Pop Art: historia, características Traductor traducir

El término «arte pop» fue acuñado por el comisario británico Lawrence Alloway en 1955 para describir una nueva forma de «arte popular», un movimiento caracterizado por la representación del consumismo y la cultura popular . El arte pop surgió en Nueva York y Londres a mediados de la década de 1950 y se convirtió en el estilo vanguardista dominante hasta finales de la década de 1960. Se caracterizaba por imágenes atrevidas, sencillas y cotidianas y por colores brillantes en bloque, era divertido de ver y tenía un carácter «hippy» moderno.

Los brillantes esquemas de color también permitieron a esta forma de arte de vanguardia destacar ciertos elementos de la cultura contemporánea y ayudaron a salvar la distancia entre las artes comerciales y las bellas artes. Fue el primer movimiento posmoderno (en el que el medio es tan importante como el mensaje) y la primera escuela de arte que reflejó el poder del cine y la televisión, a través de los cuales muchas de sus imágenes más famosas adquirieron celebridad. Entre las fuentes habituales de la iconografía pop se encontraban la publicidad, los envases de productos de consumo, las fotografías de estrellas de cine, estrellas del pop y otras celebridades, y los cómics.

Los principales artistas del arte pop

En Arte estadounidense, entre los famosos representantes del arte pop se encuentran Robert Rauschenberg (1925-2008), Jasper Johns (n. 1930), Roy Lichtenstein (1923-1997) y Andy Warhol (1928-1987). Otros expositores estadounidenses son Jim Dine (nacido en 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (nacido en 1928), Ray Johnson (1927-1995), Alex Katz (n. 1927), Claes Oldenburg (n. 1929), Ed Ruscha (n. 1937), James Rosenquist (n. 1933) y Tom Wesselman (n. 1931). Para más detalles, véase El arte pop de los años sesenta y setenta de Andy Warhol.

Entre los principales artistas británicos del Pop Art se encuentran Sir Peter Blake (nacido en 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (nacido en 1922), David Hockney (nacido en 1937) y Allen Jones (nacido en 1937).

Orígenes e influencias

El arte pop, como casi todos los estilos artísticos importantes, fue en parte una reacción contra el statu quo. En los Estados Unidos de los años 50, el estilo principal era el Expresionismo Abstracto, un estilo de pintura abstruso y no figurativo que -aunque admirado por críticos, amantes del arte serios y avezados visitantes de museos- no «conectó» con el público en general ni con muchos artistas. Cuanto más abstracto y expresivo se volvía el estilo pictórico, más espacio quedaba para un nuevo estilo que utilizara una imaginería más figurativa, más realista: es decir, algo a lo que pudiera adherirse una amplia fraternidad de artistas y que el público pudiera percibir. Así surgió el Pop Art, que se convirtió en un estilo artístico reconocido y que, a su vez, fue sustituido por otras escuelas después de 1970.

En cierto sentido, la aparición del Pop Art (y su supremacía sobre el Expresionismo Abstracto) fue similar al auge de Dadá y su sucesor más amplio Surrealismo (y su supremacía sobre Cubismo). Ambas escuelas reemplazadas (Expresionismo Abstracto y Cubismo) eran estilos muy intelectuales con un atractivo limitado para los amantes del arte.

Es cierto que el dadaísmo era esencialmente antiartístico, pero sus años de apogeo (1916-1922) estuvieron marcados por una gran polarización y luchas políticas, y una vez que las cosas se calmaron, la mayoría de los dadaístas se convirtieron en surrealistas. En cualquier caso, como se explica más adelante en Objetivos y filosofía, el Pop Art comparte muchas de las características del Surrealismo dadaísta y le debe varias técnicas tomadas de Kurt Schwitters, «las redimensiones» de Marcel Duchamp, las imágenes icónicas de René Magritte y las atrevidas creaciones de Salvador Dalí (por ejemplo. El sofá de labios de Mae West ; Teléfono langosta).

Y aunque el Surrealismo era esencialmente interiorista y escapista por naturaleza, mientras que el Pop Art se definía por fuerzas consumistas externas, ambos se consumían por la necesidad de causar un fuerte impacto visual en el público general.

Otro artista que puede haber influido en el Pop Art es Edward Hopper (1882-1967), pintor realista de la América urbana. Aunque su estilo pictórico es muy diferente de la mayoría de las obras Pop, sus sencillas representaciones de escenas cotidianas ultraamericanas (por ejemplo, «Night Hawks», 1942 y «Gas», 1940) eran bien conocidas por la generación Pop y pueden haber constituido la base de sus pinturas.

Para otros movimientos importantes del siglo XX similares al Pop Art, véase Movimientos y escuelas artísticas (desde aproximadamente el año 100 a.C.).

Historia

El Pop Art británico surgió en el seno del Independent Group, un círculo informal de artistas, entre los que se encontraban el pintor Richard Hamilton, el comisario y crítico de arte Lawrence Alloway y el escultor Eduardo Paolozzi, que se conocieron en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres.

