Pinturas de figuras neoclásicas de Picasso:
naturalismo clásico Traductor traducir

Para una guía general de la evolución de la pintura,
ver: Historia del Arte (2.5 millones de BCE-presente).

El neoclasicismo de Picasso

En 1914, a la altura de cubismo sintético, su co-inventor Pablo Picasso Comenzó una vez más a dibujar y pintar de forma naturalista. Tres años después, cuando trabajaba para Diaghilev En el ballet "Parade", el número de estas obras naturalistas aumentó. Este fue, sin embargo, el segundo período "clásico" de Picasso, ya que el período de Rose de 1905-6 fue, en muchos aspectos, una primera carrera. De hecho, la peculiar evolución de Picasso clasicismo sirve como recordatorio de que el "llamado al orden" de la guerra y la posguerra no fue un fenómeno nuevo, producido por la guerra, sino un resurgimiento dentro de la vanguardia de un movimiento clasicista que había sido dominante a principios de siglo, y cuyos orígenes se remontan a la llamada al orden postimpresionista de la década de 1880. Visto desde esta perspectiva, Picasso’s Cubismo podría verse como una especie de interrupción temporal dentro de la continuidad de su clasicismo. Menos perversamente, podría verse como otra forma de clasicismo: una forma revolucionaria, "abstracta" de clasicismo. Esta fue, en efecto, la línea tomada por aquellos críticos y artistas, como los puristas, que querían llevar el sistema y el orden al cubismo al referirse nuevamente a las ’constantes’ de Arte griego y sus seguidores romanos. Para más información, consulte: Renacimiento clásico en el arte moderno (c.1900-30).

Entrenamiento Académico Clásico

Picasso tuvo una formación exhaustiva en arte académico a muy temprana edad. Su primer maestro fue su padre, él mismo pintor, pero en 1892 Picasso se matriculó en la escuela de arte de La Coruña, donde la familia se había mudado el año anterior. Para 1894 estaba ejecutando dibujos académicos realizados con moldes antiguos, y cuando su padre aceptó un puesto de profesor en la escuela de arte La Llotja en Barcelona al año siguiente, no tuvo dificultades para obtener la admisión a las clases avanzadas. ’Ciencia y caridad’ (1897, Museu Picasso, Barcelona) fue un ensayo precoz en la narrativa moral académica, y ganó honores oficiales cuando se exhibió en Madrid y Málaga. Después de un breve período en la Real Academia de San Fernando en Madrid, Picasso abandonó sus estudios, y en la primavera de 1899, de regreso en Barcelona, ​​se había convertido en un habitual en el café bohemio y el centro de arte Els Quatre Gats, y fue pintura y dibujo en el estilo abstracto y simbolista de artistas modernistas catalanes como Santiago Rusinol y Ramon Casas. Allí conoció al crítico y filósofo Eugeni d’Ors, futuro teórico del novecentismo catalán y, entre muchos otros, Julio González y Manolo. A través de estos contactos, Picasso se familiarizó con el parisino. arte Moderno, y su trabajo comenzó a parecerse al de Toulouse-Lautrec, Forain y Steinlen.

De blues a temas de arlequín y saltimbanque

En octubre de 1900, Picasso hizo su primer viaje a París. Tuvo una exposición debut al año siguiente en la galería de Ambroise Vollard, y conoció al poeta y crítico Max Jacob, quien se convirtió en un amigo de toda la vida. En Barcelona, ​​en 1902, se confirmó la tonalidad azul dominante de sus lienzos recientes, y los sujetos parisinos de la vida nocturna cedieron a escenas trágicas de mendigos y prostitutas. En la primavera de 1904, Picasso dejó Barcelona y se instaló en un edificio en ruinas en Montmartre, apodado Bateau-Lavoir, donde había una floreciente comunidad de artistas. A partir de este momento, regresó a España relativamente raramente, y aunque continuó mezclándose con el gran grupo de españoles expatriados en París, también se hizo amigo cercano de Apollinaire, Andre Salmon y Maurice Raynal. Hizo frecuentes visitas al cercano Cirque Medrano, y gradualmente la tonalidad azul de su trabajo dio paso a un rosa predominante, y los temas Arlequín y Saltimbanque comenzaron a dominar su repertorio. Simultáneamente, el carácter ’gótico’ de su período azul dio paso a un estilo derivado del arte clásico, un cambio que se debió en gran medida a sus contactos con Apollinaire y con Jean Moreas, fundador de la Ecole Romane, que se dedicó al renacimiento de la época. arte de la antiguedad clasica.

