Escuela de Pintura de Moscú (c.1500-1700): iconos, murales Traductor traducir
Antes y después de la escuela de Moscú
Para estilos anteriores de Pintura medieval en Rusia, vea nuestro artículo sobre Novgorod School of Icon Painting (1100-1500). Para estilos de pintura posteriores del siglo XVII, ver: Arte petrino (1686-1725) en San Petersburgo, bajo el zar Pedro el Grande. Esto introdujo Pintura rusa (siglo XVIII) , dominado por murales religiosos y retratos. Después de esto, surgió la escuela moderna: por favor vea Pintura rusa (siglo XIX) .
Introducción
De Kiev, el hogar de Pintura medieval rusa, el centro de gravedad de Arte ruso se trasladó a Novgorod (así como a Yaroslavl, Vladimir-Suzdal, Pskov y Tver) antes de establecerse en Moscú. En el siglo XVI, el gran interés de los moscovitas en los asuntos mundanos aflojó los lazos que hasta ahora habían unido al pueblo y la iglesia rusos en una sola entidad. La religión seguía siendo la base de la vida moscovita, pero en adelante tanto la Corona como la gente tendían a reaccionar a los eventos de manera diferente a los clérigos, y aunque todo el tiempo permaneció inconsciente de la división, el efecto de la perspectiva más mundana del laico puede ser claramente percibido en la disminución de la intensidad religiosa de moscovita pintura de icono. La aparición en Moscú de un gran número de grabados religiosos occidentales también tuvo un impacto importante en los pintores de iconos, aumentando sus dudas sobre la necesidad de las severas limitaciones que la antigua tradición iconográfica impuso a sus Art º.
NOTA: Para los mejores pintores de iconos antes de la escuela de Moscú, ver: Teófanes el griego, Fundador de la escuela de Novgorodian; Andrei Rublev, destacado por el Icono de la Santísima Trinidad (c.1416); y otra Artistas medievales (1100-1400).
Pintura de icono de moscovita
Estas dudas llegaron a un punto crítico en el siglo XVI como resultado indirecto de un incendio que devastó Moscú en 1547. Destruyó tantos íconos de la capital que el zar se vio obligado a tomar prestados íconos de Novgorod, Smolensk, Dmitrov y Zvenigorod, y estaba ansioso por devolverlos a sus hogares lo antes posible, fortaleció las filas de los pintores de iconos de Moscú al pedir prestados también artistas de Novgorod y Pskov. Entre ellos, los pintores que empleó produjeron algunos paneles excelentes, y todo podría haber estado bien. con el futuro de la pintura de iconos, pero por la interferencia de un sacerdote intolerante, secretario del consejo del zar y él mismo no era un pintor malo, llamado Viscovati . Es tentador atribuir la intervención de Viscovati a los celos profesionales, agravada por una mente deformada y prejuiciosa, algo similar a la de John Knox, el predicador de la Reforma escocesa. Cualquiera sea su razón, Viscovati criticó los paneles de Arte cristiano producido por sus contemporáneos por motivos religiosos, alegando que se desviaban de la tradición iconográfica. Exigió que se convocara al segundo consejo de Stoglav para que se sentara con Silvestre, el clérigo favorito de Iván IV, para examinar los íconos desde un punto de vista ético. El cumplimiento de esta solicitud introdujo el control oficial, a diferencia del tradicional, sobre los pintores de iconos, a partir de ahora se esperaba que se adhirieran a las versiones autorizadas de escenas religiosas como están registradas en los manuales antiguos llamados " Podliniki " (versiones auténticas).
La irritación de Artistas rusos al tener que intercambiar deferencia a la opinión tradicional por la obediencia a la rígida legislación eclesiástica, se convirtió en molestia cuando descubrieron que los mismos clérigos que eran más minuciosos en hacer cumplir la adhesión al "Podliniki" no se opusieron al recién presentado arte del retrato (es decir,, no religioso pinturas de retratos conocido como Parsunas), y que incluso el patriarca Nikon , aunque se opuso amargamente al naturalismo occidental arte religioso y continuamente confiscó y quemó ejemplos de pintura religiosa occidental, sin embargo, más de una vez se sentó para su retrato.
