (1518-20, Pinacoteca Apostolica, Ciudad del Vaticano, Roma), también presenta claros signos del expresionismo manierista. Además, algunos historiadores del arte creen que la tensión dramática contenida en las figuras de Rafael, combinada con el fuerte uso del claroscuro, anticipa la pintura barroca .

La muerte de Leonardo en 1519, seguida rápidamente por la de Rafael, de 37 años, en 1520, dejó a Miguel Ángel como único genio superviviente del Renacimiento italiano. Ocupado de lleno en los asuntos de los Médicis hasta 1527, cuando la poderosa familia fue expulsada de Florencia, y luego de 1530 a 1534, no fue hasta 1534 cuando se instaló en Roma. Durante este tiempo, el mundo del Alto Renacimiento en el que estaba madurando como artista cambió hasta hacerse irreconocible.

Roma fue saqueada (1527) por las tropas del emperador Carlos V, que obligaron al Papa a abandonar el Vaticano y huir a Orvieto, Florencia fue sitiada. Además, los principios de la filosofía humanista del Alto Renacimiento habían sido desechados por el protestantismo septentrional, y su enfrentamiento con la Contrarreforma católica militante se vislumbraba en el horizonte.

No es de extrañar que el colapso del idealismo del Alto Renacimiento se reflejara en el contenido dramático, el movimiento arremolinado y las formas distorsionadas del fresco de Miguel Ángel «El Juicio Final» (1534-41) en la pared del retablo de la Capilla Sixtina, considerado hoy la mayor obra maestra del arte religioso del siglo XVI. Inmediatamente después de su descubrimiento en 1541, el fresco se convirtió en un modelo para los jóvenes artistas. En 1586, el pintor Armenini recordaba cómo, cuando era joven y pintaba en la Capilla Sixtina, había escuchado discusiones sobre los minuciosos detalles de la obra de Miguel Ángel. Se convirtió en una escuela de anatomía, el mejor lugar de Roma para estudiar la figura masculina desnuda».

Transmitiendo el estado de ánimo del momento con su atronador «Dios del Juicio Final», que parecía más preocupado por condenar a la raza humana que por dar la bienvenida a los bienaventurados en el cielo, Miguel Ángel completó los dos últimos frescos para la Capilla Farnesio personal del Papa Pablo III ) Capilla Paolina) - Conversión de San Pablo y Crucifixión de San Pedro . Las figuras de estas obras son aún más manieristas que en «El Juicio Final». Dadas sus dudas estéticas y espirituales, no es de extrañar que en los últimos 20 años de su vida Miguel Ángel abandonara en gran medida la pintura y la escultura, concentrándose en la arquitectura .

Los ideales del Alto Renacimiento fuera de Roma y Florencia

Los ideales o la estética del Alto Renacimiento, ilustrados por las composiciones de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, siguieron desarrollándose fuera de los dos centros principales de Roma y Florencia. Por ejemplo, en Parma Correggio (1489-1534) estuvo muy influido por Andrea Mantegna (1430-1506) y los seguidores milaneses de Leonardo. Sus cuadros «Descanso durante la huida a Egipto» (Uffizi, Florencia) y «Virgen con copa» (1525, Galería Nacional, Parma) están claramente en el espíritu del Alto Renacimiento. Sin embargo, Correggio es probablemente más conocido por sus altísimos frescos en el Duomo de la catedral de Parma (1524-30.) y en la iglesia de San Giovanni Evangelista, que sirvieron de excelente modelo para la ilusionista cuadratura y otras técnicas de trampantojo de la pintura barroca tardía, así como por una serie tardía de sensuales pinturas manieristas como «Júpiter e Io» (1532-3, Kunsthistorisches Museum, Viena). Véase Escuela de pintura de Parma, para más detalles.

Pintura veneciana del Alto Renacimiento

A finales del Quatrocento, la pintura veneciana siguió un camino similar al del Renacimiento florentino, pero con un sesgo veneciano. Por ejemplo, las Madonnas «de Giovanni Bellini» de 1505-10 son estilísticamente muy similares a las pinturas de Rafael en Florencia en la misma época. En su retablo de San Zaccaria (» Virgen en trono con cuatro santos») (1505) el tema de la sagrada comunión adquiere cierto sabor del Alto Renacimiento.

Giovanni Bellini (1430-1516) fue la fuerza dominante en la pintura veneciana en la década de 1490, y su estilo tuvo una gran influencia en artistas más jóvenes como Giorgione y Tiziano, así como Lorenzo Lotto (1480-1556). En cualquier caso, los pintores venecianos tradicionalmente concedían mayor importancia a la viveza del color (en parte debido a su dominio de la pintura al óleo), así como a la expresión compositiva, en contraste con el estilo clásico más enrarecido de la pintura adoptada en Roma.

Para más información sobre los retablos del Alto Renacimiento, véase Retablos venecianos (c. 1500-1600); para los retratos, véase Retratos venecianos (c. 1400-1600). Véase también: Tiziano y la pintura veneciana en color (c. 1500-76). Véase también: El legado de la pintura veneciana en el arte europeo.

Giorgione (1477-1510)

Giorgione aprendió mucho de Bellini, pero luego superó con creces a su maestro, produciendo un tipo de pintura de paisaje lírico que sólo puede compararse con la poesía pastoral. En su corta carrera, este joven artista pionero dio a sus contemporáneos una clase magistral en el uso de la pintura al óleo para crear la ilusión de textura y luz en sus cuadros.

