Pintura rusa, siglo XVIII Traductor traducir

Arte bajo el zar Pedro el Grande
Para la historia y características de la escultura y la pintura durante el reinado de Pedro el Grande (1686-1725), ver Arte petrino . Este artículo también revisa la arquitectura rusa bajo Peter y sus sucesores inmediatos (c.1686-1760).

Introducción

Tras la muerte de Pedro el Grande a la edad de 52 años, Arte ruso Entró en una fase de gran incertidumbre. Las camarillas gobernantes encabezadas por Catalina I (1725-7), Pedro II (1727-30) y la zarina Anna (1730-40) iban y venían, antes de que la hija de Pedro el Grande, Isabel (1741-61) se convirtiera en Emperatriz. Esto desencadenó otro período de crecimiento para la cultura rusa que se mantuvo bajo el sucesor de Isabel, Catalina la Grande (1762-96). La pintura del siglo XVIII en Rusia estuvo dominada por obras decorativas, especialmente pintura mural y arte de retrato . El retrato arquitectónico y los paisajes topográficos aparecieron más tarde en el siglo, al igual que las primeras formas de paisaje propiamente dicho, así como los paisajes urbanos. Con algunas excepciones notables e importantes, Artistas rusos durante el siglo 18 se quedaron atrás de sus homólogos occidentales. A pesar de esto, se hizo un gran progreso artístico, que condujo directamente a los magníficos logros de la pintura rusa del siglo XIX.

Para movimientos anteriores, ver: Pintura medieval rusa (c.950-1100) y Novgorod School of Icon Painting (1100-1500).

Arte ruso del siglo XVIII bajo Elizabeth (1741-61)

Durante el reinado de Isabel, con la excepción del retrato, pintura y escultura continuó sirviendo como apéndices de arquitectura y decoración de interiores. De hecho, la mayoría de las pinturas de la época eran una forma de arte decorativa , pensadas como adornos para techos y paredes, mientras que las esculturas estaban diseñadas principalmente para adornar jardines y parques. Las obras seculares superaron en gran medida los ejemplos de Arte cristiano , de acuerdo con el nuevo estado de ánimo de la investigación científica y filosófica. La mayoría de las pinturas decorativas ejecutadas para la Emperatriz fueron obra de italianos, como Valeriani, Perezinotti, Borozzi y Torelli. El papel de los artistas rusos se limitaba típicamente al de ayudar a los directores. Incluso los más famosos, como los hermanos Alexis (1720-1796), Efim (1730-1778) e Ivan (1732-1784) Belski y John e Ivan Firsov (activo c.1740-1750), trabajaron de acuerdo con las instrucciones de los italianos. Además, las decoraciones del techo generalmente se ejecutaban sobre lienzo, y esta práctica permitió a la Emperatriz seguir el hábito de Pedro el Grande de encargar pinturas de eminentes artistas occidentales, que ejecutaron el trabajo en casa sin tener que visitar Rusia. El techo pintado por Tiepolo porque el palacio de Oranienbaum fue la mejor de estas importaciones; De conformidad con el gusto de la época, su tema era alegórico. Al igual que el palacio, se informó que fue destruido por las tropas alemanas antes de su retirada en 1943. A principios de siglo, las escenas de dioses y diosas en juego que se extendían por todo el techo eran la moda, pero a mediados de siglo eran más abstractas. los diseños decorativos comenzaron a favorecer, tanto en lo que respecta a las importaciones como cuando el trabajo se ejecutó localmente.

Los paneles pintados en las paredes, encima de las puertas y entre las ventanas, generalmente eran obra del artista que había sido responsable del techo, y sus temas eran complementarios al esquema más amplio del techo. Cuando las habitaciones formaban largas suites interconectadas, la pintura en perspectiva estaba especialmente a favor, ya que ayudaba a llevar el ojo hacia adelante de panel a panel y de una habitación a otra. Los paneles se reflejaron a su vez en los espejos que eran tan populares, que la vista que se desplegaba se amplificó y multiplicó indefinidamente. Mucho trabajo de este tipo fue ejecutado por Carlo Bibiena Galli al estilo de su ilustre abuelo, Ferdinando Bibiena Galli.

