Pintura en Nápoles, siglo XVII Traductor traducir

En 1600, a principios de siglo, Nápoles era la segunda ciudad más grande de Europa después de París y la mayor de Italia. Su población se estimaba en 400-450.000 habitantes, frente a los 80-170.000 de Roma, Milán, Venecia o Florencia. Aunque Nápoles era una colonia española, las bellas artes florecieron en el siglo XVII bajo los virreyes españoles. Por lo demás, fue un siglo recordado por sus catástrofes: terremotos, erupciones volcánicas, epidemias, hambrunas y disturbios provocados por los excesivos impuestos y que culminaron en la revuelta de Masaniello del 7 de julio de 1647, con sus sangrientas secuelas.

A pesar de la flagrante injusticia, los visitantes extranjeros quedaban impresionados tanto por el esplendor de la arquitectura barroca de Nápoles como por la belleza de su emplazamiento. En las proximidades del Vesubio, el barroco adquirió un significado especial y, aunque el comercio se tambaleaba, los virreyes siguieron construyendo iglesias, palacios, puentes, nuevas carreteras y grandes fuentes públicas, transformando el aspecto de la antigua capital.

En 1645, dos años antes de la revuelta de Masaniello, el prolífico diarista John Evelyn escribió: "Los edificios de la ciudad son de los más magníficos de Europa, las calles son muy grandes, bien pavimentadas, con muchas bóvedas y canales para las aguas residuales por debajo, lo que hace que las calles sean muy agradables y limpias incluso en pleno invierno. Posee más de 3.000 iglesias y monasterios, y son los mejor construidos y decorados de Italia."

No es de extrañar que, para una ciudad poblada de tantos edificios eclesiásticos, el arte religioso fuera especialmente importante para los gobernantes españoles, sobre todo el tipo de intenso arte cristiano asociado al quietismo. Sin embargo, a pesar del éxito en Roma del estilo barroco del arte católico de la Contrarreforma, no fue hasta después de la peste de la década de 1650 cuando la pintura barroca napolitana arraigó en el extremo sur de Italia y se desarrolló junto a las fuertes tendencias del Clasicismo. Véase también: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII .

Los gobernantes españoles: mecenas de las artes

Independientemente de sus pecados administrativos, la mayoría de los virreyes fueron asiduos mecenas de las bellas artes, algunos de ellos a gran escala, y dieron un tremendo estímulo a la pintura al óleo en particular. En la primera mitad del siglo XVII, el más enérgico mecenas de las artes entre los virreyes fue el conde de Monterrey, cuñado del favorito de Felipe IV, el duque de Olivares. Cuarenta barcos cargados de pinturas barrocas y esculturas antiguas le acompañaron cuando zarpó hacia España en 1637. Muchos de ellos son hoy el orgullo del Museo del Prado de Madrid. Y en la segunda mitad del siglo este espécimen del Virrey, la Marquesa del Carpio, coleccionó unas 1800 pinturas, y cuando murió en 1687, Luca Giordano, ningún adulador de la corte, dijo que Nápoles había perdido un padre amoroso y sus artistas un valiente apoyo.

Mientras los napolitanos disfrutaban con las espectaculares actuaciones de sus señores españoles, ridiculizaban su pomposidad en la popular comedia de máscaras. La nobleza local, como observó John Evelyn, imitaba su seriedad, sus barbas y bigotes puntiagudos y su elaborada cortesía, pero al mismo tiempo resentía sus pretensiones de primacía en las ocasiones solemnes. Compartían la predilección del hidalgo por los títulos sonoros, y su poeta laureado era Giovanni Battista Marini, cuyo florido Adone (1623), densamente incrustado de trucos rococó, tuvo innumerables imitadores en toda Italia e incluso en Francia.

Los más grandes pintores napolitanos: Caravaggio

Otra paradoja es que ninguno de los fundadores de la escuela napolitana de pintura era de Nápoles. Caravaggio (1571-1610), el más influyente de todos ellos, era un lombardo que huyó de Roma a Nápoles tras el asesinato de un balaguer rival en 1606. Permaneció allí sólo hasta finales del verano de 1607, pero durante este breve periodo pintó «El debilitamiento de Cristo» para San Domenico Maggiore y «Siete actos de misericordia» para el Monte della Misericordia, así como otros cuadros que han desaparecido.