El primer equivalente ruso de una Academia de Bellas Artes tomó la forma de talleres establecidos en el Palacio de Armas por Iván IV, apodado el Terrible (1533-1584). Las mejores pinturas, iluminaciones y trabajos en metal moscovita fueron creadas por los artistas empleados allí, muchos de los cuales se sintieron muy atraídos por el naturalismo occidental. Sin embargo, estos artistas lograron producir suficientes íconos de calidad durante la segunda mitad del siglo XVI y el primer cuarto del siglo XVII para constituir una escuela distintiva y altamente acreditable de pintura de íconos moscovitas.
Características de los iconos de moscovita
Estas pinturas de paneles – típicamente ejecutado en pintura al temple en lugar de los mayores encáustico pintura o aceites más modernos: son fácilmente reconocibles por la profusión de detalles en sus fondos extremadamente decorativos. La abundancia de características arquitectónicas es especialmente característica, así como el hecho de que estos edificios reproducen tendencias arquitectónicas contemporáneas en lugar de esquemas imaginarios. Por otro lado, las características no rusas como, por ejemplo, las montañas, se manejan de manera puramente decorativa en lugar de naturalista o tradicional. Los santos tienen las caras redondas de los moscovitas, pero los colores de sus túnicas, aunque agradables, no se pueden comparar con la magnífica vitalidad de los santos. color Los esquemas utilizados por la escuela de pintura de iconos de Novgorod , y tienden a ser aburridos y metálicos. En términos generales, la gama completa de colores de Moscú abarca desde rojos y amarillos hasta marrones, con sombras negras.
Taller Stroganov, Solvychegodsk
Fue a finales del siglo XVI cuando dos sobrinos del primer Stroganov que se estableció en Solvychegodsk decidieron establecer allí un taller de pintura de iconos. Ambos hermanos Stroganov eran talentosos pintores de iconos aficionados, y ambos eran hombres de muy buen gusto. Les correspondía proporcionar el incentivo que inspiró el gran éxito final en la pintura de iconos rusos. Los hermanos eran grandes admiradores de la pintura novgorodiana , y los artistas que emplearon probablemente derivaron su sentido del estilo y el color, su amor por los reflejos blancos y el elegante alargamiento de sus figuras de un estudio del trabajo de Novgorodian. La producción del taller pronto atrajo gran atención y admiración, ya que en su día no se produjeron iconos más finos en Rusia. Sin embargo, el conocimiento que los inspiró coloca a estos íconos en una clase propia, ya que aunque los pintores Stroganov abordaron sus tareas con un espíritu devoto, su sofisticación y su preocupación por los astéticos no dejaron espacio para el intenso fervor religioso que era tan esencial para el producción de un ícono verdaderamente fino como lo fue la mano de obra de primer nivel. La habilidad técnica es el principal atractivo de los iconos de Stroganov; Para ser apreciados tienen que ser examinados de cerca, como una miniatura persa. En su masa de pequeños detalles son similares a los medievales. manuscritos iluminados de Europa occidental, sin embargo, carecen de la franqueza de tales miniaturas, y tal vez puedan compararse más acertadamente con los detalles en el trabajo de los pintores prerrafaelitas.
Muratov fecha la producción del taller Stroganov en los años 1580 a 1620, porque considera que el estilo terminó con la muerte en 1621 de su máximo exponente, Procópius Chirin . Aunque Chirin es el maestro reconocido de la escuela, Nicephorus Savin no está muy lejos de él. El último icono de San Juan en el Desierto es una excelente pieza de pintura precisa. Un examen detallado de su elaborado fondo, que puede resistir la prueba de ampliación a cualquier tamaño, revela una escena tan fascinante como cualquiera creada por el pintor holandés Hieronymus Bosch.
El hermano de Savin, Nazarius, junto con su asistente Arafiev, fueron los primeros artistas de Stroganov en atraer la atención de Moscú por medio de la pinturas al fresco que produjeron en 1580 para la catedral de Solvychegodsk. Como resultado de esto, muchos de los artistas del taller fueron convocados a Moscú para trabajar para el zar, en particular Simon Borozdin , Ivan Sobelev , Mihailov , Emilyan Moskvitin y los hermanos Nicephorus y Nazarius Savin e Istom Savin , por nombrar solo algunos. Muchos de ellos fueron honrados con el título de "Pintores de íconos reales", uno generalmente conferido solo a los artistas del Palacio de Armas.
