Alta pintura renacentista: características, estética Traductor traducir

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Pintura del Alto Renacimiento: características (c.1490-1530)

El estilo de la pintura italiana conocido como " Alto renacimiento "representa la cumbre de Arte renacentista y la culminación de todas las actividades exploratorias del quattrocento . Se caracteriza sobre todo por las cualidades de armonía y equilibrio. Aunque el movimiento es necesario e importante, siempre es digno y tranquilo, y el ojo del espectador siempre tiene un punto de enfoque. La imagen es invariablemente totalmente equilibrada y autónoma, de modo que satisface la definición de belleza ofrecida por Leon Battista Alberti (1404-72) en su tratado Della Pittura : "una armonía de partes tan completa a la que no se le puede agregar ni quitar nada sin destruir el todo". La pintura del Alto Renacimiento no es tan intensa ni tan consciente de sí misma como la del Renacimiento temprano. Tampoco es tan artificial como gran parte de Pintura manierista era para ser. Con respecto a su evidente calma y monumentalidad, a menudo está entre corchetes Alta escultura griega clásica del siglo V a. C.

Los mejores pintores del alto renacimiento

Sus máximos exponentes fueron los genios florentinos. Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , junto con el maestro Urbino Raffaello Santi – conocido como Rafael – y el colorista veneciano Tiziano Vecellio – conocido como Tiziano . Otros pintores importantes del Alto Renacimiento incluyen Andrea del Sarto (1486-1530) y Fra Bartolommeo (1472-1517) en Florencia, Giovanni Bellini (1430-1516), Giorgione (1477-1510) y Sebastiano del Piombo (1485-1547) en Venecia. Dicho esto, la historia del Alto Renacimiento está estrechamente asociada con el Renacimiento en Roma , donde papas ambiciosos como Julio II (1503-13) y Leo X (1513-21) financiaron una amplia gama de arte publico proyectos para garantizar que la ciudad supere a Florencia como el mayor centro cultural de Italia. De hecho, tanto Florencia como Roma se convirtieron en paradas clave en la Europa Grand Tour del siglo 18 Artistas importantes activos fuera de los centros principales, incluyen a Antonio Allegri da Correggio (1489-1534), el creador del fresco altamente influyente Asunción de la Virgen (Catedral de Parma) (1526-30).

Leonardo Da Vinci (hacia 1490 en adelante)

El estilo avanzado de pintura La práctica de Leonardo da Vinci en Milán fue continuada con modificaciones en Lombardía por su principal seguidor milanés Bernardino Luini (1480-1532) y otros. Sin embargo, no encontró conversos inmediatos en su Florencia natal, a pesar de que estaba inacabada. pintura de panel " Adoración de los magos " permaneció cerca de la ciudad, en el Monasterio de San Donato a Scopeto. Algunos contemporáneos de Leonardo, como Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Filippino Lippi sí imitó los contornos generales de la imagen, pero no pudieron absorber sus características más profundas y más innovadoras. El verdadero impacto de la pintura de Leonardo se vio solo cuando regresó a Florencia en 1500. Compañeros artistas y miembros del público acudieron en masa a la iglesia de la Santissima Annunziata para ver su estudio a gran escala para La Virgen y el Niño con Santa Ana . Su gran mural que representa la Batalla de Anghiari (1503-06) compitió con el trabajo de su rival Miguel Ángel en una competencia cívica para registrar la historia de Florencia. Ni el panel ni el mural se terminaron nunca. Aun así, su arte dejó una impresión permanente en su ciudad natal. Más estaba por venir. Su obra maestra Mona Lisa (La Gioconda), ahora en el Louvre, revolucionó el retrato, con su innovadora técnica de sombreado: sfumato . (Ver también su anterior señora con un armiño , 1490, Museo Czartoryski, Cracovia.) Entre los muy influenciados por el manejo de la luz y la sombra de Leonardo estaba Fra Bartolommeo (1472-1517), más tarde líder del Alto Renacimiento florentino.

Además, su Dibujos renacentistas estimuló a ambos artistas artistas a realizar estudios preparatorios similares para sus pinturas, y a los mecenas para coleccionarlos. Sobre todo, su reputación como artista, que también era científico y académico, se contagió a sus colegas artistas, lo que condujo a mejores oportunidades y estatus para todos.