La intensidad dramática de estos retablos, que parecen improvisados a la luz de un relámpago -el torso esculpido de Cristo entre dos verdugos bestiales en sombra siniestra; la variedad de figuras y propiedades simbólicas en el último, una pintura-problema donde las haya- tuvo un efecto abrumador en sus contemporáneos napolitanos. Era un estilo totalmente nuevo para ellos, y su realismo descarnado y sus contrastes vívidos apelaban a sus instintos apasionados. Para más información sobre sus visitas napolitanas, véase Caravaggio en Nápoles (1607, 1609-10).

El ambiente de Nápoles debía de ser muy apropiado para el temperamento ardiente de Caravaggio. Sacaba sus modelos de santos de la vida cotidiana sin intentar endulzarlos ni ennoblecerlos. Se trata de un naturalismo desenfrenado (o más bien de una forma temprana de realismo, que no tuvo rival hasta el siglo XIX) frente al clasicismo vigente en la escuela boloñesa, y en el dorado marco barroco el resultado es sensacional.

Husepe Ribera

La fuerza de la influencia de Caravaggio es más evidente en las obras de su seguidor José Ribera (1591-1652), conocido como «lo Spagnoletto», nacido en los alrededores de Valencia pero napolitano de nacimiento. Gracias a Ribera y a su mecenas, el virrey de Monterrey, artistas italianos y españoles se desarrollaron en la misma dirección.

Diego Velázquez (1599-1660) fue amigo de Ribera, y también él parece haber recibido la influencia de Caravaggio en los cuadros «Los Borrachos» y «Fragua del volcán». Quince años más joven que Caravaggio, a quien nunca conoció, Ribera pronto tomó al Virrey por un brillante compatriota. Los martirios sádicos que representó con tanto embeleso personificaron las ideas de Monterrey sobre lo que debía ser la pintura religiosa, y Ribera se convirtió en el árbitro del gusto en su corte.

Junto con Belisario Corenzio y Battistello Caracciolo (1578-1635) -el primero era griego, el segundo napolitano- Ribera formó una cábala tiránica. De las personalidades de este triunvirato sabemos poco bueno.

Bernardo de Dominici, versión napolitana del biógrafo Giorgio Vasari (1511-1574), se inclinaba a embellecer sus anécdotas, pero sin duda hay algo de verdad en ellas, ya que han sido corroboradas por otros. Según él, ningún artista podía cumplir ningún encargo importante en Nápoles sin el consentimiento del trío. Todos los artistas eminentes invitados desde Roma para decorar la Capilla de San Genaro en la catedral fueron expulsados por su persistente persecución. Esta Capilla del Tesoro, como se la llamaba, es el santuario más sagrado de Nápoles, ya que contiene el cráneo del santo patrón y un frasco con su sangre, que se licua dos veces al año, por lo que la intrusión de forasteros para decorarla se resentía amargamente.

Cómo la servidumbre de Ribera controlaba la pintura en Nápoles

Las pruebas de los artistas extranjeros que se atrevieron a aceptar el encargo se prolongaron durante muchos años. Cuando Guido Reni llegó en 1621, su ayudante estaba tan malherido que se apresuró a regresar a Roma; el vengativo Corenzio fue detenido bajo sospecha, pero puesto en libertad por falta de pruebas. Después de que el nativo Santafede no satisficiera a los comisionados, se pidió a Corenzio que continuara el trabajo, pero él también fracasó, y sus frescos fueron destruidos.

Entonces se invitó desde Roma al clasicista boloñés Domenichino (1581-1641). Este artista de gran sensibilidad aceptó la convocatoria con cautela, y poco después de su llegada recibió una carta en la que se le amenazaba de muerte si no rechazaba la obra. Pidió protección al virrey y, aunque se le garantizó su seguridad, apenas se atrevió a salir de su casa si no era para ir a trabajar. Cuando, un año más tarde, se presentó al público el primero de sus frescos, fue tan perseguido por sus rivales locales, encabezados por Ribera, que "galopó día y noche casi sin descanso" y, en estado de descomposición, llegó a la villa del cardenal Aldobrandini en Frascati.

Pasó otro año antes de que se decidiera a terminar los frescos de Nápoles. Para entonces había perdido el favor del virrey, y los artistas redoblaron sus vejaciones. El pobre Domenichino llegó a tal estado de nerviosismo, como escribió Passeri, que sus cenas se convirtieron en un tormento por miedo al veneno, y sus noches en un tormento por miedo al puñal. Cuando murió en Nápoles en 1641, su viuda estaba convencida de que había sido envenenado. Sólo el parmesano Giovanni Lanfranco (1582-1647) parece haber florecido realmente en Nápoles.