Su primera obra, «Virgen con el Niño y santos Francisco y Leprosa» (c. 1504, catedral de Castelfranco), se inspira en gran medida en Bellini. Unos años más tarde, sin embargo, Giorgione pasa de este estilo de pintura al misterioso y premonitorio «Bure» (c. 1505.), Galería de la Academia de Venecia), a la lírica «Venus dormida» (1510, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresde) y al soñador «Concierto pastoral» (c. 1510, Louvre).

El amor del veneciano por la textura es evidente en el último cuadro: capta con precisión las texturas contrastadas de la carne, la tela, la piedra, la madera y el follaje. La luz suave y difusa de Giorgione, combinada con el suave paisaje - colinas ondulantes y contornos lejanos y nítidos - crea un ambiente completamente pastoral: una técnica que se convirtió en característica de la pintura veneciana del siglo XVI y de gran importancia para el desarrollo del arte barroco .

Tiziano (c. 1488-1576)

La influencia de Giorgione en el arte veneciano fue inmediata, y en ninguno en mayor medida que en Tiziano. Aunque no fue alumno de Giorgione, cooperó con él en el mismo proyecto y ejecutó varios de sus cuadros.

En el cuadro «Amor sagrado y amor obsceno» (1512-15, Galleria Borghese, Roma) Tiziano se muestra capaz de rivalizar con Giorgione utilizando las técnicas de la pintura del propio Giorgione. Mientras que la influencia de Giorgione es particularmente notable en las pinturas profanas de Tiziano, la de Bellini lo es en sus pinturas religiosas, y continuó actuando como maestro y rival de Tiziano hasta su muerte en 1516 -unos seis años después de la muerte de Giorgione-, cuando el propio Tiziano se convirtió en una figura destacada de la pintura veneciana.

La inspirada «Asunción de Nuestra Señora» (1516-18, Santa Maria Gloriosa dei Frari, Venecia) de Tiziano le consagró como sucesor de Bellini. Reflejo del amor veneciano por el color en la pintura, en la desenvoltura y el movimiento, a pesar de algunos elementos obvios de manierismo, es comparable a «la Escuela ateniense» de Rafael» , tanto en concepción como en grandeza.

«Asunción» - junto con «Amor sagrado e indecente» (1512-15), «Entierro de Cristo» (1523-26, Louvre, París) y «Pesar Madonna» (1519-26. Santa Maria dei Frari) -; Santa Maria dei Frari)- ejemplifican la contribución de Tiziano al arte del Alto Renacimiento. Después de 40 años, a excepción de ocasionales composiciones tranquilas como «Venus de Urbino» (1538, Uffizi, Florencia), Tiziano se alejó cada vez más del lenguaje del Alto Renacimiento.

Los retratos de Tiziano eran derivados, pero claramente venecianos. Su obra maestra El papa Pablo III con sus nietos (los cardenales Alessandro y Ottavio Farnese) (1546, Museo Capodimonte, Nápoles), rivaliza conscientemente con el «El papa León X con los cardenales» (Giulio de’ Medici y Luigi de Rossi) (c. 1518, Galería Palatina, Palacio Pitti, Florencia) - demuestra claramente que la pintura veneciana no era inferior a la tradición florentino-romana. Su «Daneses con enfermera» (c. 1553, Prado, Madrid) equipara el colorismo sensual de la pintura veneciana a la tradición escultórica de Miguel Ángel, como juzgarán los historiadores más adelante.

En las últimas obras de Tiziano, la pintura al óleo alcanza nuevas cotas. Sus técnicas pictóricas incluían: el uso total de bocetos y dibujos preparatorios, lo que le permitía crear cuadros que parecían recién pintados al calor de la inspiración; el uso de manchas de color libremente yuxtapuestas; pintura aplicada libre y descuidadamente con un pincel y luego refinada con los dedos.

Dos obras tardías demuestran especialmente la magnitud del genio de Tiziano. «El Martirio de San Lorenzo» (c. 1548-50, Iglesia de los Jesuitas, Venecia), pintado cuando el artista tenía 60 años, muestra todo el entusiasmo de la juventud. Nótese la perspectiva manierista y la exageración, así como el trabajo con la luz, que sirven para acentuar el contenido dramático y emotivo del cuadro.

La misma intensidad de dramatismo, luz y color se aprecia en el cuadro «El rapto de Europa» (c. 1559-62; Isabella Stewart Gardner Museum, Boston), un estilo que anticipó la obra de Rubens y el Barroco. La larga carrera de Tiziano como pintor ejerció una gran influencia sobre los artistas del manierismo en Venecia. Otros dos grandes pintores del siglo XVI, Paolo Veronese y Tintoretto, se centraron en el estilo de Tiziano y desarrollaron diversos aspectos del mismo.

Colecciones

Los frescos y óleos del Alto Renacimiento pueden verse en la mayoría de los mejores museos de arte del mundo, sobre todo en la Galería Uffizi de Florencia, en los Museos Vaticanos de Roma y en el Palacio Pitti de Florencia.

CRONOLOGÍA DEL ARTE VISUAL
Para más información sobre direcciones y estilos de arte, incluidos todos los periodos del Renacimiento italiano, véase: Historia del arte . Para una guía cronológica, véase: Cronología de la Historia del Arte .