Rafael (1483-1520)

El artista que más asimiló de la pintura de Leonardo fue, sin duda, Rafael. Hijo del pintor y escritor Giovanni Santi, fue muy influenciado en sus primeros días por Perugino (1450-1523). A los 21 años llegó a Florencia como un artista respetado, solo para descubrir para su consternación que todo lo que había aprendido era anticuado y, en última instancia, provincial. Su respuesta inmediata fue comenzar a aprender el nuevo estilo de los florentinos, incluidos los artistas provinciales que trabajan en Florencia, como Luca Signorelli (1450-1523). Se fue su viejo estilo de dibujo , con sus contornos estrechos y trama interior; Entró el estilo más fluido de Leonardo. De un estudio cercano de Leonardo Virgen de las rocas se le ocurrió un nuevo tipo de Madonna en un paisaje suave y apacible ( La Madonna del Jilguero , Uffizi). Tomó prestado el formato de la Mona Lisa de Leonardo para sus retratos, y también realizó un estudio minucioso de la obra de Miguel Ángel. escultura . En 5 años, cuando se fue a Roma en 1509, Rafael había absorbido todo lo que Florencia tenía para ofrecer y estaba listo para hacer su propia declaración artística.

Ubicada en el piso superior del palacio del Vaticano, la Stanza della Segnatura fue utilizada por el viejo pontífice. Papa Julio II (1503-13) como una biblioteca. Fue aquí, entre 1509 y 1511, donde Rafael pintó su famoso fresco. La escuela de atenas . Era el segundo de la habitación. pintura mural se completará, después de La Disputa , en la pared opuesta, y es considerado como uno de los ejemplos más claros y elegantes del estilo del Alto Renacimiento. En este trabajo, como Leonardo antes que él, Rafael crea un equilibrio entre el movimiento de las figuras y el orden y la estabilidad del espacio pictórico. Él pobló la composición con numerosas figuras en una variedad diversa de poses, pero manipuló estas poses para finalmente dirigir la mirada del espectador al par central de Platón y Aristóteles, a quienes hizo el punto convergente de su sistema de perspectiva lineal . Un ejemplo magistral de la técnica pictórica del Alto Renacimiento. Ver también su maravillosamente armonioso Madonna Sixtina (1513-14, Gemaldegalerie Alte Meister Dresden).

El estilo de Rafael siguió influyendo en generaciones de artistas en Roma y en otros lugares. Ver, por ejemplo, el trabajo de Carlo Maratta (1625-1713), el artista católico líder después de Bernini.

Miguel Ángel (1475-1564)

Mientras Rafael, de 26 años, estaba pintando frescos en los apartamentos del Vaticano, Michelangelo Buonarroti, de 33 años, decoraba (contra su voluntad) el techo de la Capilla Sixtina (1508-12) con su Génesis fresco . Aunque entrenado en pintura al fresco por Domenico Ghirlandaio – e influenciado por otros como Luca Signorelli – y a pesar de haber pintado varios paneles de alta calidad (por ejemplo, Tondo Doni , 1504-06), Miguel Ángel realmente se vio a sí mismo como un escultor. De hecho, comenzó a pintar su fresco de Génesis en colaboración con varios otros Artistas del alto renacimiento a quien conocía del taller de Ghirlandaio, pero pronto los despidió y pintó todo el techo solo. Durante los siguientes cuatro años (1508-12), decoró unos 1, 000 metros cuadrados de techo con una masa hirviente de figuras de colores brillantes, que ilustran escenas del libro bíblico del Génesis, así como otras del Antiguo Testamento y la mitología clásica. Uno de estos pinturas religiosas – titulado La creación de Adán. – en la cual la energía cinética de Dios Creador contrasta vívidamente con la forma flácida y sin vida de Adán – es considerada por muchos eruditos como la mayor obra pictórica del cristianismo. El techo Sixtino fue aclamado como una obra maestra en su propio tiempo, y su creador fue conocido en adelante como Miguel Ángel " Il divino ", el divino Miguel Ángel. Los contemporáneos hablaron de su asombroso poder (" terribilita ") y su genio divino. Estos tres artistas, Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, desempeñaron un papel fundamental en la elevación del estatus del pintor (y su disegno ) a un nuevo nivel, a la par de arquitectos y expertos similares. Así las cosas, sus enormes logros establecieron estándares que eran imposibles de superar, un factor que contribuyó a la aparición del estilo anticlásico de Manierismo (c.1530-1600).

