Romanticismo: definición, características, historia Traductor traducir

A pesar de los primeros esfuerzos de pioneros como El Greco (Domenikos Theotokopoulos) (1541-1614), Adam Elsheimer (1578-1610) y Claude Lorrain (1604-1682), el estilo que conocemos como Romanticismo no cobró impulso hasta finales del siglo XVIII, cuando el elemento heroico del Neoclasicismo empezó a desempeñar un papel central en la pintura . Este elemento heroico, combinado con el idealismo revolucionario, dio lugar al estilo romántico emocional que surgió tras la Revolución Francesa como reacción contra el restringido arte académico del establishment artístico.

Los principios del Romanticismo incluían un retorno a la naturaleza -ejemplificado por el énfasis en la pintura espontánea al aire libre-, la creencia en la bondad de la humanidad, la promoción de la justicia para todos y una fuerte creencia en los sentimientos y las emociones más que en la razón y el intelecto. Los pintores y escultores románticos buscaban expresar una respuesta personal y emocional a la vida, en contraste con la contención y los valores universales que propugnaba el arte neoclásico . Los arquitectos del siglo XIX también intentaron expresar el romanticismo en el diseño de sus edificios: véase, por ejemplo, Arquitectura victoriana (1840-1900).

Entre los grandes artistas románticos se encuentran Heinrich Fuseli (1741-1825), Francisco Goya (1746-1828), Caspar David Friedrich (1774-1840), J. M. W. Turner (1775-1851), John Constable (1776-1837), Theodore Gericault (1791-1824) y Eugène Delacroix (1798-63). El arte romántico no suplantó al estilo neoclásico, sino que sirvió de contrapeso a su austeridad y rigidez. Aunque el Romanticismo entró en decadencia hacia 1830, su influencia perduró durante mucho tiempo. Para ver el papel que desempeñó la pintura romántica en la evolución del arte del siglo XIX, véase: Del realismo al impresionismo (1830-1900).

Orígenes

Tras la Revolución Francesa de 1789, se produjeron importantes cambios sociales en una generación. Europa se vio sacudida por crisis políticas, revoluciones y guerras. Cuando los dirigentes de las naciones se reunieron en el Congreso de Viena (1815) para reorganizar los asuntos europeos tras las guerras napoleónicas, quedó claro que las esperanzas de los pueblos de «libertad, igualdad y fraternidad» no se habían cumplido. Sin embargo, durante estos tumultuosos 25 años, nuevas ideas y actitudes se establecieron en la mente de los pueblos.

El respeto por el individuo, la persona responsable, que ya era un elemento clave de la pintura neoclásica, dio lugar a un fenómeno nuevo pero relacionado: la intuición emocional. Así, el neoclasicismo frío y racional se enfrentaba ahora a las emociones y a la imaginación individual que brotaba de ellas. En lugar de alabar el estoicismo y la disciplina intelectual del individuo (Neoclasicismo), los artistas comenzaron a alabar también la intuición emocional y la percepción del individuo (Romanticismo). Así, a principios del siglo XIX, surgieron diversos estilos, cada uno de ellos impulsado por características nacionales, y todos bajo el nombre de «Romanticismo».

El movimiento comenzó en Alemania, donde estaba motivado principalmente por un sentimiento de cansancio del mundo (» Weltschmerz»), una sensación de aislamiento y un anhelo de naturaleza. Las tendencias románticas posteriores también fueron evidentes en la pintura inglesa y francesa.

Para otras tendencias estilísticas históricas importantes similares al Romanticismo, véase Movimientos y escuelas artísticas (a partir del año 100 a.C. aproximadamente).

Romanticismo alemán (1800-1850)

En Alemania, la joven generación de artistas reaccionó a los cambios de época mediante un proceso de introspección: se refugiaron en un mundo de emociones, inspirados por una añoranza sentimental de tiempos pasados, como la época medieval, que ahora se veía como una época en la que la gente vivía en armonía consigo misma y con el mundo. En este contexto, el cuadro «Catedral gótica junto al agua» de Carl Friedrich Schinkel era tan importante como las obras «de los nazarenos» -Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld y Franz Pforr-, que se inspiraban en las tradiciones pictóricas del Renacimiento temprano italiano y el arte alemán de la época de Alberto Durero.