Desde su primer encuentro en 1952, cuando Paolozzi presentó una serie de collages ensamblados a partir de recortes de revistas y otros «objetos encontrados», incluido su (ahora) famoso collage titulado «I was a rich man’s toy» (creado 5 años antes, en 1947), sus discusiones giraron principalmente en torno al valor artístico y la relevancia de la cultura popular de masas .

Cuatro años más tarde, en 1956, otro miembro del grupo, Richard Hamilton, creó su propio collage «¿Qué hace que las casas modernas sean tan atractivas?». - que, junto con el collage de Paolozzi de 1947, se considera uno de los primeros ejemplos del Pop Art británico. En 1961 se expusieron en la muestra Young Contemporaries varias obras de Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones, R. B. Kitaj y Peter Phillips. En 1962, el pop británico adquirió mayor notoriedad cuando la BBC emitió la película de Ken Russell «Pop Goes the Easel», que exploraba el nuevo movimiento en Gran Bretaña.

EE.UU.

Mientras tanto, en Estados Unidos, a mediados de la década de 1950, el mundo del arte se vio sacudido por una serie de artistas asociados a pequeños movimientos (por ejemplo. Neo-Dada, Funk Art, Letrismo, Beat Art, Polimaterialismo, Common-Object, etc.), muchos de los cuales incorporaron objetos de la cultura de masas a sus obras. Querían que su arte fuera mucho más amplio que los estilos tradicionales (por ejemplo, el Expresionismo Abstracto), por lo que utilizaron materiales no artísticos y se centraron en objetos corrientes y fácilmente reconocibles que expresaban la cultura popular de la época.

En medio de este estallido de innovación, las obras de Robert Rauschenberg, Ray Johnson (1927-1995) y Jasper Johns, empezaron a influir en la importante escena artística neoyorquina. Juntos abrieron un abanico de nuevos temas: Jones con sus pinturas de banderas, dianas y números, así como esculturas de objetos como latas de cerveza; Rauschenberg con sus collages y ensamblajes, y «pinturas combinadas» (en las que el lienzo pintado se combina con diversos objetos o imágenes fotográficas - como: «Monograma» (1955-9), consistente en una cabra disecada con un neumático en medio) de animales disecados, botellas de Coca-Cola y otros objetos, Johnson con sus collages de famosos - James Dean, Shirley Temple y Elvis. Otros pioneros y defensores influyentes del Pop Art fueron el compositor John Cage (influyente profesor del Black Mountain College de Carolina del Norte) y el artista de performance Allan Kaprow (1927-2006).

Esta marea de nuevo pensamiento se vio reforzada por un renovado interés por movimientos de vanguardia anteriores como el dadaísmo y el surrealismo, cuya perdurable vitalidad se vio reforzada por la influencia, cuando no la presencia real, de varios antiguos dadaístas y surrealistas como Marcel Duchamp, Max Ernst, y conversos locales como Joseph Cornell. Sin embargo, es importante señalar que, aunque los artistas vanguardistas estadounidenses de este periodo (especialmente Rauschenberg) estaban en deuda con los europeos (Duchamp, Schwitters, etc.) por haber creado algunas tradiciones (por ejemplo, el collage), su enfoque único se centró en crear un arte que reflejara la realidad de la América contemporánea .

A principios de la década de 1960, una cohorte de artistas pop comenzó a adquirir relevancia a través de exposiciones individuales en lugares como Nueva York y Los Ángeles, algunos de los cuales utilizaban técnicas comerciales de grabado (por ejemplo, la serigrafía) para crear su arte en lugar de los métodos tradicionales de pintura. Entre estos nuevos talentos se encontraban Jim Dine, Robert Indiana, Alex Katz, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Andy Warhol. Se mostraron por primera vez varias obras que más tarde se convertirían en iconos. Entre ellas, los óleos de cómic de Lichtenstein, las serigrafías de Marilyn Monroe y las latas de sopa Campbell’s «de Warhol», y las monumentales hamburguesas y helados de vinilo de Oldenburg.

Curiosamente, hasta finales de 1962 o principios de 1963, estos artistas seguían siendo etiquetados por los críticos como Nuevos Realistas u otros términos similares. Así, dos importantes exposiciones de arte celebradas en otoño de 1962 -una bajo la dirección de Walter Hopps en el Pasadena Art Museum, la otra en la Sidney Janis Gallery de Nueva York- se denominaron « Nueva Pintura de Objetos Ordinarios» (Pasadena) y « Nuevo Realismo» (Nueva York). Sólo más tarde se empezó a utilizar el término Pop Art como nombre técnico del movimiento, en parte por la incomodidad de los críticos con el término realista, y en parte por la presencia en Nueva York de Lawrence Alloway -actual conservador del Museo Guggenheim-, que abogó por la adopción del término.

A partir de 1963, el Pop Art se extendió por América y, gracias a los artistas Pop británicos, se estableció en el continente. El crecimiento de este movimiento se vio impulsado por un crecimiento paralelo en otros ámbitos. En la economía, gracias al crecimiento de la economía mundial en general y de la estadounidense en particular; en la ciencia, gracias a la difusión de la televisión ; en la música moderna (que a su vez pasó a denominarse «pop») gracias a la miniaturización de la radio, el aumento de la producción discográfica, la aparición de grupos de culto como The Beatles, y el fenómeno del piecing together ; y, por último, gracias a la expansión del mercado del arte .