Desnudos clásicos

Hacia finales de 1905, una nueva objetividad entró en la obra de Picasso, desplazando el sentimentalismo de sus pinturas de Saltimbanque. Este desarrollo fue alentado por el JADIngres exposición retrospectiva celebrada en el famoso 1905 Salon d’Automne y por el trabajo neoclásico de artistas emergentes como Aristide Maillol (1861-1944). Durante 1906, especialmente durante su estancia de cuatro meses en el pueblo de Gosol, en los Pirineos, se confirmó esta tendencia clásica en el trabajo de Picasso. Sus pinturas adquirieron una tonalidad terracota y gris, las formas fueron tratadas más volumétricamente y las referencias a la clásica. Escultura griega, a Ingres, y ahora también a Cezanne, aumentó. (Ver por ejemplo Dos desnudos , 1906, Museo de Arte Moderno, Nueva York.) Su tema se simplificó al centrarse en temas tradicionales y atemporales derivados de la antigüedad, como desnudos masculinos con caballos y mujeres peinándose. Después de su regreso a París en otoño, sus pinturas de desnudos femeninos adquirió una forma más monumental y más primitiva: la influencia de las esculturas arcaicas ibéricas que había visto en una exposición en el Louvre ahora se reflejaba en el tratamiento estilizado de los rostros, y se mezcló con una influencia más pronunciada de las pinturas de figuras tardías de Cezanne (1839-1906), y las pinturas y esculturas tahitianas de Gauguin (1848-1903). Todas estas fuentes, junto con elementos de Arte africano y Arte oceánico, unido en lo extraordinario Les Demoiselles d’Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Este enorme lienzo, que ocupó a Picasso durante muchos meses durante 1907, fue revolucionario en el grado de abstracción informal, pero sin embargo se refirió a las tradiciones académicas de retratar al desnudo. En un sentido real, fue su respuesta al llamado a un clasicismo renovado y anti-académico en el arte, aunque su carácter expresionista, ’dionisíaco’ indica claramente el rechazo de Picasso de la ecuación generalmente aceptada de clasicismo con serenidad ’apolínea’. Ver, por ejemplo, su posterior trabajo neoclásico sobre el tema dionisíaco: Dos mujeres corriendo en la playa (la carrera) (1922) Musee Picasso, París.

Influencia de Braque

Georges Braque (1882-1963) habían sido llevados al estudio de Picasso a fines de 1907. Durante el año siguiente, los dos hombres se vieron mucho, y la asimilación de Braque de los aspectos conceptuales del trabajo de Cezanne afectó a Picasso, quien redujo la confrontación y la dramática tono de las pinturas ’negras’ que siguieron a Les Demoiselles d’Avignon. Pinturas como Tres mujeres (Museo del Hermitage, Leningrado), completadas después de una considerable revisión en el invierno de 1908-9, muestran la influencia de las recientes pinturas de paisajes geométricos de Braque. Fuera de su colaboración en los próximos cinco años. Cubismo analítico surgido Poco a poco, Picasso fue reconocido como un líder parisino arte de vanguardia : aunque, como Braque, nunca expuso en los salones anuales en París, mostró sus recientes lienzos cubistas en la Galerie Notre-Dame-des-Champs en mayo de 1910. Y, gracias a la red de contactos internacionales de Daniel Kahnweiler, distribuidor de Picasso y Braque, sus pinturas analistas cubistas se incluyeron en muchas exposiciones importantes en el extranjero. Así, la influencia del estilo se extendió rápidamente. En 1912 Picasso hizo su primer collages, o construcciones, y, en respuesta a la iniciativa de Braque, sus primeros papiers colles. Estos nuevos métodos, que marcaron el comienzo de la fase "sintética" del cubismo, dieron como resultado un alejamiento de la abstracción y el misterio de sus recientes trabajos "herméticos" hacia una mayor legibilidad y claridad formal.

