Pintura románica en Italia Traductor traducir

En Italia, el periodo del arte románico duró algo más que en otros países. El rápido desarrollo de la pintura románica, debido al contacto directo con Oriente, se vio favorecido por el hecho de que los maestros bizantinos del arte del mosaico, concentrados en Roma y en otros lugares de la península, continuaron su impresionante obra, que sin duda influyó en los pintores al fresco. E ir se explica, además, por la tardía aparición del estilo gótico, pues de hecho puede decirse que el arte románico italiano alcanzó su plenitud en manos de los viejos maestros del duecento y trecento, como Duccio di Buoninsegna (c. 1255-1319), líder del conservadurismo y del (§1818) mundo artístico.) -líder de la conservadora escuela sienesa de pintura, el pintor florentino más antiguo Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302) e incluso quizás Giotto di Bondone (1267-1337)- allanaron el camino para el Quattrocento, Renacimiento temprano que surgió en Florencia.

Fueron pocos los cuadros religiosos pintados en Italia que no contuvieran rastros del arte bizantino de una u otra fuente. Incluso en el norte podemos reconocer claramente rasgos bizantinos conservados en el arte otomano en el Cristo Pantocrátor de la bóveda absidal de la iglesia de Monte María en Burgusio, cerca de Bolzano.

Para un estudio general sobre los frescos de iglesia, véase: Arte cristiano (150-2000).

Por supuesto, como en otros países, cada artista concilia la influencia bizantina a la que ha estado sometido con las tradiciones y costumbres locales, añadiendo, además, el peso de su propio poder creativo. La importancia de su personalidad vendrá determinada por el resultado total, en función de la participación de los distintos elementos.

Para información sobre el arte mural francés de los siglos XI y XII, véase: La pintura románica en Francia . Para la pintura en Alemania, véase: Arte medieval alemán .

Pintura románica en Lombardía

En la pintura románica lombarda, los frescos más antiguos se encuentran en la basílica de San Vincenzo en Galliano. Datan de poco antes de 1007, cuando esta iglesia fue consagrada tras la reconstrucción sobre los cimientos de un templo del siglo V por Ariberto da Intimiano, que se convirtió en arzobispo de Milán en 1018. Su retrato, transferido a un lienzo, se encuentra hoy en la Biblioteca Ambrosiana de Milán.

La notable pintura medieval de San Vincenzo ha sufrido desgraciadamente muchas vicisitudes, pero sigue siendo uno de los ejemplos más importantes del arte románico del norte de Italia. Las pinturas del ábside están ejecutadas con mayor maestría que las de la nave, y cabe suponer que sólo las primeras pueden atribuirse a un maestro pintor, siendo el resto obra de su taller, probablemente de la misma época.

En la semicúpula del ábside hay una enorme figura de Cristo, bajo la cual los profetas Jeremías y Ezequiel están inclinados, estremecidos por la vivacidad de la visión, y detrás de Jeremías está el arcángel Miguel con un estandarte en el que se puede leer la petitio. Detrás de Ezequiel, a la derecha del Pantocrátor (Cristo en la cultura bizantina), debía estar el arcángel Gabriel con la inscripción postulatio, hoy borrada. (Hay que recordar que la basílica se vendió en 1801 y se convirtió en una casa particular; el Ayuntamiento de Cantú la compró en 1909, la restauró y la volvió a consagrar en 1934). Cristo en su mandorla, sostenido por arcángeles, está representado aquí como Juez Supremo. En el registro inferior del ábside, cuatro paneles representan escenas de la vida de San Vicente.

Las pinturas murales de las paredes de la nave, que algunas autoridades consideran posteriores, son sin embargo probablemente de la misma época, pero no ejecutadas por la mano de un maestro pintor. A pesar de su estado mutilado, destacan por la serenidad de su composición. En el muro norte encontramos en el registro superior (los dos muros de la nave están divididos en tres registros) los restos de la historia de Adán y Eva, y en el medio, casi completamente borrados, probablemente restos de la historia de Abraham, mientras que en la parte inferior aún podemos discernir la vida de Santa Margarita de Antioquía. En la pared sur, la figura colosal de San Cristóbal ocupa la mayor parte de la pared en varios registros; su historia se cuenta en el registro inferior, y la de Sansón encima.