A finales de la década de 1960, Andy Warhol se convirtió en el Damien Hirst de su época, ganando fama y notoriedad a partes iguales por sus icónicos grabados de famosos, su obra cinematográfica conceptualista, sus métodos cada vez más refinados de producción artística y su autopromoción, al menos hasta que fue tiroteado y gravemente herido el 3 de junio de 1968.

Roy Lichtenstein también se convirtió en un nombre conocido gracias a sus cómics y a varias retrospectivas de prestigio a ambos lados del Atlántico. Rauschenberg, por su parte, ganó el primer premio en la Bienal de Venecia de 1964 , y mantuvo su reputación vanguardista ayudando a crear la organización EAT (Experimentos en Arte y Tecnología) en 1966 para promover la colaboración entre artistas e ingenieros, mientras que Jones mantuvo su alto perfil ganando el primer premio en la Bienal de 1967 en São Paulo .

Tal vez inevitablemente, tras haber soportado el conformismo de los años cincuenta y el pánico de la Crisis de los Misiles de Cuba (1962), el arte pop estadounidense alcanzó su apogeo en la segunda mitad de los sesenta, sólo para verse contaminado y socavado por la irritación de la era de la Guerra de Vietnam y el correspondiente auge del antiamericanismo.

Gran Bretaña

Aunque el arte pop británico de principios y mediados de la década de 1960 era menos descarado, menos kitsch, más romántico y más nostálgico que su homólogo del otro lado del Atlántico, estaba muy influido por la cultura pop estadounidense, que consideraba más moderna y excitante que su homóloga nacional. Fue durante este periodo cuando Gran Bretaña empezó a importar una cantidad significativa de programas de televisión estadounidenses, así como otros rasgos de la vida americana como las hamburgueserías y otros establecimientos de comida rápida.

En consecuencia, los artistas empezaron a inspirarse en la imaginería estadounidense, aunque a menudo con un sesgo muy británico. Por otro lado, la industria británica de la publicidad y la impresión estaba mucho menos desarrollada, lo que impedía a los artistas británicos utilizar técnicas ya bien establecidas en Nueva York (como la serigrafía) y les obligaba a recurrir a técnicas más antiguas.

Europa

En Europa, la primacía de la cultura popular estadounidense estaba siendo erosionada tanto por el idioma como por la política. En París, todavía preocupada por su condición de centro del arte mundial subordinado a Nueva York, la cultura popular estadounidense se toleraba más que se celebraba. Además, la vanguardia francesa -quizás debido a su arraigado Partido Comunista- tenía un sabor más político y, por tanto, adoptó una línea más dadaísta, fomentando la participación del público en sus performances preferidas, los happenings y el arte conceptual bajo el término Nouveau Realisme (c. 1960-70).

Los principales artistas «pop» o nouveau riche franceses fueron: Yves Klein (1928-1962), François Dufresne (1930-1982), Mathial Reiss (n.1936), Jacques de la Villegle (n.1926), Jacques Monori (n.1934), Alain Jacquet (n.1939), Jean Tinguely (1925-1991). Italia, menos politizada (¡a pesar de un Partido Comunista aún más numeroso!), permaneció más abierta a las posibilidades artísticas y de diseño inherentes al Pop Art. Por ejemplo, un grupo de diseñadores italianos formado por Jonathan De Paz (1932-1991), Paolo Lomazzi (1936) y Donato D’Urbino (1935) creó el «Joe Sofa» (1971), que se asemeja a un guante de béisbol gigante.

Objetivos, filosofía y métodos del Pop Art

Ningún movimiento artístico internacional que dure más de 15 años y abarque todas las formas de arte, géneros y tipos de medios conocidos, así como formas totalmente nuevas, puede resumirse en unas pocas frases. Sin embargo, es imposible entender el Pop Art sin tener en cuenta los siguientes conceptos que ayudan a caracterizar su esencia.

Significado instantáneo

La idea básica del Pop Art era crear una forma de arte con significado instantáneo. Esto contrastaba fuertemente con el superintelectualismo del Expresionismo Abstracto, con sus lienzos esotéricos tan apreciados por los profesionales del arte. Para lograr su objetivo de significado instantáneo, los artistas Pop experimentaron con nuevos procesos comerciales como la pintura acrílica, el collage sobre lienzo utilizando materiales que normalmente no se asocian con la pintura, y la serigrafía.

Además, las imágenes y los esquemas de color de la mayoría de las pinturas y esculturas Pop Art se tomaron de fuentes de consumo o medios de comunicación de alto perfil y fácilmente reconocibles como: productos de consumo, gráficos publicitarios, revistas, televisión, cine, dibujos animados y cómics. Las personas y los objetos se representaban con colores brillantes, a menudo muy contrastados, y las composiciones solían ser muy sencillas y visualmente atractivas para el público en general.

