Pop Art: historia, características Traductor traducir

¿Qué es el arte pop? – Características

El término Pop-Art fue inventado por el curador británico Lawrence Alloway en 1955, para describir una nueva forma de arte "popular": un movimiento caracterizado por las imágenes del consumismo y la cultura popular . El Pop-Art surgió tanto en Nueva York como en Londres a mediados de la década de 1950 y se convirtió en el estilo de vanguardia dominante hasta finales de la década de 1960. Caracterizado por imágenes audaces, simples y cotidianas, y colores de bloques vibrantes, era interesante de ver y tenía una sensación moderna de "cadera". Los esquemas de colores brillantes también permitieron esta forma de arte de vanguardia enfatizar ciertos elementos en la cultura contemporánea, y ayudó a reducir la brecha entre las artes comerciales y las bellas artes. Fue el primer movimiento posmodernista (donde el medio es tan importante como el mensaje), así como la primera escuela de arte en reflejar el poder del cine y la televisión, del cual muchas de sus imágenes más famosas adquirieron su fama. Las fuentes comunes de la iconografía pop fueron anuncios, empaques de productos de consumo, fotos de estrellas de cine, estrellas del pop y otras celebridades, y tiras cómicas.

Principales artistas pop

En Arte americano , los exponentes famosos del pop incluyeron a Robert Rauschenberg (1925-2008), Jasper Johns (nacido en 1930), Roy Lichtenstein (1923-97) y Andy Warhol (1928-87). Otros exponentes estadounidenses incluyen: Jim Dine (nacido en 1935), Robert Indiana (también conocido como John Clark) (nacido en 1928), Ray Johnson (1927-95), Alex Katz (nacido en 1927), Claes Oldenburg (nacido en 1929), Ed Ruscha (nacido en 1937), James Rosenquist (n. 1933) y Tom Wesselmann (n. 1931). Para más información, vea Pop Art de Andy Warhol de los años sesenta y setenta.

Los principales artistas pop británicos incluyeron: Sir Peter Blake (nacido en 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (nacido en 1922), David Hockney (nacido en 1937) y Allen Jones (nacido en 1937).

Orígenes e influencias

El pop-art, como casi todos los estilos artísticos significativos, fue en parte una reacción contra el status quo. En la década de 1950, el estilo principal era Expresionismo abstracto , un estilo de pintura arcano no figurativo que, aunque admirado por los críticos, los amantes del arte serios y los visitantes experimentados del museo, no se "conectaba" ni con el público en general ni con muchos artistas. En gran medida como un estilo pictórico, cuanto más abstracto y expresivo se volvió, mayor fue la oportunidad de un nuevo estilo que empleara imágenes más figurativas y más realistas: a saber, algo en lo que la fraternidad de artistas más amplia podría tener sus dientes y eso los espectadores podrían relacionarse. Así, el Pop-art, que se convirtió debidamente en el estilo artístico establecido, y que a su vez fue reemplazado por otras escuelas después de 1970.

En cierto modo, la aparición del pop-art (y su ascendencia sobre el expresionismo abstracto) fue similar al surgimiento de Dada y su sucesor más amplio Surrealismo (y su ascendencia sobre Cubismo ) Ambas escuelas superadas (expresionismo abstracto y cubismo) involucraban estilos altamente intelectuales con un atractivo limitado para los amantes del arte convencional. Es cierto que Dada era esencialmente antiarte, pero los años durante los cuales floreció entre 1916 y 1922 estuvieron marcados por una gran polarización y luchas políticas, y tan pronto como las cosas se calmaron, la mayoría de los dadaístas se convirtieron en surrealistas. En cualquier caso, como se explica a continuación en Objetivos y Filosofía , el arte pop comparte muchas de las características del Dada-Surrealismo y está en deuda con él por varias técnicas derivadas de Kurt Schwitters ’collages, el " readymades "de Marcel Duchamp , las imágenes icónicas de Rene Magritte y las atrevidas creaciones de Salvador Dali (por ejemplo, Mae West Lips Sofa ; Lobster Telephone ).

Y si el surrealismo era esencialmente internalista y de naturaleza escapista, mientras que el Pop-art se definía por fuerzas consumistas externas, ambos se consumían por la necesidad de tener un fuerte impacto visual en el público en general.

Otro artista que puede haber tenido un impacto en el pop-art, es Edward Hopper (1882-1967), el pintor realista de la América urbana. Aunque su estilo pictórico es muy diferente de la mayoría de las obras pop, sus imágenes simples de escenas cotidianas ultra americanas (por ejemplo, "Night Hawks", 1942 y "Gas", 1940) eran bien conocidas por la generación pop, y pueden haber informado a sus pinturas

NOTA: Para otras tendencias importantes del siglo XX similares al arte pop, vea Movimientos de arte, escuelas (desde aproximadamente 100 a. C.).

Historia

El Pop-Art británico surgió dentro del Grupo Independiente : un círculo informal de artistas, entre ellos el pintor Richard Hamilton, el curador y crítico de arte Lawrence Alloway, y el escultor Eduardo Paolozzi, que se reunieron en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres.