Como sabemos por la autobiografía de Benvenuto Cellini, los artistas prominentes se consideraban por encima de la ley e incluso se ganaban el respeto con su arrogancia. Las peleas de Caravaggio eran necesarias para crear la imagen terribilta, que quería imponer. Ribera se comportaba despóticamente con sus rivales napolitanos. Cuando Massimo Stanzione (1585-1656) pintó un Cristo muerto para la entrada de la Certosa de San Martino, que causó admiración universal, Ribera convenció a los monjes para que le dejaran retirarlo con el pretexto de que era demasiado oscuro. Al hacerlo, lo desfiguró con un líquido corrosivo. Semejante malicia es difícil de conciliar con la piedad de sus devotas pinturas. Sus discípulos eran numerosos y exageraban sus horribles rasgos, lo que un crítico ha llamado «la poesía de lo horrible». A veces, estos rasgos horripilantes dieron lugar a un arte inesperadamente horripilante. Por ejemplo, la violación por Agostino Tassi de Artemisia Gentileschi (1593-1654) dio lugar a su sublime cuadro «Judith decapitando a Holofernes» (1620, Galería Uffizi, Florencia).

El estilo napolitano de pintura

Algunos de los cuadros más obscenos de Ribera fueron pintados para Gaspar Roemer, un armador flamenco considerado el hombre más rico de Nápoles. Era uno de los coleccionistas de arte más voraces y le gustaban los cuadros macabros y grotescos.

Aterrador «Apolo y Marcia Ribera» (1637, Museo Nacional de S. Martino, Nápoles) y su repulsivo Sileno borracho (1620-28, Museo Capodimonte, Nápoles) pertenecían originalmente a la colección de Roemer; Al igual que El festín de Herodes de Rubens y Susana y los ancianos de Anthony van Dyck, que tuvieron un efecto catártico en los pintores napolitanos que los vieron, deslumbrados por su colorido y su atrevida pincelada. Bernardo Cavallino (c. 1616-56) fue el más afectado, y Luca Giordano comenzó a imitar a Rubens.

Los bodegones neopolitanos se inspiraron igualmente en la pintura flamenca de la galería de Roemer, pero sus propios bodegones eran más carnosos y jugosos, evocando la fertilidad del suelo vesubiano. Giuseppe Recco (1634-1695), Giovanni Ruoppola (1629-1693), Paolo Porpora (1617-1670/80) - sus propios nombres sugieren racimos de uvas colgantes y montones de higos morados.

Entre las pinturas de gabinete, escenas de género y topográficas, las fantásticas Torres de Babel y Babilonia temblando o lamiéndose con lenguas de fuego de Monsu Desiderio fueron quizás las más inusuales. Según investigaciones recientes, Monsu Desiderio era el seudónimo de dos artistas de Metz, de los cuales François Nomé era el más conocido. Ellos, como señala Wittkower, prepararon el camino para «las vistas microcósmicas» de Micco Spadaro (1609-1675), así como para las románticas piezas de batallas de Salvatore Rosa.

Salvator Rosa

De haber sido menos polifacético, Salvator Rosa (1615-1673) habría sido un gran artista, pues también fue un prolífico poeta, mimo y músico. Aprendió más de Aniello Falcone (1607-1656), el pintor de batallas, que de su primer maestro Ribera, y tuvo tantos imitadores que a menudo se pasa por alto la extrema originalidad de sus pinturas de paisajes. Durante su vida fueron más valoradas que sus ambiciosas pinturas de historia .

Sir Joshua Reynolds escribió de él: "Tiene la dignidad propia de la naturaleza salvaje e inculta; pero lo más admirable en él es la perfecta correspondencia que observa entre los temas que elige y la manera de tratarlos. Todo en él es uno; sus rocas, sus árboles, su cielo, tienen el mismo carácter áspero y salvaje que anima sus figuras".

El entusiasta libro de Lady Morgan «The Life and Times of Salvator Rosa» (1824) estableció su moda en la Inglaterra pre-victoriana, donde se le valoraba incluso más que en Italia. Se le consideró precursor del byronismo, y su nombre se convirtió en sinónimo de lo ultrapintoresco.