Al igual que las pinturas decorativas, el retrato también se confiaba con frecuencia a artistas extranjeros; Groot, Lagrenais el viejo y Torelli fueron las figuras más importantes. Sin embargo, a medida que avanzó el siglo, se desarrolló la demanda de retratos y aumentó el número de retratistas rusos. La mayoría de ellos seguían pintando en un estilo semi-iconográfico que recuerda al siglo XVII. Escuela de pintura de moscú que al nuevo estilo de Matveev, y como resultado fueron eclipsados ​​por los extranjeros. Sin embargo, cuatro pintores rusos continuaron en la línea trazada por Matveev y Nikitin en su lucha por el realismo y el naturalismo, y lograron producir obras de cierta calidad.

I.Vishnyakov (1699-1761)

El primero de los cuatro, I.Vishnyakov, ejecutó sus obras más importantes entre 1730 y 1740. Sin embargo, aunque fue alumno de Caravaggio , no pudo liberarse por completo de la tradición iconográfica. Su alumno, Alexis Antropov (1716-1795), al principio se vio obstaculizado de manera similar, pero luego emergió como un retratista realmente dotado con un estilo propio claro y definido. Sin embargo, su franqueza lo hizo impopular en la corte, y tuvo que ganarse la vida en Kiev como decorador. Varios de los primeros retratos que ejecutó allí sobreviven. Son bastante ingenuos, y su coloración algo cruda recuerda a arte popular , pero las semejanzas parecen sorprendentes, y dado que la mayoría de las personas que se sentaron para él eran clérigos, su estilo más bien icónico no era del todo inadecuado para su tema. Más tarde, Antropov se mudó a San Petersburgo, donde desarrolló un sentido más sutil de color . Los delicados tonos pastel de estas obras marcan un gran avance, pero las pinturas carecen de profundidad, ya que Antropov se contentó con captar una imagen física sin intentar representar el carácter o el espíritu del modelo. Aunque en un pintor más grande esto hubiera sido un error, le da a las obras de Antropov una cierta honestidad simple que aumenta su valor en comparación con los lienzos de retratistas occidentales más hábiles y sofisticados, pero menos genuinos y sinceros que trabajan en Rusia. El Retrato de Pedro III de Antropov (1762), que permite que aparezca la degeneración del zar independientemente de sus atavíos imperiales, es un documento mucho más interesante y revelador que los retratos convencionales pintados por los extranjeros más aduladores y más hábiles. Sin embargo, no sorprende que su franqueza haya fallado en restablecer Antropov al favor imperial.

Ivan Argunov (c.1727-1797)

Ivan Argunov, un hermano del arquitecto, y también un siervo, también fue obstaculizado por primera vez por el pintura de iconos tradición, pero rápidamente se liberó de ella y atrajo mucha atención como pintor debido a su habilidad para reproducir la textura de las telas. Era particularmente aficionado a los detalles y prestaba mucha atención a la pintura de manos, pero además podía transmitir una impresión realista, franca y sincera de sus cuidadores. El rostro sencillo y afable de su esposa, que aparece incongruentemente por encima de su vestido de moda, es característico del enfoque más sagrado de Argunov, así como de la amabilidad que eliminó cualquier daño de su franqueza. Similarmente agradable es su pintura de una niña campesina, producida en 1784, cuando Argunov era un hombre bastante viejo. Es encantador en su ingenio y asume un lugar importante en la historia de la pintura rusa, ya que fue la primera pintura de una niña campesina con su vestido nacional. Esta fue una nueva partida para el arte ruso, que se había concentrado a su vez en iconos, temas y retratos religiosos o clásicos, y hasta ahora había pasado por alto al campesinado. Tuvo una influencia considerable en los alumnos y seguidores inmediatos de Argunov, y finalmente sirvió como trampolín para el gran grupo de pintores de género rusos del siglo XIX.

Anthony Losenko (1731-1773)

