Primitivismo, arte primitivo: definición, características Traductor traducir

El término « Arte primitivo» es una descripción bastante vaga (e inevitablemente etnocéntrica) que hace referencia a los artefactos culturales de grupos étnicos que se considera que tienen un nivel de desarrollo tecnológico relativamente bajo para los estándares occidentales.

Incluye el arte africano (subsahariano), el arte oceánico (islas del Pacífico), el arte aborigen (Australia), así como otros tipos de arte rupestre prehistórico, y arte tribal (por ejemplo, de América y el Sudeste Asiático). El concepto de «pueblo» primitivo surgió en la Era de los Descubrimientos (a partir de 1500) y se asocia en gran medida (aunque no exclusivamente) con la cosmovisión cristiano-caucásica.

El término «arte primitivo» no se utiliza generalmente para describir obras de arte chinas, indias o islámicas, ni obras de ninguna de las grandes culturas, incluidas las civilizaciones egipcia, griega o romana.

El término « Primitivismo», originado en las bellas artes a finales del siglo XIX, se utiliza para describir cualquier arte caracterizado por imágenes y motivos asociados a dicho arte primitivo. Marcado por formas etnográficas, a menudo de gran fuerza visual, este primitivismo artístico tiene su origen en la década de 1890, cuando apareció en las pinturas tahitianas de Paul Gauguin (1848-1903), y rápidamente se convirtió en una tendencia entre los artistas vanguardistas expresionistas franceses y alemanes. Algunos de ellos empezaron a visitar colecciones de exposiciones etnológicas: En 1902, el escultor angloamericano Jacob Epstein visitó el Museo del Trocadero de París, al igual que Deren y Vlaminck en 1904-5, y Picasso en 1907; en 1903 y 1906, Ernst Ludwig Kirchner visitó la colección etnológica de Dresde; en 1907, Kandinsky vio la nueva colección de exposiciones primitivas de Berlín, que también visitaron Schmidt-Rottluff, Franz Marc y otros.

Influencia del primitivismo en el arte occidental

A partir de 1906, marchantes como Paul Guillaume, así como artistas como Matisse, Picasso, Derain y Braque, empezaron a comprar máscaras y estatuillas de tribus africanas. Como resultado, la influencia «del arte negro» en la pintura y la escultura se hizo muy visible en París a partir de 1907, y en Berlín, Dresde y Londres a partir de 1912. Se hizo casi universal en 1920 y continuó hasta principios de la década de 1930, cuando el arte oceánico, nativo americano y esquimal se convirtió en una importante fuente de inspiración para los surrealistas y sus seguidores.

Entre los artistas más influidos por el Primitivismo se encuentran los expresionistas alemanes Emil Nolde (1867-1956) y Max Pechstein (1881-1955), el fauvista Henri Matisse (1869-1954), el escultor rumano contemporáneo Constantin Brancusi (1876-1957), el escultor británico Jacob Epstein (1880-1959), el retratista y escultor italiano parisino Modigliani (1884-1920), Pablo Picasso (1881-1973) y muchos otros. El primitivismo ruso ejerció una gran influencia sobre Natalia Goncharova (1881-1962), que desarrolló un estilo de arte neoprimitivista. La influencia del arte africano, oceánico, aborigen y otras formas del llamado arte primitivo en los artistas occidentales continúa hasta nuestros días y abarca diversas formas, como la pintura, la escultura, el ensamblaje, el arte corporal (por ejemplo, la pintura facial y la pintura corporal), el tatuaje, la talla en madera y otras.

