Movimiento de arte surrealista Traductor traducir

El surrealismo fue un movimiento artístico de moda en los años de entreguerras y el último movimiento artístico importante asociado a la Escuela de París, desde donde se extendió por Europa, convirtiéndose en una de las escuelas o estilos más influyentes del arte de vanguardia . Su nombre deriva de la frase Drame surrealiste, subtítulo de una obra teatral de 1917 del escritor y crítico de arte Guillaume Apollinaire (1880-1918). El surrealismo se desarrolló a partir del movimiento «antiarte» nihilista de Dadá, la mayoría de cuyos participantes se convirtieron en surrealistas. Sin embargo, aunque el surrealismo era tan «revolucionario» como el dadaísmo, el surrealismo era menos abiertamente político y defendía una filosofía más positiva, que André Breton resumió como "el pensamiento se expresa en ausencia de todo control por parte de la razón y más allá de toda consideración moral y estética" .

Inicialmente, el movimiento se centró en la literatura, pero rápidamente se extendió a la pintura, la escultura y otras formas de arte visual moderno. Los artistas surrealistas intentaron crear un conjunto de imágenes totalmente nuevo, desatando el poder creativo del inconsciente .

¿Qué es el surrealismo? Características

Se utilizaron todo tipo de técnicas y fenómenos para lograr esta creatividad inconsciente, incluidos sueños, alucinaciones, creación de imágenes automáticas o aleatorias – básicamente algo que eludía los habituales «procesos de pensamiento racional» implicados en la creación de obras de arte. (Para más detalles, véase Automatismo en el arte). Los teóricos surrealistas rechazaron el enfoque racional (que reflejaba valores burgueses anticuados) por considerarlo fundamentalmente reaccionario, falso y extremadamente limitador.

Como era de esperar, en su intento de crear obras de arte no contaminadas por el racionalismo burgués, el Surrealismo produjo muchas composiciones increíblemente innovadoras, pero a menudo extrañas y a veces incomprensibles. Sin embargo, a pesar de su absurdo, el Surrealismo fue (y sigue siendo) muy atractivo tanto para los artistas como para el público. De hecho, por sus pinturas icónicas y su influencia en el arte moderno, el surrealismo se ha establecido como uno de los movimientos más duraderos del siglo XX.

¿Quién fundó el surrealismo?

El escritor André Breton (1896-1966), apodado «el Papa del Surrealismo», fue el fundador y principal teórico del movimiento. Introdujo y definió el nuevo estilo en su manifiesto inicial de 1924 ) Manifeste du Surrealisme) y más tarde en su boletín de pintura ) Surrealisme et la Peinture). Antiguo dadaísta, Breton deploraba la naturaleza nihilista y destructiva del dadaísmo, pero se inspiró en muchas de sus ideas para crear un movimiento con una filosofía coherente, aunque doctrinaria, de la que no permitía ninguna desviación, expulsando a los miembros rebeldes cuando lo consideraba oportuno. El objetivo general de Breton era revolucionario. Buscaba nada menos que un cambio total en la forma de pensar de la gente. Rompiendo las barreras entre su mundo interior y exterior y cambiando su percepción de la realidad, pretendía liberar el inconsciente, reconciliarlo con la conciencia y liberar a la humanidad de los grilletes burgueses de la lógica y la razón, que hasta entonces sólo habían conducido a la guerra y la dominación.

EVOLUCIÓN DEL ARTE VISUAL
Para más información sobre tendencias y estilos artísticos, véase: Historia del arte . Para una cronología y fechas de los acontecimientos clave en el desarrollo de las artes visuales en todo el mundo, véase: Cronología del arte .

ESCULTURA
Para información sobre arte tridimensional y escultores famosos, véase: El arte de la escultura .

Otros grandes expositores

Varios de los principales surrealistas parisinos eran antiguos dadaístas, como Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1976), Francis Picabia (1879-1953) y Jean Arp (1887-1966), pero el movimiento también fue impulsado por artistas famosos como Juan Miró (1893-1983), René Magritte (1898-1967) y Salvador Dalí (1904-1989). Otras figuras importantes fueron Antonin Artaud (1896-1948), Paul Delvaux (1897-1994), André Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-1955), Pierre Roy (1880-1950) y Maurice Escher (1898-1972), y Tristan Tzara (1896-1963), maestros de diversas formas de arte Luis Buñuel (1900-1983), Alberto Giacometti (1901-1966), Robert Matta (1911-2002), Russell Drysdale (1912-81) y Hans Bellmer (1902-1975).

Otros artistas del siglo XX que reivindicaron el Surrealismo, les gustara o no: Pablo Picasso (1881-1973), Marc Chagall (1887-1985) y Paul Klee (1879-1940). Entre los surrealistas estadounidenses más destacados se encuentran Frederick Kiesler (1896-1965), Enrico Donati (1909-2006), Arshile Gorky (1905-48) y Joseph Cornell (1903-73).