El más importante de los alumnos de Argunov fue Anthony Losenko, quien se convirtió en el líder de un grupo de pintores que incluía a hombres como Cyril Golovachevski (1735-1823) y Sablukov, y probablemente también Firsov. Aunque aún no se sabe nada de este último, su única imagen sobreviviente, que muestra a un retratista en el trabajo, está tan imbuida del espíritu de Losenko que hasta hace poco se le atribuyó. Losenko fue un excelente técnico. Al igual que Argunov, mostró un gran interés en la textura y los detalles de la ropa, pero también sabía cómo construir sus cuadros, cómo darles profundidad y cómo presentar a sus cuidadores para su mejor ventaja. Tenía buen ojo para el color, pero tal vez estaba demasiado predispuesto a los tonos de verde dorado. Sus retratos de mujeres tienden a ser un poco educados, pero aunque carecen de refinamiento occidental, sin embargo, son mucho más sofisticados y elegantes que las pinturas de cualquiera de sus predecesores rusos. Conservan una intimidad esencialmente rusa y, además de captar una semejanza física, se esfuerzan por retratar parte de la psicología de la niñera. El Retrato de un actor de Losenko es una obra vital y original; Es el primer estudio de personajes del arte ruso. Tal vez fue una desgracia que Losenko ganó una beca de viaje que lo llevó a Francia, ya que mientras estaba en París perdió interés en el retrato, una rama de la pintura en la que fácilmente podría haber sobresalido, y recurrió a pintura de historia . En este género, adoptó una forma formal, simulada y heroica, un extraño tanto para él como para el arte ruso. Su efecto sobre los jóvenes pintores de la época de Catalina fue, como veremos, considerable.

Arte ruso del siglo XVIII bajo Catalina la Grande (1762-96)

Durante la segunda mitad del siglo XVIII, los pintores rusos ampliaron su alcance, agregando vistas de casas y paisajes a sus retratos de personas. También experimentaron con pintura de género y formas adicionales de cuadros históricos. Al mismo tiempo, sin embargo, dedicaron una atención creciente a pinturas de retratos y para la decoración de interiores, en los cuales lograron grandes éxitos, tal vez porque estas fueron las dos ramas del arte con las que se habían familiarizado más estrechamente durante el siglo pasado. En el retrato, sus logros fueron tan grandes que algunas de sus mejores imágenes pueden mantenerse con las de Joshua Reynolds (1723-92) y Thomas Gainsborough (1727-88). Esta comparación, además, no es fortuita, ya que el espíritu de las obras rusas se parece bastante al del siglo XVIII. Pintura figurativa inglesa . Sin embargo, el parecido debe haber sido accidental y no debido a ningún contacto, ya que la mayoría de los rusos del siglo XVIII ignoraban por completo la pintura inglesa contemporánea. Por lo tanto, la similitud debe atribuirse a una perspectiva y una forma de vida similares por parte de la nobleza de ambos países, así como a la influencia de los mismos prototipos en el arte de ambos.

Pintores británicos en Rusia

Además de Alexander Cozens (c.1717-86), había cuatro pintores ingleses que trabajaron en Rusia en el siglo XVIII. De ellos, Richard Brompton (1734-82) había sido alumno del eminente Richard Wilson (1713-82) y de Anton Raphael Mengs (1728-79), aunque pintó a la manera de Reynolds, podría haber influido en el desarrollo posterior de la pintura rusa, pero su trabajo fue de tan mala calidad que no fue valorado en Rusia, aunque trabajó allí desde 1778 hasta su muerte en ese país.

De los otros, John Augustus Atkinson (1770-1831), quien a la edad de catorce años acompañó a James Walker, su distinguido futuro suegro, a Rusia, era un experto en topografía del agua; si ejerció alguna influencia, puede haber sido en este campo en particular. John Walker, el hijo del grabador, trabajó en Rusia alrededor de 1800, y fue apreciado principalmente en San Petersburgo por sus exuberantes paisajes y sus imágenes históricas poco convincentes. Finalmente, Edward Miles, quien fue a Rusia en 1797 para pintar a la familia imperial, produjo solo trabajo indiferente y no tuvo influencia en el desarrollo de la pintura rusa.

Independientemente de esta escasez de relaciones sexuales y la aparente falta de influencia, los mejores retratos rusos de mediados y finales del siglo XVIII tienen la misma gracia, la misma tranquilidad y seguridad, la misma frescura y espontaneidad que sus mejores contemporáneos ingleses. También tienen algo de la elegancia de Francia, pero carecen del afecto de esa escuela. Sobre todo, se caracterizan por una sinceridad esencialmente rusa, así como por la vitalidad que tan a menudo se encuentra en una joven escuela de pintura.

