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¿Qué es el surrealismo? – Características

El surrealismo fue "el" movimiento artístico de moda de los años de entreguerras, y el último gran movimiento artístico asociado con el Ecole de Paris , desde donde se extendió por Europa, convirtiéndose en una de las escuelas o estilos más influyentes de arte de vanguardia . Su nombre deriva de la frase Drame surrealiste , el subtítulo de una obra de 1917 del escritor y crítico de arte. Guillaume Apollinaire (1880-1918). El surrealismo surgió del "antiarte" nihilista Dada movimiento, la mayoría de cuyos miembros se convirtieron en surrealistas. Sin embargo, aunque era tan "revolucionario" como Dada, el surrealismo era menos abiertamente político y abogaba por una filosofía más positiva, resumida por André Breton como " pensamiento expresado en ausencia de cualquier control ejercido por la razón, y fuera de todas las consideraciones morales y estéticas. ".

Inicialmente, el foco principal del movimiento fue la literatura, pero esto se amplió rápidamente para abarcar la pintura, la escultura y otras formas de arte visual contemporáneo. Artistas surrealistas pretendía generar un conjunto completamente nuevo de imágenes al liberar el poder creativo de la mente inconsciente .

Se emplearon todo tipo de técnicas y fenómenos para lograr esta creatividad subconsciente , incluidos los sueños, las alucinaciones, la generación automática o aleatoria de imágenes, básicamente cualquier cosa que eludiera los procesos de pensamiento "racionales" habituales involucrados en la creación de obras de arte. (Para más información, vea El automatismo en el arte .) El enfoque racional (que refleja los valores burgueses obsoletos) fue rechazado por los teóricos surrealistas como fundamentalmente reaccionario, falso y altamente limitante.

No es sorprendente que, en su intento de producir obras de arte no contaminadas por el racionalismo burgués, el surrealismo fuera responsable de una gran cantidad de composiciones increíblemente innovadoras pero a menudo extrañas y, a veces, ininteligibles. No obstante, a pesar de sus características absurdas, el surrealismo fue (y sigue siendo) muy atractivo tanto para los artistas como para el público. De hecho, en sus imágenes icónicas y su impacto en el arte moderno, el surrealismo se ha establecido como uno de los movimientos más duraderos del siglo XX.

¿Quién fundó el surrealismo?

El escritor Andre Breton (1896-1966), apodado "el Papa del surrealismo", fue el fundador y principal teórico del movimiento. Introdujo y definió el nuevo estilo en su manifiesto inicial de 1924 ( Manifeste du Surrealisme ) y más tarde en su boletín de pintura ( Surrealisme et la Peinture ). Breton, ex-dadaísta, deploraba el carácter nihilista y destructivo de Dada; sin embargo, se basó en muchas ideas de Dada para crear un movimiento con una filosofía doctrinaria coherente, de la que no toleraba ninguna desviación, expulsando a los miembros rebeldes como creía conveniente. El objetivo general de Breton era, de hecho, altamente revolucionario. Apuntó a nada menos que una transformación total de la forma en que la gente pensaba. Al romper las barreras entre sus mundos internos y externos, y al cambiar la forma en que percibían la realidad, tenía la intención de liberar al inconsciente, reconciliarlo con el consciente y liberar a la humanidad de los grilletes burgueses de la lógica y la razón que hasta ahora solo habían conducido a la guerra y la dominación.

Otros exponentes principales

Varios destacados surrealistas de París fueron antiguos dadaístas, como Max Ernst (1891-1976), Hombre rayo (1890-1976), Francis Picabia (1879-1953), y Jean Arp (1887-1966), pero el movimiento fomentó su propio pintores famosos , me gusta Joan Miró (1893-1983), Rene Magritte (1898-1967) ** y Salvador Dalí (1904-89). Otras figuras importantes incluyen Antonin Artaud (1896-1948), Paul Delvaux (1897-1994) **, Andre Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-55), Pierre Roy (1880-1950) y Maurits Escher (1898-1972) **, así como Tristan Tzara (1896-1963), el cineasta Luis Bunuel (1900-83), Alberto Giacometti (1901-66), Robert Matta (1911-2002), Russell Drysdale (1912-81) y Hans Bellmer (1902-75).

Otro Pintores del siglo XX quienes fueron reclamados por el surrealismo, les haya gustado o no, como Pablo Picasso (1881-1973) **, Marc Chagall (1887-1985) ** y Paul Klee (1879-1940) **. Los principales surrealistas estadounidenses incluyeron: Frederick Kiesler (1896-1965), Enrico Donati (1909-2006), Arshile Gorky (1905-48) y Joseph Cornell (1903-73).