Desde la primera reunión, en 1952, cuando Paolozzi presentó una serie de collages reunidos a partir de recortes de revistas y otros " objetos encontrados ", incluido su (ahora) famoso collage titulado" Yo era el juguete de un hombre rico "(creado 5 años antes en 1947), sus debates se centraron principalmente en el valor artístico y la relevancia de la cultura de masas popular .

Cuatro años después, en 1956, otro miembro del grupo, Richard Hamilton, produjo su propio collage: "¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan atractivas?" – que, junto con el collage de Paolozzi de 1947, es considerado como uno de los primeros ejemplos de Pop-Art británico. En 1961, una serie de obras de estilo pop de Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones, RB Kitaj y Peter Phillips, se presentaron en la Exposición de jóvenes contemporáneos . En 1962, se dio más publicidad al pop británico cuando la BBC proyectó " Pop Goes the Easel ", una película de Ken Russell que exploraba el nuevo movimiento en Gran Bretaña.

Estados Unidos

Mientras tanto, en Estados Unidos, a mediados de la década de 1950, el mundo del arte estaba siendo sacudido por varios artistas vinculados a pequeños movimientos (por ejemplo, Neo-Dada , Funk Art , Lettrism , Beat Art , Polymaterialism , Common-Object , por nombrar solo un pocos), muchos de los cuales estaban incorporando artículos de cultura de masas en sus obras. Querían que su arte fuera mucho más inclusivo que los estilos tradicionales (como el expresionismo abstracto), por lo que utilizaron materiales no artísticos y se centraron en temas ordinarios y fácilmente reconocibles que expresaban la cultura popular de la época.

Entre este aumento de la innovación, el trabajo de Robert Rauschenberg Ray Johnson (1927-95) y Jasper Johns , comenzaba a tener un impacto en la importante escena artística de Nueva York. Entre ellos, abrieron toda una gama de temas nuevos: Johns, con sus pinturas de banderas, objetivos y números, así como sus esculturas de objetos como latas de cerveza; Rauschenberg, con su collage y arte de ensamblaje y "combinar pinturas" (en las que se combina un lienzo pintado con varios objetos o imágenes fotográficas, como: "Monogram" [1955-9] que comprende una cabra de peluche con una llanta en el centro) de animales de peluche, Coca-Cola botellas y otros artículos; Johnson con sus famosos collages de James Dean, Shirley Temple y Elvis. Otros pioneros influyentes y defensores del pop-art fueron el compositor. John Cage (un maestro influyente en el Black Mountain College en Carolina del Norte), y el artista de Performance Allan Kaprow (1927-2006).

Esta creciente ola de nuevos pensamientos se vio reforzada por el renovado interés en los movimientos de vanguardia anteriores como Dada y el surrealismo, cuya vitalidad perdurable se vio reforzada por la influencia, si no la presencia real, de varios ex-dadaístas y surrealistas, como Marcel Duchamp, Max Ernst y conversos locales, como Joseph Cornell. Dicho esto, es importante afirmar que, si bien los artistas de vanguardia estadounidenses de este período (especialmente Rauschenberg) estaban en deuda con europeos anteriores (como Duchamp, Schwitters et al) por establecer ciertas tradiciones (como el collage), su enfoque único estaba en producir arte que refleja la realidad de la América contemporánea .

A principios de la década de 1960, una cohorte de artistas de estilo pop comenzó a ganar fama a través de exposiciones individuales en lugares como Nueva York y Los Ángeles, varios de los cuales utilizaron técnicas de grabado comercial (por ejemplo. impresión de pantalla ) para crear su arte, en lugar de los métodos pictóricos tradicionales. Estos nuevos talentos incluyen: Jim Dine, Robert Indiana, Alex Katz, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselmann y Andy Warhol. Varios trabajos, que luego se convirtieron en iconos, se mostraron por primera vez. Incluían los aceites de historietas de Lichtenstein, las serigrafías de Warhol de las latas de sopa de Marilyn Monroe y Campbell, y las monumentales hamburguesas y helados de vinilo de Oldenburg.

Curiosamente, hasta finales de 1962 o principios de 1963, estos artistas todavía fueron etiquetados por los críticos como Nuevos Realistas o algún otro término similar. Así, las dos importantes exposiciones de arte realizadas en el otoño de 1962, una curada por Walter Hopps en el Museo de Arte de Pasadena, la otra en la Galería Sidney Janis de Nueva York, se titulaban " La nueva pintura de objetos comunes " (Pasadena) y " Nuevo realismo "(Nueva York). Solo en lo sucesivo se utilizó el término Pop-art como un nombre técnico para el movimiento, en parte debido a la incomodidad de los críticos con el término Realista , y en parte debido a la presencia en Nueva York de Lawrence Alloway, ahora curador en el Museo Guggenheim, que abogó por la adopción del término.

A partir de 1963, el pop-art se extendió por toda América y, con la ayuda de artistas pop británicos, se estableció en el continente. El aumento del movimiento fue ayudado por el crecimiento paralelo en otras áreas. En economía, a través del crecimiento de la economía mundial en general y de la economía estadounidense en particular; en ciencia, a través de la difusión de la televisión ; en la música contemporánea, (que se conoció como "Pop") a través de la miniaturización de la radio, el aumento de la producción discográfica, la aparición de grupos de culto como The Beatles y el fenómeno de la pychedelia ; y finalmente a través de un mercado de arte en expansión .