Naturalismo clásico

Cuando se declaró la guerra en agosto de 1914, Picasso estaba en Aviñón. Durante su estadía de cinco meses allí, su trabajo se volvió extremadamente variado en estilo: produjo pinturas cubistas sintéticas ricamente decorativas, dibujos que en retrospectiva parecen anticipar sus obras surrealistas de finales de los años 1920 y 1930, y algunos dibujos naturalistas exquisitos en un estilo relacionado con el de Ingres. El pintor y su modelo (1914, Musee Picasso, París) fue profético del clasicismo de su arte en los próximos años. Dos años más tarde, acordó colaborar con su nuevo amigo el poeta y crítico Jean Cocteau en Parade, un ballet experimental con música de Erik Satie, que Cocteau había ideado para Diaghilev. En febrero de 1917, Picasso acompañó a Cocteau a Roma, para encontrarse con el Ballets Russes y para trabajar en sus diseños. Permaneció en Italia durante dos meses, visitando algunos de los principales museos e iglesias y yendo a Florencia, Nápoles y Pompeya. Este fue su primer viaje a Italia, y contribuyó significativamente al resurgimiento del clasicismo en su trabajo. Aunque los decorados para Parade y sus trajes para los Gerentes eran de estilo cubista, la enorme cortina desplegable, que representaba a los artistas detrás del escenario, tenía un estilo "barroco". naturalismo juguetonamente derivado del arte que había visto en Roma y Nápoles. También recordó a distancia las pinturas de Arlequín y Saltimbanque de 1905. La primera presentación del ballet en el Teatro du Chatelet de París en mayo de 1917 provocó escándalo y controversia, y alertó a los críticos y artistas sobre los cambios en el trabajo de Picasso.

En Roma, Picasso conoció a Olga Koklova, una bailarina de la compañía de Diaghilev, y en junio la siguió a España, donde actuaban los Ballets Rusos. Permanecieron en Barcelona hasta noviembre, y Picasso vio a muchos de sus viejos amigos catalanes. La estética clasicista del novecentismo catalán ayudó a confirmar las nuevas tendencias en su arte. También lo hicieron sus contactos con el mundo del ballet y su entorno de alta sociedad, ya que diseñó otros ballets para Diaghilev en los próximos años. En julio de 1918, Picasso y Olga se casaron y pasaron su luna de miel en Biarritz, donde realizó muchos elegantes retratos de estilo Ingres. A partir de este momento, usualmente pasaba el verano en el sur de Francia, alegando que en este ambiente mediterráneo los temas mitológicos le resultaban naturales. En su luna de miel, Picasso se encontró Paul Rosenberg, quien se convirtió en su distribuidor, encontró un apartamento para él y Olga al lado de su galería en la rue La Boetie, y organizó exposiciones periódicas de su último trabajo en los próximos años.

Imágenes de madre e hijo

En febrero de 1921, Olga dio a luz a un hijo, y numerosas imágenes de madre e hijo, en una gran variedad de estilos clásicos, ocuparon a Picasso durante los dos años siguientes. (Ver: Bañista grande , 1921, Musee de l’Orangerie, París.) La familia pasó el verano de 1921 en una villa en Fontainebleau, y allí Picasso pintó varias pinturas neoclásicas monumentales inspiradas en parte en el Pinturas renacentistas en el palacio Al mismo tiempo, sin embargo, completó dos grandes y deslumbrantes lienzos cubistas sintéticos que representan a tres músicos (Museo de Arte Moderno, Nueva York y Museo de Arte de Filadelfia). Su habilidad para trabajar simultáneamente en estos dos modos aparentemente antitéticos causó mucha controversia, y en una entrevista dada a Marius de Zayas, Picasso comentó con cierto detalle la relación en su trabajo entre el estado de ánimo y el tema, y ​​la elección del estilo:

Las diversas maneras que he usado en mi arte no deben considerarse como una evolución, o como pasos hacia un ideal desconocido de la pintura. Todo lo que hice fue para el presente y con la esperanza de que siempre permanezca en el presente. No creo que haya usado elementos radicalmente diferentes en las diferentes maneras que he usado en la pintura. Si los temas que he querido expresar han sugerido diferentes formas de expresión, nunca he dudado en adoptarlos. Esto no implica evolución ni progreso, sino una adaptación de la idea que uno quiere expresar y los medios para expresarla. (Cita de "Picasso habla", The Arts, Nueva York, mayo de 1923.)

NOTA: el compañero cubista de Picasso Fernand Leger (1881-1955) también participó en la clásica "Llamada al orden", con imágenes como: El mecánico (1920, Galería Nacional de Canadá, Ottowa); Tres mujeres (Le Grand Dejeuner) (1921, MOMA, NY); Desnudos contra un fondo rojo (1923, Kunstmuseum, Basilea); y su posterior Dos Hermanas (1935, Gemaldegalerie SMPK, Berlín). Ver también los motivos clásicos y las imágenes utilizadas por Giorgio de Chirico (1888-1978), en obras como: La incertidumbre del poeta (1913, Tate Collection, Londres), La cancion de amor (1914, Museo de Arte Moderno de Nueva York) y El misterio y la melancolía de una calle (1914, Colección privada).