Esculturas y pinturas primitivistas

Aunque los artistas fueron los primeros en interesarse por el Primitivismo, éste tuvo mayor repercusión en la escultura. El pintor fauvista André Derain aprendió incluso a tallar la piedra caliza para crear obras de estilo primitivista. Algunas de las mayores obras de arte creadas de forma primitivista son las siguientes:

Las más grandes esculturas de estilo primitivista

Oviri («Salvaje») (1891-93) de Paul Gauguin.
Figura enroscada (1907) André Derain.
Desnudo de pie (1907) André Deren.
Besándose (1908) Constantin Brancusi.
Mujer bailando (1908-12) de Ernst Ludwig Kirchner.
Musa dormida (1910) de Constantin Brancusi .
Primer paso (1913) de Constantin Brancusi.
Bailarina de piedra roja (1913) de Henri Gaudier-Brzeska.
Cabeza hierática de Ezra Pound (1914) de Henri Gaudier-Brzeska.
Assunta (1921) Georg Kolbe.
Adam (1938) La impresionante estatua de un neandertal de Jacob Epstein.
Mujer agazapada (Despedida) de Henri Laurens.
Jacob y el ángel (1940-41) de Jacob Epstein.
El babuino y la cría (1952) de Pablo Picasso.
Cabeza partida (1963) Escultura de bronce estilo Isla de Pascua de César .

Las más grandes pinturas del estilo primitivo

«Luna y Tierra» (1893, MoMA, Nueva York) de Paul Gauguin - obra en la que Gauguin identifica el cuerpo femenino incivilizado con los ritmos serviles y las fuerzas regeneradoras de la tierra.
«Avignon Demoiselles» (1907, MoMA, Nueva York) - obra cubista pionera de Pablo Picasso basada en formas artísticas africanas.
Danza (1910, Museo del Hermitage, San Petersburgo) - monumental pintura azul-naranja-verde de Matisse.
Cariátide (1912, Museo de Arte Sogetsu, Tokio), uno de los numerosos cuadros primitivistas «de Amedeo Modigliani».
«Jóvenes de Papúa» (1913-14, Museo Estatal, Berlín), expresivo cuadro de EmileNolde en el que las figuras de los habitantes locales se yuxtaponen a olas rompientes.

Además, el término «primitivismo» también se utiliza para describir el arte creado por « primitivistas», nombre dado a ciertos artistas, normalmente autodidactas, cuyas pinturas suelen ser simplificadas en forma y color, y desprovistas de motivos tradicionales como el claroscuro, la perspectiva lineal y otros tipos de proporcionalidad.

Caracterizada por la imaginería infantil, esta categoría de arte primitivo de estilo occidental también se conoce como «arte outsider», «arte naif» o art brut («arte bruto») y ejemplifica la obra de Henri Rousseau «Le Douanier» (1844-1910): Véanse, por ejemplo, sus obras maestras «Sleeping Gypsy» (1897) y «Dreaming» (1910), ambas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Otros artistas primitivistas son Paul Klee (1879-1940), Mikhail Larionov (1881-1964), L.S. Lowry (1887-1976), Jean Dubuffet (1901-1985), Frida Kahlo (1907-1954), Asger Jorn (1914-1973), Karel Appel (1921-2006) y otros representantes de la vanguardia europea de los años cincuenta. La mayor colección de arte outsider es la Jean Dubuffet Collection «Collection de l’Art Brut», situada en Lausana, Suiza. Una colección más pequeña es la Musgrave Kinley Collection of Outsider Art del Irish Museum of Modern Art (IMMA), con obras de artistas como Aloise, Henry Darger, Madge Gill, Hauser, J.B. Murry, Oswald Tschirtner, Van Genk, Wolfley, Zemankova y otros.

El arte prehistórico no es primitivismo

Todas las esculturas (por ejemplo, figurillas de Venus) y pinturas (por ejemplo, arte rupestre) creadas durante el Paleolítico (Edad de Piedra) - es decir, antes de 10.000 a.C.. - se clasifican como arte prehistórico . Dado que todos los pueblos de este periodo llevaban estilos de vida primitivos, el término «arte primitivo» no es aplicable a la era prehistórica. (Véase también: Cronología del arte prehistórico .)