La peste de 1656 y su influencia en la pintura napolitana

La terrible peste de 1656 aniquiló a más de la mitad de la población de Nápoles. Hizo estragos durante seis meses, y en pleno verano morían entre 10.000 y 15.000 personas al día. Las tumbas estaban tan abarrotadas que los cadáveres eran quemados o arrojados al mar. Según la estimación conservadora de Gino Doria, la peste se cobró 250.000 víctimas de los 450.000 habitantes de la ciudad. Entre los mejores pintores se encontraban Bernardo Cavallino, Massimo Stanzione, Anniello Falcone y Pachecco de Rosa.

Las consecuencias económicas de este desastre y las oportunas reformas de virreyes más competentes condujeron a una vuelta a la prosperidad comparativa, de modo que en 1688 la población había alcanzado los 286.000 habitantes, incluidos 12.000 clérigos. Los horrores traumáticos de la peste pueden haber contribuido a cambiar el carácter de la pintura napolitana de la segunda mitad del siglo.

Hubo una reacción al brutal realismo de Ribera, y los artistas tomaron prestados luminosos esquemas de color de la pintura veneciana de Tiziano (c. 1485/8-1576) y Paolo Veronese (1528-1588). Aunque se conservan rastros de Caravaggio en los frescos de Mattia Preti (1613-1699), conocido como «Cavaliere Calabrese» por su lugar de origen, su estilo pictórico se asemejaba más al de Gwerchino (Giovanni Francesco Barbieri) (1591-1666).

Luca Giordano y Francesco Solimena

Tras los desastrosos efectos de la peste , Luca Giordano y el longevo Francesco Solimena (1657-1747) se convirtieron en paladines de la pintura napolitana, y sus obras fueron universalmente admiradas hasta el siglo XIX. Ellos abrieron las ventanas de Caravaggio a la luz brillante.

El más espectacular de los alumnos de Ribera, Luca Giordano (1634-1705), apodado «Luca fa Presto» (Luca trabaja deprisa) por la fenomenal velocidad de su pintura, pronto se hizo famoso por la rapidez y el eclecticismo de sus ejecuciones. Por sus brillantes imitaciones de Tiziano, así como de Correggio, Guido Reni y Rubens, fue llamado el Proteo de la pintura, y en una época sus pastiches eran más valorados que sus obras originales. En casi todas las iglesias de Nápoles y galerías de Europa puede verse una de sus obras.

Durante diez laboriosos años antes del fin de siglo pintó frescos en las grandes plazas del Escorial, el palacio del Buen Retiro, la sacristía de la catedral de Toledo, el Palacio Real y muchas iglesias de Madrid. El palacio de los Médicis Riccardi de Florencia contiene una de sus obras maestras: una vasta sala pintada al fresco con los últimos Médicis representados en el techo como dioses de la luz entre las divinidades del Olimpo, y a lo largo de las paredes el ciclo de la vida humana. A su regreso de España, cuando ya tenía más de setenta años, completó en pocos días una vigorosa serie de frescos en la Certosa de San Martino.

Su amigo y sucesor Francesco Solimena, alias L’Abate Ciccio, nos lleva muy lejos en el siglo XVIII. Su gran habilidad y rapidez de trabajo rivalizaban con las de Giordano, y le llovían encargos a los que no podía hacer frente. Nació en 1657 y murió rico y famoso a los 90 años.

Uno de los viajeros ingleses que se acercaron a él, Edward Wright, escribió en 1721: "Solimena era muy cortés y servicial, a pesar de algunos relatos que hemos oído de él en sentido contrario. Vestía como un eclesiástico, lo que es muy común en los que no están en las órdenes. Entre otras obras de arte, nos mostró un gran cuadro que estaba haciendo para el príncipe Eugenio, la historia de Céfalo y Aurora, donde Aurora lleva a Céfalo al cielo, lo que se dice que hizo cuando todos los demás medios para persuadirle de que rompiera su voto conyugal con Procrisa resultaron infructuosos."

Esto estaba muy lejos del caravaggismo con sus escenas de martirio y masacre que prevaleció en la primera mitad del siglo. No hay realismo crudo en este reino etéreo, ni miembros leprosos, barro y pies ensangrentados. Los querubines sobre nubes lanosas anuncian la llegada del genio rococó Giambattista Tiepolo (1696-1770), y las ninfas mitológicas prefiguran al maestro francés François Boucher (1703-1770).