Durante la década de 1960, Andy Warhol surgió como el Damien Hirst de su época, ganando fama y notoriedad en cantidades iguales por sus icónicas serigrafías de celebridades, su trabajo de cine conceptualista, sus métodos de producción de arte cada vez más elegantes y su autopromoción, al menos hasta que le dispararon e hirieron gravemente el 3 de junio de 1968. Roy Lichtenstein También se convirtió en un nombre familiar a través de sus explosiones de historietas y varias retrospectivas de prestigio en ambos lados del Atlántico. Mientras tanto, Rauschenberg ganó el Gran Premio en la Bienal de Venecia de 1964 y mantuvo su reputación de vanguardia ayudando a formar EAT (Experimentos en Arte y Tecnología) en 1966 para impulsar la colaboración entre artistas e ingenieros, mientras que Johns mantuvo su alto prestigio al ganar primer premio en la Bienal de Sao Paulo de 1967.

Quizás inevitablemente, habiendo resistido la conformidad de la década de 1950 y el pánico de la crisis de los misiles cubanos (1962), el arte pop estadounidense alcanzó su apogeo durante la segunda mitad de la década de 1960, solo para encontrarse infectado y socavado por la angustia de la crisis. Era de la guerra de Vietnam y el correspondiente aumento del antiamericanismo.

Gran Bretaña

A pesar de ser menos temerario, menos cursi, más romántico y más nostálgico que su contraparte al otro lado del Atlántico, el pop-art británico a principios y mediados de la década de 1960 estuvo fuertemente influenciado por una cultura pop estadounidense que consideraba más actualizada y más emocionante que la variedad local. Fue durante este período que Gran Bretaña comenzó a importar una cantidad sustancial de programas de televisión estadounidenses , así como otras características de la vida estadounidense, como bares de hamburguesas y otros locales de comida rápida. Como resultado, los artistas comenzaron a recurrir a las imágenes estadounidenses para inspirarse, aunque a menudo con una inclinación muy británica. Por otro lado, la industria de publicidad e impresión británica estaba mucho menos desarrollada, lo que impedía a los artistas británicos utilizar técnicas ya establecidas en Nueva York (por ejemplo, la serigrafía) y los obligaba a confiar en técnicas más antiguas.

Europa

En Europa, la primacía de la cultura popular estadounidense se diluyó tanto por el lenguaje como por la política. En París, todavía preocupado por su condición de joven en Nueva York como el principal centro de arte del mundo, la cultura pop estadounidense fue tolerada en lugar de celebrada. Además, la vanguardia francesa, tal vez debido a su Partido Comunista arraigado, tenía un sabor más político y, por lo tanto, adoptó una línea más dadaísta que fomentaba la participación de la audiencia en su actuación preferida, los acontecimientos y el arte conceptual bajo el término general de Nouveau Realisme (c.1960-70). Los principales "artistas pop" franceses o Nouveau Realistes fueron: Yves Klein (1928-62), Francois Dufrene (1930-82), Matial Raysse (n. 1936), Jacques de la Villegle (n. 1926), Jacques Monory (n. 1934), Alain Jacquet (n. 1939), Jean Tinguely (1925-91). Italia, siendo menos política (¡a pesar de un Partido Comunista aún más grande!) Permaneció más abierta a las posibilidades artísticas y de diseño inherentes al Pop-art. Por ejemplo, fue un grupo de diseño italiano compuesto por Jonathan De Pas (1932-91), Paolo Lomazzi (n. 1936) y Donato d’Urbino (n. 1935) que crearon "Joe Sofa" (1971), un sofá que se asemeja a un gigantesco guante de béisbol.

Los objetivos, la filosofía y los métodos del arte pop

Ningún movimiento artístico internacional que dure más de 15 años y abarque todos los tipos de arte, géneros y tipos de medios conocidos, así como formas completamente nuevas, puede resumirse en unas pocas oraciones. Aun así, no es posible comprender el Pop-art sin tener en cuenta los siguientes conceptos que ayudan a caracterizar su núcleo.

Significado instantáneo

La idea básica detrás del Pop-art era crear una forma de arte con significado instantáneo. Esto estaba en marcado contraste con el superintelectualismo del expresionismo abstracto con sus lienzos esotéricos tan queridos por los profesionales de las artes. Para lograr su objetivo de significado instantáneo, los artistas Pop experimentaron con nuevos procesos comerciales, como Pintura acrílica , collage sobre lienzo con materiales que normalmente no están asociados con la pintura y la serigrafía. Además, las imágenes y los esquemas de color para la mayoría de las pinturas y esculturas de arte pop se tomaron de fuentes de consumo o medios de comunicación de alto perfil y fácilmente reconocibles como: bienes de consumo, gráficos publicitarios, revistas, televisión, películas, dibujos animados y cómics. Las personas y los objetos se presentaron en colores brillantes, a menudo de alto contraste, mientras que las composiciones eran típicamente muy simples y visualmente atractivas para el público en general.