En sus recuerdos del pasado, los artistas románticos estaban muy próximos al Neoclasicismo, salvo que su historicismo criticaba las actitudes racionalistas del Neoclasicismo. En pocas palabras, los artistas neoclásicos apelaban al pasado en apoyo de su preferencia por individuos responsables y racionalmente pensantes, mientras que los románticos apelaban al pasado para justificar sus intuiciones emocionales irracionales.

El movimiento romántico promovió «la intuición creativa y la imaginación» como base de todo arte. La obra de arte se convirtió así en la expresión de «una voz interior», como dijo el principal artista romántico Caspar David Friedrich (1774-1840). Pero esta nueva subjetividad (en contraste con la subjetividad de la era moderna) no implicaba un desprecio por el estudio de la naturaleza o la artesanía de la pintura. Al contrario: los pintores románticos conservaron las tradiciones académicas de su arte, y sus calidades pictóricas siguen representando el punto culminante del arte occidental.

El género preferido entre los románticos era la pintura de paisaje . La naturaleza se consideraba un espejo del alma y, en la Alemania políticamente restringida, también un símbolo de libertad e ilimitación. La iconografía del arte romántico incluye, por tanto, figuras solitarias en el campo que miran anhelantes a lo lejos, así como motivos vanitas, como árboles muertos y ruinas cubiertas de maleza, que simbolizan la fugacidad y finitud de la vida. Motivos similares de la pintura vanitas se encontraban anteriormente en el arte barroco : de hecho, los artistas románticos tomaron prestado el tratamiento pictórico de la luz con sus efectos sombríos de luz y sombra directamente de los maestros barrocos. En el Romanticismo, el artista lanza su mirada subjetiva sobre el mundo objetivo y nos muestra un cuadro filtrado por su sentimiento.

Cuando la Restauración europea se puso en marcha con las Resoluciones de Carlsbad (1819) y comenzó la persecución de los demagogos, el apetito por el Romanticismo alemán ya había menguado y la rebeldía había sido sustituida por la sumisión y la desilusión. Las aspiraciones liberadoras del Romanticismo alemán fueron desechadas en favor de las aspiraciones de la Restauración.

Ante tal conservadurismo político, el artista-ciudadano se retiró a su idilio privado, dando lugar al periodo Biedermeier (1815-1848) del Romanticismo tardío, ejemplificado por las obras de Moritz von Schwind (1804-1871), Adrian Ludwig Richter (1803-1884) y Carl Spitzweg (1805-1885). Spitzweg fue quizá el representante más destacado del estilo Biedermeier: las escenas familiares narrativas y anecdóticas fueron sus temas pictóricos favoritos, aunque sus cuadros alegres y apacibles tienen un significado más profundo. Tras la inocente dulzura se esconde una sátira del materialismo de la burguesía alemana. Véase también: Arte alemán, siglo XIX .

Romanticismo español (1810-30)

Francisco de Goya (1746-1828) fue el líder indiscutible del movimiento artístico romántico en España, mostrando una inclinación natural por las obras de irracionalidad, imaginación, fantasía y horror. En 1789 ya era el artista oficial de la corte real española. Desgraciadamente, hacia 1793 sufrió una grave enfermedad que le dejó sordo y retraído. Durante su convalecencia (1793-1794) ejecuta un conjunto de 14 pequeñas pinturas sobre hojalata conocidas como «Fantasías e invenciones», que marcan un cambio completo de estilo, representando un mundo dramático de fantasías y pesadillas. En 1799 publica un conjunto de 80 aguafuertes titulado Los Caprichos, en los que comenta diversas formas de comportamiento humano a la manera de William Hogarth. En 1812-15, tras la guerra napoleónica, realizó una serie de aguatintas tituladas «Los desastres de la guerra», que representan escenas del campo de batalla de forma inquietante y sombría.

Estos grabados permanecieron inéditos hasta 1863. En 1814, para conmemorar el levantamiento español contra las tropas francesas en la Puerta del Sol de Madrid y el fusilamiento de españoles desarmados sospechosos de complicidad, Goya creó una de sus mayores obras maestras, «El tres de mayo de 1808» (1814, Prado, Madrid). Otra obra maestra es «El Coloso» (1808-12, Prado, Madrid). A partir de 1815, Goya se retrae cada vez más. Su serie de 14 pinturas conocidas como Pinturas negras (1820-23), incluyendo Saturno devorando a su hijo (1821, Prado, Madrid), ofrece una extraordinaria visión del mundo de su fantasía e imaginación personales.