Patrocinio de los zares
Boris Godunov (1551-1605) apreciaba plenamente la calidad decorativa del trabajo de los artistas Stroganov, y en 1591 empleó a Nazarius Savin, Procopius Chirin y John Parseni para decorar su habitación y comedor en Kolomenskoe con escenas seculares. Es mucho lamentar que no sobreviva ningún registro de esta obra, ya que el arte ruso es, por lo tanto, más pobre por la pérdida de algunas de sus pinturas seculares más antiguas y probablemente más exitosas. Tanto Boris Godunov como su hijo Fedor eran grandes amantes de la imagen, valorándolos por motivos estéticos, y no solo por su contenido, y fueron ellos quienes organizaron que el Palacio de las Facetas fuera decorado por los pintores del Palacio de Armas. Nuevamente es mucho lamentar que estas pinturas también hayan perecido; todo lo que se sabe de ellos es que su tema variaba de lo bíblico a lo alegórico e incluía escenas de la historia rusa.
Además de patrocinar arte decorativa, tanto Boris como Fedor alentaron arte de retrato. Los retratos no eran de ninguna manera desconocidos para la Rusia medieval, ya que en las figuras de donantes del siglo XII aparecían ocasionalmente en los frescos de Novgorodian. En general, sin embargo, se los consideraba profanos, y aunque Sophia Paleologus le había enviado a su futuro esposo su imagen, Iván IV fue el primer zar en ser cautivado por el retrato. Sin embargo, satisfizo su interés por medios indirectos en lugar de por patrocinio, es decir, reuniendo a su alrededor los retratos de las diversas regalías europeas con las que jugaba con la idea de casarse, y se dejó a Godunov el primero. Patrocinador real de retratos en Moscú.
Con el segundo Romanov, el zar Alexis (1645-1676), el retrato se hizo habitual, pero los pintores rusos no pudieron liberarse de la vieja tradición, y sus representaciones de semejanzas todavía saboreaban fuertemente lo iconográfico. Un deseo por completo naturalismo Sin embargo, estaba creciendo y, como resultado, hacia mediados del siglo XVII, varios extranjeros se inscribieron en los estudios del Palacio de Armas. El más distinguido entre estos fue el talentoso alemán Hans Detterson , que entrenó a los dos pintores rusos más destacados de la época, Abramov y Stepanov . También se empleó a un charlatán polaco, que logró engañar a Moscú por un tiempo. Los jóvenes prometedores, Ivan Bezmin y Ermolin , tuvieron la mala suerte de ser aprendices de él. El holandés, Daniel Vuchters, Hans Waiter de Hamburgo, el artista decorativo, Peter Engels, el pintor de perspectiva sueco, Gul, y GE Grube de Hamburgo, fueron los occidentales más notables que enseñaron en Moscú entre los años 1667 y 1694. Simultáneamente el Palacio de los talleres de armas mantuvieron contacto con Arte bizantino al emplear como maestros a un árabe renegado que se hacía llamar Sasha Yakovlev, un armenio llamado Saltanov y dos griegos, conocidos por los nombres de Yuriev y Salomoriov.
Simon Ushakov y el naturalismo en la pintura rusa
Pero ninguno de estos maestros ejerció algo como la misma influencia que los grabados que se filtraban en Moscú desde Europa occidental. El más importante de estos apareció en la Biblia de Piscator , publicada en Amsterdam en 1650, fue ilustrada por casi trescientos xilografías copiado por Piscator, alias Jan Visscher , de las obras de artistas occidentales. Los grabados en madera revelaron un nuevo mundo a los moscovitas, revelando todo el poder de la pintura naturalista, y su influencia es evidente en el trabajo de más de un pintor.