Impacto del surrealismo

El año de esta entrevista, 1923, fue también el año en que la amistad de Picasso con el poeta y teórico surrealista Andre Breton se acercó, y en diciembre de 1924 Picasso fue representado en el primer número de La Revolution Surrealiste con una construcción de chapa. Aunque no se unió oficialmente al Surrealismo movimiento, su trabajo fue incluido en las exposiciones y revistas de los surrealistas, y desde mediados de la década de 1920 mostró muchos signos de su simpatía por sus preocupaciones fundamentales. Su tema no cambió radicalmente como consecuencia de esta nueva lealtad, pero las distorsiones violentas y expresivas a las que sometió el cuerpo humano fueron ilimitadamente inventivas, y las alusiones metafóricas y los símbolos privados le dieron a su obra un carácter poético, imaginativo y onírico.. Three Dancers of 1925 (Tate Collection, Londres), de estilo descarado, deliberadamente feo e inquietante, estilo collage, registra dramáticamente la nueva orientación, ya que el tema y la composición, derivados directamente del motivo tradicional de las ’Tres gracias’, habían sido explorados en muchos de sus primeros dibujos clásicos elegantes de bailarines.

A pesar de las apariencias, sin embargo, los lazos con la tradición clásica se mantuvieron firmes a fines de los años 1920 y 1930, cuando Picasso estaba en contacto más cercano con Artistas surrealistas : muchas de sus figuras más grotescamente distorsionadas adoptaron posturas clásicas, y en el uso del modelado de líneas y tonales, utilizó técnicas académicas. Además, algunos de sus dibujos contemporáneos fueron ejecutados en un estilo puro y lineal derivado de la pintura de Cerámica griega, porque fue principalmente en su obra gráfica que se expresó su absorción en la idea del mundo clásico y en la mitología clásica. Parece, de hecho, que en lugar de desalentar este diálogo con el clasicismo, la obsesión de los surrealistas con el mito y la creación de mitos estimuló el concepto cada vez más mítico de Picasso de la relación entre el artista y su mundo, y su identificación especial con el legendario Minotauro. Estas preocupaciones se expresaron en el grabados hizo para ilustrar una nueva edición de las Metamorfosis de Ovidio (publicada por Albert Skira en 1931), y llegó al clímax en el gran conjunto de grabados, ejecutados en 1933-4, sobre el tema del estudio del escultor y los amores del Minotauro, que se convirtió en parte de la famosa ’Suite Vollard’. En 1930, Picasso había comprado el Chateau de Boisgeloup, al noroeste de París, y allí pudo instalar grandes estudios de escultura. Los bustos y desnudos que creó a principios de la década de 1933 varían mucho en su grado de naturalismo, pero en todos ellos persiguió su exploración de las muchas ’voces’ de la tradición clásica, sin embargo, en ningún momento estuvo tentado a trabajar en una manera neoclásica directa.

El enfoque inventivo de Picasso al clasicismo

Desde el final de la Primera Guerra Mundial, Picasso había sido objeto de muchos estudios críticos. (La primera monografía sustancial, de su viejo amigo Maurice Raynal, se publicó en Munich en 1921 y en París al año siguiente). Su consagración como gran maestro viviente se produjo en 1932 con la gran exposición retrospectiva celebrada en París en las Galerías Georges Petit, que luego viajó a Kunsthaus en Zurich. En el mismo año se publicó el primer volumen de la razón de ser de Christian Zervos de las pinturas y dibujos, y en 1933 Bernard Geiser produjo una razón de catálogo de los grabados y litografías. En 1936, al estallar la Guerra Civil española, Picasso fue elegido director de la Museo del prado en Madrid. Su oposición a Franco se expresó directamente en el conjunto de grabados satíricos, "El sueño y la mentira de Franco", y en términos metafóricos en el gran mural, titulado Guernica , que pintó para el pabellón republicano español en la Exposición Internacional de 1937. En Guernica (Prado, Madrid), como en muchas de sus otras obras más importantes de los años de entreguerras, el enfoque típicamente libre e inventivo de Picasso al clásico la tradición encuentra expresión una vez más porque aunque el estilo es esencialmente el del cubismo sintético, las imágenes, la composición e incluso el dibujo hacen uso de una variedad de fuentes clásicas, incluidas las pinturas de La masacre de los inocentes de Guido Reni (1575-1642) y Nicolas Poussin (1594-1665). La tradición clásica seguía siendo para él un estímulo y un recurso; pero su inmersión en él nunca implicó una imitación acrítica, y sus propios poderes de creatividad nunca fueron paralizados por el peso de su autoridad.