La cabeza del santo, único fragmento visible de los restos de la decoración mural del antiguo monasterio de Sant’Ilario, destruido durante la supresión de iglesias y monasterios en el siglo XIX, recuerda las pinturas de Galliano, con las que es contemporánea, por sus cualidades de estilización geométrica; sus contornos están claramente subrayados por líneas fuertes que le confieren una expresión intensa.

Sobre el diseño de edificios, véase: Arquitectura románica (c. 800-1200).

Estrechamente relacionados con la historia de San Cristóbal de Galliano, con sus vivos colores (azul, verde, rojo, ocre, amarillo, negro y blanco) y sus contornos fuertemente marcados, están los fragmentos que quedan -en muy buen estado- de los frescos de la colegiata de San Pietro e Sant’Orso de Aosta. Para verlos, hay que subir las escaleras hasta el espacio entre la bóveda (reconstruida en el siglo XV) y el techo original.

En la pared izquierda encontramos sucesivamente: el Milagro de la Fiesta de Caná, los ángeles que custodian el sepulcro después de la Resurrección, el fragmento de la Resurrección, el arcángel con el ángel. En la pared de la derecha: el martirio del apóstol Pedro, el Rey, Jesús y los apóstoles en el lago de Genesaret, la tormenta en el lago de Genesaret, el martirio de Santiago el Mayor, San Juan en Éfeso, San Andrés o el profeta Elías en Patras; y en la pared de la entrada, a la izquierda, una escena de martirio. Los historiadores no se ponen de acuerdo sobre la fecha de estos frescos: algunos los sitúan a finales del siglo X, otros a finales del XI o principios del XII.

Tampoco se ponen de acuerdo sobre la época en que la iglesia de la abadía de San Pietro al Monte, en Chivate, fue remodelada, ni siquiera sobre la forma que adoptó esta remodelación. Esto dificulta la datación de estas pinturas contemporáneas de la remodelación. En la actualidad, esta abadía, que domina el lago de Como desde una altura considerable, está decorada con pinturas en el nártex, la nave y la cripta. Su tema principal es la Ciudad Celeste.

En la bóveda del nártex vemos a Cristo Rey sentado sobre un globo terráqueo con el Cordero a sus pies. En otra bóveda están los cuatro ríos del Paraíso, y en la nave, en un luneto que se eleva sobre los tres arcos que abren el nártex, está Cristo en majestad, enmarcado por la batalla de San Miguel y los ángeles con el dragón del Apocalipsis. A la izquierda de Cristo, San Miguel y seis ángeles armados con lanzas atraviesan la cabeza y el cuerpo del dragón. Este último ocupa toda la parte inferior de la composición, mientras que el lado derecho está ocupado por las cohortes de ángeles que participan en la batalla. A pesar del dibujo pesado y casi arcaico de los rostros, estas pinturas son probablemente sólo cincuenta años posteriores a las de Gagliano, aunque no pueden ser anteriores a la primera mitad del siglo XII, habida cuenta de algunos préstamos de modelos griegos.

Para más información sobre la pintura medieval italiana de libros y las iluminaciones evangélicas, véase: Manuscritos románicos iluminados .

La pintura románica en Venecia

El origen de los elementos bizantinos en la pintura románica de Venecia y Friuli es mucho más fácil de explicar que en el caso de Lombardía, Piamonte y Lacio. En L’Aquileia, los frescos de la catedral encargados por el patriarca Poppo (1019-1042) son un ejemplo típico del trabajo de artistas medievales formados en la tradición del mosaico. Las pinturas de la cripta son posteriores a las del ábside, pero igual de grandiosas, y atestiguan una mayor aportación del espíritu inventivo de los artistas locales. Las batallas de los caballeros que decoran la base de la cripta, representadas sobre un fondo de cortinas bordadas, son puramente románicas.