El arte se puede hacer de cualquier cosa

Hasta el siglo XX, tradicional. pintura de bellas artes normalmente se hacía en aceites: escultura en bronce, piedra o madera. Además, los sujetos eran típicamente aquellos considerados dignos de tratamiento estético: el desnudo humano, el rostro humano, el paisaje clásico, la escena de género o la naturaleza muerta. Incluso el cubismo, a pesar de su naturaleza revolucionaria, tendió a observar muchas de estas convenciones artísticas. Luego vino la Primera Guerra Mundial y el movimiento antiarte conocido como Dada. Este movimiento inició la idea de que el arte se puede crear a partir de todo tipo de cosas, incluidas las sobras de material cotidiano más banales. Los artistas pop mantuvieron y desarrollaron esta idea. Presentaron el mundo moderno de la cultura popular con los materiales que consideraban apropiados, sin importar cuán triviales o triviales.

La idea es más importante que la obra de arte misma

Además, hasta Dada, la característica esencial de las bellas artes tradicionales era el trabajo en sí mismo: la pintura, la escultura, el grabado, el tallado o lo que sea. Sin una "obra de arte", no había nada. Por lo tanto, toda la atención se centró en la calidad del producto terminado y las habilidades necesarias para producirlo. Dada se rebeló contra esto celebrando la "idea detrás de la obra de arte" en lugar del trabajo en sí. Muchos artistas pop continuaron esta tradición de Arte conceptual . Le dieron más importancia al impacto del trabajo, y menos importancia a la realización del mismo. Al igual que el uso de materiales de bajo perfil, este énfasis en el concepto y el impacto de una obra se interpretó como un intento de desacreditar la gravedad del mundo del arte. Esto era en parte cierto: algunos artistas pop compartían el credo antiarte y antiestético de los anteriores dadaístas. Sin embargo, la corriente principal del pop era más positiva y estaba más preocupada por crear nuevas formas de expresión, utilizando nuevos métodos y nuevas imágenes pictóricas, que denigrar la tradición. De hecho, muchos artistas pop se vieron a sí mismos contribuyendo, en lugar de desechar, a las bellas artes.

Un estilo de arte más inclusivo y relevante

No importa cuán exquisitamente concebido y pintado, y qué tan bien recibido por críticos de arte influyentes como Clement Greenberg (1909-94) Harold Rosenberg (1906-78) y otros, las monumentales obras de Mark Rothko sobre el expresionismo abstracto eran en gran parte desconocidas para el público estadounidense (o británico) en general. Por el contrario, casi todos reconocieron a Elvis , Marilyn Monroe y muchas otras celebridades, así como a las populares comidas y otras marcas de productos de marca que rápidamente se convirtieron en el tema principal del Pop-art. Así, desde una etapa muy temprana, el Pop-art declaró su intención de rechazar el carácter elitista del arte tradicional o de alto nivel en favor de las imágenes populistas de temas conocidos.

Para la mayoría de las personas a fines de la década de 1950 y principios de la década de 1960, un viaje a un museo de arte implicaba un tedioso recorrido por filas de pinturas oscuras, la mayoría de las cuales no eran comprensibles ni entretenidas. Por lo general, las obras más famosas (y los artistas que las crearon) no podían apreciarse simplemente al verlas, sino que requerían un estudio minucioso de la guía del museo. El arte pop fue fundamental para abrir el mundo de la pintura y la escultura a la gente común que, tal vez por primera vez en sus vidas, pudo reconocer y apreciar instantáneamente la exhibición frente a ellos. Puede que no les guste, pero es mucho menos probable que se sientan intimidados por una imagen cotidiana con la que puedan identificarse. En este sentido, el arte pop hizo que los museos y galerías fueran más relevantes para el público en general.

Sosteniendo el espejo a la sociedad

A diferencia de Dada, cuyo objetivo completamente negativo era subvertir y socavar los valores de un establecimiento burgués al que culpó de la carnicería de la Primera Guerra Mundial, el arte pop buscó reflejar los valores sociales y el entorno del que surgió. Por lo tanto, se centraron en las preocupaciones compartidas por la mayoría de los consumidores estadounidenses: comida , automóviles y romance . Por lo general, esto se logró utilizando imágenes descaradas o satíricas con un fuerte impacto visual. Y si fueran criticados por preocuparse por tal tema, simplemente podrían decir que simplemente (en palabras de Shakespeare) "estaban sosteniendo el espejo frente a la naturaleza", o en su caso, "sociedad moderna". Por lo menos, el Pop-art era "la" expresión de posguerra de un mundo totalmente preocupado por la búsqueda del materialismo.

Tendencias posmodernas

El arte pop comenzó de manera pictórica, distinguiéndose principalmente por su nueva gama de temas populistas que esperaba transmitir una realidad más relevante y actualizada. A partir de entonces, gradualmente se preocupó cada vez más, no con la representación de la realidad (o la naturaleza), sino con el impacto, el medio y el estilo. Tal tendencia, que casi siempre conduce a un desenfoque de la línea entre el arte y la demostración, entre algo de belleza y mero entretenimiento, es el sello distintivo de arte posmodernista . Por esta razón, el Pop-art puede considerarse el primer movimiento que progresa más allá del modernismo hacia el arte contemporáneo era. En efecto, los artistas pop de la década de 1960 abrieron un camino para Fotorrealismo y más tarde Britart y otros estilos contemporáneos similares que surgieron en las décadas siguientes. También allanaron el camino para los diseños de edificios posmodernos, que rehumanizaron Arquitectura americana significativamente.