El arte puede crearse a partir de cualquier cosa

Hasta el siglo XX, la pintura tradicional solía hacerse al óleo y la escultura solía hacerse en bronce, piedra o madera. Además, los temas solían ser los que se consideraban dignos de tratamiento estético: el desnudo, el rostro humano, el paisaje clásico, la escena de género o la naturaleza muerta. Incluso el cubismo, a pesar de su carácter revolucionario, tendía a observar muchas de estas convenciones artísticas.

Entonces estalló la Primera Guerra Mundial y surgió un movimiento antiartístico conocido como Dadá. Este movimiento originó la idea de que el arte podía crearse a partir de cualquier material, incluidos los desechos cotidianos más banales. Los artistas pop apoyaron y desarrollaron esta idea. Representaban el mundo moderno de la cultura popular utilizando cualquier material que les pareciera adecuado, por vulgar o trivial que fuera.

La idea es más importante que la obra en sí

Además, hasta el dadaísmo, la característica principal de las bellas artes tradicionales era la obra de arte en sí: una pintura, una escultura, un grabado, una talla o lo que fuera. Sin «, la obra de arte» no era nada. Por tanto, toda la atención se centraba en la calidad del producto acabado y en las habilidades necesarias para crearlo. El dadaísmo se rebeló contra esto, glorificando "la idea que hay detrás de la obra de arte" en lugar de la obra en sí.

Muchos artistas pop continuaron esta tradición de arte conceptual . Daban más importancia al impacto de la obra y menos a su creación. Al igual que el uso de materiales de baja estofa, este énfasis en el concepto y el impacto de la obra se interpretó como un intento de desacreditar la seriedad del mundo del arte. En parte era cierto: algunos artistas Pop compartían el credo antiartístico y antiestético de los primeros dadaístas. Sin embargo, la corriente principal del Pop Art era más positiva y estaba más preocupada por crear nuevas formas de expresión, utilizando nuevos métodos y nuevas imágenes pictóricas, que por denigrar la tradición. De hecho, muchos artistas Pop se veían a sí mismos como una contribución a las artes visuales y no como su escoria.

Un estilo de arte más inclusivo y relevante

Por muy exquisitamente concebidas y pintadas que estuvieran, o por muy bien recibidas que fueran por influyentes críticos de arte como Clement Greenberg (1909-1994), Harold Rosenberg (1906-1978) y otros, las monumentales obras del Expresionismo Abstracto de Mark Rothko eran prácticamente desconocidas para el gran público estadounidense (o británico). En cambio, casi todo el mundo reconocía a Elvis, Marilyn Monroe y otras numerosas celebridades, así como alimentos populares y otros productos de marca, que rápidamente se convirtieron en un elemento básico del Pop Art. Así, desde el principio, el Pop Art manifestó su intención de abandonar la naturaleza elitista del arte tradicional o elevado en favor de representaciones populistas de temas famosos.

Para la mayoría de la gente de finales de los 50 y principios de los 60, ir a un museo de arte significaba pasar tediosamente por delante de filas y filas de cuadros oscuros, la mayoría de los cuales no eran ni comprensibles ni interesantes. Por regla general, las obras más famosas (y los artistas que las crearon) no podían apreciarse simplemente mirándolas, y era necesario estudiar detenidamente la guía del museo.

El arte pop desempeñó un papel importante en la apertura del mundo de la pintura y la escultura a la gente corriente que, quizá por primera vez en su vida, podía reconocer y apreciar al instante la exposición que tenía delante. Puede que no les gustara, pero era mucho menos probable que se sintieran intimidados por una imagen cotidiana con la que podían identificarse. En este sentido, el arte pop hizo que los museos y galerías fueran más relevantes para el público en general.

Espejo para el público

A diferencia del dadaísmo, cuyo objetivo totalmente negativo era socavar y destruir los valores de la clase dirigente burguesa, a la que culpaban de la carnicería de la Primera Guerra Mundial, el arte pop pretendía reflejar los valores sociales y el entorno del que surgió. Así, se centraron en las pasiones de la mayoría de los consumidores estadounidenses: la comida, los automóviles y el romance .

Esto se conseguía normalmente utilizando imágenes crudas o satíricas con un fuerte impacto visual. Y si se les criticaba por abordar estos temas, podían decir simplemente que (en palabras de Shakespeare) «se limitaban a mirar a la naturaleza», o en su caso «a la sociedad moderna». Aunque sólo fuera eso, el Pop Art fue «una expresión de posguerra» de un mundo completamente consumido por la búsqueda del materialismo.

Tendencias postmodernistas

El arte pop comenzó con la pintura, distinguiéndose principalmente por una nueva gama de temas populistas que sus autores esperaban que transmitieran una realidad más relevante y contemporánea. Posteriormente, se fue preocupando cada vez más no por representar la realidad (o la naturaleza), sino por el impacto, el medio y el estilo.

Esta tendencia, que casi siempre lleva a difuminar la línea entre arte y exhibición -entre algo bello y mero entretenimiento- es el sello del arte posmoderno . Por este motivo, el arte pop puede considerarse el primer movimiento que trasciende el modernismo y se adentra en la era del arte actual .