Artistas surrealistas

A pesar de la depreciación de las mujeres implícita en numerosas obras surrealistas, hubo varias artistas surrealistas importantes, en particular Valentine Hugo (1887-1968), Eileen Agar (1899-1991), Frida Kahlo (1907-1954), Leonor Fini (1908-96), Jacqueline Breton (1910-2003), Dorothea Tanning (n. 1910), Louise Bourgeois (1911-2010) y Meret Oppenheim (1913-85) y Lenora Carrington (n. 1917).

Orígenes e influencias del surrealismo.

La influencia intelectual más formativa en la filosofía del surrealismo fueron las teorías de Sigmund Freud (1856-1939), el neurólogo vienés y fundador del psicoanálisis . Breton y otros surrealistas quedaron muy impresionados con las ideas de Freud sobre el inconsciente , que pensaron que sería una fuente importante de imágenes e imágenes sin explotar. Utilizaron sus teorías para despejar los límites entre la fantasía y la realidad, y para abordar una serie de impulsos inquietantes como el miedo, el deseo y la erotización.

En su arte, los surrealistas se inspiraron en muchas fuentes diferentes. Esencialmente, querían un arte para admirar, algo místico. En lo que respecta a la tradición europea de las bellas artes, preferían la obsesión y la excentricidad imaginativa al trabajo académico racional.

Los favoritos particulares fueron las fantasías detalladas de Jerónimo Bosch (1453-1516); los amenazadores grabados de las cárceles de Giovanni Battista Piranesi (1720-1778); y las dramáticas imágenes de pesadilla del pintor simbolista suizo Henri Fuseli (1741-1825). Con respecto a los estilos del siglo XIX, los surrealistas rechazaron el impresionismo como demasiado naturalista, prefiriendo Prerrafaelita y obras simbolistas, como los grabados de pesadilla y pinturas extravagantes de Max Klinger (1857-1920), y el vivo primitivismo oceánico de Paul Gauguin . Breton en particular quedó impresionado con las pinturas visionarias del pintor de historia adicto al trabajo. Gustave Moreau (1828-1898). El cubismo también fue rechazado por ser demasiado lógico (la excepción fue la icónica obra maestra cubista temprana de Picasso Les Demoiselles d’Avignon 1907). Aparte de Dada, otras dos influencias importantes en el surrealismo, al menos su ala figurativa, fueron del siglo XIX. Simbolismo movimiento, y la escuela italiana de Pintura metafísica , originado por Giorgio de Chirico (1888-1978).

El simbolismo, con sus referencias esotéricas y significados ocultos o inconscientes, era una fuente importante de imágenes y formas. Las obras de Rene Magritte incluso se han descrito como "Simbolismo + Freud". Mientras tanto, las inquietantes composiciones de Chirico de cuadrados desiertos de estilo italiano (por ejemplo, "El misterio y la melancolía de una calle", 1914) con perspectivas exageradas, sombras irracionales, objetos / personas de tamaño incorrecto, contenían un aire de amenaza insondable. Según Breton, que lo admiraba mucho, Chirico era considerado un importante precursor del surrealismo. Pero la influencia más importante e inmediata en el movimiento fue Dada: por su enfoque antiestético, su determinación de destruir las tradiciones burguesas del arte prevalecientes y sus técnicas innovadoras.

NOTA: Para otras tendencias artísticas históricas importantes como el surrealismo, vea Movimientos de arte y escuelas (desde aproximadamente 100 a. C.).

Historia del movimiento surrealista

En resumen, el surrealismo surgió en París y se insertó en el mundo del arte de vanguardia (del cual París todavía era el centro mundial). Durante la década de 1930, algunos partidarios abandonaron el movimiento, mientras que otros se unieron. Luego, durante la guerra, muchos miembros huyeron a Estados Unidos, donde tuvieron un impacto significativo en el arte contemporáneo estadounidense, antes de regresar a París a fines de la década de 1940 y principios de la década de 1950.