La pintura románica en Italia central

En lo que respecta al arte cristiano medieval del siglo XI-XII en Italia, los frescos de la basílica de Sant’Angelo in Formis, situada entre antiguas ruinas a ocho kilómetros al norte de Capua, en Italia central, muestran la influencia bizantina más fuerte de toda Italia. Las partes más antiguas datan probablemente de la época de Desiderio, abad de Monte Cassino, de quien dependía Sant’Angelo-in-Formis.

Las paredes laterales de la nave central representan un ciclo narrativo sobre la vida de Cristo, que abarca tres registros. Una gran composición ocupa el muro de entrada de la nave central, representando el Juicio Final, donde, sin embargo, nos damos cuenta de que el artista se tomó ciertas libertades con sus prototipos bizantinos: la intrusión de fórmulas romanas (en el tamaño ampliado de la crucifixión) y tipos occidentales (en el Juicio Final, donde expresiones más vivas realzan la acción dramática).

La pintura de la nave, y la pintura del ábside que muestra a Cristo en majestad sosteniendo un libro con la inscripción Ego sum alfa et omega, datan probablemente de la segunda mitad del siglo XI, y la pintura del Juicio Final puede haber sido ejecutada hacia 1100.

Hay dos pequeñas iglesias en Roma, San Bastianello -construida hacia el año 1000 d.C. - y Sant’Urbano, que una inscripción permite datar en 1011, contienen restos de frescos que anticipan la verdadera pintura románica, como en particular en la iglesia baja de San Clemente, obra de un artista de gran talento.

Entre estas pinturas de la iglesia subterránea -que no forman un conjunto coherente, ya que pertenecen a épocas diferentes- sólo nos interesan las que adornan el vestíbulo y las dos columnas de la nave, ya que son verdaderamente románicas. Las escenas hagiográficas del milagro en la tumba sumergida de san Clemente, el traslado de las cenizas de san Cirilo del Vaticano a la iglesia de San Clemente en 869 (a menos que se trate del traslado de las reliquias de san Clemente en 868) y las tres escenas de la vida de san Alejo reunidas en una sola composición deben considerarse una de las obras maestras de la pintura románica en Italia. (Véase también la influencia del arte carolingio .)

Los artistas que decoraron la iglesia de la abadía de Castel Sant’Elia, cerca de Nepi, a unas cincuenta millas al norte de Roma, también utilizaron hábilmente modelos de cortinajes y diversos accesorios, así como temas iconográficos proporcionados por estudios romanos. Castel Sant’Elia posee el mayor conjunto de frescos del Lacio.

En el ábside: Cristo entre los santos Pedro y Pablo. Detrás de ellos, separados por árboles, a la izquierda está Moisés y a la derecha San Eligio, soldado romano convertido al cristianismo en 309. Debajo, en una banda decorativa donde el Cordero ocupa el centro en un medallón, hay doce ovejas, seis a cada lado, que salen de Belén y Jerusalén. El paño sobre el que están los recipientes para la ofrenda al Cordero está representado con notable ingenio.

En las paredes del crucero, abajo y hacia el ábside, se representaban originalmente los veinticuatro ancianos del Apocalipsis, de los que sólo quedan los de la derecha. Sus drapeados se caracterizan por la delicadeza y solidez de su relieve. Las pinturas del castillo de Sant’Elia destacan por la riqueza de color característica de la escuela románica, con predominio de los pigmentos de color rojo, ocre y blanco , subrayados por el azul intenso.

Mientras que en el caso de los frescos de Anagni el erudito Grabar rechaza la posibilidad de que fueran modelados sobre manuscritos iluminados, las escenas que adornan las paredes del oratorio de San Silvestre en el monasterio de Quattro Coronati en Roma le llevan a sugerir que el artista debió concebir sus frescos como miniaturas ampliadas.