Parte integrante de la historia y la cultura

Obsérvese, sin embargo, que el arte no es un fenómeno aislado. Forma parte de la cultura, está relacionado con la historia de la cultura y la historia de un pueblo. Por consiguiente, debemos considerar el arte primitivo como un término general que abarca toda una serie de fenómenos históricos; productos de diferentes razas, mentalidades, temperamentos, acontecimientos históricos e influencias ambientales. Cada pueblo, por primitivo que sea, ha desarrollado un estilo distintivo, favoreciendo ciertos objetos y motivos o una determinada disposición de líneas y espacios.

El primitivismo frente al arte académico

Los efectos deshumanizadores de la industrialización del siglo XIX, combinados con la carnicería de la Gran Guerra (1914-18), desilusionaron a varios artistas con la cultura y los valores de su propia sociedad, que consideraban corrupta y moralmente en bancarrota. Las artes visuales -especialmente el arte académico «oficial» que se enseñaba en las academias- se identificaron con esos valores corruptos. En comparación, el arte «primitivo» parecía más espontáneo, más honesto y más intenso emocionalmente.

Primitivismo y estética

La categorización de una pintura o escultura como «primitiva» presupone la existencia de «arte no primitivo». ¿Cómo deberíamos describir esta categoría de arte «no primitivo»? - ¿Modernista? ¿Progresista? ¿Tecnológicamente avanzado? Ninguna de estas descripciones parece satisfactoria. Quizá porque no existe tal categoría. Después de todo, la estética no es una ciencia - no existe tal cosa como «belleza avanzada» o «belleza primitiva».

Apreciamos más el arte que nos es familiar

A menudo parece que sólo podemos disfrutar plenamente de la belleza cuando nos encontramos con una obra de arte que pertenece a nuestro linaje cultural o que está relacionada, al menos superficialmente, con nuestra estética o nuestros ideales de belleza artística. Las combinaciones de formas y colores creadas por civilizaciones extranjeras pueden tener mucho de atractivo, pero permanecen envueltas en una atmósfera misteriosa que puede resultarnos totalmente ajena.

Las obras que reflejan el estilo «del Primitivismo» pueden verse en algunos de los mejores museos de arte del mundo.

El mal arte no es arte primitivo

Dado que la primera etapa de cualquier cosa suele estar sin desarrollar y sin terminar, se ha creado un significado popular para la palabra «primitivo» para denotar algo tosco, que carece de esa cierta armonía de línea, espacio o color que es la fuente de nuestras sensaciones emocionales cuando miramos una verdadera obra de arte. Una obra primitiva» en este sentido puede ser simplemente la obra de un vago que carece de inspiración artística o de habilidad técnica, en cuyo caso no tiene nada que ver con el verdadero primitivismo, sino que es simplemente mal arte sin siquiera valor documental que lo recomiende.

En cambio, si es obra de un salvaje o de un niño, tendrá algún valor, al menos como prueba genética o psicológica.

La moda dicta la estética

El estilo artístico no es un fenómeno estático sino dinámico, asociado y cambiante a un periodo concreto de desarrollo cultural. Se ha establecido que existe una especie de periodicidad de los estilos artísticos que se corresponde con la periodicidad de los gustos. No está claro hasta qué punto el estilo y la reacción emocional al mismo se condicionan mutuamente.

La característica más evidente del gusto artístico contemporáneo es la sencillez. Al vivir en un mundo muy complejo, ruidoso y mecanizado hasta el extremo, el hombre del siglo XX ha desarrollado una fuerte tendencia a la sencillez: sencillez en las formas externas de la vida cotidiana, aversión a la ornamentación en la arquitectura, el mobiliario y los utensilios, preferencia por lo primitivo y lo espontáneo antes que por el refinamiento y la sofisticación.