En esencia, los artistas pop de la década de 1960 allanaron el camino al fotorrealismo, y más tarde al briteart y otros estilos modernos similares que surgieron en las décadas siguientes. También allanaron el camino para los diseños de edificios posmodernistas que redefinieron significativamente la arquitectura estadounidense .

Críticas contra el público y los coleccionistas

Los críticos a menudo despreciaban el Pop Art por su enfoque poco intelectual. Por ejemplo, Harold Rosenberg, uno de los críticos de arte más influyentes en el campo del arte contemporáneo, lo describió así: "Como un chiste sin gracia contado una y otra vez hasta que empieza a sonar como una amenaza….". Arte publicitario que se anuncia a sí mismo como arte que odia la publicidad".

En respuesta, uno podría preguntarse razonablemente: ¿de qué debería preocuparse el arte si no es de la sociedad de la que procede? Al fin y al cabo, incluso en los años sesenta bastaba con ver la televisión con su incesante aluvión de anuncios, conducir por calles repletas de vallas publicitarias o leer revistas de papel satinado con imágenes repetitivas de estrellas de la música y el cine para apreciar la orientación "lowbrow" de la vida moderna. ¿Por qué iba a ser diferente el arte?

Y lo que es más importante, el arte pop fue (y sigue siendo) uno de los estilos artísticos más populares que consiguió llegar a un público amplio de una forma que pocos movimientos artísticos contemporáneos han conseguido -y no han conseguido desde entonces. Y a los coleccionistas de arte también les gusta.

Por ejemplo, el cuadro False Start» (1959) de Jasper Johns «se vendió en 2006 por 80 millones de dólares: la novena obra de arte más cara de la historia. (Para más información, véase Los 10 cuadros más caros). Green Car Crash «» (1963) de Andy Warhol (polímero sintético, tinta serigráfica y acrílico sobre lino) se vendió en Christie’s, Nueva York, en 2007 por 71,7 millones de dólares, lo que la convierte en la 14ª obra de arte más cara de la historia. (Véase Los 20 cuadros más caros). No está mal para una obra de arte de gama baja.

Durante la recesión de 2009, un comprador desconocido habría adquirido un grabado de Andy Warhol «Ocho Elvis» (1964) por 100 millones de dólares (60,5 millones de libras) en una venta privada, convirtiéndolo en la 5ª obra de arte más cara jamás vendida.

Artistas pop estadounidenses famosos

Jim Dine (n.1935)

Jim Dine fue un exponente del arte neodada y pop, especializado en collages, «readymades» (o «composiciones a partir de objetos encontrados») y Happenings . Llamó la atención por primera vez en 1959 con sus «Happenings», que organizó en colaboración con Claes Oldenburg, Allan Kaprow y el compositor y conceptualista vanguardista John Cage.

En 1962 fue incluido en una importante exposición de Pop Art en Pasadena, junto a Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Philip Hefferton, Joe Hood, Edward Ruscha y Wayne Thibault. Durante la década de 1960, Dine produjo una serie de obras de arte en las que utilizaba objetos e imágenes de la cultura pop, recurriendo a veces al sensacionalismo dadá, como en su instalación «Cánticos al pene», que fue clausurada por la policía de Londres por obscenidad.

Robert Indiana (n.1928)

Nacido Robert Clark, comenzó como pintor abstraccionista y escultor en madera antes de unirse al movimiento Pop Art en Nueva York en 1954. Las plantillas desechadas le llevaron a explorar el arte de las palabras , insertando letras y palabras (por ejemplo, Love, Eat, Die) en sus cuadros, que se basaban en la decoración de las máquinas de pinball. Se autodenominó « pintor de signos estadounidense».

Se le conoce sobre todo por su representación gráfica del «Amor», que apareció por primera vez en tarjetas de Navidad y sellos. Más tarde creó una versión escultórica, que repitió en diferentes estilos e idiomas, incluida una versión de acero en hebreo, con la palabra «Ahab». En 2008, creó una nueva imagen con la palabra «Esperanza», cuyos beneficios se donaron al fondo de campaña de Barack Obama.

Jasper Jones (n. 1930)

Junto con Rauschenberg, Jones fue uno de los pioneros del Pop Art en la década de 1950. Trasladado de Carolina del Sur a Nueva York en 1949, se hizo conocido por sus pinturas de la bandera estadounidense (por ejemplo, «Flag», 1954-55), así como por otras imágenes gráficas estándar como dianas y figuras. También destacó por incorporar pintura encáustica y relieves de escayola a sus óleos .

Después de los cuadros con banderas, empezó a incorporar objetos reales a sus pinturas y también se dedicó a la escultura (por ejemplo, «Beer Cans», 1964). El uso de imágenes y materiales de la cultura pop le llevó naturalmente a ser etiquetado como artista pop, pero sus declaraciones artísticas (que incluían una cantidad significativa de parodia, paradoja y contradicción inspirada en Duchamp) también hicieron que su obra fuera etiquetada como neodadaísta .