París

Al verse a sí mismos como revolucionarios en el espíritu de Dada, los surrealistas se sintieron atraídos por las filosofías liberadoras del socialismo y el comunismo, con quienes intentaron sin éxito formar una alianza, y por las estructuras organizativas de estilo soviético. Emitieron su primer manifiesto en 1924 y, al mismo tiempo, fundaron una Oficina de Investigación surrealista, así como una revista irreverente y escandalosa llamada La Révolution Surréaliste (1924-9). La mayoría de las primeras discusiones, intercambios y puesta en común de ideas tuvieron lugar en los cafés. Aunque es principalmente literario, el movimiento se expandió rápidamente a las artes visuales (Breton cortejó a Picasso asiduamente, sin éxito), y su primera muestra de pintura, La Peinture Surrealiste , se realizó en Gallerie Pierre en 1925. Un año después, un nuevo Galerie Surréaliste abrió con una exposición del fotógrafo Man Ray. El movimiento continuó prosperando en París a fines de la década de 1920, convirtiéndose en la escuela dominante entre las vanguardias de la ciudad en todas las disciplinas artísticas.

Surrealismo durante la década de 1930

El movimiento irrumpió en el escenario internacional durante la década de 1930 con importantes espectáculos en Bruselas, Copenhague, Londres, Nueva York y París. Rápidamente se convirtió en un fenómeno popular mundial con sucursales en Inglaterra, Checoslovaquia, Bélgica, Egipto, Dinamarca, Japón, los Países Bajos, Rumania y Hungría.

Las imágenes más memorables fueron producidas por Salvador Dalí y René Magritte , quienes hicieron mucho para establecer el estilo visual del surrealismo entre 1930 y 1935, un estilo que tenía como objetivo explorar la verdad psicológica separando los objetos ordinarios de su contexto normal para crear Una imagen convincente. Los relojes derretidos de Dali (por ejemplo, en "La persistencia de la memoria"), junto con las formas fundidas y las formas líquidas de Yves Tanguy (por ejemplo, en "Promontory Palace"), se convirtieron en marcas reconocibles del nuevo estilo. Aunque sus aspiraciones filosóficas y cerebrales pueden no haberse captado, sus imágenes pictóricas capturaron la imaginación del público, y sus extrañas yuxtaposiciones e imágenes de sueños se abrieron paso en todo, desde las bellas artes, la fotografía y el cine, hasta el diseño de alta costura, la publicidad y arte aplicado (por ejemplo, el teléfono de langosta de Dali y el sofá de labios Mae West ; y la taza de té cubierta de piel de Méret Oppenheim). El mismo deseo de glamour y escapismo durante la década de 1930 que llevó a la popularidad de Arte deco También atrajo al público al surrealismo.

La Exposición Surrealista Internacional de Londres , organizada por el historiador del arte. Herbert Read en 1936, representó el cenit de la reputación e influencia del surrealismo. Durante el mismo año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una gran exposición titulada "Fantástico arte, papá y surrealismo". El último gran espectáculo de los años 30, la Exposición Surrealista Internacional (diseñada por Marcel Duchamp ), se celebró en 1938, en la Galería Beaux-Arts de París. En la entrada, los visitantes vestidos de noche fueron recibidos al ver el taxi lluvioso de Dalí (un taxi viejo, preparado para producir una llovizna constante de agua por el interior de las ventanas, que contiene una figura con la cabeza de un tiburón en el asiento del conductor y una rubia maniquí vivo con caracoles vivos en la parte trasera). En el interior, el vestíbulo estaba decorado como el interior de una cueva oscura, con más de mil bolsas de carbón colgando del techo, iluminadas por una sola bombilla. Los clientes tuvieron que recibir linternas para ver las exhibiciones. En el suelo había una alfombra de hojas muertas y otras plantas. No es sorprendente que los visitantes se escandalizaran, para alegría de los organizadores.

Surrealismo durante la Segunda Guerra Mundial

Para 1939, muchos de los principales surrealistas, incluidos Andre Breton, Max Ernst y Andre Masson, estaban en los Estados Unidos. Asistido por la influencia estadounidense y los contactos de Marcel Duchamp, durante sus primeras visitas a América, así como el matrimonio en 1941 entre Max Ernst y el coleccionista de arte millonario Peggy Guggenheim , demostraron ser bastante influyentes y adquirieron nuevos seguidores como Dorothea Tanning, Frederick Kiesler, Enrico Donati, Arshile Gorki y Joseph Cornell. Y mientras que la escuela de arte estadounidense dominante de la década de 1940 fue el expresionismo abstracto, sus primeros trabajos contienen una serie de características surrealistas (y dadaístas). De hecho, una buena cantidad de arte estadounidense moderno y contemporáneo tardío (por ejemplo, Pop-Art, Montaje , Instalación , Arte conceptual , Actuación ) se inspiró en el surrealismo de una forma u otra.