Por eso le atrae tanto la sencillez de muchas artes primitivas. El crítico G.A. Stevens escribió en una ocasión: "El arte primitivo es la forma más pura y sincera de arte que puede existir, en parte porque está profundamente inspirado por ideas religiosas y experiencias espirituales, y en parte porque es totalmente inconsciente como arte, no hay en él trucos que puedan ser adquiridos por el indigno, ni ejercicios técnicos que puedan enmascararse como obras de inspiración."

Tal juicio, sin embargo, sólo se justifica por las secciones comparativamente limitadas del arte de las razas primitivas. De hecho, el artista «primitivo» no siempre es tan ingenuo como se quisiera pensar.

¿Cuáles son las características del arte primitivo?

❶ Técnica

Los medios técnicos inadecuados no son necesariamente característicos del «arte primitivo». Al contrario, los materiales con los que trabaja el artista primitivista - piedra, hueso, madera, metal - son esencialmente los mismos que utiliza el artista europeo. Incluso en pintura, los pigmentos colorantes procedentes de minerales, vegetales e incluso animales son similares en muchos casos. Los medios de que dispone el primitivista son los adecuados a su nivel cultural y a su entorno.

En un santuario o templo africano, una pintura al óleo sobre lienzo sería a la vez históricamente inexacta y estéticamente desagradable. Los métodos primitivos varían considerablemente, aunque encontramos técnicas similares utilizadas en campos muy diferentes. Por ejemplo, el método de creación de esculturas en madera es predominantemente el picado y no la talla. La herramienta utilizada es una especie de espátula.

El resultado es una superficie facetada en la pieza acabada, que muestra marcas irregulares de la herramienta. Esta técnica es común en África occidental y meridional, Nueva Guinea y el noroeste de América. El objetivo del artista es la buena artesanía. Las condiciones en las que trabaja son diferentes de las de sus colegas «civilizados». Antes de que pueda comenzar su trabajo artístico, primero debe recoger, fabricar y preparar herramientas y materiales, y normalmente tiene que hacer todo esto solo.

Tomemos, por ejemplo, al artista de una tribu de indios norteamericanos. Entre los indios de las llanuras, son las mujeres las responsables del arte decorativo de tipo geométrico. Los hombres se limitan a la pintura representativa. En ambos casos, hay que recolectar plantas o minerales para producir los colores. Luego hay que hervirlos o molerlos y mezclarlos con tamaño o grasa para fijar el pigmento. A continuación, hay que preparar cuidadosamente la piel de búfalo y alisar al máximo su superficie para pintarla.

Incluso después de un proceso preparatorio muy elaborado, la superficie sigue siendo tan rugosa que primero hay que presionar los contornos en el suelo antes de poder hacer el dibujo, y el dibujo debe repetirse varias veces para presionar bien el pigmento en la piel. Por consiguiente, una pintura policroma es en realidad un grabado en color y no un simple dibujo. La fijación requiere otro proceso complicado, pero sólo se utiliza en motivos geométricos. Todo este trabajo preparatorio requiere una gran habilidad y es en gran medida mecánico.

Así era el trabajo del artista europeo en otros tiempos. Hoy en día, cualquier material artístico puede comprarse ya preparado. Sólo los escultores siguen asociados a un grado considerable de habilidad mecánica.

En general, el artista primitivista se enfrenta a una tarea técnica difícil. Sin embargo, esto no significa que no sea un verdadero artista que tiene sus propias ideas y, a veces, una auténtica inspiración artística. Hace muchos años, Franz Boas, profesor de la Universidad de Columbia, conoció a un indio de la isla de Vancouver que era un buen artista, aunque su obra era del estilo tradicional de la costa noroeste. Este indio estaba tan gravemente enfermo que estaba postrado en cama. Durante su enfermedad se sentaba con el pincel entre los labios, silencioso y ajeno a lo que le rodeaba. Apenas se le podía inducir a hablar, pero cuando lo hacía, relataba detalladamente sus visiones de dibujos que ya no podía realizar. Sin duda, ésta era "la mente y la actitud de un verdadero artista inspirado". Esta estrecha relación con un oficio sólido parece ser la razón por la que el artista primitivo tiene éxito tan a menudo.