Fedor Rokotov (1735-1808)

Fedor Rokotov fue un pintor destacado de su época. Estudió con Claude Lorrain y Rotari, y admiraba mucho a Toquet. Desde muy temprana edad demostró ser tan buen observador del carácter como colorista y técnico. Como resultado, su primera obra importante, una pintura del joven Gran Duque Paul, ejecutada en plata y gris, no solo es elegante y vital, sino que también es un retrato interesante y convincente. Catalina la Grande quedó tan impresionada que decidió sentarse en persona para Rokotov, aunque nunca había honrado a ningún artista anterior de esta manera. Su retrato, fechado en 1763, es una composición de tres cuartos de longitud, que la muestra de perfil. Aunque su cabeza está imperiosamente levantada y su mano sostiene el cetro, hay menos formalidad y más individualidad en esta imagen de lo que era habitual en los retratos reales en ese momento, y los rojos y verdes profundos, que Rokotov introdujo, sirven para enfatizar la vitalidad de Catherine. que acentuar su soberanía. El retrato complació a la Emperatriz y, si Rokotov lo hubiera deseado, podría haber hecho su carrera como pintor de la corte, pero, con una integridad característica, eligió abandonar San Petersburgo para Moscú, donde podría trabajar sin trabas por la etiqueta. Allí desarrolló un enfoque esencialmente psicológico, concentrándose principalmente en los retratos de mujeres. Su estudio de Lady in Pink es típico de su trabajo completamente desarrollado; Es tanto un honor para su pincel como un acto de homenaje a la infancia rusa. Del mismo modo que Pushkin debía exaltar a la mujer rusa en su Tatiana , y Tolstoi para representar la infancia en su forma más encantadora en su encantadora Natasha , Rokotov buscó inmortalizar a la debutante ideal. Nos la muestra como una mujer confiada pero aventurera, flexible pero decidida, una chica como Jane Austen habría salido en busca de una heroína. En un artista menos sincero, la fragilidad de su rostro, el alargamiento de sus ojos, su misteriosa sonrisa, bien podrían haber degenerado en un manierismo. Pero esto nunca sucedió con Rokotov, y la imagen, tan imbuida de la vida personal de la niña, con su curiosidad, su confianza en el futuro y su ingenua coquetería, revela la comprensión y la gracia con la que Rokotov se acercó a sus modelos.

Dmitri Levitski (1735-1822)

El contemporáneo de Rokotov, Dmitri Levitski, es nuevamente un artista de talla europea, y en Rusia su genio dominó a sus contemporáneos. Su padre, un grabador adjunto al Monasterio de las Cuevas en Kiev, le dio sus primeras lecciones, y cuando Antropov visitó Kiev en 1752, el joven Levitski le quitó algunas lecciones adicionales. Más tarde se mudó a San Petersburgo, donde estudió durante dos años (1758-1760) con Lagrenais, Valeriani y Antropov. Esto, sin embargo, no alteró la naturaleza de su enfoque muy individual o su concepción personal de las funciones del retratista; fue en gran medida un pintor autoformado, y su comportamiento se mantuvo fuertemente realista y esencialmente ruso.

A diferencia de muchos rusos, Levitski tenía un temperamento alegre, y su sentido del humor estuvo a veces en ridículo. Sin embargo, la ventaja de su ingenio siempre se vio atenuada por la amabilidad y la sensación de diversión, y su buena naturaleza invierte incluso sus retratos más formales con un humanismo ganador. Quizás fue por esto, más perceptivo, más versátil y más exitoso que Rokotov, y fue capaz de producir resultados exitosos en cierta medida, independientemente de sus cuidadores, mientras que Rokotov estaba más sujeto a su atractivo personal. La sensibilidad de Levitski le permitió comprender a sus súbditos, incluso si su apariencia o carácter no le simpatizaban. Como resultado, no solo intentó lo que muchos artistas habrían eludido, sino que también tuvo éxito en general. Este poder está en primer plano en su serie de retratos de Colegialas del Instituto Smolny , Catherine’s St. Cyr, que pintó para la Emperatriz. En estos lienzos, Levitski expresó admirablemente el encanto y la sorpresa de las niñas, su infantilismo y su maduración naciente. Ya sea bonita o simple, las chicas están vivas y todas las pinturas muestran una profunda apreciación del personaje. Todas las chicas están pintadas de cuerpo entero y de tamaño natural, posando contra una cortina o ante un paisaje. Los más jóvenes están representados bailando o jugando, los mayores leyendo o tocando un instrumento musical. El deleite del artista en su alegría exuberante no lo cegó a su inmadurez, su cuidadosa educación no pudo ocultar su individualidad.