Simon Ushakov (1626-1686) fue el más destacado de los pintores afectados. Obviamente estaba fascinado por Western pinturas religiosas, porque tuvo la tentación de intentar producir ilustraciones naturalistas de las Escrituras. Sus logros en esta esfera fueron completamente exitosos; Si fueran más conocidos, Ushakov estaría entre los grandes dibujantes de Europa. Su fino grabado en madera que representa los Siete Pecados Capitales del Hombre está lleno del vigor y la convicción que lamentablemente faltan en sus íconos. Sin embargo, Ushakov es conocido principalmente por sus íconos, que siempre han sido muy admirados en Rusia. De hecho, sus contemporáneos tenían un respeto tan alto por su genio que Ushakov tuvo el honor de ser nombrado "pintor de la corte" a la edad inusualmente temprana de veintiún años. Desafortunadamente, esto significaba que tenía que dedicar mucho tiempo a la pintura de iconos. Su icono de la Virgen de Vladimir (1652); su Cristo (1657) y su Anunciación (1659), aunque se clasifican como sus mejores íconos, se ven empañados por el humanismo y el sentimentalismo excesivos, y sugieren que Ushakov estaba demasiado preocupado por el naturalismo para poder dedicarse de corazón y alma a la pintura de iconos. Aunque sus paneles son estrictamente iconográficos, demuestran que Ushakov ha sido un pintor de compromiso, y esta misma capacidad de compromiso dio como resultado que sus iconos sirvieran como modelos de perfección desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVII. decimonoveno.
La primera pieza sobreviviente de escritura rusa sobre estética indica que las deficiencias de Ushakov como pintor de iconos no fueron causadas por incompetencia o falta de sinceridad, sino que se debieron a su simpatía por el naturalismo occidental. Este importante documento fue escrito por un pintor de iconos llamado Joseph, y él lo dedicó a Ushakov en memoria de sus muchas charlas sobre asuntos de arte. Joseph escribió como un apasionado defensor del arte religioso occidental, atacando al clero retrógrado por matar la inspiración de artistas creativos y alentando a los piratas informáticos. "¿Te acostarías", les preguntó con vehemencia, "que solo a los rusos se les permita pintar cuadros religiosos y que el ícono ruso esté solo para ser venerado, mientras que los occidentales sean rechazados y nunca utilizados para el culto? Las tierras no solo representan a Cristo y a la Virgen de manera realista, sino que sus rasgos se reproducen hábilmente en hojas de papel, y cada vez que los pintores de iconos vemos imágenes impresas o hábilmente pintadas de Cristo o de la Virgen, ya sea en posesión de extranjeros o de nuestros gente propia, nuestros ojos están llenos de un amor y una felicidad excesivos, ni nos sentimos celosos, ni vilipendiamos a los extranjeros porque los vemos en posesión de imágenes religiosas bien pintadas. Por el contrario, estimamos estos objetos bendecidos por encima de todos los bienes mundanos., y con amor los compramos o los suplicamos como regalos de valor inestimable, y recibimos la imagen de Cristo con veneración, y la besamos con amor. De ahí viene que somos ahora instruido para representar todos los rostros santos como morenos y sombríos? ¿Es que la raza humana está moldeada en un solo molde? ¿Todos los santos se veían oscuros y demacrados? "Joseph procedió a pedir permiso para representar a los santos como físicamente hermosos, y recordó a los clérigos que Dios se refirió a" lo bueno como lo justo y lo bello, lo malo como lo oscuro, lo sangriento y demacrado ", y recordó que cuando Moisés descendió del Sinaí después de escuchar las palabras de Dios "nadie podía mirarlo, tal era el resplandor de su semblante".
Aunque no sabemos cómo reaccionó Ushakov a esta apelación, sus magníficos grabados en madera muestran que simpatizaba con muchos de los puntos de vista de Joseph, y hay sugerencias de que agradeció cualquier oportunidad de trabajar en cualquier cosa que no sean íconos. Parece haber pasado gran parte de su tiempo diseñando vasijas de iglesia de oro y esmalte en los talleres de metal del Palacio de Armas, y también es conocido por haber decorado armas de fuego y dibujar mapas y planos. Ciertos contemporáneos se refieren a sus pinturas en papel, pero no dan información sobre sus temas o estilo, por lo que la reputación de Ushakov como artista se basa hoy en sus paneles, frescos y grabados en madera.