Romanticismo francés (1815-1850)

En Francia, como en el resto de Europa, las guerras napoleónicas terminaron con la expulsión de Napoleón y la ola reaccionaria de las políticas de la Restauración. La república francesa volvió a ser una monarquía. En el ámbito de las artes plásticas, todo ello propició un tremendo auge del Romanticismo, todavía frenado por el dominio de neoclasicistas como el pintor político Jacques Louis David (1748-1825) y otros miembros destacados de la Academia Francesa, que reinaron sin división. Más amplios que sus homólogos alemanes, los pintores románticos franceses no se limitaron al paisaje y a la rara pintura de género, sino que también exploraron el retrato y la pintura de historia .

Otra vertiente del Romanticismo decimonónico explorada por los artistas franceses fue la pintura orientalista, normalmente escenas de género del norte de África. Entre los mejores exponentes se encontraban el académico Jean-Léon Jerome (1824-1904) y el más atrevido Eugène Delacroix.

El primer gran pintor romántico de Francia fue el mejor alumno de Jacques-Louis David, Antoine-Jean Gros (1771-1835). Cronista de las campañas de Napoleón y hábil retratista, Gros se asoció con el estilo académico de la pintura, aunque también ejerció una importante influencia sobre Géricault y Delacroix.

Théodore Géricault (1791-1824) fue un importante pionero del movimiento artístico romántico en Francia. Su obra maestra «La balsa de Medusa» (1819, Louvre) fue el escándalo del Salón de París de 1820. Hasta entonces, ningún artista había representado el horror de forma tan gráfica. El impacto del cuadro fue tanto más eficaz cuanto que se basaba en una catástrofe de la vida real. La poderosa composición de Géricault socava decisivamente la pintura calculadora e intelectual del neoclasicismo académico.

La tridimensionalidad de las figuras, combinada con la cuidadosa colocación de la balsa, con su simbólica desesperanza. Esta representación simbólica del naufragio (aspiraciones políticas populares) confiere al cuadro el mismo dramatismo que caracterizaba la obra de los antiguos maestros barrocos, como Rubens y Velázquez. Géricault también adoptó un enfoque romántico en sus célebres retratos de asilados.

Eugène Delacroix (1798-1863), que más tarde se convertiría en el líder del Romanticismo francés, siguió los pasos de Géricault tras la temprana muerte de éste, pintando cuadros cuyos colores vivos y pinceladas rápidas pretendían estimular las emociones y agitar el alma. Con ello, renovó deliberadamente la discusión secular sobre la primacía del dibujo o de la composición cromática. Delacroix contrapuso lo que consideraba «obtusidad neoclásica», ejemplificada en su opinión por Jean Auguste Dominique Engr (1780-1867) y la conservadora Academia Francesa, con el movimiento dinámico y la composición basada en el color, no muy diferente de la obra de Tiziano o Rubens. Su obra maestra en el estilo romántico es «La libertad guiando al pueblo» («La libertad en las barricadas», 1830, Louvre), pintada con motivo de la Revolución de 1830.

Delacroix fue también un apasionado admirador del color en la pintura, en particular de la interacción del color y la luz. Comprobó que "la carne sólo tiene su verdadero color al aire libre, y especialmente al sol. Si un hombre tiene la cabeza junto a una ventana, es muy distinto de lo que es en una habitación; ahí radica la locura de los estudios de estudio que tratan de reproducir el color equivocado".

Uno de los resultados importantes de sus investigaciones fue el descubrimiento de que los matices de color podían producirse mezclando colores primarios complementarios, hecho que fue tomado con gran interés por los impresionistas. El propio Delacroix estuvo muy influido por John Constable, el gran paisajista inglés, que también ejerció una gran influencia en los pintores «de la Escuela de Barbizon», cerca de Fontainebleu, que se dedicaron en la década de 1830 a la pintura plein air.