Una visión similar ilumina el Retrato de Levitski del Conde V.Demidov . Este es un estudio deliciosamente alegre y penetrante. El gran magnate se para frente a dos pilares, apuntando con satisfacción a dos plantas bastante mediocres que probablemente él mismo ha cultivado, ya que se apoya en una regadera. La altura de los pilares y la magnificencia de la mansión que se ve en la distancia restan considerable importancia a lo impresionante de este logro hortícola; pero dado que la ropa de Demidov no es más adecuada para su pasatiempo que las que usaban el señor y la señora Andrews de Gainsborough cuando caminaban entre el maíz, la rusticidad de Demidov no debe tomarse más en serio que la de ellos. Su sonrisa despectiva sugiere que ni él mismo se engaña.

El Retrato de Diderot de Levitski, pintado en Ginebra en 1773, lo muestra con una vena más seria. La boca sensible y los ojos penetrantes del gran pensador son particularmente contundentes y transmiten una comprensión más penetrante de su carácter que los retratos de los demás. Diderot probablemente estaba al tanto de esto, porque hizo un punto especial en su voluntad de legar esta imagen a su hija. Hoy cuelga en el museo de Ginebra. Muchos de los otros retratos de Levitski, como, por ejemplo, los de su padre y del arquitecto Kokorinov, no se quedan cortos con el alto nivel que alcanzó al pintar a Diderot.

Levitski fue probablemente el primer pintor ruso a quien sus compatriotas consideraron igual a los artistas extranjeros. Aun así, lo consideraron simplemente un pintor de moda, y no se dieron cuenta de que su humanismo, su alegría y su reconocimiento instintivo de lo esencial le dieron a su trabajo un significado más amplio y duradero. Estas características estaban presentes incluso cuando su trabajo fue claramente prescrito por convención, como, por ejemplo, en su primer retrato de la Emperatriz. Por lo tanto, aunque la expresión de Catherine es distante, aparece sin ningún atuendo imperial, y su feminidad se ve reforzada por su túnica antigua, que se aferra a la figura, en lugar de caer libremente de sus hombros. De hecho, está representada más como una reina madre que como una solterona soberana.

Vladimir Borovikovski (1757-1825)

Esta concepción de Catalina fue llevada aún más lejos por Vladimir Borovikovski, quien pintó un retrato de cuerpo entero de ella como una anciana benigna que lleva a su perro a pasear por su parque. La pintora parece interesarse más en la majestuosidad de su entorno y en el obelisco que la Emperatriz había levantado como tributo a Razumovski que en su rango. Tal como la Reina Victoria deseaba, unos ochenta años después, ser considerada como una querida anciana, así Catherine aparece como una aquí, pero vista por un artista romántico, no tan sentimental por la propiedad de la clase media. Un retrato anterior de Catherine representa el primer intento de Borovikovsky de pintar caballetes, y sirve como evidencia de su extraordinaria habilidad.

La historia de Borovikovski fue curiosa. Nació en la encantadora ciudad ucraniana de Mirgorod en una familia de pintores de iconos, y, al igual que su padre, su tío y sus tres hermanos menores, él también comenzó a trabajar en esa línea. Cuando Catherine emprendió en 1787 su viaje a través de Rusia para visitar su recién conquistado territorio de Crimea, Potemkin organizó casas especiales, la mayoría de ellas construcciones temporales y un mero camuflaje, para ser erigidas a lo largo de la ruta que debía recorrer. Aquellos en los que se detuvo para pasar la noche estaban elaboradamente decorados. A Vladimir Borovikovski le tocó pintar los murales de la estructura en la que Catherine se detendría en la ciudad de Kremenchug. En una de sus habitaciones, Borovikovski pintó un mural que mostraba arado de Pedro el Grande, seguido de Catalina sembrando, con dos genios alados, sus sobrinos Alejandro y Constantino, flotando en el cielo. Catherine estaba tan encantada con la alegoría que invitó a Borovikovski a venir a San Petersburgo, tanto para perfeccionarse en su pintura estudiando en la Academia como para ejercer la profesión de retratista. Borovikovski sobresalió en esta esfera. Su trabajo de Petersburgo estuvo impregnado de su perspectiva romántica, que se reveló en su preocupación por el sentimiento, y un interés en lo general en oposición a lo particular. Estableció así una nueva partida en la pintura rusa, que hasta ahora se había preocupado primero por el realismo, luego por el carácter.