Surrealismo en Gran Bretaña

Los pintores británicos habían tomado en serio el surrealismo desde 1936, si no antes, pero especialmente durante la década de 1940. El escultor Henry Moore (1898-1986) se interesó por las figuras biomórficas, mientras que Lucian Freud (n. 1922) el nieto del mentor del surrealismo Sigmund Freud, Francis Bacon y Paul Nash Experimentado con técnicas surrealistas. Sin embargo, su defensor más firme y consistente fue el pintor británico Conroy Maddox (1912-2005), quien en 1978 comentó: "Ningún otro movimiento ha tenido más que decir sobre la condición humana".

Surrealismo de posguerra

Aunque el regreso de Andre Breton a París después de la guerra desencadenó una nueva fase de actividad surrealista, el estado de ánimo excepcionalmente deprimente de la Francia de la posguerra no era receptivo a la fantasía o la sátira. En cambio, Breton encontró el movimiento bajo ataque de ex miembros como Tristan Tzara y el nuevo líder de la vanguardia, el filósofo Jean Paul Sartre, quien lo condenó por su estúpido optimismo. A pesar de esto, se realizaron grandes exposiciones surrealistas en París en 1947 y 1959, y las ideas y técnicas surrealistas dejaron su huella en muchos de los movimientos artísticos de la posguerra. Para un artista sudamericano influenciado por el movimiento, vea Fernando Botero (nacido en 1932). Para un pintor canadiense cuyo trabajo toma prestado del canon surrealista, vea Magic Realist Alex Colville (nacido en 1920).

El arte pop fue otra derivación del surrealismo. Ver, por ejemplo, las gigantescas esculturas satíricas de objetos de Claes Oldenburg (nacido en 1929) que claramente hacen eco de las obras de Rene Magritte.

Fin del surrealismo

No existe un acuerdo claro entre críticos de arte o historiadores sobre el fin del surrealismo. Algunos expertos en arte consideran que se disolvió después de la guerra; otros citan la muerte de André Breton en 1966 (o la de Salvador Dalí en 1989) como el final del surrealismo como un movimiento organizado. Independientemente de su desaparición, el surrealismo como estilo fue (y sigue siendo) inmensamente popular entre el público del arte. Exposiciones recientes del surrealismo han sido organizadas en la ciudad de Nueva York por el Museo Guggenheim y The Met (1999, 2002), mientras que en 2001 el Tate Modern en Londres realizó una exposición de arte surrealista que atrajo a 170, 000 visitantes. Esto fue seguido en Europa por un espectáculo repleto – "La Révolution Surréaliste" – en el Centro Georges Pompidou en París.

Estilos de arte surrealista: figuración y abstracción

Había dos tendencias principales dentro del surrealismo. Uno fue figurativo : depende de la figuración, de la reproducción precisa de formas naturales, generalmente separadas, dislocadas, yuxtapuestas, transpuestas o mutadas lejos de las situaciones de la vida real. El segundo estilo de surrealismo fue resumen , basado en imágenes sin referencia específica a las formas naturales, y dependía en gran medida de las formas generadas por el inconsciente.

Surrealismo figurativo

El estilo figurativo o representativo del surrealismo (Veristic) aparece en su forma más exitosa en el trabajo de Magritte, Dali y Delvaux, y en el trabajo de otros artistas que, en su variedad y logros, escapan a la categorización en cualquier modo. Picasso era uno, Ernst era otro, y Arp era otro más, y en las décadas de 1930 y 1940 Giacometti y Moore (1898-1986). Además, tenga en cuenta que este estilo de pintura surrealista había sido anticipado por el simbolista francés Odilon Redon (1840-1916).

Rene Magritte
El surrealista figurativo más destacado fue el belga Rene Magritte, que se especializó en imágenes académicas, naturalistas pero ilusionistas. Además de una breve estadía cerca de París en 1927-1930, cuando conoció a Breton y exhibió con los surrealistas, Magritte pasó una vida discreta y laboriosa en Bruselas, pintando lo imposible con una convicción tranquila y confiada. Fue el decepcionante deslumbrante de las expectativas convencionales, explotando asombrosas discrepancias de escala (una manzana llena una habitación; un tren estalla a través de una chimenea gigante); y desafiando las leyes de la gravedad. Su efecto único se ve reforzado por el uso de objetos cotidianos. Por ejemplo, el héroe de muchas de sus últimas fotografías es el hombre con uniforme urbano: abrigo, bombín, a veces un maletín, tan inexpresivo como el muñeco de un sastre. La ambigüedad del objeto frente a su imagen pintada se enfatiza constantemente: una imagen fiel de una tubería, inscrita "Esto no es una tubería". Sus pinturas surrealistas más famosas incluyen "La Condition Humaine" (1933) y "The Red Model" (1935).

