Arte renacentista holandés Traductor traducir

En las artes visuales, el término «Renacimiento holandés» se refiere al rápido desarrollo de las artes visuales en Flandes y Holanda en los siglos XV y XVI. Los artistas (y mecenas) holandeses tendían a ser más realistas que sus homólogos italianos. Les interesaba menos la antigüedad clásica, la estética, la teoría de la perspectiva, pintaban lo que veían y se concentraban en dominar la técnica de la pintura al óleo .

Hasta aproximadamente 1530, la Iglesia mantuvo su papel de principal mecenas de las artes. En consecuencia , el arte cristiano siguió siendo la principal forma de pintura y escultura. Posteriormente, las contradicciones religiosas entre el sur de Europa (mayoritariamente católico) y el norte (mayoritariamente protestante), expresadas en la división entre protestantes holandeses y católicos flamencos, provocaron diferencias significativas entre el arte renacentista italiano y el neerlandés.

Véase también: Arte renacentista alemán (1430-1580)

En general, la Iglesia protestante no estaba interesada en encargar retablos y otras obras de arte religioso . Por ello, los artistas se vieron obligados a utilizar sus habilidades con el dibujo y el óleo para satisfacer las demandas cívicas y culturales de la creciente burguesía. El arte del retrato, los interiores y la pintura de género tomaron ahora la delantera, dando lugar a una edad de oro del realismo holandés en el siglo XVII. Pero en 1430 las cosas eran muy distintas.

Por regla general, los grandes artistas de un país aparecen en la culminación de un largo desarrollo, pero en los Países Bajos fue al revés. Los Van Eyck, los fundadores de la pintura neerlandesa primitiva, fueron también sus más grandes maestros, y durante doscientos años después de ellos, hasta la aparición de Rubens, la historia de esa escuela casi no tiene culminación. Casi. Sobre los cuadros más importantes, véase: Los grandes cuadros del Renacimiento .

Los orígenes del Renacimiento holandés

El arte que existía en los Países Bajos antes de los Van Eyck pertenece al llamado «Gótico internacional», que se originó en Francia y se extendió hacia el sur hasta Italia y hacia el norte hasta las ciudades del Rin y los Países Bajos. Es un ejemplo del nuevo naturalismo y humanismo que se manifiesta en iluminaciones del Gótico internacional como «el Magnífico centinela del duque de Berry» de los hermanos Limburgo, un trío que trabajaba hacia finales del siglo XIV para el duque de Berry. El propio Hubert van Eyck (c. 1365-1425) fue iluminador, pues parte de los relojes de Milán-Turín ejecutados para Juan de Baviera en 1417 se le atribuyen hoy unánimemente. Toda la técnica de Eike es iluminación a gran escala, pero, debido a la escala y al medio al óleo, de una perfección y un brillo sin precedentes. (Nota: Sobre los pigmentos utilizados en la pintura renacentista neerlandesa, véase: Paleta de colores renacentista .)

Hubert y Jan van Eyck

La obra maestra de Hubert y Jan van Eyck es el gran Retablo de Gante que representa la Adoración de los corderos, en la catedral de San Bavón. Este políptico, compuesto por numerosos paneles pequeños, es evidentemente obra de hombres formados como miniaturistas e incapaces de enfrentarse al problema de llenar un gran espacio. Es obra conjunta de dos hermanos.

De Hubert, figura más oscura que la de Jan, además de las miniaturas Milanese-Turin, se conservan dos alas de un retablo en San Petersburgo y «Tres signos en el Santo Sepulcro», actualmente en la colección van Beuningen de Holanda. El autor de Jan van Eyck (c. 1390-1441) proporciona una impresionante lista de obras firmadas y fechadas, de las cuales la más significativa es probablemente «Retrato de Arnolfini» (1434, National Gallery, Londres).

En un país donde el retablo era un género habitual, el tema profano «Retrato de Arnolfini» y el carácter privado del cuadro se atribuyen a la nacionalidad de los clientes. Giovanni Arnolfini era un hombre de negocios y banquero italiano extremadamente rico que dirigía la rama de Brujas de su empresa familiar. El valor de la personalidad en Italia y la conocida costumbre de pintar retratos de personas importantes pueden haberle impulsado a encargar a van Eyck este «certificado de matrimonio».