La mayoría de las imágenes de Borovikovski son de mujeres. Como las mujeres tienden a ser más impresionables que los hombres, es natural que Borovikovski, como un verdadero romántico, las haya favorecido como niñeras. Su romanticismo se ve claramente en el Retrato de la princesa Lopukhina , una de sus mejores obras. Si se compara con una de las colegialas Smolny de Levitski, es obvio a la vez que Borovikovski, independientemente del éxito que siempre logró al captar una semejanza, en realidad transmitía emociones actuales en lugar de la actitud real de la persona hacia la vida. La princesa Lopukhina de Borovikovski es, por lo tanto, definitivamente una joven del siglo XIX, que recuerda todo el sueño y la sensibilidad de su período, pero carece de características individuales. Levitski nunca podría haberla pintado de esta manera como una pieza de época; Borovikovski no pudo disociarla de su edad y el conjunto en el que se mudó. Sin embargo, hay más que el estereotipo sobre ella y su sonrisa irreprimible y su coquetería gentil son propias, incluso si la postura que Borovikovski eligió para ella y los sentimientos que él sentía. El objetivo de enfatizar es característico de su día más que de sí misma.

Ya se ha mencionado el trabajo temprano de Anthony Losenko como retratista. Sin embargo, también fue importante como creador de imágenes históricas, al tratar con escenas del pasado de Rusia, así como con temas clásicos de la antigua Grecia. Estos trabajos atrajeron considerable atención en San Petersburgo en su día, y Losenko puede considerarse el primer académico ruso en pintar temas históricos.

Los pintores rusos de finales del siglo XVIII Peter Sokolov (1752-1791), Ivan Akimov (1754-1814) y Gregory Ugryumov (1764-1823) siguieron a Losenko, ayudando a establecer el estilo que había desarrollado. Al igual que Losenko, pintaron de una manera que apenas difiere de las obras de académicos inferiores de origen occidental. Todo un grupo de seguidores trabajó en el mismo estilo.

Losenko también se destacó por su dibujos a lapiz de escenas de género, que fueron más importantes en cuanto a su influencia en el futuro del arte ruso y más valiosas en sí mismas. Lamentablemente, solo produjo unos pocos. Muestran toda la sinceridad que falta en sus reconstrucciones históricas, y son más finos técnicamente, ya que los poderes de observación rápida de Losenko le permitieron esbozar lo que vio con una economía de línea rara; Sus trazos de lápiz transmiten vívidamente tanto la idiosincrasia de sus sujetos como la textura de sus trajes. Su dibujo de un grupo de turistas que asistieron a una charla de guía sobre Roma en varias etapas de aburrimiento cortés y fatiga no tiene rival, y sus bocetos rusos en la misma línea lo vinculan, en pintura, con el conde Fedor Tolstoi, y en literatura con Anton Chekhov.

Ivan Firsov

Otro pintor de calidad fue Ivan Firsov, quien se cree que estudió en París entre 1748 y 1756. Actualmente, solo lo conocemos por una obra, que se le atribuyó a Losenko hasta que una limpieza reciente reveló la firma de Firsov. El estilo sugiere que Firsov fue fuertemente influenciado por los bocetos de género de Losenko, o que ambos artistas estuvieron bajo la misma influencia cuando estaban en Francia. Cualquiera que sea la fuente de inspiración, este lienzo, donde vemos a un joven artista absorto en pintar el retrato de una niña, es la primera imagen verdaderamente íntima en el arte ruso, y transcurrieron más de cien años antes de que un éxito similar volviera a ser a lograr en la misma línea por Valentin Serov (1865-1911). En la foto de Firsov, la niña, cansada de posar, se apoya cansada contra su madre; el joven pintor se sienta de espaldas al espectador. Firsov confió en su cabello enmarañado para transmitir la intensidad con la que se concentra en su trabajo. El triángulo formado por su caballete lleva el ojo a las imágenes en la pared del estudio y a la naturaleza muerta vagamente chardinesca en la mesa, y sirve tanto para dibujar la composición como para disociar al niño de la mujer y el niño lo suficiente para nos damos cuenta de que cada grupo es un excelente estudio psicológico, el uno en concentración y el otro en relación parental. Esta es la primera imagen compleja en la pintura rusa occidentalizada, porque es compleja tanto en composición como en visión psicológica. Su ejecución extremadamente competente sugiere que la pintura rusa habría madurado rápidamente, produciendo excelentes resultados mucho antes del final del siglo XIX, si la política no hubiera intervenido para desviarla de su curso natural.