Salvador Dalí
En contraste con la publicidad que rodea a otros artistas, la tranquilidad del método de Magritte significó que inicialmente su logro estaba infravalorado. En cambio, la atención pública se concentró en las actividades frenéticas del español Salvador Dalí, provocador en jefe de la burguesía desde su primera asociación con el surrealismo parisino en 1927. Irónicamente, como Magritte, la técnica pictórica de Dalí fue uno de los naturalismos académicos del siglo XIX. aplicado a sujetos no reales como si fueran reales. Trabajó en muchos medios, en escritura, pintura, diseño de joyas , película (con Luis Bunuel), pero tal vez sobre todo en su propia persona fantásticamente bigotudo, en una carrera pública espectacular, a menudo virtualmente como el mundo del espectáculo: una egocentricidad gigante impulsada por una paranoia enérgica. Sus relaciones con el surrealismo oficial, al principio eufórico, luego se tensaron. Las obras surrealistas famosas de Dali incluyen: "La persistencia de la memoria" (1931) y "Construcción blanda con frijoles hervidos" (1936), entre muchos otros.

Paul Delvaux
Otro belga, Paul Delvaux , era un talento un poco más limitado, pero uno que introdujo una nota misteriosa perdurable en el rango de las imágenes surrealistas. En sus inquietantes pinturas, presenta un mundo de alienación solitaria: suburbios de desolación perseguidos por trenes y tranvías, poblados por mujeres silenciosas que esperan que, en una inspección más cercana, sean todos idénticos, tal vez la realización más intensa de sueños o pesadillas lograda por cualquier surrealista. Sin embargo, no estaba oficialmente asociado con el movimiento; Tampoco Maurits Escher (1898-1972), un holandés cuyas obras más conocidas son su brillante cálculo dibujos – juegos con perspectiva, que presentan con gran precisión imágenes muy diferentes que se interpenetran con tanta ambigüedad que el ojo no puede establecer dónde comienza uno y dónde termina el otro.

Francis Bacon
El artista irlandés Francis Bacon (1909-92) debe considerarse uno de los máximos exponentes contemporáneos del surrealismo figurativo, aunque las entrevistas revelan que su complejo repertorio de formas humanas representaba su intento consciente de crear un nuevo tipo de narración figurativa en sintonía con las imágenes fílmicas modernas, así como su vista de la era de alienación a través de la cual estaba viviendo.

¿Era el surrealismo figurativo inconsciente? Si no, ¿fue surrealista?

Dado que estas obras de representación requerían un pensamiento "racional" meticuloso, uno hubiera pensado que quedaban fuera de la definición del arte surrealista como producto del pensamiento inconsciente. No es así, al parecer. Las obras figurativas estaban permitidas (por Breton y otros teóricos) siempre que cuestionaran la realidad "racional" normal. Así, Magritte estilo academico El trabajo se consideraba surrealista debido a sus extrañas yuxtaposiciones que colocaban la realidad sobre su cabeza y presentaban una nueva surrealidad. Las obras de Dali también fueron aprobadas porque fueron creadas (según Dali) en un estado semi-alucinante al que llamó paranoia crítica. " Me despertaba al amanecer y, sin lavarme ni vestirme, me sentaba ante el caballete… mis ojos miraban fijamente, tratando de" ver "como un medio las imágenes que brotarían en mi imaginación. Cuando vi estas imágenes exactamente situado en la pintura, los pintaría en el acto, de inmediato " . Las imágenes de Dalí, como sus relojes derretidos y sus extrañas figuras mitad humanas, lo han convertido en el más famoso de todos los pintores surrealistas. Aun así, en 1937, cuando cambió a un estilo académico más regular, Breton lo expulsó del movimiento. A fin de cuentas, se puede decir que el arte surrealista incluía incluso un trabajo altamente representativo, siempre que ilustrara las limitaciones de una realidad basada en la razón.

Surrealismo abstracto

En resumen, la abstracción surrealista rechazó las formas geométricas a favor del impacto visual y emocional de las formas orgánicas de la naturaleza : real (Jean Arp, Andre Masson, Joan Miro) o imaginada (Yves Tanguy, Robert Matta).