A pesar de la meticulosa precisión de los detalles con que van Eyck plasmó los temas tanto en primer plano como en segundo plano, la unidad de la composición está asegurada por la sutil modulación del color y de la luz que juegan uniformemente alrededor de todo. Esta técnica homogeneizadora se consigue principalmente mediante la técnica de la pintura al óleo, habitual en el norte desde épocas tempranas.

Fácil de trabajar, la pintura de secado lento permitía al artista trabajar con detenimiento, retocar, volver a colorear. Los pliegues de las telas se trabajaban con transiciones brillantes y aterciopeladas hacia tonos cada vez más claros, y los más pequeños destellos de luz sobre materiales brillantes se representaban con precisión con pinceles muy pequeños. Los trajes, los cuerpos y los rostros adquirían una materialidad hasta entonces inédita. (Véase, por ejemplo, «Retrato de un hombre con turbante rojo», 1433).

Esta técnica, conocida como «ars nova» (latín «arte nuevo»), fue conocida y honrada fuera de los Países Bajos a través del trabajo de artistas holandeses que trabajaban como pintores de la corte en el sur. La influencia inversa del Renacimiento italiano en el norte, por el contrario, no se hizo patente hasta mucho más tarde.

A pesar de la calidad de la obra de Jan van Eyck, es imposible saber nada sobre el artista, salvo que fue uno de los más grandes realistas del mundo. Hay poco sentimiento religioso en sus pinturas religiosas, como la llamada «Madonna de Rollin» , conservada en el Louvre; el tema se utiliza sólo para dar ocasión a un estudio realista del interior.

Robert Kampen, Rogier van der Weyden y otros

En esto se opone a su contemporáneo más joven Robert Kampen (1375-1444), ahora identificado como maestro de Flemalle. Los Van Eyck eran pintores de corte patrocinados por la aristocracia; Kampen era un pintor que trabajaba para mecenas de clase media. Sus obras religiosas (por ejemplo el retablo Merode) y, en mayor medida, las de su discípulo Rogier van der Weyden (1398-1464) -véase su gran «Descendimiento de la Cruz» (1425)- están cargadas de emoción y apasionado sentimiento religioso. Esta división persistió a lo largo de la historia de la pintura neerlandesa, hasta la época del gran holandés Rembrandt y el gran maestro flamenco Rubens.

El seguidor más cercano de Jan van Eyck fue el pintor de Brujas Petrus Christus (c. 1400-73), conocido por «Retrato de una joven» (1470). Artistas como Dirik Botes (1410-1475), Simon Marmion (1401-1465), Hans Memling (c. 1430-94) de Brujas (véase de Brujas (c. 1430-94) trabajaron bajo la influencia de Van der Weyden. Su: Tríptico «El Juicio Final», 1471 y Tríptico «Donne», 1477-80), y, el más individual de todos, Hugo van der Goes (1440-1482), que fue capaz de igualar la influencia de su maestro, creando el famoso retablo Portinari en Florencia, uno de los ejemplos más espléndidos y apasionantes del arte retablístico flamenco, cuya influencia en el Renacimiento florentino fue de gran alcance.

Otros maestros antiguos neerlandeses son el meticuloso realista Gerrit David (1460-1523) de Brujas y Amberes; el miniaturista Jan Provost (1465-1529), famoso por sus retablos; Quentin Massis (1465-1530), inspirado en el Renacimiento italiano, más conocido por sus retratos animalistas de la burguesía; el pintor de Amberes Joos van Cleuwe (1490-1540), conocido por sus retablos y retratos de tema religioso.

Países Bajos del Norte (Holanda)

La pintura holandesa o, como se decía comúnmente en esta época, la pintura del norte de los Países Bajos, era más anticuada, torpe e ingenua, pero si carecía de la sofisticación de la pintura flamenca, ganaba en vigor y sentimiento. El Bosco fue el mejor pintor holandés de finales del siglo XV, por ejemplo, su excepcional pintura bíblica tríptico «Voz hay» (1516) - pero también debemos mencionar a Albert van Water (activo a mediados del siglo XV), fundador de la Escuela de Haarlem; Geertgen tot sint Jans (c. 1465-93), el maestro de Delft de Virgo inter Virgines (activo c. 1480-1510).