Al ser un artista más clásico y pictórico que muchos otros jóvenes artistas pop que recurrían a las técnicas del arte comercial moderno, la obra inteligente e innovadora de Jones suscitó muchos elogios y patrocinios. Con el tiempo, empezó a utilizar otros medios, como la serigrafía y la calcografía, así como la litografía . En 1998, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York pagó 20 millones de dólares por su obra «Bandera blanca», y en 2006 su obra «Falstart» fue adquirida por coleccionistas privados por 80 millones de dólares, lo que la convirtió en la pintura más cara de un artista vivo.

Alex Katz (n. 1927)

Pintor figurativo único, aunque también trabajó en grabado y escultura, Katz se asoció con el arte pop por su reelaboración de temas tradicionales en el lenguaje pop. Es conocido por su innovadora reelaboración de las ideas impresionistas (especialmente las de Édouard Manet, Claude Monet y Georges Seurat), como diversos efectos de luz y escenas de ocio burgués, ejecutadas con las técnicas de «óleo húmedo en húmedo» y pincelada suelta. Por otra parte, algunas de sus obras tienen una presentación más bien sombría, aparentemente sin emoción ni sensibilidad.

Roy Fox Lichtenstein (1923-1997)

Destacado artista pop con un estilo reconocible al instante, su obra convirtió los gráficos de cómic en una forma de arte internacional. Comenzó como artista abstracto en la década de 1950, pero la enseñanza en la Universidad de Rutgers le puso en contacto con su colega Allan Kaprow y desencadenó su implicación con el arte de la cultura pop.

Comenzó dibujando versiones a mano alzada de fotogramas de cómics, con burbujas de texto (por ejemplo, «Look Mickey», 1961), y tuvo una exposición con entradas agotadas en la Leo Castelli Gallery de Nueva York en 1961. Al año siguiente, su obra participó en las dos grandes exposiciones de 1962 en Pasadena y Nueva York.

A finales de 1963, Lichtenstein había empezado a atraer la atención mundial. Entre sus obras más destacadas de la época se encuentran «Drowning Girl» (1963) y «Waam!». (1963). En 1989, en una subasta de arte contemporáneo de Christies en Nueva York, el cuadro de Lichtenstein «Torpedo… ¡Los!» se vendió por 5,5 millones de dólares, un récord para el artista.

Claes Oldenburg (n. 1929)

Considerado el principal escultor del Pop Art, conocido por sus instalaciones de arte público, a menudo con réplicas monumentales de objetos cotidianos, especialmente alimentos como hamburguesas y cucuruchos de helado .

Oldenburg, que vivía en Nueva York desde 1956, entró en contacto con Allan Kaprow, Jim Dine y el escultor George Segal, y quedó fascinado por los happenings y otras formas de performance e instalación artística .

Entre sus obras más destacadas se encuentran «Double Hamburger» (1962) y su pintalabios gigante, instalado en la Universidad de Yale en 1969. Su principal contribución al Pop Art, como la de Rosenquist, fue convertir objetos corrientes en arte.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Afincado principalmente en Nueva York, Rauschenberg, considerado, junto con su antiguo amante Jasper Johns, uno de los líderes del arte neodada -un movimiento temprano del Pop Art-, estudió en el Black Mountain College de Carolina del Norte en 1948 con el antiguo artista de la Bauhaus Josef Albers (conocido por su serie «Honouring the Square»).

Realizó su primera exposición individual en la Betty Parsons Gallery en 1951 y una segunda en la Charles Egan Gallery en 1954. A menudo considerado miembro del Neo-Dada por su afiliación a los readymades «» de Marcel Duchamp, es más conocido por sus « Combinaciones de pintura «de la década de 1950, consistentes en materiales y objetos poco convencionales presentados en combinaciones innovadoras. Durante esta época, Rauschenberg se especializó en el uso de «materiales encontrados», como basura y otros materiales de desecho que recogía de las calles de Nueva York. Entre 1961 y 1962, sin embargo, empezó a incorporar imágenes además de objetos encontrados, normalmente fotografías transferidas al lienzo mediante serigrafía. De este modo, su obra puede considerarse contemporánea de la de Andy Warhol. Rauschenberg también incursionó en la fotografía artística, el grabado, la fabricación de papel y el arte de la performance.

James Rosenquist (n. 1933)

Destacado artista pop, Rosenquist estudió en la Escuela de Arte de Minneapolis y posteriormente en la Universidad de Minnesota. En 1955, a los 21 años, se trasladó a Nueva York para estudiar en la Art Students League y trabajar como cartelista.

Utilizando las técnicas de pintura de carteles que había adquirido para crear cuadros a gran escala, yuxtapuso lo que parecían ser anuncios con imágenes de revistas románticas para crear una sensación de discontinuidad e irracionalidad como comentario sobre la vida contemporánea. Una de las obras más notables de esta época fue su cuadro del tamaño de una habitación «F-111» (1965). Al igual que Oldenburg, la principal contribución de Rosenquist al Pop Art fue transformar objetos ordinarios en arte dándoles un tamaño y un peso monumentales.