El brazo no representativo del surrealismo no fue menos vigoroso. El trabajo especialmente de Jean Arp fue más a menudo no figurativo que no, pero los artistas más independientes más consistentes de los fenómenos naturales fueron el español Joan Miró (1893-1983) y el francés Andre Masson (1896-1987), que tenían estudios secundarios. en París y que se unieron al grupo surrealista de Breton en su lanzamiento en 1924. Durante un hechizo, ambos artistas experimentaron libremente con dibujos "automáticos", la contraparte visual de la crucial "no técnica" del irracionalismo surrealista, la escritura "automática". (Su objetivo era permitir la libre asociación necesaria para crear una expresión absolutamente espontánea). Pero ambos artistas descubrieron esa abstracción geométrica, ya sea en las rígidas doctrinas teorías cubistas de Gleizes, o en las austeras reducciones geométricas de Piet Mondrian (1872-1944) – era estéril e inadecuado para sus necesidades.

Andre Masson
El pintor francés Andre Masson fue permanentemente afectado por sus terribles experiencias en la Primera Guerra Mundial; estaba obsesionado por el dominio de la regla de los dientes y las garras en toda la vida, animal o humana, y su trabajo es una liberación de la violencia de los instintos básicos, como lo ilustra "Battle of Fishes" (1926). Masson era un hombre violento, que a menudo atacaba físicamente lienzos que consideraba insatisfactorios. En 1926 comenzó a explotar el "azar" como parte de su técnica: esparcía arena sobre lienzos previamente esparcidos (al azar) con pegamento, y luego, muy rápido, organizaba sus configuraciones aleatorias en patrones sueltos de arte. Las imágenes que aparecieron podrían ser brutales; A medida que gradualmente se volvieron más específicos, surgieron criaturas horribles. Tres años más tarde, se retiró del movimiento surrealista oficial, y su trabajo de la década de 1930 se volvió menos intenso y menos exitoso. Sin embargo, en Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, volvió a sus técnicas automáticas anteriores, y su trabajo de estos años influyó en el surgimiento posterior de la escuela expresionista abstracta.

Joan Miró
El prolífico, versátil, genial y, en general, el más optimista de los practicantes creativos del surrealismo abstracto, fue el pintor y escultor español Joan Miró, aunque él mismo siempre ha rechazado las sugerencias de que su trabajo era abstracto. A sus ojos, cada una de sus formas fantásticas siempre significaba un objeto real. Él era, como Picasso y Dalí, una de esa brillante raza de nuevos artistas españoles que llegaron a París a principios del siglo XX pero, a diferencia de Picasso, regresó constantemente de la agitación parisina a su país natal. Al final de la Primera Guerra Mundial, estaba trabajando en un estilo de realismo meticuloso, del cual el desarrollo de su estilo maduro surgió casi abruptamente alrededor de 1924, como una mariposa de su crisálida, en gran parte como resultado de sus contactos surrealistas. Si, como algunos críticos de arte han alegado, hay algunos matices siniestros en su trabajo, particularmente durante y después de la Guerra Civil Española (1936-39), la alegría infantil que brilla en sus lienzos los supera con creces. Sus imágenes abstractas son típicamente biomórficas, similares a las de Arp, y su fantasía a menudo se aproxima a la de Paul Klee . Los organismos desconocidos pero convincentemente representados toman forma, definidos en un contorno claro y colores nítidos: predominan los rojos primarios, negros y blancos, como lo ilustra el "Carnaval de Arlequín" (1924). En ligero contraste, las imágenes pictóricas semi-abstractas de Miro se ejemplifican en su famosa obra "Dog Barking at the Moon" (1926). Miro afirmó que sus ideas surgieron de "un estado de alucinación, provocado por algún choque u otro, objetivo o subjetivo, del cual soy completamente irresponsable". Cualquiera que sea la fuente, su concepción inicial es luego ordenada por un sentido infalible de diseño, de espacio e intervalo, en una extraña armonía formal. En España durante la Segunda Guerra Mundial, dirigió su atención a grabado , y luego a la escultura y especialmente cerámica . Posteriormente se sintió atraído por obras monumentales y murales gigantes como los del hotel Terrace Hilton en Cincinnati y las paredes de cerámica del edificio de la UNESCO en París (1958). Un innovador constante, estaba dispuesto a investigar las posibilidades de cualquier medio, a menudo en colaboración con artesanos especializados, y la fertilidad de su visión nunca disminuyó en su larga carrera.

Yves Tanguy
El pintor abstracto surrealista Yves Tanguy evolucionó y desarrolló (pero nunca escapó) un estilo de paisajes imaginarios o fondos marinos poblados por formas extrañas pero convincentes mitad vegetales, mitad animales y amebas previamente desconocidas para la ciencia, derivadas de Alucinaciones Desarrolló cada vez más los contrastes y la variedad de sus texturas, para que sus imágenes pudieran clasificarse como una especie de holandés metafísico. pintura de naturaleza muerta . Las formas crecieron bajo el pincel de Tanguy bajo su propio impulso misterioso, por lo que mantuvo, en lugar de cualquier intervención de su parte. Las obras clave de Tanguy incluyen "The Look of Amber" (1929), Promontory Palace (1931) y "The Palace of the Windowed Rocks" (1942).