Construido en 1246, este oratorio está dedicado a San Silvestre I, Papa y Confesor. Tres de las cuatro paredes representan la historia de Constantino y San Silvestre: Constantino, enfermo de lepra, que según los médicos puede curarse bañándose en sangre humana, calma a las madres que han venido a rogarle que perdone a sus hijos; los santos Pedro y Pablo se le aparecen al emperador en sueños; los enviados de Constantino van al monte Soractus a buscar al ermitaño; invitan a Silvestre a volver con ellos; Silvestre muestra al emperador las imágenes de los santos que ha visto en sueños; el bautismo de Constantino, sumergido en agua por San Silvestre; el bautismo de Constantino por San Silvestre. Silvestre; el emperador curado regala al ermitaño una tiara y una phregia (símbolos de la autoridad temporal papal); Constantino conduce a pie el caballo en el que el papa Silvestre cabalga hacia Roma, que le ha sido regalado; Silvestre resucita a un toro y confunde a un rabino; gracias a Silvestre, el país se libra de un dragón.

Este tema fue sin duda impuesto al artista, ya que a los papas les gustaba subrayar la doctrina de la Santa Sede sobre la subordinación del emperador al papa.

La pintura románica en el norte de Italia

Volvamos de nuevo al norte de Italia, donde las grandes ciudades, a medida que aumentaba su riqueza, se convirtieron en centros de arte religioso, cuya influencia se extendió a las regiones más remotas.

Sobre una colina que domina la desembocadura del valle del Susa (carretera de Mont Seni) se alza la pequeña capilla de Sant’Eldrado, construida dentro de los confines del monasterio benedictino de Novalesa bajo la dirección del padre Giacomo delle Scale, abad del monasterio de 1229 a 1265, adornada con pinturas que fueron desastrosamente restauradas en 1828. Es una lástima, ya que son de gran interés desde el punto de vista iconográfico; representan la vida de San Nicolás, y muestran a un niño, ya dedicado a una estricta abstinencia, rechazando la leche de su madre.

Hay que señalar también, camino de Cuneo, en Roccaforte Mondovi, la iglesia de Pieve di San Maurizio, donde toda la nave derecha y el ábside están decorados con frescos que en algunos aspectos (grotescos y figuras de monstruos) recuerdan las pinturas de la iglesia de San Jacopo de Termeno. Aquí, sin embargo, nos encontramos con la obra de un artista que, aunque no conocía la tradición bizantina, también estaba influido por el arte románico de la Toscana, como lo conocemos por las escenas laterales de las cruces pisanas y, sobre todo, florentinas: las figuras tienen ojos almendrados con pupilas dilatadas.

Las pinturas, en las que predominan los verdes y azules intensos, se colocaron en masas uniformes entre contornos finamente dibujados, y las pinceladas claras y oscuras se aplicaron a la manera tradicional, sin conseguir el efecto de relieve, sino sólo de color y dibujo. En la pared izquierda de la nave lateral encontramos una escena del beso de Judas, que recuerda las pinturas de la cripta de San Sauvain, aunque carece de su fuerza clásica.

También en Piamonte, en Novara, destaca una serie de pinturas en varios edificios. En primer lugar, en la sacristía del Duomo, una decoración arquitectónica con el retrato de un obispo sólo tiene un interés secundario, mientras que al lado, en el oratorio de San Siro (todo lo que queda de la gran basílica románica destruida en 1857), la historia de la vida de San Ciro, primer obispo de Pavía, consagrado por San Pedro en el año 46 d.C., cubre la bóveda y las paredes. Estas pinturas románicas datan de la segunda mitad del siglo XII, salvo el muro del fondo, que data del siglo XIII y es ya gótico.