Retrato arquitectónico

Gracias a la devoción de Rusia a la arquitectura durante la primera parte del siglo XVIII, surgió un nuevo tipo de arte pictórico: el retrato arquitectónico. Las imágenes cuyo tema principal es arquitectónico son tan características de Rusia como la pieza de conversación o los paisajes topográficos de Inglaterra. Los primeros pintores en esta línea, hombres como Alexis Zubov , que trabajaba en los estudios del Palacio de Armas en 1690, se preocuparon principalmente por dejar a la posteridad un registro pictórico completo de las ciudades en las que trabajaban. Zubov produjo una serie completa de vistas de San Petersburgo antes de morir, mientras que otro, Michael Makhaev (1716-60), dejó numerosos grabados de San Petersburgo y Moscú. Makhaev fue alumno primero de Valeriani y luego de dos maestros rusos de grabado Ivan Sokolov y Kachalov . Aunque tanto él como Zubov salpicaron figuras humanas sobre sus imágenes, deben considerarse principalmente como topógrafos. Sin embargo, la generación más joven de pintores que siguieron sus pasos debería considerarse más que esto, ya que en lugar de simplemente registrar el diseño de una ciudad, pintaron los retratos de su entorno con espíritu y vivacidad.

Paisajes

Los primeros pintores de este grupo estaban particularmente fascinados por los parques, los últimos por palacios y casas específicos. Al principio, ambos encontraron su salida principal en la ejecución de decoraciones interiores, ya que hacia la década de 1770 las escenas arquitectónicas habían comenzado a expulsar a las deidades clásicas de las paredes pintadas y las puertas exteriores. Estas composiciones fueron compuestas de acuerdo con los preceptos de Pannini y grupos de ruinas con columnas truncadas que figuraban prominentemente en dicha pintura mural. Perezinotti y Alexis Belski se destacaron al pintarlos, y se les asignará muchas decoraciones de este tipo en las residencias imperiales en San Petersburgo y sus alrededores. Poco a poco, el problema de colocar tales ruinas en un paisaje adecuado y natural provocó una apreciación del paisaje en sí mismo, y en poco tiempo los paisajes se volvieron tan importantes como las columnas, las casas completas tan esenciales como las ruinas, y allí creció con él un interés en el campo ruso en oposición al entorno original italiano o egeo.

Para los mejores pintores pintores, ver: Mejores artistas de paisajes .

Simon Shchedrin (1745-1804)

En esta fecha, pintura de paisaje todavía no se enseñaba en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo. De haber sido así, el arte del paisaje en Rusia probablemente habría adquirido instantáneamente naturalismo eso lo caracterizó en Europa, en lugar de evolucionar como lo hizo gradualmente a través del formalismo. Así, el primer pintor paisajista ruso, Simon Shchedrin, fue realmente lo que se puede llamar un retratista primitivo del paisaje, con todo el formalismo de un Holbein temprano.

Shchedrin debió en parte su experiencia como paisajista para estudiar en el extranjero, y fue en parte autodidacta. Más tarde se convirtió en el primer maestro de pintura de paisajes en la Academia de San Petersburgo. Antes de eso, fue pintor de la corte de Paul. La mayor parte del trabajo que ejecutó durante este período fue destinado a la decoración de los palacios de Gatchina y Pavlovsk; de hecho, fue particularmente exitoso en esto, llenando los espacios asignados por encima de las puertas y entre ventanas con particular éxito. Estas pinturas fueron diseñadas principalmente para complacer a la esposa de Paul, y consistían en vistas de los exteriores de estos palacios y de los paseos favoritos de la Emperatriz en los parques ingleses que estaban madurando a su alrededor. Los paneles reflejaron una atmósfera pacífica y soñadora, que fue particularmente comprensiva y encantadora. Como una concesión a la tradición del artista decorativo, los palacios a menudo se mostraban en perspectiva, a veces con personas a media distancia, de espaldas al espectador, pero la calidad del trabajo, la representación sensible de la naturaleza en sus diversos estados de ánimo. fue el de la pintura realizada, y las escenas fueron más que una decoración de primer nivel; También eran imágenes preciosas que podían mantenerse en cualquier galería. Shchedrin era, de hecho, tan sensible al paisaje como lo era Levitski para la gente, y debe ser clasificado junto a Levitski como uno de los pintores más destacados de Rusia del siglo XVIII.