Jean Arp
El ex dadaísta Jean Arp, un amigo cercano de Max Ernst, participó en la primera exposición surrealista en París en Gallerie Pierre en 1925, y contribuyó regularmente al surrealismo hasta 1930. Conocido originalmente por sus relieves en madera dadaístas, corte de cartón -out y papel rasgado collages , sus obras surrealistas comprendían formas biomórficas simples, a veces con ecos del arte primitivo. También experimentó con la composición automática (automatismo). En 1930, se unió a Cercle et Carré (Circle and Square), una sociedad parisina de discusión y exhibición para (principalmente) artistas abstractos geométricos, y en 1931 se convirtió en miembro del grupo más grande Abstraction-Creation , con quien comenzó a producir su sensual resumen orgánico. Esculturas en mármol o bronce. Esto terminó su participación bastante corta con el surrealismo. A pesar de esto, él era una personalidad contundente tanto en Dada como en Surrealismo, mientras que su estilo característico de abstracción biomórfica ha tenido una fuerte influencia en varios otros escultores, en particular Henry Moore.

Técnicas de arte surrealista

Los surrealistas inventaron una serie de técnicas para producir imágenes aleatorias o al azar. El extraordinario pintor, escultor, artista gráfico y poeta alemán Max Ernst (1891-1976) realizó una gran cantidad de trabajo pionero en esta área. Hombre de enorme creatividad, Ernst se casó primero con un historiador del arte, luego vivió con la pintora surrealista de origen británico Leonora Carrington; luego se casó y se divorció de la coleccionista de arte Peggy Guggenheim, antes de casarse finalmente con otra destacada artista surrealista, Dorothea Tanning. Continuó produciendo trabajos innovadores hasta su muerte. Sus obras importantes incluyen "Forest and Dove" (1927), "La Femme 100 tetes" series (1930), "The Entire City" (1935) e "Immortel" (1966) un juego de ajedrez de cristal.

Frottage
Miembro temprano de Dada y del surrealismo, Ernst inventó el frottage (1925), una técnica para crear una imagen colocando un trozo de papel sobre una superficie rugosa, como madera granulada o piedra, y frotando el papel con un lápiz o un crayón hasta que adquiere una impresión de la calidad superficial de la sustancia debajo. Para hacer una impresión de una superficie texturizada, coloque un trozo de material delgado y frótelo con (por ejemplo) un crayón de cera para obtener imágenes.

Calcomanía
Además, Ernst inventó la calcomanía , una técnica en la que la pintura se salpica sobre papel, generalmente con un pincel grande, luego, mientras aún está húmedo, se cubre con otra hoja de papel y se frota. Esto da como resultado una gama de patrones extraños similares a los del bosque.

Gratitud
Ernst también fue pionero en la técnica conocida como grattage . Esto implicaba colocar un lienzo pintado sobre una superficie texturizada (como una malla de alambre o una tabla del piso) y raspar la pintura para producir una impresión.

Collage
Alrededor de 1930, Ernst comenzó una serie de "novelas de collage", de las cuales la más famosa es "Une Semaine de Bonte" (Una semana de abundancia). Cortando y reorganizando grabados de acero victorianos, produjo fantasías extrañas del mundo burgués seguro en el que había crecido.

Pintura por goteo
Tras mudarse a Nueva York durante la Segunda Guerra Mundial, Ernst comenzó a trabajar con pintura goteada de una lata oscilante, un método que bien podría haber comenzado. Jackson Pollock en su método de pintura de acción .

Fumage
Otra técnica surrealista era conocida como fumage (fumar). Iniciado por Wolfgang Paalen (1907-1959) a fines de la década de 1930, implicó colocar una vela debajo de una hoja de papel para formar patrones de hollín. Mover la vela varió los patrones.

Dibujo automático
Iniciada por Andre Masson, Joan Miro y Paul Klee, la técnica del dibujo automático implicaba permitir que la línea de un bolígrafo u otro instrumento de dibujo se moviera a voluntad sin ninguna planificación consciente.

Pintura automática
Alrededor de 1926, Andre Masson comenzó a experimentar colocando arena y pegamento en el lienzo, sobre el cual luego aplicó pintura al óleo e hizo pinturas basadas en las formas que se formaron.