Críticas contra el público y coleccionistas

El pop-art a menudo fue despreciado por los críticos por su bajo enfoque. Por ejemplo, Harold Rosenberg, uno de los más influyentes. críticos de arte en el campo del arte contemporáneo, lo describió como "como una broma sin humor, contada una y otra vez hasta que comienza a sonar como una amenaza… Arte publicitario que se anuncia a sí mismo como un arte que odia la publicidad". En respuesta, uno podría preguntarse razonablemente: ¿con qué debería preocuparse el arte en sí mismo, si no con la sociedad de la que proviene? Después de todo, incluso en la década de 1960, uno solo tenía que mirar televisión, con su incesante aluvión de comerciales, o conducir por calles cubiertas de vallas publicitarias, o leer revistas brillantes llenas de instantáneas repetitivas de estrellas de música y cine, para apreciar lo intrínsecamente bajo. -enfoque marrón de la vida moderna. ¿Por qué el arte debería ser diferente?

Más importante aún, el Pop-art fue (y sigue siendo) uno de los estilos de arte más populares, que logró llegar al público en general de una manera que pocos movimientos de arte moderno lo hicieron, o lo han hecho desde entonces. Y coleccionistas de arte Me gusta también. Por ejemplo, la pintura "False Start" (1959) de Jasper Johns se vendió en 2006 por $ 80 millones: la novena obra de arte más cara de la historia. (Para más información, vea Las 10 pinturas más caras ) El trabajo "Green Car Crash" (1963) (polímero sintético, tinta de serigrafía y acrílico sobre lino) de Andy Warhol vendido en Christie’s , Nueva York, en 2007, por $ 71.7 millones, lo que la convierte en la decimocuarta obra de arte de mayor precio jamás vendida. (Ver Las 20 pinturas más caras ) No está mal para una obra de arte de bajo perfil.

Durante la recesión de 2009, un comprador desconocido compró la serigrafía de Andy Warhol, Eight Elvises (1964) por la friolera de $ 100 millones (£ 60.5 millones) en una venta privada, lo que la convierte en la quinta obra de arte más cara jamás vendida.

Famosos artistas pop estadounidenses

Jim Dine – Robert Indiana – Jasper Johns – Alex Katz – Roy Lichtenstein
Claes Oldenburg – Robert Rauschenberg – James Rosenquist – Edward Ruscha
Andy Warhol

Jim Dine (nacido en 1935)

Jim Dine fue un exponente de Neo-Dada y Pop-art, especializado en collages, "readymades" (u "objetos encontrados compuestos") y Acontecimientos . Primero llamó la atención en 1959 con sus Happenings, que realizó en colaboración con Claes Oldenburg, Allan Kaprow y el compositor y conceptualista de vanguardia John Cage. En 1962, fue incluido, junto con Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode, Edward Ruscha y Wayne Thiebaud, en la importante exposición de arte pop en Pasadena. Durante la década de 1960, Dine produjo una serie de obras de arte utilizando elementos e imágenes de la cultura pop, recurriendo ocasionalmente al sensacionalismo de Dada, como en su evento de instalación "Canticles to the Penis", que la policía cerró en Londres por ser indecente.

Robert Indiana (nacido en 1928)

Nacido Robert Clark, comenzó como pintor abstracto y escultor de madera antes de unirse al movimiento de arte pop en la ciudad de Nueva York en 1954. Las plantillas descartadas lo llevaron a explorar una gama de arte de palabras poniendo letras y palabras (por ejemplo, Amor, Comer, Morir) en sus pinturas que se basaron en la decoración de las máquinas de pinball. Se llamó a sí mismo el " pintor estadounidense de los signos ". Es mejor conocido por su imagen gráfica de los años sesenta "Love", que apareció por primera vez en tarjetas y sellos de Navidad. Más tarde creó una versión escultórica, que replicó en diferentes estilos e idiomas, incluida una versión hebrea de acero, utilizando la palabra "Ahava". En 2008, creó una nueva imagen empleando la palabra "Esperanza", cuyos ingresos fueron donados al fondo de la campaña electoral de Barack Obama.

Jasper Johns (nacido en 1930)

Junto con Rauschenberg, Johns fue uno de los primeros pioneros del pop-art durante la década de 1950. Al mudarse de Carolina del Sur a Nueva York en 1949, se hizo conocido por sus pinturas con la bandera estadounidense (por ejemplo, "Bandera", 1954-55), así como otras imágenes gráficas estándar como objetivos y números. También se destacó por incluir pintura encáustica y alivio de yeso en su pinturas de óleo . Después de sus fotos de la bandera, comenzó a incorporar objetos reales en sus pinturas y también tomó la escultura (por ejemplo, "Ale Cans", 1964). Su uso de imágenes y materiales de la cultura pop naturalmente lo llevó a ser etiquetado como artista pop, pero sus declaraciones artísticas (incluida una gran cantidad de parodias, paradojas y contradicciones similares a Duchamp) también han llevado a que su trabajo sea descrito como Neo -Dadaist . Más de un artista clásico y pictórico que muchos otros jóvenes practicantes del pop que confiaban en las técnicas del arte comercial moderno, las obras inteligentes e innovadoras de Johns atrajeron muchos elogios y patrocinios. A su debido tiempo, exploró varios otros medios, incluidas serigrafías e impresiones en huecograbado, y litografías . Según los informes, en 1998, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York pagó $ 20 millones por su trabajo "Bandera blanca", mientras que en 2006, su trabajo "False Start" fue comprado por coleccionistas privados por un valor de $ 80 millones, por lo que es la pintura más cara. por un artista vivo