Dispersión del Trío del Alto Renacimiento

Para 1513, el año de la muerte de Julio II y la adhesión del papa León X, los tres pintores más importantes del Alto Renacimiento italiano estaban ocupados con nuevos proyectos que los desviaban de sus caminos anteriores. Leonardo estaba en la corte francesa de Milán, donde se dedicó a refinar la Mona Lisa , escribiendo sus tratados y trabajando en tareas para el monarca francés. Mientras tanto, los clientes italianos se habían vuelto cautelosos con su curiosidad implacable, una cualidad de doble filo que resultó en que la mayoría de sus proyectos quedaran sin terminar. Miguel Ángel estaba esculpiendo la tumba de Julio II en Roma; en 1516 regresó a Florencia para completar una serie de trabajos escultóricos y arquitectónicos para el Familia Medici . En cuanto a Raphael, se estaba sobrecargando de tareas administrativas como arquitecto que supervisaba la construcción de la nueva Basílica de San Pedro. A medida que aumentaba su carga de trabajo, comenzó a depender cada vez más de Giulio Romano (c.1499-1546) y sus otros asistentes. Como resultado, solo un puñado de pinturas fueron completadas por su propia mano durante el período 1514-20. Una de ellas fue la gloriosa Madonna Sixtina (1513-14, Gemaldegalerie Alte Meister Dresden), seguramente una de sus mejores pinturas.

Nota: Gran parte del trabajo pionero en la atribución de pinturas durante la época del Alto Renacimiento, fue realizado por el historiador del arte. Bernard Berenson (1865-1959), quien vivió la mayor parte de su vida cerca de Florencia, y publicó una serie de obras muy influyentes en el Renacimiento italiano en Florencia y en otros lugares.

Tendencias manieristas (c.1512 en adelante)

Los frescos del Vaticano posteriores de Rafael en la Stanza d’Elidoro (1512-14) ya muestran tendencias manieristas; véase, por ejemplo, La expulsión de Heliodoro de los Templos y la Liberación de San Pedro . Una de sus últimas obras (sin terminar), La transfiguración (1518-20, Pinacoteca Apostólica, Vaticano, Roma) también muestra signos inconfundibles de expresionismo manierista. De hecho, algunos historiadores del arte creen que la tensión dramática contenida en las figuras de Rafael, aliada a su fuerte uso de claroscuro , anticipa Pintura barroca .

La muerte de Leonardo en 1519, seguida rápidamente por la de Raphael, de 37 años, en 1520, dejó a Il Divino Michelangelo como el único genio sobreviviente del Renacimiento italiano. Totalmente ocupado con los asuntos de los Medici hasta 1527, cuando la poderosa familia fue expulsada de Florencia, y nuevamente desde 1530 a 1534, no fue sino hasta 1534 que se estableció en Roma. Mientras tanto, el mundo del Alto Renacimiento en el que había madurado como artista había cambiado fuera de toda proporción. Roma había sido saqueada (1527) por las tropas del emperador Carlos V, que obligaron al Papa a abandonar el Vaticano y huir a Orvieto, y Florencia asedió. Además, los principios de la filosofía humanista del Alto Renacimiento habían sido superados por el surgimiento del protestantismo del norte y su choque con la militante Contrarreforma católica estaba en el horizonte. No es sorprendente que este colapso del idealismo del Alto Renacimiento se refleje en el contenido dramático, el movimiento giratorio y las formas distorsionadas de Miguel Ángel. Juicio Final fresco (1534-41) en la pared del altar de la Capilla Sixtina, ahora considerada como la mayor obra maestra de arte religioso del siglo 16. Tan pronto como se presentó el fresco en 1541, se convirtió en un modelo para artistas jóvenes. [En 1586, el pintor Armenini, recordó cómo, cuando era joven, cuando dibujaba en la Capilla Sixtina, escuchaba discusiones sobre detalles minuciosos del trabajo de Miguel Ángel. Se convirtió en una escuela de anatomía, el mejor lugar en Roma para estudiar desnudo masculino figura.] Después de capturar el estado de ánimo del momento con su atronador ’Dios del juicio final’, que parecía más preocupado por condenar a la raza humana que por dar la bienvenida al bendito al cielo, Miguel Ángel completó dos frescos finales para la capilla privada del Papa Pablo III de Farnese ( Cappella Paolina ) – La Conversión de San Pablo y la Crucifixión de San Pedro . Las cifras en estas obras son aún más manieristas que las del Juicio Final. Dadas sus dudas estéticas y espirituales, tal vez no sea sorprendente que, en sus últimos 20 años, Miguel Ángel haya abandonado en gran medida la pintura y la escultura para centrarse en arquitectura .