Artistas surrealistas

A pesar de la condena de las mujeres en numerosas obras surrealistas, hubo varias mujeres artistas surrealistas importantes, en particular Valentina Hugo (1887-1968), Eileen Agar (1899-1991), Frida Kahlo (1907-1954), Leonore Feeney (1908-1996), Jacqueline Breton (1910-2003), Dorothea Tanning (n. 1910), Louise Bourgeois (1911-2010), Meret Oppenheim (1913-1985) y Lenora Carrington (n. 1917).

Orígenes e influencia del Surrealismo

La mayor influencia intelectual en la filosofía surrealista fueron las teorías de Sigmund Freud (1856-1939), neurólogo vienés y fundador del psicoanálisis . Breton y otros surrealistas quedaron muy impresionados por los puntos de vista de Freud sobre el inconsciente, que pensaban que sería una fuente importante de pinturas e imágenes inutilizadas. Utilizaron sus teorías para despejar los límites entre fantasía y realidad, y para eliminar una serie de pulsiones perturbadoras como el miedo, el deseo y la erotización.

En su arte, los surrealistas se inspiraron en diversas fuentes. En esencia, querían un arte que pudiera ser admirado; algo místico. En cuanto a la tradición europea de las bellas artes, preferían la obsesión y la excentricidad de la imaginación al trabajo académico racional.

Sus favoritos eran las fantasías detalladas de Hieronymus Bosch (1453-1516); los amenazadores grabados de prisiones de Giovanni Battista Piranesi (1720-1778); y las dramáticas pinturas de pesadillas del pintor simbolista suizo Henri Fuseli (1741-1825). En cuanto a los estilos del siglo XIX, los surrealistas rechazaron el impresionismo por considerarlo demasiado naturalista y prefirieron las obras de los prerrafaelitas y los simbolistas, como los grabados y pinturas de pesadilla de Max Klinger (1857-1920) y el vívido primitivismo de Paul Gauguin . Breton, en particular, quedó impresionado por las pinturas visionarias del historiador adicto al trabajo Gustave Moreau (1828-1898). El cubismo también fue rechazado por excesivamente lógico (con la excepción de la famosa obra maestra de Picasso Les Demoiselles d’Avignon (1907). Aparte del dadaísmo, otras dos influencias importantes en el surrealismo – al menos en su ala figurativa – fueron el movimiento del simbolismo del siglo XIX y la escuela italiana de pintura metafísica, creada por Giorgio de Chirico (1888-1978).

El simbolismo, con sus referencias esotéricas y significados ocultos o inconscientes, fue una importante fuente de imágenes y formas. La obra de René Magritte se ha llamado incluso «Simbolismo Freud». Mientras tanto, las inquietantes composiciones de Chirico de plazas italianas desiertas (por ejemplo, «El misterio y la melancolía de la calle», 1914), con perspectivas exageradas, sombras irracionales, objetos y personas de tamaño inadecuado, contenían una atmósfera de amenaza incomprensible. Según Breton, que le admiraba mucho, Chirico era considerado el principal precursor del surrealismo. Pero la influencia más importante e inmediata en el movimiento fue el dadaísmo: por su enfoque antiestético, su determinación de destruir la tradición burguesa imperante en el arte y sus métodos innovadores.

NOTA. Para información sobre otros movimientos artísticos históricos importantes, como el surrealismo, véase En « Movimientos y escuelas artísticas» (desde aproximadamente el año 100 a.C.).

Historia del movimiento surrealista

El surrealismo se originó en París y se convirtió en parte integrante del mundo artístico de vanguardia (del que la capital francesa era el centro). En la década de 1930, algunos adeptos abandonaron el movimiento y otros se unieron a él. Después, durante la guerra, muchos participantes huyeron a América, donde ejercieron una influencia significativa en el arte moderno de Estados Unidos, antes de regresar a París a finales de los años 40 y principios de los 50.

París

Considerados revolucionarios en el espíritu del dadaísmo, los surrealistas se sintieron atraídos por las filosofías liberadoras del socialismo y el comunismo, con los que intentaron sin éxito forjar una alianza, así como por las estructuras organizativas de tipo soviético. En 1924 publicaron su primer manifiesto y al mismo tiempo fundaron la Oficina de Estudios Surrealistas, así como una revista irreverente y escandalosa llamada La Révolution Surréaliste (1924-9). La mayoría de los primeros debates, intercambios y puestas en común de ideas tuvieron lugar en los cafés. Aunque en un principio el movimiento era principalmente literario, pronto se extendió a las artes visuales (Breton cortejó asiduamente a Picasso, pero sin éxito), y su primera exposición de pinturas – La Peinture Surrealiste – se celebró en la Galerie Pierre en 1925. Galerie Surréaliste se inauguró con una exposición del fotógrafo Man Ray. El movimiento continuó floreciendo en París a finales de la década de 1920, convirtiéndose en la escuela dominante entre los artistas de vanguardia de la ciudad en todos los campos del arte.