Otros artistas franceses de tradición romántica son: Pierre-Paul Prudon (1758-1823), Anne-Louis Giraudet-Trioson (1767-1824), François Gerard (1770-1837), Georges Michel (1763-1843), Antoine-Jean Gros (1771-1835) y Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875). Un caso insólito es el del pintor histórico clásico Paul Delaroche (1797-1856), especializado en escenas históricas melodramáticas, normalmente relacionadas con la realeza inglesa, como La ejecución de lady Jane Grey (1833, National Gallery, Londres). Gozó de una enorme popularidad en vida y amasó una fortuna vendiendo grabados de sus cuadros.

En América, la tradición romántica de la pintura histórica de Delacroix fue mantenida por el pintor germano-americano Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868), cuya obra maestra es «Washington cruzando el Delaware» (1851, Metropolitan Museum of Art, Nueva York).

El Romanticismo en Inglaterra (c. 1820-1850)

John Constable (1776-1837) perteneció a la tradición inglesa del Romanticismo, que rechazaba las composiciones marcadas por una idealización exacerbada de la naturaleza, como las de Caspar David Friedrich, en favor del naturalismo del Barroco holandés del siglo XVII, y de Claude Lorrain (1604-1682). Esta tradición buscaba el equilibrio entre (por un lado) una profunda sensibilidad hacia la naturaleza y (por otro) los avances de la ciencia de la pintura y el dibujo. Ejemplo de esto último fueron los estudios sistemáticos del cielo y las nubes de la década de 1820 que caracterizan la obra de Constable. Su observación precisa de la naturaleza le llevó a prescindir del significado tradicional de la línea y a construir sus obras a partir de manchas libres de color.

Esta liberación del color es particularmente característica de la pintura de William Turner (1775-1851). Para Turner, quizá el más grande de todos los pintores románticos ingleses, la observación de la naturaleza es sólo un elemento en la realización de sus propias ambiciones pictóricas. El ambiente de sus cuadros se crea no tanto por lo que pinta como por cómo lo hace, especialmente por la forma en que utiliza el color y la pincelada. Muchos de sus lienzos están pintados con pinceladas rápidas. El grueso impasto alterna con la fina pintura alla prima, una pintura tonal con fuertes contrastes de luz y oscuridad.

A menudo, el tema representado tarda algún tiempo en emerger de este remolino de impresiones de color y materia. Así, por ejemplo, en su cuadro «Tormenta de nieve: barco de vapor en la bocana del puerto (1842, Tate, Londres), Turner no intentó representar la nieve que corría y el viento enérgico, sino que los tradujo al lenguaje de la pintura. En este sentido, Turner es un importante precursor de la pintura abstracta moderna.

Su arte influyó más directamente en los impresionistas, que, a diferencia de los pintores románticos, eran realistas: no les interesaban las visiones de la luz que realzaban la expresión, sino los efectos reales de la luz en la naturaleza. Este movimiento hacia el realismo surgió hacia 1850. En esa época se abrió una brecha cada vez mayor entre la emoción y la realidad. Los románticos, incluidos grupos como los prerrafaelitas, se centraron en la emoción, la fantasía y los mundos creados artísticamente, un estilo muy en sintonía con la época del arte victoriano (1840-1900); un buen ejemplo son los populares retratos sentimentales de perros de Sir Edwin Landseer (1802-1873). En comparación, los realistas perseguían un estilo más naturalista, abarcando estilos tan diversos como el realismo francés (con temas socialmente relevantes) y el impresionismo.

Otros artistas románticos ingleses son William Blake (1757-1827) y John Martin (1789-1854).

La influencia del Romanticismo

El estilo romántico de pintura estimuló la aparición de numerosas escuelas como: la Escuela de Barbizon de paisajes plein air, la Escuela de Paisajistas de Norwich ; los Nazarenos, un grupo de pintores católicos alemanes y austriacos; el Simbolismo (por ejemplo, Arnold Bocklin 1827-1901) y el movimiento del Esteticismo.

Los exponentes más influyentes del Romanticismo figurativo inglés en la época victoriana fueron los miembros de la Hermandad Prerrafaelita, cofundada por William Holman Hunt (1827-1910) y Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), conocido por «La Anunciación» y otras obras. Otros artistas asociados al movimiento fueron: John Everett Millais (1829-1896), más conocido por su cuadro romántico «Ofelia», Edward Burne-Jones (1833-1898), destacado pintor, diseñador de vidrieras y tapices para William Morris & Co, y John William Waterhouse (1849-1917), creador del famoso cuadro «Lady Shalott».