Altos ideales renacentistas fuera de Roma y Florencia

Los ideales o estética del Alto Renacimiento, como lo ilustran las composiciones de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, continuó evolucionando fuera de los dos centros principales de Roma y Florencia. En Parma, por ejemplo, Correggio (1489-1534) fue fuertemente influenciado por Andrea Mantegna (1430-1506) y los seguidores milaneses de Leonardo. Su Descanso en la huida a Egipto (Uffizi, Florencia) y la Virgen del cuenco (1525, Galería Nacional, Parma) se ejecutan claramente en el idioma del Alto Renacimiento. Aun así, Correggio es probablemente mejor conocido por sus frescos en el duomo de la Catedral de Parma (1524-30) y en la iglesia de San Giovanni Evangelista, que proporcionó un modelo perfecto para los ilusionistas. quadratura y otra trompe l’oeil dispositivos de la pintura barroca posterior, y para su última serie de pinturas sensuales de estilo manierista, como Júpiter y Io (1532-3, Museo de Historia del Arte de Viena, Viena). Ver Escuela de pintura de Parma , para más detalles.

Pintura veneciana del alto renacimiento

Durante el último quattrocento , la pintura en Venecia siguió un tipo de camino similar al del Renacimiento en Florencia , aunque con un toque veneciano. Las Madonnas de Giovanni Bellini de 1505-10, por ejemplo, son estilísticamente bastante similares a las pintadas por Raphael en Florencia aproximadamente al mismo tiempo. Su retablo de San Zaccaria (" Madonna entronizada con cuatro santos ") (1505) dota al tema de la sacra conversazione de un claro sabor del Alto Renacimiento. Giovanni Bellini (1430-1516) fue la fuerza dominante en Pintura veneciana en la década de 1490, y su estilo tuvo un gran impacto en pintores más jóvenes como Giorgione y Tiziano, así como Lorenzo Lotto (1480-1556). En cualquier caso, los pintores venecianos tradicionalmente atribuyen más importancia a la luminosidad del color (en parte como resultado de su experiencia con la pintura al óleo), así como a la expresividad compositiva, en contraste con el estilo clásico de pintura más enrarecido que se practica en Roma. Para obtener más información sobre el arte del retablo durante el Alto Renacimiento, consulte: Retablos venecianos (c.1500-1600); para retratos, ver: Retrato veneciano pintura (c.1400-1600). Ver también: Tiziano y pintura en color veneciano (c.1500-76). Ver también: Legado de la pintura veneciana sobre el arte europeo.

Giorgione (1477-1510)

Giorgione aprendió una gran cantidad de Bellini, pero luego superó con creces a su maestro para crear un tipo de letra pintura de paisaje eso solo se puede comparar con la poesía pastoral. En su corta carrera, este joven pintor innovador dio a sus contemporáneos una clase magistral sobre cómo explotar el medio de la pintura al óleo para crear la ilusión de texturas y luz en sus pinturas. Su primera obra, La Virgen y el Niño con los santos Francisco y Liperale ( c.1504 , Catedral de Castelfranco), toma prestada en gran medida de Bellini. Sin embargo, dentro de unos años, Giorgione se mudó de este estilo de pintura, a través del misterioso y premonitorio. Tempestad (c.1505, Galería de la Academia de Venecia ), a la lírica Venus durmiente (1510, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresden) y el soñador Concierto Pastoral (c.1510, Louvre). La última imagen mencionada revela el amor veneciano por la textura, ya que representa exactamente las texturas contrastantes de carne, tela, piedra, madera y follaje. La luz suave y difusa de Giorgione, junto con su paisaje apacible – colinas que se extienden en la distancia y se eliminan todos los contornos ásperos, crea un estado de ánimo perfectamente pastoral: una técnica que se convirtió en característica de la pintura veneciana del siglo XVI y una de gran importancia en la evolución de Arte barroco .