El artista primitivo no sólo sabe exactamente lo que quiere desde el principio, sino que continúa con una constancia inquebrantable hasta conseguirlo.

❷ Visión

Se ha sugerido que, debido a la falta de perspectiva y otros recursos estéticos, incluso el arte primitivo de gran calidad nos parece grotesco o monótono a primera vista. Esto puede ser cierto para algunos tipos de arte primitivo, pero no puede aceptarse para todos. Dada la gran variedad de tipos muy diferentes, las generalizaciones son peligrosas. Del mismo modo, las desviaciones violentas de la realidad no pueden aceptarse como una característica de una visión puramente primitiva, ya que también se encuentran en el arte de culturas muy desarrolladas.

Esto es particularmente cierto en el caso de la falta de perspectiva del arte egipcio, bizantino y gótico, pero también es evidente en la relación arbitraria de los miembros en las figuras pintadas por Botticelli o El Greco. Por otra parte, los pintores paleolíticos y los bosquimanos sudafricanos realizaron notables intentos de escorzo, superposición de colores, perspectiva lineal y sombra de color.

Algunos artistas primitivos alcanzaron el más alto nivel de representación realista. Las pinturas y los dibujos de los bosquimanos nos atraen porque no nos cuesta entenderlos. Este tipo de arte gráfico se parece al nuestro. Es sencillo y poco sofisticado. En consecuencia, consideramos estas obras ingenuas y «primitivas» en un sentido evaluativo. No necesitamos aplicar una visión nueva o desconocida porque, al fin y al cabo, el artista primitivo, al igual que el artista europeo, trabaja a partir de la naturaleza.

Es cierto que gran parte del arte primitivo se creó obviamente de memoria, y que los dioses, demonios y seres fantásticos son producto de la imaginación del artista, aunque algunos detalles puedan derivarse de formas reales. Pero innumerables obras de arte, especialmente esculturas, de África, los Mares del Sur y América, son tan realistas e individualizadas que es seguro suponer que los artistas trabajaron realmente a partir de la naturaleza.

Por encima de todo, los escultores del México y el Perú antiguos (que sin duda distaban mucho de ser primitivos) debieron de mirar directamente a la naturaleza, y sus obras son, de hecho, obras maestras del retrato. En África, las bellas cabezas de Ife son sin duda retratos naturales, aunque es posible que alguna influencia extranjera sea responsable de este nivel de escultura inusualmente alto. Pero encontramos retratos naturales entre tribus africanas aún más primitivas, en Costa de Marfil, en los parques de Camerún y en la cuenca del Congo. También existen retratos en el Pacífico. Los maoríes de Nueva Zelanda desarrollaron lo que podría denominarse «retrato esquemático» cuando los patrones de tatuaje, ese medio inconfundible de identificación, permitieron preservar la memoria de los antepasados individuales mediante la representación pictórica.

Los términos arte «realista» o «naturalista» suelen aplicarse a las obras realizadas a partir de la naturaleza y que, por tanto, se corresponden con ella. Pero su significado, aunque bastante definido en escultura, tiende a volverse ambiguo cuando se aplican a las bellas artes. Si hablamos de un cuadro naturalista, queremos decir que corresponde a la impresión óptica de un modelo observado en un momento dado desde un ángulo determinado. Pero en otro sentido de la palabra podemos hablar de naturalismo o realismo si el artista representa todos los detalles que existen realmente, no sólo los que puede ver en un momento dado, sino también aquellos de los que es consciente.