Alex Katz (nacido en 1927)

Un pintor figurativo único, aunque también ha trabajado en grabado y escultura, Katz se asoció con el arte pop debido a su reelaboración de temas tradicionales en un idioma pop. Es conocido por su reformulación innovadora de las ideas utilizadas por los impresionistas (especialmente Edouard Manet, Claude Monet y Georges Seurat), como los diferentes efectos de la luz y las escenas de los buscadores de ocio burgueses, ejecutados utilizando técnicas de aceite húmedo en húmedo y pincelada suelta Por otro lado, algunas de sus obras se presentan de manera bastante sombría, aparentemente sin emoción ni sensibilidad.

Roy Fox Lichtenstein (1923-97)

Un artista pop líder con un estilo reconocible al instante, sus obras convirtieron los gráficos de historietas en una forma de arte internacional. Comenzando como artista abstracto en la década de 1950, un puesto de enseñanza en la Universidad de Rutgers lo puso en contacto con su compañero profesor Allan Kaprow, y provocó su participación en el arte de la cultura pop. Comenzó pintando versiones a mano alzada de marcos de tiras cómicas , completas con burbujas de texto (por ejemplo, "Look Mickey", 1961), y tuvo un espectáculo con entradas agotadas en la galería de Nueva York de Leo Castelli , en 1961. Al año siguiente, sus obras aparecieron en las dos principales exposiciones de 1962 en Pasadena y Nueva York. A fines de 1963, Lichtenstein comenzó a lograr la atención mundial. Las obras icónicas de la época incluyen: "Drowning Girl" (1963) y "Whaam!" (1963) En 1989, en la venta de Christies de arte contemporáneo en Nueva York, la pintura de Lichtenstein "Torpedo… Los!" vendido por $ 5.5 millones, un récord para el artista.

Claes Oldenburg (nacido en 1929)

Considerado como el principal escultor del arte pop, conocido por sus instalaciones de arte público, a menudo con réplicas monumentales de objetos cotidianos, especialmente alimentos como hamburguesas y conos de helado . Activo en Nueva York desde 1956, Oldenburg entró en contacto con Allan Kaprow, Jim Dine y el escultor George Segal, y se dedicó a los acontecimientos y otras formas de Actuación y Arte de instalación . Las obras destacadas incluyeron: "Dual Hamburger" (1962), así como su lápiz labial gigante erigido en la Universidad de Yale en 1969. Su principal contribución al Pop, similar a la de Rosenquist, fue convertir objetos comunes en arte.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Con base en gran parte en la ciudad de Nueva York, Rauschenberg, considerado, junto con su amante Jasper Johns, como uno de los líderes de Arte Neo-Dada – Una de las primeras variedades de Pop-art – estudió en Black Mountain College en Carolina del Norte, en 1948, bajo el ex artista de la Bauhaus Josef Albers (famoso por su serie "Homenaje a la plaza"). En 1951 tuvo su primera exposición individual en la Galería Betty Parsons, y en 1954 tuvo una segunda exposición individual en la Galería Charles Egan. A menudo descrito como miembro de Neo-Dada por su afiliación con los "readymades" de Marcel Duchamps, es mejor conocido por sus " Combinaciones de pintura " de la década de 1950, que consisten en materiales y objetos no tradicionales presentados en combinaciones innovadoras. En este momento, Rauschenberg se especializó en el uso de materiales "encontrados" como basura y otros detritos que recolectó en las calles de Nueva York. Sin embargo, de 1961 a 1962, comenzó a incluir imágenes y objetos encontrados en sus obras, generalmente fotografías transferidas al lienzo a través del proceso de serigrafía. De esta manera, su trabajo puede considerarse contemporáneo con el de Andy Warhol. Rauschenberg también trabajó en fotografía artística, grabado, fabricación de papel y performance.

James Rosenquist (nacido en 1933)

Un destacado pintor pop, Rosenquist se formó en la Escuela de Arte de Minneapolis y luego en la Universidad de Minnesota. En 1955, a los 21 años, se mudó a Nueva York para estudiar en el Liga de estudiantes de arte , antes de trabajar como pintor de vallas publicitarias. Utilizando sus técnicas de pintura de letreros adquiridas para crear pinturas a gran escala, yuxtapuso lo que parecía publicitarse con imágenes de revistas románticas para producir una sensación de discontinuidad e irracionalidad como un comentario sobre la vida moderna. Un trabajo notable en este momento fue su pintura de tamaño de habitación "F-111" (1965). Al igual que Oldenburg, la principal contribución de Rosenquist al Pop fue convertir objetos ordinarios en arte dándoles un tamaño y peso monumentales.