Curiosamente, la mayoría de los partidarios del tenebrismo ) tenebrosi) - como se llamaba a los realistas-naturalistas, empezando por Caravaggio- murieron antes de llegar a la edad madura, como absorbidos por la intensidad de su participación en las tragedias bíblicas, mientras que sus sucesores ilusionistas se rejuvenecieron constantemente con sus cualidades proteicas y vivieron hasta una edad madura.

Así pues, la escuela napolitana puede dividirse en partidarios del claroscuro y defensores de la luz. Luca Giordano y Solimena experimentaron muchos estilos antes de encontrar el suyo propio: el primero alcanzó su cenit en los frescos del palacio Medici Riccardi, el segundo en el fresco del Gesu Nuovo, que representa la expulsión de Heliodoro del templo.

Cronología de la pintura en Nápoles

A modo de referencia, he aquí una breve cronología de algunos acontecimientos del arte napolitano del siglo XVII.

1598 - Felipe III se convierte en rey de España y Nápoles.
1601 - Fundación de Pío Monte de la Misericordia.
1606 - Primera visita de Caravaggio a Nápoles; Siete actos de misericordia y Flagelación .
1607 - Caracciolo pinta Inmaculada Concepción .
1610 - Segunda visita de Caravaggio a Nápoles; muere en Porto Ercole, el 18 de julio de 1610.
1610-16 - Virreinato del Conde de Lemos, importante reformador social.
1611-12 - Primera visita de Reni a Nápoles.
1616 - Llegada de Ribera a Nápoles.
1618-48 - Guerra de los Treinta Años en Europa.
1620-22 - Disturbios sociales y rebelión en Nápoles debido a la penuria económica.
1621 - Felipe IV sucede a Felipe III como rey de España y Nápoles.
1621-22 - Segunda visita de Reni a Nápoles.
1622 - Influido por Caravaggio, Simon Vouet pinta La Circuncisión .
1623-44 - Papado de Urbano VIII, importante mecenas de las artes.
1623-56 - Cosimo Fanzago supervisa la construcción de la Certosa de San Martino
1624 - Van Dyck llega a Palermo.
1625 - Muerte del poeta Giovanni Battista Marino, poeta de la corte de los virreyes.
1626 - Ribera pinta un cuadro «Sileno borracho».
1626 - Llegada de Artemisia Gentileschi a Nápoles.
1629 - Primera visita de Velázquez a Italia y Nápoles.
1631 - Llegada de Domenichino a Nápoles para pintar la Capilla del Tesoro.
1631 - d. Erupción del Vesubio.
1631-37 - Virreinato de Manuel de Guzmán, conde de Monterrey.
1634 - Llegada de Lanfranco a Nápoles.
1635 - Visita de Castiglione a Nápoles.
1637 - Ribera escribe su Piedad .
1638-47 - Deterioro de la situación económica.
1639 - Salida de Nápoles de Salvator Rosa
1640 - Llegada del cuadro de Rubens «El festín de Herodes» a la colección de Gaspar Roemer.
1641 - Muerte de Domenichino.
1641-67 - Arzobispado del cardenal Ascanio Filomarino, mecenas de las artes.
1642 - Muerte de Reni; aparición de su «Adoración de los pastores» en Nápoles (1645).
1646 - Don Antonio Ruffo de Mesina comienza a coleccionar pintura moderna.
1647 - d. Muerte de Lanfranco.
1647-48 - Revuelta de Masaniello, provocada por la imposición de un impuesto sobre la fruta.
1649-50 - Segunda visita de Velázquez a Italia y a Nápoles.
1650 - Ofensiva francesa en Portolongon; rechazada con éxito.
1652 - Muerte de Artemisia Gentileschi.
1652 - Viaje de Giordano a Roma y al norte de Italia.
1654 - Ofensiva francesa en Castellammare dirigida por el duque de Guisa.
1656 - D. Más de la mitad de la población de Nápoles muere de peste.
1656-60 - Visita de Preti a Nápoles.
1665 - Carlos II sucede a Felipe IV como rey de España y Nápoles.
1674 - Llegada de Solimena a Nápoles.
1674 - D. Muerte de Gaspar Roemer; deja la colección a Ferdinand van den Eijnden.
1674-78 - Ocupación francesa de Mesina.
1683-87 - Virreinato del marqués del Carpio.
1688 - Fuerte terremoto; muchos edificios del centro de la ciudad resultan dañados.
1705 - d. Muerte de Luca Giordano.
1707 - Inicio de la dominación austriaca.

El arte barroco napolitano puede verse en algunos de los mejores museos de arte del mundo.