En la mayoría de las artes primitivas, el realismo es precisamente de este tipo. Tal vez alcance su máximo desarrollo en los «dibujos de rayos X» de Australia, Melanesia y las regiones costeras de la Columbia Británica y el sur de Alaska. Aquí el artista representa cada detalle del cuerpo, incluida la columna vertebral, las costillas y los órganos internos, porque los considera tan importantes como los rasgos característicos de la apariencia externa de una persona. Este sorprendente método se debe a menudo al interés material del artista por detalles concretos, más que a una apreciación estética.

En el noroeste americano hay pinturas murales monumentales que representan orcas (u otros animales) y que se caracterizan por la representación de vértebras y costillas. La representación estilizada de la articulación es típica de todos los gráficos del noroeste americano. Este extraño método pictórico sólo es peculiar de unas pocas regiones del Pacífico, y se ha sugerido que es un indicio de que la zona pudo verse afectada por la influencia occidental en algún remoto periodo del pasado. El realismo intelectual de este tipo no puede pretender ni ingenuidad ni simplicidad. Es (paradójicamente) un tipo sofisticado de primitivismo.

La acentuación de ciertos rasgos de una figura lleva a menudo a descuidar otros, de modo que la representación realista se abandona gradualmente. Con el tiempo se sustituye por el simbolismo, en el que unos pocos rasgos característicos que pueden estilizarse y transformarse en signos convencionales bastan para transmitir la idea del objeto. En un estadio extremo de desarrollo, una garra aislada y una sola ala pueden simbolizar un cuervo. Pero aquí ya hemos abandonado el ámbito del arte naturalista y entrado en el del diseño abstracto o convencional.

Las formas geométricas se encuentran tanto en diseños decorativos como en motivos textiles y de mimbre. La variedad de estos patrones es infinita, aunque algunos de ellos, como las rayas en zigzag, las grecas, los triángulos, diversos tipos de cruces, etc., se encuentran a menudo en pueblos muy diferentes. De hecho, son casi universales y no indican necesariamente una conexión histórica entre las diversas artes en las que aparecen: Por ejemplo, encontramos trastes cuadrangulares no sólo en la antigua Grecia y China, sino también entre los indios de Sudamérica, los melanesios, los bantúes africanos y otros pueblos africanos. Pero con una determinada combinación de motivos, por muy comunes que sean los elementos individuales, el artista crea un estilo especial con un marcado color nacional, que nos permite atribuir el objeto decorado a un pueblo determinado, y a menudo a una época determinada. Esto, por supuesto, se aplica al estudio del arte en general y no se limita al arte primitivo.

En muchos casos se supone que los motivos decorativos simbolizan los objetos materiales -animales, plantas, etc.- que les dan nombre. La conexión entre el motivo y su significado simbólico surge de dos maneras: mediante una simplificación deliberada del diseño representacional, como en el noroeste de América, o, a la inversa, mediante la observación de una similitud accidental entre un motivo geométrico y su interpretación naturalista.

Dos motivos peculiares predominan en los diseños decorativos de las tribus amerindias del curso superior del río Xingu, en el estado de Matto Grosso, Brasil: un triángulo negro equilátero simple, llamado uluri, y un paralelogramo, cuyas cuatro esquinas están marcadas por pequeños triángulos equiláteros. Este último patrón se denomina merishu. Es el nombre de un pez de forma casi cuadrada, como la platija. Los cuatro triángulos negros de las esquinas denotan la cabeza, la aleta dorsal, la aleta caudal y la aleta pélvica. Uluri es el nombre de la única prenda que llevan las mujeres de la tribu, en realidad es más una defensa higiénica contra los insectos que una prenda de vestir. Consiste en un trozo doblado de hoja de palmera en forma de triángulo equilátero de apenas cinco centímetros cuadrados, y termina en una banda en la entrepierna atada a un cordón que sirve de cinturón.

El profesor Max Schmidt (anteriormente del Museo Etnográfico de Berlín) ha demostrado que los patrones uluri y mershu surgen incidentalmente en la cestería, que es la principal artesanía de las tribus Xingu. Surgen en particular del uso de tiras claras y oscuras de hoja de palma superpuestas en diversas combinaciones. Obviamente, ambos nombres les fueron aplicados posteriormente, después de que la aparición de los patrones provocara la asociación de ideas.