Pinturas murales de la iglesia: Yaroslavl y Kostroma
Las catedrales e iglesias de Moscú estaban decoradas suntuosamente con pinturas murales ejecutadas por sus pintores de iconos líderes en un estilo tan parecido a sus iconos que no es necesario examinarlos de cerca en una encuesta general. Sin embargo, se debe llamar la atención a un gran grupo de pinturas murales curiosas y atractivas producidas entre los años 1670 y 1695 en los centros provinciales de Yaroslavl y Kostroma. Las vastas iglesias de estos distritos, como por ejemplo la iglesia de Tolchkovo (1694) o de Romanov Borisoglebsk (1692), estaban completamente cubiertas de pinturas murales. Las iglesias eran tan numerosas y tan grandes que la mayoría de los pintura mural fue apresurado, y el resultado es a menudo áspero y sin pulir, pero al mismo tiempo es tan individual y tan atractivo que estos murales de murale no se pueden descartar como inútiles. Lo mejor del estilo de Moscú pintura se combina con las nuevas concepciones evocadas por los grabados en madera de Piscator, y este resultado está dominado por la excelente sensación de color y decoración y el sentido innato de espacio y presentación tan característico del trabajo de Yaroslavl, que se ve igual en los juguetes, bordados, cerámica y pintura producida en ese centro. Al igual que los íconos moscovitas anteriores, estas pinturas murales abundan en elaborados fondos arquitectónicos con edificios en el estilo moscovita. Los santos tienen caras redondas, centro-rusas, y sus túnicas y los fondos son de colores brillantes y alegres.
El espacio de la pared que las pinturas tenían que cubrir era tan vasto que varias escenas iconográficas nuevas tuvieron que evolucionar para proporcionar a los pintores el tema necesario. El hecho de que muchas de las nuevas escenas fueron tomadas de la Biblia de Piscator es un indicación del interés que Rusia en su conjunto, las provincias no menos que Moscú, tuvo en ambos Pintura del renacimiento temprano (c.1400-1490) y Pintura del alto renacimiento (c.1490-1530). Pero aunque los pintores de Yaroslavl y Kostroma extrajeron su material de Piscator, nunca se les ocurrió reproducir sus xilografías en su forma original, ya que ninguno de ellos era un copista servil. Todos transpusieron automáticamente las escenas de Piscator en composiciones esencialmente rusas pintadas en un estilo que revela un parentesco sorprendente con los diseños producidos hoy en los talleres de papel maché Palekh patrocinados por el Gobierno soviético. Si hubiera espacio disponible, sería interesante discutir esta inesperada semejanza entre las interpretaciones bizantinas del siglo XVII del arte religioso occidental y las escenas seculares del siglo XX producidas por la última comunidad sobreviviente de pintores de iconos hereditarios. Sin embargo, todo lo que podemos hacer aquí es llamar la atención sobre el parecido. Es, por ejemplo, claramente evidente en una pintura mural de 1691 de David luchando contra el oso en la iglesia de San Juan el precursor en Yaroslavl, que se deriva de la interpretación de Piscator de un aguafuerte por Bonse, fechada en 1608. La similitud está aún más marcada en una escena de la vida de Eliseo fechada en 1681 en la iglesia del profeta Elijah en Yaroslavl. El grabado en madera de Piscator, fechado en 1640, se basó en la vida de Eliseo de Martin de Foss. La versión de Yaroslavl difiere notablemente de la de Piscator, pero su agrupación y coloración, especialmente la yuxtaposición del maíz amarillo brillante, el cielo intensamente azul y las blusas rosadas y rojas brillantes de los segadores, podrían haber sido producidas por un artista moderno Palekh que ilustra a Pushkin.
Sin embargo, a pesar de todo su encanto e interés, estas pinturas murales están tan lejos del arte inspirado como los delicados, logrados y sofisticados íconos de Stroganov y los paneles decorativos sobresalientes ejecutados en los talleres del Palacio de Armas. Debemos concluir que aunque Moscú produjo una clase de amantes del arte cuyos altos estándares críticos y poderes de apreciación rápida desempeñaron su papel en el desarrollo sorprendentemente rápido del arte occidentalizado del siglo XVIII de Rusia, ella era psicológicamente desigual para inspirar obras de la misma alta calidad. como Novgorod
Las pinturas que reflejan el estilo de la escuela de Moscú de los siglos XVI / XVII se pueden ver en algunas de las mejores museos de arte en Rusia, especialmente el Museo de Arte de Novgorod y el Galería Tretyakov Moscú
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