Edward Ruscha (n. 1937)

Chico de Oklahoma que se trasladó a Los Ángeles en 1956, Ruscha estudió en el Chouinard Art Institute (actual California Institute of the Arts) hasta 1960 (influido por el arte de Marcel Duchamp y Jasper Johns) y después trabajó como maquetista en la agencia de publicidad Carson-Roberts de Los Ángeles.

En 1962, sus pinturas aparecieron junto a obras de Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Philip Hefferton, Joe Goode, Jim Dine y Wayne Thiebaud en una innovadora exposición en el Museo de Arte de Pasadena. Entre sus primeras obras, por lo general copias escalofriantemente perfectas de vallas publicitarias y gasolineras, se encuentran «Big Trademark with Eight Spotlights» (1961), y un óleo «Standard Station, Amarillo, Texas» (1963), que recuerda a «Gas» (1940) de Hopper. A partir de mediados de la década de 1960 se dio a conocer por sus Word Paintings (también conocidas como Liquid Word Paintings).

Andy Warhol (1928-1987)

Considerado por muchos el sumo sacerdote del Pop Art, Warhol tuvo una exitosa carrera como ilustrador comercial antes de alcanzar fama mundial por sus pinturas pop, grabados, películas vanguardistas y un estilo de vida que incluía una mezcla de estrellas de Hollywood, intelectuales, artistas de vanguardia y celebridades underground. Su opinión sobre la influencia de la televisión -factor crucial en la identidad y popularidad del Pop Art- en el arte y la vida, se expresa acertadamente en su famosa frase: ’Cualquiera puede ser famoso durante 15 minutos’".

En la década de 1960 empezó a crear cuadros de productos icónicos estadounidenses, como latas de sopa Campbell’s, botellas de Coca-Cola y billetes de dólar, así como imágenes de estrellas internacionales, como Marilyn Monroe, Engrid Bergman, Elizabeth Taylor y Elvis Presley. También fundó su famoso estudio de arte neoyorquino conocido como « Factory», donde se anticipó en más de 30 años a los métodos de producción en serie de Damien Hirst.

Por encima de todo, el arte de Warhol giraba en torno a la iconografía hecha famosa por la televisión, los noticiarios y la publicidad, como las nubes en forma de hongo de la bomba atómica, las sillas eléctricas de las prisiones, los accidentes de coche y los disturbios raciales. Por tanto, sus cuadros eran reconocibles al instante y atraían el interés de las masas.

En parte eclipsado por cuestiones relacionadas con su fama y estilo de vida, el estatus de Warhol como artista innovador y extraordinariamente creativo es innegable, sobre todo por su transformación de imágenes corrientes en iconos del arte mundial. También fue excepcionalmente prolífico, trabajando en una amplia gama de medios, incluyendo el dibujo, la pintura, el grabado, la fotografía y el cine.

Artistas pop británicos famosos

Peter Blake (n.1932)

Nombrado por primera vez como miembro del naciente movimiento Pop Art británico cuando, junto con David Hockney, R.B. Kitai y otros, participó en la exposición «Young Contemporaries» en 1961, Blake atrajo una mayor atención cuando protagonizó «Pop Goes to the easel», de Ken Russell, una película sobre el Pop Art británico. Sin embargo, sigue siendo más conocido por el diseño de las portadas de los álbumes de «The Beatles» « Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band».

Patrick Caulfield (1936-2006)

Caulfield estudió en la Chelsea School of Art en 1956 y en el Royal College of Art (1960-1963), donde tuvo como compañeros a David Hockney y R.B. Kitaj. En 1964, su obra formó parte de la exposición «New Generation» en la Whitechapel Gallery de Londres, que llamó por primera vez la atención sobre su participación en la escena del Pop Art británico.

Se especializó en pinturas en las que utilizaba objetos corrientes, líneas impasibles y colores extraídos del vocabulario de la publicidad y las ilustraciones baratas para transmitir una intensidad viva y humor. A menudo figurativas, sus obras se caracterizan por representar unos pocos objetos sencillos en un interior, representados con zonas planas de color liso (o de un solo tono) bordeadas por un contorno negro.

Richard Hamilton (n.1922)

Uno de los miembros fundadores del Independent Group en el Institute of Contemporary Art de Londres, un grupo de discusión de artistas que lanzó el Pop Art en Gran Bretaña, es conocido sobre todo por su collage de 1956 titulado « Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?», considerado hoy uno de los primeros ejemplos del Pop Art británico. A mediados de la década de 1950, tras varias exposiciones individuales, Hamilton se dedicó a la enseñanza en Newcastle-Upon-Tyne, momento en el que inició un proyecto de investigación sobre el artista moderno francés Marcel Duchamp, a quien Hamilton admiraba enormemente.

A principios de la década de 1960 recibió una subvención del Arts Council of Great Britain para comisariar y conservar una colección de collages del dadaísta Kurt Schwitters «de Merzbaugh», en Cumbria. También activo en Londres como artista, profesor y activista de la CND, Hamilton comisarió una importante retrospectiva británica de la obra de Duchamp en la Tate Gallery en 1966. Además, sus contactos en la escena musical contemporánea le llevaron a entablar amistad con Paul McCartney, lo que dio lugar a que Hamilton diseñara la portada y los carteles del «Álbum Blanco» «de los Beatles» .