Edward Ruscha (nacido en 1937)

Un tipo de Oklahoma que se puso de moda en Los Ángeles en 1956, Ruscha se formó en el Instituto de Arte Chouinard (ahora el Instituto de las Artes de California) hasta 1960 (influenciado por el arte de Marcel Duchamp y Jasper Johns), antes de trabajar como maquetador. para la Agencia de Publicidad Carson-Roberts en Los Ángeles. En 1962, sus pinturas aparecieron junto a obras de Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode, Jim Dine y Wayne Thiebaud, en la innovadora exposición del Museo de Arte de Pasadena. Sus primeras obras destacadas, en general réplicas perfectas de vallas publicitarias y estaciones de gasolina, incluyen: "Gran marca registrada con ocho focos" (1961), y la pintura al óleo "Standard Station, Amarillo, Texas" (1963), que tenía ecos de Hopper’s "Gas" (1940). Desde mediados de la década de 1960, se hizo conocido por sus pinturas de palabras (también conocidas como pinturas de palabras líquidas).

Andy Warhol (1928-87)

Visto por muchos como el Sumo Sacerdote del Pop-art, Warhol disfrutó de una exitosa carrera como ilustrador comercial, antes de alcanzar la fama mundial por su pintura de estilo pop, serigrafías, películas de vanguardia y un estilo de vida que involucra una mezcla de estrellas de Hollywood, intelectuales, artistas de vanguardia y celebridades underground. Su perspectiva sobre el impacto de la televisión, un factor crucial en la identidad y popularidad del Pop-art, sobre el arte y la vida, se resume acertadamente en su famosa frase: " Cualquiera puede ser famoso por 15 minutos ".

Durante la década de 1960, comenzó a producir pinturas de productos estadounidenses emblemáticos, como latas de sopa Campbell , botellas de Coca-Cola y billetes de dólar , junto con imágenes de estrellas internacionales como Marilyn Monroe, Ingrid Bergman, Elizabeth Taylor y Elvis Presley. También estableció su famoso estudio de arte de Nueva York, conocido como " The Factory ", donde anticipó los métodos de producción en masa de Damien Hirst por más de 30 años.

Sobre todo, el arte de Warhol giraba en torno a la iconografía que se hizo famosa a través de la televisión, los noticieros y la publicidad, como nubes de hongo de bombas atómicas, sillas eléctricas penitenciarias, accidentes automovilísticos y disturbios raciales. Por lo tanto, sus imágenes fueron reconocibles al instante y generaron un atractivo masivo.

Parcialmente oscurecido por cuestiones relacionadas con su fama y estilo de vida, el estado de Warhol como artista innovador y excepcionalmente creativo está asegurado, sobre todo por su transformación de imágenes comunes en iconos del arte mundial. Además, fue excepcionalmente prolífico, trabajando en una amplia gama de medios, incluidos dibujo , pintura, grabado, fotografía y películas.

Artistas pop británicos famosos

Peter Blake – Patrick Caulfield – Richard Hamilton
David Hockney – Allen Jones – Eduardo Luigi Paolozzi

Peter Blake (nacido en 1932)

Identificado por primera vez como miembro del emergente movimiento británico del arte pop cuando mostró junto a David Hockney, RB Kitaj y otros en la exposición ’Jóvenes contemporáneos’, en 1961, Blake atrajo una mayor atención cuando apareció en "Pop Goes the Easel", el Película de 1962 de Ken Russell sobre Pop-art británico. Sin embargo, sigue siendo mejor conocido por diseñar la manga para el álbum " Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band " de los Beatles.

Patrick Caulfield (1936-2006)

Caulfield se formó en la Chelsea School of Art en 1956 y en el Royal College of Art (1960-1963), donde sus compañeros de estudios incluyeron a David Hockney y RB Kitaj. En 1964, sus obras fueron representadas en la exposición "Nueva Generación" en la Whitechapel Gallery de Londres, que primero llamó la atención sobre su participación en la escena pop-art del Reino Unido. Se especializó en pinturas que usaban temas ordinarios, líneas de fondo y colores extraídos del vocabulario de la publicidad y las ilustraciones baratas, para transmitir una intensidad viva y humor. A menudo figurativo, sus obras representan característicamente algunos objetos simples en un interior, ejecutados usando áreas planas de color simple (o un solo tono) bordeadas en contorno negro.

Richard Hamilton (nacido en 1922)

Cofundador del Independent Group en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, el grupo de debate de artistas que engendró el arte pop en Gran Bretaña, es mejor conocido por su collage de 1956 titulado " ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes?" ¿Tan atractivo? "- ahora considerado como uno de los primeros ejemplos del pop-art británico. A mediados de la década de 1950 después de varias exposiciones individuales, Hamilton comenzó a enseñar en Newcastle-Upon-Tyne, durante el cual realizó un proyecto de investigación sobre el artista contemporáneo francés Marcel Duchamp, una figura muy admirada por Hamilton. A principios de la década de 1960 recibió una subvención del Consejo de las Artes del Reino Unido para curar y preservar la colección de collages "Merzbau" dada por Kurt Schwitters, en Cumbria. También activo en Londres, como artista, profesor y activista de la CND, Hamilton comisió una importante retrospectiva británica del trabajo de Duchamp en la Tate Gallery en 1966. Además, sus contactos dentro de la escena de la música contemporánea condujeron a una amistad con Paul McCartney que resultó en el diseño de la portada de Hamilton y arte del cartel para el álbum blanco de los Beatles .