Otro grupo importante de artistas románticos fue la Escuela de Paisajismo del Río Hudson, activa entre 1825 y 1875. Fue iniciada por Thomas Doughty, cuyas tranquilas composiciones influyeron enormemente en los artistas posteriores de la escuela. Otros miembros de la escuela fueron Thomas Cole (paisajes dramáticos y vívidos), Asher B Durand, Frederick Edwin Church, J F Kensett, S F Morse, Henry Inman y Jasper Cropsey. Un subgrupo de artistas del río Hudson introdujo el estilo Luminismo, activo entre 1850 y 1875. Los paisajes luministas, ejemplificados por las obras de Frederick Church, Albert Bjerstadt, y el pintor fronterizo de Missouri George Caleb Bingham (1811-1879), se caracterizaban por intensos, de Whistler, como «Crepúsculo en carne y verde, Valparaíso» (1866) y «Nocturno: Azul y Plata - Chelsea (1871).

Los grandes cuadros románticos

Hay obras del Romanticismo en muchos de los mejores museos de arte del mundo. He aquí una breve lista de obras seleccionadas.

Carl Friedrich Schinkel (1781-1841)
Catedral gótica junto al agua (1813) Museo Estatal de Berlín.
John Constable (1776-1837)

El telar de heno (1821) National Gallery, Londres.
J. M. W. Turner (1775-1851)
Battling Temeraire (1838) National Gallery, Londres.
Barco de esclavos (1840) Museo de Bellas Artes, Boston.
Barco de vapor en la bocana del puerto (1842) Tate, Londres.
Lluvia, vapor, velocidad - Great Western Railway (1844) NG, Londres.
Caspar David Friedrich (1774-1840)
Paisaje invernal (c.1811) National Gallery, Londres.
Hombre y Mujer Contemplando la Luna (1824) National Gallery, Berlín.
Francisco Goya (1746-1828)
Tres de mayo, 1808 (1814) Museo del Prado, Madrid.
Saturno devorando a uno de sus hijos (1821) Prado, Madrid.
William Blake (1757-1827)
La noche de alegría de Enitharmon (1795) Tate Britain, Londres.
Satanás agitando a los ángeles rebeldes (1800) Victoria and Albert Museum.
Théodore Géricault (1791-1824)
La Balsa de la Medusa (1819) Louvre, París.
Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868)
Washington cruzando el río Delaware (1848) Metropolitan Museum of Art, Nueva York.
Eugène Delacroix (1798-63)
La muerte de Sardanápalo (1827) Museo del Louvre.
La libertad guiando al pueblo (1830) Museo del Louvre.
John Martin (1789-1854)
El gran día de su ira (1853) Tate, Londres.
Jean-Baptiste Corot (1796-1875)
Conmemoración de Mortefontaine (1864) Louvre, París.
Ville d’Avray (1867) National Gallery of Art, Washington.
Arnold Bocklin (1827-1901)
María Magdalena de luto sobre el cuerpo de Cristo (1867) Kunstmuseum, Basilea.

Neorromanticismo

A principios de la década de 1920 surgió en París un grupo de pintores figurativos cuyos cuadros, de carácter melancólico, pronto se conocieron como neorrománticos. Entre ellos había un trío de nativos rusos: Eugene Berman y su hermano Leonid, y Pavel Chelitchev . Sin embargo, al menos en el arte visual británico, el término neorromántico designa el estilo figurativo cuasi abstracto de paisaje creado por Paul Nash (1889-1946) y Graham Sutherland (1903-1980) y otros a finales de los años treinta y cuarenta. Inspirados en parte por los paisajes visionarios de William Blake y Samuel Palmer, los cuadros neorrománticos a menudo incluían figuras, solían ser de ambiente sombrío, pero a veces mostraban una intensidad sorprendente. Otros neorrománticos importantes fueron Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper y Keith Vaughan.

EVOLUCIÓN DEL ARTE VISUAL
Cronología y fechas véase: CRONOLOGÍA DE LA HISTORIA DEL ARTE .

Para información sobre otros movimientos y periodos del arte, véase: Historia del arte .