En la parte superior del muro de la entrada vemos a una viuda de Verona que suplica a San Ciro que resucite a su hijo muerto. La escena está enmarcada en la parte superior por una banda roja, que se ensancha hacia la derecha y se convierte en un fondo sobre el que se representa un conjunto de edificios encerrados en las murallas almenadas de la ciudad de Verona, compuestas por grandes bloques de toba rojiza. La expresividad del rostro de la viuda se ve realzada por su pose dramática.

A la izquierda de la pilastra, en el mismo registro, vemos a San Ciro resucitando al hijo de la viuda. En el lado derecho de la misma pilastra, San Ciro bautiza a la viuda. También en este caso, la banda naranja de la parte superior corta el fondo azul, en cuyo centro destaca una pila bautismal blanca con sombras verdes en el exterior y azules en el interior. Una figura femenina está sumergida en ella; vemos su cabeza y sus hombros desnudos, su larga cabellera pelirroja le cuelga por la espalda. A la izquierda, San Ciro pone su mano derecha sobre la cabeza de la mujer para bautizarla; el diácono permanece de pie detrás de él, recto e inmóvil.

Estas pinturas son de una calidad excepcional, tanto por su mérito artístico como por su significado dramático. El artista desconocido que las creó en la segunda mitad del siglo XII tenía no sólo un fino sentido del color y un sentido del ritmo y del espacio de primer orden, sino también una intensa fuerza expresiva que raramente se encuentra en la pintura románica italiana. La originalidad de la composición, la gracia fácil con la que se representan los paños y se agrupan las figuras, es otra prerrogativa de este gran maestro, cuyo estilo no tiene parangón entre los ejemplos conservados de obras modernas.

También en Novara, el antiguo ayuntamiento, que forma parte de los edificios Brolett, data de septiembre de 1208. El friso pintado de la pared sur, bajo la cornisa, es contemporáneo. Las escenas representadas en él son de temática variada: caballeros saliendo de la ciudad, plebeyos luchando, hombres luchando contra animales salvajes, escenas de reyertas, monstruos, centauros, incluso una escena erótica. El friso está fragmentado en su parte central, y debido a la naturaleza inconexa de los temas, es imposible determinar si el tema está tomado de alguna novela caballeresca, si tiene algún significado simbólico, o si es meramente decorativo en su intención. El estilo se inscribe en la tradición popular de finales del siglo pasado: vivaz, libre y fácil, tosco y esquemático, con un divertido toque de caricatura.

La pintura románica en la Suiza italiana

En el lago Mayor, en la Suiza italiana, en la pequeña capilla de San Vigilio en Rovio, construida a principios del siglo XIII, se conservan en el ábside varios frescos románicos de la misma época. En la bóveda del ábside, sobre la Virgen y el apóstol Pedro, se alza majestuoso Cristo, algo desplazado.

En el ábside de la iglesia de San Jacopo en Grissiano, cerca de Nápoles, Cristo en majestad, sostenido por la Virgen y San Juan Bautista, con los símbolos de los Evangelistas en las cuatro esquinas, recuerda las miniaturas de la escuela otomana.

Bajo un friso con claves griegas, intercaladas, según la tradición clásica, con figuras y máscaras, el arco triunfal representa el Sacrificio de Isaac, que es un ejemplo típico del arte donde las últimas fórmulas bizantinas dejan paso a un naturalismo que anticipa la escuela gótica. El fondo rocoso de la escena se inspira en los cercanos Dolomitas, y el artista evidentemente encontró cerca a un leñador con su asno, que sirvió de modelo para el criado que acompaña a Abraham e Isaac.

La pintura románica en Toscana

En Toscana han desaparecido la mayoría de los frescos románicos. Sólo podemos rastrear algunos ejemplos, como un fragmento procedente de un edificio adyacente al ábside de la iglesia de San Michele in Salzi, conservado en el Museo Cívico de Pisa. Por otra parte, la importante contribución de los artistas toscanos está representada por una serie de cruces monumentales, retablos y sagrarios. Otros artistas trabajaron al mismo tiempo y con el mismo espíritu en Roma, en el Lacio y en el centro de la península.