El Bosco

Mientras que Leonardo, Rafael y Miguel Ángel aspiraban a los ideales de la belleza clásica, el Bosco pintaba visiones celestiales e infernales, cuya naturaleza de cuento de hadas parecía surgir directamente del mundo de las representaciones medievales. Pero el mensaje de estas pinturas estaba en plena consonancia con el espíritu de la época, ya que, a diferencia de la visión optimista del mundo del Renacimiento italiano «, la conquista de la realidad» iba acompañada en el norte por la duda y la incertidumbre.

Los conflictos sociales provocados por los cambios económicos, las guerras, la peste y el hambre que asolaron los Países Bajos en el siglo XV se tomaron como una señal de que habían incurrido en la ira de Dios y habían sido expulsados de su omnímoda protección divina. Esta inseguridad se tradujo en fanatismo religioso: interminables procesiones de personas se flagelaban y se acusaban de pecadores, la caza de brujas alcanzó una escala aterradora e innumerables sectas se proclamaron el único camino hacia la redención divina.

Debido, entre otras cosas, a su interés por el poder secular, la Iglesia romana perdía cada vez más autoridad en cuestiones de fe y ya no daba mucho que hacer al pueblo pacificado. La religión estaba en profunda crisis. La necesidad de una reorientación, de una nueva dirección - «la Reforma» - ya no podía ser ignorada.

Todo esto encontró su expresión visual en las obras de Hieronymus Bosch . El arte de los antiguos pintores holandeses está en la tradición directa de las concepciones medievales del cielo y el infierno, que trasladaron a la tierra. El Bosco hace terrenal «el infierno», mostrando con la mayor exactitud los abismos del hombre, su pecaminosidad y sus carencias. La continua elaboración atmosférica del paisaje, del hombre, de los animales y de diversos tipos de materialidad da al infierno «dimensiones reales», creando un infierno en la tierra.

Cabe suponer que los cuadros fueron pintados según la intención prevista y que ciertas figuras y detalles, que hoy nos parecen meramente surrealistas, habrían sido descifrados por un determinado círculo de personas. Su fantasía, que le dio fama en vida, es que el realismo (en el estilo pictórico) y el simbolismo (en el significado) se fundan en un todo. Pinturas que, según una fuente, eran falsificaciones ya en su época, incluso siglos después tienen un extraño atractivo.

Los surrealistas, que a principios del siglo XX pintaban imágenes oníricas igualmente aterradoras, lo tomaron como modelo. Pero el Bosco tenía objetivos muy diferentes a los de sus seguidores posteriores. No quería representar los abismos del alma humana, sino los abismos de la acción humana. Detrás de sus visiones opresivas había un dedo acusador moral. Sus mundos pictóricos eran una advertencia de los tormentos del infierno que podrían esperar al hombre por sus fechorías en este mundo.

Arte neerlandés (a partir de 1500)

Con el cambio de siglo, el Renacimiento italiano comienza a darse a conocer en los Países Bajos. Hasta entonces, los italianos habían estado influidos por el Renacimiento septentrional, especialmente por los venecianos, que tenían más en común con los flamencos la técnica del óleo y los problemas para representar la luz. Jos van Wassenhove (activo entre 1460 y 1480) trabajó en Urbino, Italia, en la década de 1470, pero su estilo, aunque influido por la grandiosidad de la escala y la temática italianas, siguió siendo reconociblemente flamenco; mientras que de los cuadros de Rogier van der Weyden no puede deducirse que él también hiciera el viaje a Italia hacia 1450. El primer flamenco que mostró influencia italiana en Flandes fue Jan Gossart de Mabuse (1480-1533), pero sigue siendo fundamentalmente flamenco, sólo que con una pátina de temática y estilo italianos.

Mabuse ejerció una gran influencia en los llamados «manieristas de Amberes», como Jan de Beer (1475-1536), así como en el bruselense Bernard van Orly (1493-1542), conocido sobre todo por sus tapices, y en su discípulo Pieter Cocquet (1502-1550), maestro del mayor de los Bruegel. Para más información sobre el arte de Flandes, véase: Pintura flamenca (1400-1800)

Los efectos del Renacimiento en Holanda fueron muy parecidos a los de Flandes. Lucas van Leyden (c. 1480-1533) es más conocido como grabador y dibujante que como pintor, y la influencia de Durero y Rafael es notable en su fino dibujo. Jan Skorel de Utrecht (1495-1562) fue el pintor neerlandés que mejor asimiló el ejemplo de Rafael. Martin van Heemskerch (1498-1574) y sus seguidores de la llamada «Academia de Haarlem» Henrik Goltzins (1558-1617), Abraham Blumart (1564-1651) y Jan Suenredam (1565-1607), a diferencia de Skorel, se inspiraron en Miguel Ángel y mostraron un manierismo exagerado .