David Hockney (n.1937)

Importante colaborador del arte pop británico de la década de 1960 y brillante dibujante, David Hockney es uno de los artistas británicos más importantes del siglo XX. Participó en la exposición «Jóvenes Contemporáneos» (1961), que marcó la aparición del Pop Art británico, aunque su obra no se limitó en absoluto a este estilo. En 1963 visitó Nueva York, donde conoció a Andy Warhol. Después visitó Los Ángeles, en California, estado que más tarde se convertiría en su hogar durante muchos años.

El viaje a Los Ángeles le inspiró para crear una serie de cuadros que representaban piscinas, utilizando un nuevo medio, las pinturas acrílicas. Los cuadros eran de estilo plano pero muy realista, con colores brillantes. Entre las obras más destacadas de la década de 1960 se encuentran «Peter climbing out of Nick’s Pool» (1966), que ganó el premio John Moores en la Walker Art Gallery de Liverpool al año siguiente; «Sunbather» (1966); y «Bigger Splash» (1967), que se compró en 2006 por 2,6 millones de libras, un precio récord para un cuadro de Hockney.

Allen Jones (n. 1937)

Uno de los fundadores del Pop Art británico, Jones utiliza imágenes figurativas sencillas combinadas con colores vivos y llamativos. Es conocido sobre todo por sus esculturas eróticas (por ejemplo, el conjunto «Chair, Table and Hat Stand», 1969). Otras obras notables son «Wet Print» (1966) y «What do you mean, what do I mean?». También es artista gráfico y pintor al óleo.

Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005)

Fundador del Pop Art británico, Paolozzi estudió en el Edinburgh College of Art (1943), la St Martin’s School of Art (1944) y la Slade School of Art (1944-1947) antes de trabajar en París, Francia (1947-1949), donde conoció a varios artistas de renombre y se dejó influir por ellos, Entre ellos, el escultor suizo Alberto Giacometti, el antiguo dadaísta y surrealista Jean Arp, el escultor rumano Constantin Brancusi, y los cubistas Georges Braque y Fernand Léger. Su seminal collage «I was a rich man’s toy « (1947) hace referencia a este periodo parisino.

De regreso a Londres, trabajó con esculturas, construcciones, collages y litografías, principalmente en un estilo surrealista, incorporando a sus composiciones una gran variedad de objetos y materiales. En 1952 se convirtió en uno de los principales fundadores del Independent Group (Grupo Independiente), cuyos debates prefiguraron en muchos aspectos la escuela de arte pop que pronto surgiría.

Neo-pop

En la década de 1980 resurgió el interés por el Pop Art, fenómeno conocido como Neo-Pop (o «Shock Pop Art»). No se trataba de un nuevo movimiento artístico propiamente dicho, sino más bien de un renacimiento de las obras de arte basadas en la cultura popular, esta vez tomada de la década de 1980. Mientras que el movimiento artístico pop original era totalmente vanguardista, el arte neopop es más bien una repetición.

Así, los artistas neopop siguen utilizando «readymades» y objetos preexistentes en sus obras, y se basan en gran medida en iconos célebres como Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Paris Hilton, etcétera. También se inspiran en Minimalismo, Arte conceptual, Fotorrealismo, Instalación y Performance, entre otros. El neopop es simplemente una versión más extrema de Warhol, Oldenburg y Rauschenberg.

El principal exponente del neopop es Jeff Koons (n.1955), sobre quien el famoso crítico Robert Hughes escribió lo siguiente: «Koons realmente se cree Miguel Ángel y no tiene reparos en decirlo. Lo que importa es que hay coleccionistas, sobre todo en Estados Unidos, que se lo creen. Tiene una certeza visceral, una áspera charla sobre la trascendencia a través del arte, como un bautista disecado vendiendo hectáreas de pantano en Florida. Y como resultado no se puede imaginar la cultura corrupta de Estados Unidos sin él». ¿Reflejos de las críticas a Andy Warhol y Damien Hirst? (Koons fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias en 2005).

Otros líderes son Katharina Fritsch, Daniel Edwards, y Yasumasa Morimura . Entre las obras icónicas del neopop, ambas de Jeff Koons, figuran «Michael Jackson and Bubbles» (1988) -vendida en 1991 por 5,6 millones de dólares- y «Puppy» (1992).

Artistas neopop famosos

Ashley Bickerton, Rah Crawford, Daniel Edwards, Katharina Fritsch, Keith Haring, Damien Hirst, Gary Hume, Jeff Koons, Mark Kostabi, Ingvar Larsen, Allan McCollum, Komar y Melamid, Cady Noland, Charles Ray, Kenny Scharf, Haim Steinbach, Gavin Turk.

EVOLUCIÓN DEL ARTE VISUAL
Para más información sobre tendencias y estilos en el arte, véase: Historia del arte .