Tiziano (c.1488-1576)

El impacto de Giorgione en el arte veneciano fue inmediato, y en ninguno más que en Tiziano. Aunque no era estudiante de Giorgione, colaboró ​​con él en un proyecto y completó varias de sus pinturas. En su Amor Sagrado y Profano (1512-15, Galería Borghese, Roma), Tiziano se muestra capaz de rivalizar con Giorgione utilizando las propias técnicas de pintura de Giorgione. Si la influencia de Giorgione es particularmente evidente en las pinturas profanas de Tiziano, Bellini es visible en las pinturas religiosas, y continuó actuando como maestro y rival de Tiziano hasta su muerte en 1516, unos 6 años después de la desaparición de Giorgione, cuando el propio Tiziano emergió como La figura principal de la pintura veneciana.

El inspirador de Tiziano Asunción de la virgen (1516-18, S. Maria Gloriosa dei Frari, Venecia), lo estableció como el sucesor de Bellini. Reflejando el amor veneciano de color en pintura , su equilibrio y movimiento, a pesar de ciertos elementos manieristas obvios, es comparable con el de Raphael’s School of Athens , tanto en su concepción como en su grandeza. La Asunción , junto con el Amor Sagrado y Profano (1512-15), El Entierro de Cristo (1523-26, Louvre, París) y la Virgen de Pesaro (1519-26; Santa Maria dei Frari), ejemplifica la contribución de Tiziano al arte del Alto Renacimiento.. Una vez en sus 40 años, con la excepción de composiciones tranquilas ocasionales como Venus de Urbino (1538, Uffizi, Florencia) – Tiziano se alejó cada vez más del idioma del Alto Renacimiento.

El retrato de Tiziano era derivado pero notablemente veneciano. Su obra maestra Papa Pablo III con sus nietos (Cardenales Alessandro, Ottavio Farnese) (1546, Museo Capodimonte, Nápoles) – que deliberadamente rivaliza con el de Rafael Papa Leo X con cardenales (Giulio de ’Medici y Luigi de’ Rossi) (c.1518, Galería Palatina, Palacio Pitti, Florencia): muestra claramente que la pintura veneciana era igual a la tradición florentina-romana. Su Danae con Nursemaid (c.1553, Prado, Madrid) enfrenta el sensual color de la pintura veneciana contra la tradición escultórica de Miguel Ángel para que los historiadores posteriores lo juzguen.

Los últimos trabajos de Tiziano llevan el medio petrolero a nuevas alturas. Sus métodos pictóricos incluyeron: el uso completo de estudios preparatorios y dibujos para permitirle crear pinturas que parecen recién pintadas en el calor de la inspiración; el uso de manchas de color ligeramente yuxtapuestas; pintura aplicada libremente y sin apretar con el pincel y luego retocada con los dedos.

Dos trabajos tardíos en particular muestran el alcance del genio de Tiziano. El martirio de San Lorenzo (c.1548-50, Iglesia de los jesuitas, Venecia), pintado cuando el artista tenía 60 años, muestra todo el entusiasmo de la juventud. Observe el manierista escorzo y exageración, así como su manejo de la luz, que se utilizan para enfatizar el contenido dramático y emocional de la pintura. La misma intensidad de drama, luz y color se puede ver en Violación de Europa (c. 1559-62; Museo Isabella Stewart Gardner, Boston), un estilo que prefigura el trabajo de Rubens y el Barroco. La larga y magistral carrera de Tiziano tuvo un enorme impacto en Artistas manieristas en Venecia Los otros dos grandes pintores de la ciudad del siglo XVI, Paolo Veronese y Tintoretto , cada uno se centró en un aspecto diferente del estilo de pintura de Tiziano y lo desarrolló.

Colecciones

Frescos y pinturas al óleo del Alto Renacimiento se pueden ver en la mayoría de los mejores museos de arte en todo el mundo, especialmente el Galería de los Uffizi, Florencia ; los Museos Vaticanos en Roma y el Palacio Pitti Florencia