Pieter Bruegel el Viejo

Alrededor de la misma época, la escuela del paisaje floreció en los Países Bajos. Pieter Bruegel el Viejo (c. 1530-69), uno de los más importantes pintores flamencos del siglo XVI, no puede considerarse un paisajista en su forma más pura (cf. más adelante), ya que la mayor parte de su obra está pintada a mano. más adelante), ya que la mayor parte de su obra consiste en grandes composiciones figuradas a la manera grotesca y esencialmente nativa, y no italiana, del Bosco; Pero en términos estrictamente de género, cuadros como «Cazadores en la nieve» (1565, Kunsthistorisches Museum, Viena) o «La caída de Ícaro» (1558, Museo Real de Bellas Artes, Bruselas), son en efecto «paisajes con figuras», al igual que todas las obras de Claude Lorrain, y se han conservado numerosos dibujos a pluma y tinta de paisajes, muchos de ellos realizados para el grabador. Joachim Patenier (c. 1490-1524) fue otro pionero de la pintura de paisaje, destacado por composiciones fantásticas (en su mayoría bíblicas) en el espíritu del Bosco. Paulus Brill (1554-1626), pintor de Amberes, se estableció pronto en Roma, donde recibió la influencia del alemán Adam Elsheimer (1578-1610), y ocupa un lugar importante en la historia de la pintura de paisaje, tendiendo un puente entre Elsheimer y Claude.

Paisaje o no, las obras de Bruegel tienen un importante elemento narrativo, un subtexto moral y didáctico similar al de Hieronymus Bosch. Su pintura era representativa, como la del Bosco, pero debido a su visión humanista del mundo, este artista altamente culto pintaba escenas contemporáneas y tópicas en lugar de visiones del infierno o temas religiosos de otro mundo.

Su «Torre de Babel» debe entenderse -de acuerdo con la moral bíblica- como una advertencia contra la arrogancia humana, que el propio artista pudo haber observado entre sus contemporáneos. A principios del siglo XVI, Amberes -la ciudad en la que vivía Bruegel en la época del cuadro- se había convertido en muy poco tiempo en una de las mayores ciudades de Europa. La apertura de la ruta marítima de África a la India y el descubrimiento de las Américas aseguraron el rápido crecimiento de esta ciudad portuaria situada en la costa occidental. A Amberes llegaban mercancías y personas de todo el mundo. Aquí se respiraba un discurso casi babilónico y muchos hombres de negocios, enriquecidos de la noche a la mañana, debieron de entregarse a una petulante autosatisfacción.

No es casualidad que Bruegel representara tres veces el motivo de la construcción de la Torre de Babel. Este tema le permitió convertirse en un espejo de advertencia para sus compatriotas. El panorama moderno de Bruegel se convierte en un símbolo en el que el paisaje ya no es una parte del mundo (real), sino un cosmos autosuficiente. Ciudad, pueblo, montañas, ríos, costa y cielo forman un paisaje global. Está unido por su ejecución pictórica: en la sensible representación de la luz y el color, los detalles en miniatura se funden en un todo. Y Bruegel no abandona esta meticulosidad en el tratamiento de la vista a lo lejos; al contrario, el aire, la atmósfera misma, está representada por derecho propio.

La combinación de realismo y simbolismo, que Bruegel -siguiendo el ejemplo del Bosco- aportó a la representación «de escenas cotidianas», indicó nuevas formas de desarrollar el arte holandés. Algunos ejemplos son Caída de los ángeles rebeldes (1562, Museo Real de Bellas Artes, Bruselas), Meg loca (Dulle Griet) (1562, Museo Meyer van den Berg), Boda campesina (1568, Museo Histórico, Viena) , Parábola de los ciegos (1568, Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles), Parábola de los Países Bajos (1559, Museo Estatal, Berlín) y la más escalofriante Crucifixión de los Inocentes (c. 1565-7). Estas obras prepararon el camino para las escenas de género que alcanzaron su apogeo en la obra de los pintores realistas holandeses del siglo siguiente.

Obras que reflejan la obra del Renacimiento flamenco y holandés pueden verse en muchos de los mejores museos de arte del mundo.