Otros pintores paisajistas rusos del siglo XVIII

El contemporáneo de Shchedrin, Michael Ivanov (1748-1823), terminó como pintor paisajista, aunque comenzó como artista de guerra. Chance lo había enviado a la estela del ejército a Crimea en la década de 1780 para registrar las batallas que los rusos estaban librando contra los turcos. Una vez allí, parece haberse emocionado al ver algunos de los mejores paisajes del mundo y, como resultado, ha convertido sus energías principales en retratar la naturaleza. Al hacerlo, Ivanov evitó todo formalismo, así como todos los apéndices arquitectónicos y adornos decorativos, y se concentró en la Naturaleza en los aspectos más naturales, demostrando ser un verdadero discípulo de las enseñanzas de Rousseau, aunque uno que sin duda se convirtió independientemente.

El arquitecto Andrew Voronykhin (1759-1814) también trabajó bastante como pintor. Sus imágenes están a medio camino entre las de Shchedrin e Ivanov. A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, que eligieron seguir a Ivanov en la búsqueda del naturalismo, Voronykhin prefería los paisajes que habían sido moldeados por el hombre y, tal vez por su profesión de arquitecto, le gustaba aún más si contenía una casa, más ¡particularmente si fuera uno que él mismo había construido! Su pintura al óleo de la villa que construyó para el conde Stroganov en el gran río Neva en San Petersburgo (1795-1796) ofrece un ejemplo muy encantador de su trabajo.

Fedor Matveev (1758-1826) y Fedor Alekseev (1753-1824) también fueron buenos pintores paisajistas, logrando una mayor exuberancia que Shchedrin o Voronykhin. El romanticismo de Matveev se vio afectado por su admiración por Nicolas Poussin, e invariablemente incluía un objeto llamativo, como una cascada o una ruina antigua, como el núcleo de una imagen. Sin embargo, su pintura de cielo, aire y vegetación es límpida, directa y verdaderamente poética.

Fedor Alekseev (1753-1824)

Alekseev fue menos dramático y más listo para aceptar paisajes de un tipo menos espectacular. De hecho, estaba claramente más influenciado por la delicada capacidad de respuesta de Canaletto , cuyo trabajo admiraba mucho, que por Poussin. Había pasado algunos años en Venecia, una ciudad bastante similar a San Petersburgo, y la influencia de esa ciudad, combinada con su apreciación innata de la estética decorativa, afectó en gran medida el desarrollo de su estilo. De hecho, fue nombrado "decorador" de los teatros imperiales de San Petersburgo. Durante el mandato de esta oficina pintó sus paisajes más bellos, o más bien paisajes urbanos, porque tienen como tema a San Petersburgo. Al igual que Pushkin, Alekseev estaba obsesionado por la belleza de San Petersburgo, por el magnífico barrido de su gran río Neva, por sus majestuosas calles y plazas, por sus gloriosos edificios, sus canales tranquilos, su atmósfera límpida y la transparencia rizada de sus nieblas. Pintó la ciudad con la misma adoración que hizo. Alexander Benois (1870-1960) a principios del siglo XX, y el trabajo de ambos es igualmente sobresaliente.

Las opiniones de Alekseev sobre San Petersburgo fueron tan exitosas que en 1802 fue enviado a Moscú para registrar los aspectos más pintorescos de esa ciudad, cuyo interés había comenzado a revivir con el cambio de siglo. Como tenía que trabajar allí con la doble capacidad de topógrafo y artista, y no podía seguir completamente sus propios deseos, esta serie de imágenes es más exacta y detallada, menos poética que la de San Petersburgo. En ambos, sin embargo, Alekseev aparece como realista, incluso romántico, y establece el estándar para toda una serie de pintores tardíos, de los cuales Ivan Shishkin (1832-1898), Arkhip Kuindzhi (1842-1910) y Vasily Polenov (1844-1927) estuvieron entre los más importantes. Su trabajo era exacto y preciso, y no carecía de sensibilidad, aunque carecía del calor blanco de la inspiración genuina. Sin embargo, sus imágenes sirvieron como trampolín para el desarrollo de la pintura rusa en el siglo XIX , ejemplificado por pintores tan magníficos como Isaac Levitan (1860-1900) y Valentin Serov (1865-1911). Ver también: Pinturas de paisajes famosos .

Las obras de pintura rusa del siglo XVIII se pueden ver en el mejores museos de arte en toda Rusia, incluido el Hermitage (San Petersburgo), Museo Pushkin de Bellas Artes (Moscú) y el Galería Tretyakov (Moscú), entre muchos otros.