Fue en Italia y España (véase: La pintura románica en España), países directamente afectados por la influencia bizantina, donde se desarrolló el arte de la pintura de caballete. Los ejemplos de pintura de iconos ortodoxos , traídos inicialmente de Grecia e imitados más tarde en Venecia y otros lugares, sirvieron de modelo. Los artistas italianos acabaron abandonando la rigidez hierática y se esforzaron por hacer sus figuras más flexibles y humanas.

Véase también: Pintura medieval rusa (c. 950-1100) y su sucesora Escuela iconográfica (y frescos) de Nóvgorod (1100-1500)

Los cuatro paneles son ejemplos típicos del arte románico de Italia central y del Lacio, todavía fuertemente influenciado por las recientes tendencias bizantinas. Por ejemplo, en la tabla «Virgen con el Niño», ejecutada al temple en la iglesia de la Virgen del Cerbo de Campagnano, la austeridad de las poses, la mirada fija de los ojos y los pliegues de los ropajes recuerdan los retratos de princesas y doncellas de los mosaicos de San Vitale de Rávena.

El retablo de la iglesia de Santa Maria Assunta en Trevignano, donde Cristo en majestad está acompañado por la Virgen intercesora en el panel izquierdo y San Juan Evangelista en el panel derecho, data del primer tercio del siglo XIII. Lleva las firmas de dos artistas, Nicolaus de Petro Paulo y Petrus de Nicolao, algo excepcional para la época. Estos dos artistas fueron también responsables del panel descrito anteriormente.

La figura del Redentor de la catedral de Tarquinio recibe el mismo tratamiento.

Finalmente, en Viterbo, en la iglesia de Santa Maria Nuova, está dedicado al Santísimo Salvador un tabernáculo pintado sobre pergamino fijado en madera. Cuando está abierto representa, como el tríptico de Trevignano, a Cristo en majestad, sostenido por la Virgen y San Juan Evangelista. Cerradas, las dos hojas muestran las figuras de San Pedro y San Pablo. En el reverso vemos un ángel, también muy influido por el arte bizantino de la escuela de Spoleto.

La escultura románica se pintaba a menudo para dar efecto. El arte de pintar crucifijos de madera, un invento italiano de finales del siglo XII, se asemeja a la pintura mural. La figura de Cristo, al principio representada viva pero inmóvil y rígida, con los ojos muy abiertos, como en una pintura de la sacristía de la catedral de Spoleto, firmada por Alberto di Sozio y fechada en 1187, se representa más tarde como un cadáver con los ojos cerrados y la cabeza colgando, de color verdoso (Cruz nº 20 del Museo Cívico de Pisa).

Los artistas toscanos, tomándose libertades con respecto al canon oriental, pintaron alrededor de la figura de Cristo pequeñas escenas de su vida, ejecutadas con gracia y elegancia, en colores cuyo esplendor se ve realzado por el contraste con el fondo dorado sobre el que se sitúan. Algunos de estos artistas produjeron verdaderas obras maestras a finales del siglo XII. Algunos nombres han llegado hasta nosotros, aunque pertenecen a un periodo posterior al llamado románico: Rainaldo di Ranuccio, Giunta Pisano, Bonaventura di Berlingiera, Coppo di Marcovaldo, hasta Cimabue, que prefigura a Giotto, y tras él su fama Pintura del Renacimiento temprano (c. 1400-90).

La pintura románica italiana puede verse en algunas de las iglesias y catedrales más antiguas de Italia, y en los mejores museos de arte de todo el mundo.

Agradecemos el uso de material del libro «Romanesque Painting» de Juan Aino y André Held.

EVOLUCIÓN DEL ARTE EUROPEO
Información general: Historia del Arte . Información sobre acontecimientos y fechas: Cronología de la Historia del Arte . Sobre estilos y escuelas: Movimientos artísticos .

Las pinturas románicas italianas pueden verse en algunas de las iglesias y catedrales más antiguas de Italia, y en los mejores museos de arte de todo el mundo.