Del mismo modo, la técnica particular utilizada por los artesanos a menudo condujo al desarrollo de patrones simbólicos y a un estilo ornamental específico. Un parecido fortuito puede generar fácilmente asociaciones que den al artista receptivo el impulso de refinar un objeto natural hasta convertirlo en una representación más completa de lo que ya se parece, o simplemente de tomarlo como modelo.

Se ha sugerido que los primeros artistas de la Edad de Piedra podrían haberse inspirado en extrañas formas naturales, como piedras o salientes rocosos de formas extrañas. Un anticuario de Londres me mostró una vez una piedra con forma de cabeza de toro, de unos cinco centímetros de largo, que creía que era un ejemplo de talla paleolítica. El objeto tenía un notable parecido con un toro, pero al examinarlo más de cerca parecía ser una formación natural, y el parecido era puramente accidental.

No sólo la forma, sino también el color del material utilizado en escultura pueden influir en la inspiración del artista. Por poner un ejemplo del ámbito de la alta cultura: los chinos, que tienen un gusto especial por trabajar la piedra dura de diversos colores (jade, ágata, calcedonia, cuarzo rosa, etc.), suelen ser increíblemente hábiles a la hora de adaptar la forma y el color aleatorios de la piedra en sus vasijas y figuras talladas. Si por casualidad se encuentra una veta roja en una pieza de ágata blanca, un tallista puede producir un jarrón blanco rodeado de salpicaduras de cereza, y disponerlo de tal manera que la veta roja cree un efecto de cereza. Del mismo modo, el veteado verde puede inspirarle la representación de una rana o un lagarto.

Las generalizaciones son especialmente peligrosas cuando se trata del efecto sugestivo de las formas técnicas. En los amerindios de Guyana encontramos el mismo tipo de cestería que en otras cuencas sudamericanas, pero aquí las rayas oscuras y claras se disponen deliberadamente y con gran habilidad para representar figuras de animales (generalmente jaguares y serpientes), de modo que ya no se trata de efectos accidentales y su posterior interpretación.

La comprensión de los efectos de la decoración artificial se extiende hasta cierto punto más allá de la raza humana. Es posible que el hombre, en su primitivo estado inculto, se sintiera impresionado por la belleza de la naturaleza mucho antes de empezar a crear él mismo formas artísticas o a imitar las líneas y figuras de su entorno natural. Algunos pueblos primitivos modernos aprecian claramente la belleza de la naturaleza, y hay tribus en Melanesia que en su arte decorativo intentan representar incluso fenómenos como el arco iris y el brillo del mar mediante ornamentos simbólicos más que en un estilo naturalista. Para apreciar plenamente una obra de arte hay que contemplarla, en la medida de lo posible, en el entorno para el que fue creada.

Esto es especialmente cierto en el caso del arte primitivo debido a su extraño y muy diferente trasfondo cultural. No se puede esperar que una estatua de un antepasado o una deidad, creada en condiciones de iluminación africanas y diseñada para permanecer siempre en la penumbra de un santuario o templo, produzca el mismo efecto cuando se saca de su entorno original y se expone en una vitrina de cristal en una sala europea. Pueden aparecer otros efectos de luz y sombra, y pueden ser igualmente atractivos, pero no son originales y dan a la estatua una nota extraña.

PLACAS
Muchos ejemplos de arte primitivo están disponibles en Internet como carteles .

EVOLUCIÓN DEL ARTE VISUAL
Véase: Historia del Arte .

CATEGORÍAS DEL ARTE
Sobre escultura y ensamblaje: Arte plástico . Sobre el diseño ornamental: Las artes decorativas . Sobre las obras de arte hechas con materiales reciclados: Arte basura . Clasificación general: Bellas artes .