David Hockney (nacido en 1937)

David Hockney, uno de los artistas británicos más destacados del siglo XX, es un colaborador importante del arte pop británico de la década de 1960 y un dibujante brillante. Estuvo representado en la Exposición de jóvenes contemporáneos (1961), que marcó la aparición del arte pop británico, aunque su trabajo no se limitó a este estilo. En 1963 visitó Nueva York, donde conoció a Andy Warhol. Después de esto, visitó Los Ángeles en California, el estado que luego se convirtió en su hogar durante muchos años. El viaje a Los Ángeles lo inspiró a crear una serie de pinturas con piscinas. , utilizando el nuevo medio de acrílicos. Las imágenes fueron ejecutadas en un estilo plano pero muy realista, empleando colores vibrantes. Entre las obras destacadas de la década de 1960 se incluyen "Peter saliendo de la piscina de Nick" (1966), que ganó el premio de pintura John Moores en la Walker Art Gallery de Liverpool, el año siguiente; "Sunbather" (1966); y "A Bigger Splash" (1967), que se compró en 2006 por £ 2.6 millones, un récord para una pintura de Hockney.

Allen Jones (nacido en 1937)

Uno de los fundadores del pop-art británico, Jones usa imágenes figurativas simples, combinadas con colores brillantes y audaces. Él es mejor conocido por su escultura erótica (por ejemplo, el conjunto de silla, mesa y sombrero, 1969). Otros trabajos notables incluyen: "Wet Seal" (1966) y "¿Qué quieres decir, qué quiero decir?" También es artista gráfico y pintor al óleo.

Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005)

El fundador del arte pop británico, Paolozzi se formó en el Edinburgh College of Art (1943), St Martin’s School of Art (1944) y en la Slade School of Art (1944-1947), antes de trabajar en París, Francia (1947). -1949) donde conoció y fue influenciado por varios artistas famosos, incluido el escultor suizo Alberto Giacometti , el ex dadaísta y surrealista Jean Arp, el escultor rumano Constantin Brancusi y los cubistas Georges Braque y Fernand Léger. Su collage seminal " I was a Rich Man’s Plaything " (1947) data de este período parisino. De vuelta en Londres, trabajando con esculturas, construcciones, collages y litografías, en un estilo en gran parte surrealista, sus composiciones incluían una amplia variedad de objetos y materiales. Fue uno de los principales fundadores del Grupo Independiente en 1952, cuyas discusiones anticiparon gran parte de la escuela de arte pop que pronto surgirá.

Lista de obras de arte pop

Aquí hay una breve lista seleccionada de obras famosas de artistas pop.

Neo-Pop

Durante la década de 1980 hubo un resurgimiento del interés en el Pop Art, un fenómeno conocido como Neo-Pop (o "Shock Pop-Art"). No fue un movimiento de arte nuevo como tal, sino un resurgimiento de obras de arte basadas en la cultura popular, esta vez derivadas de la década de 1980. Si bien el movimiento original del Pop Art fue totalmente vanguardista, el Neo-Pop Art es más una repetición. Por lo tanto, los artistas de Neo-Pop continúan empleando "readymades" y artículos preexistentes en sus trabajos y también dependen en gran medida de íconos de celebridades como Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Paris Hilton, etc. También se inspiran en el minimalismo , el arte conceptual , el fotorrealismo , el arte de instalación / performance y más. En todo caso, Neo-Pop es simplemente una versión más extrema de Warhol, Oldenburg y Rauschenberg.

El principal exponente del Neo-Pop es Jeff Koons (nacido en 1955), sobre quien el reconocido crítico Robert Hughes escribió que: "Koons realmente cree que es Miguel Ángel y no es tímido para decirlo. Lo importante es que hay coleccionistas, especialmente en Estados Unidos, quien lo cree. Él tiene la certeza viscosa, el repugnante golpeteo sobre la trascendencia a través del arte, de un bautista secado a la venta que vende acres de pantanos en Florida. Y el resultado es que no puedes imaginar la cultura singularmente depravada de Estados Unidos sin él. " ¿Ecos de las críticas dirigidas a Andy Warhol y Damien Hirst? (En 2005, Koons fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias).

Otros exponentes líderes incluyen Katharina Fritsch , Daniel Edwards y Yasumasa Morimura . Las obras icónicas de Neo-Pop, ambas de Jeff Koons, incluyen "Michael Jackson and Bubbles" (1988), vendido en 1991 por $ 5.6 millones, y "Puppy" (1992). Ver también: Top Artistas contemporáneos 2014 .

Artistas famosos del Neo-Pop

Ashley Bickerton, Rah Crawford, Daniel Edwards, Katharina Fritsch, Keith Haring, Damien Hirst, Gary Hume, Jeff Koons, Mark Kostabi, Yngvar Larsen, Allan McCollum, Komar y Melamid, Cady Noland, Charles Ray, Kenny Scharf, Haim Steinbach, Gavin Turco.

Lista de obras de arte neo-pop