Uso expresionista abstracto de técnicas surrealistas

Aunque muchos surrealistas europeos incursionaron en varios de estos métodos de pintura "automáticos" de estilo aleatorio, la mayoría se alejó del automatismo a principios de la década de 1940. Sin embargo, su influencia en América (a donde muchos se mudaron durante la Segunda Guerra Mundial) fue profunda. En Nueva York, por ejemplo, los surrealistas europeos presentaron sus ideas a formadores de opinión clave como Leo Steinberg, Clement Greenberg y Peggy Guggenheim, así como a artistas de vanguardia, conocidos como los Escuela de nueva york – como Arshile Gorky (1904-48), Jackson Pollock (1912-56), Robert Motherwell (1915-91), Mark Tobey (1890-1976) y Robert Matta (1911-2002). Las abstracciones a gran escala de "pintura de acción" de Pollock en particular, contienen un fuerte elemento de automatismo surrealista. Para más detalles sobre esto, vea: Las pinturas de Jackson Pollock (c. 1940-56).

Escultura surrealista

Giacometti creó obras maestras de la cultura surrealista como "Woman With Her Throat Cut" (1932), una construcción de bronce de un cadáver femenino desmembrado y "The Invisible Object" (Hands Holding the Void) (1934). Ambos retrataron el cuerpo de la mujer como inhumano y peligroso. Sin embargo, cuando regresó a un estilo más clásico a fines de la década de 1930, trabajando a partir de modelos de vida, fue expulsado del movimiento. Muchos otros escultores han experimentado con estilos surrealistas, incluidos Pablo Picasso, Henry Moore y el escultor irlandés. FE McWilliam .

Fotografía surrealista

Man Ray fue el primer fotógrafo surrealista. Una de sus obras más conocidas es "Enigma de Isadore Ducasse" (1920), ahora conocido solo en su propia fotografía de una máquina de coser envuelta en un blacket atado con una cuerda. Lo creó en homenaje al poeta Lautreamont (es decir, Isadore Ducasse) cuyo comentario concisa: " tan hermoso como el encuentro casual de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección " se convirtió en un comentario definitorio sobre la filosofía estética del surrealismo. Uno de los mejores fotógrafos De su tiempo, altamente hábil en la manipulación del cuarto oscuro, primeros planos y yuxtaposiciones inesperadas, Man Ray trabajó con éxito en los mundos aparentemente incompatibles de la sociedad de vanguardia parisina y la fotografía comercial. Sus fotografías se publicaron en publicaciones especializadas y populares, desde Vogue and Vanity Fair hasta La Surrealisme au service de la Revolution (1930-33) y La Revolution Surrealiste (1924-29). Inventó varias técnicas, como la solarización y los rayogramas , y sus modelos incluyeron numerosos artistas famosos como James Joyce, Jean Cocteau y Meret Oppenheim. Otros exponentes notables del estilo surrealista fotografía incluido Hans Bellmer (1902-75), Brassai (1899-1984), Jacques-Andre Boiffard (1902-61) y Raoul Ubac (1909-85). Ver también: ¿La fotografía es arte?

Cine y cinematografía surrealista

Luis Bunuel, quien trabajó en varios proyectos con Dali, es probablemente el director de cine surrealista más famoso, aunque Man Ray también produjo numerosas películas cortas de vanguardia.

Colecciones

Las principales colecciones de arte surrealista se encuentran en los siguientes museos, entre otros.

Museo Chrysler, Norfolk, Virginia, EE. UU.
Museo de Bellas Artes de la
Fundación Joan Miro de San Francisco, Museo
Kunst de Barcelona,
Museo Salvador Dalí de Dusseldorf, San Petersburgo, Florida
Tate Modern, Londres

El legado del surrealismo

La influencia del surrealismo como estilo de arte se puede encontrar en una amplia variedad de escuelas modernas y contemporáneas, en particular, el expresionismo abstracto temprano, Arte pop y Conceptualismo, y permeó casi todas las formas de arte contemporáneo, incluidas Assemblage, Installation and Performance. Además, anticipó muchos de los conceptos principales de arte posmodernista . Por ejemplo, algunos de los conceptos de Damien Hirst y otros Jóvenes artistas británicos habría encajado perfectamente en el idioma surrealista de vanguardia de París durante la década de 1920. El último movimiento para tomar prestados elementos del idioma surrealista es Realismo cínico , un movimiento de pintura contemporánea china, dirigido por Yue Minjun (n. 1962) y Zhang Xiaogang (n. 1958), que surgió durante la década de 1990 en Beijing.