El surrealismo de los años 30

El movimiento irrumpió en la escena internacional en la década de 1930 con importantes exposiciones en Bruselas, Copenhague, Londres, Nueva York y París. Rápidamente se convirtió en un fenómeno popular mundial con ramificaciones en Inglaterra, Checoslovaquia, Bélgica, Egipto, Dinamarca, Japón, Países Bajos, Rumanía y Hungría.

Las pinturas surrealistas más memorables que dieron al mundo Salvador Dalí y René Magritte, que entre ambos hicieron mucho por crear el estilo visual del Surrealismo entre 1930 y 1935, un estilo que pretendía explorar la verdad psicológica separando los objetos ordinarios de su contexto normal para crear una imagen convincente. Los relojes fundidos de Dalí (por ejemplo, en «Constancia de la memoria»), junto con las formas fundidas y líquidas de Yves Tanguy (por ejemplo, en «El palacio del Cabo»), se convirtieron en marcas reconocibles del nuevo estilo. Aunque sus aspiraciones filosóficas e intelectuales no se hicieran realidad, su imaginería pictórica cautivó la imaginación del público. La imaginería onírica se reflejó en todos los ámbitos, desde las bellas artes, la fotografía y el cine hasta el diseño de alta costura, la publicidad, etc. El arte aplicado (por ejemplo, el teléfono langosta de Dalí , el sofá de labios de Mae West, la taza de té cubierta de piel de Meret Oppenheim) no quedó al margen. El mismo deseo de glamour y evasión de los años 30 que llevó a la popularidad del Art Déco, también atrajo al público hacia el Surrealismo.

La exposición Surrealista Internacional de Londres, organizada por el historiador del arte Herbert Read en 1936, representó el cenit de la reputación e influencia del Surrealismo. Ese mismo año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una gran exposición titulada «Fantastic Art, Dadaism and Surrealism». La última gran exposición de los años treinta, la Exposición Internacional Surrealista (diseñada por Marcel Duchamp), se celebró en 1938 en la Galería de Bellas Artes de París. A la entrada, los visitantes en traje de noche eran recibidos por el « Rain Taxi» de Dalí: un viejo taxi, acondicionado para que chorros de agua fluyeran por el interior de las ventanillas, que contenía una figura con cabeza de tiburón en el asiento del conductor y un maniquí rubio con caracoles vivos en la parte trasera. Dentro, el vestíbulo del espacio expositivo estaba decorado como el interior de una cueva oscura, con más de mil sacos de carbón colgando del techo, iluminados por una sola bombilla. Los visitantes recibían linternas para ver los objetos expuestos. En el suelo había una alfombra de hojas muertas y otras plantas. Como era de esperar, los visitantes se indignaron, para regocijo de los organizadores.

El surrealismo durante la Segunda Guerra Mundial

En 1939, muchos de los principales surrealistas, como André Breton, Max Ernst y André Masson, estaban bien representados en Estados Unidos. Gracias a la influencia y los contactos estadounidenses de Marcel Duchamp durante sus anteriores visitas a América, y al matrimonio en 1941 entre Max Ernst y la millonaria coleccionista de arte Peggy Guggenheim, eran muy influyentes y ganaron nuevos partidarios como Dorothea Tanning, Frederick Kiesler, Enrico Donati, Arshile Gorky y Joseph Cornell. Aunque la escuela de arte estadounidense dominante en la década de 1940 fue el Expresionismo Abstracto, sus primeras obras contienen una serie de rasgos surrealistas (y dadaístas). De hecho, gran parte del arte moderno tardío y contemporáneo estadounidense (por ejemplo, el Pop Art, Assembly Art, Installation, Conceptual Art, Performance Art) se inspiró de un modo u otro en el Surrealismo.

El Surrealismo en Gran Bretaña

Los artistas británicos empezaron a tomarle el pulso al Surrealismo a partir de 1936, si no antes, pero sobre todo en la década de 1940. El escultor Henry Moore (1898-1986) se interesó por las figuras biomórficas, mientras que Lucian Freud (n. 1922), nieto del mentor surrealista Sigmund Freud, Francis Bacon y Paul Nash experimentaron con técnicas surrealistas. Su defensor más acérrimo y constante, sin embargo, fue el artista británico Conroy Maddox (1912-2005), quien comentó en 1978: "Ningún otro movimiento podría decir más sobre la condición humana".

Surrealismo de posguerra.

Aunque el regreso de André Breton a París tras la guerra marcó el comienzo de una nueva fase de la actividad surrealista, el estado de ánimo excepcionalmente deprimido de la Francia de posguerra no era susceptible de caprichos o sátiras. Por el contrario, Breton se encontró con que el movimiento era atacado por antiguos miembros como Tristan Tzara, y por el nuevo líder de la vanguardia, el filósofo Jean-Paul Sartre, que lo condenaba por su optimismo insensato. A pesar de ello, se celebraron importantes exposiciones surrealistas en París en 1947 y 1959, y las ideas y métodos surrealistas dejaron su impronta en muchos movimientos artísticos de posguerra. Para un artista sudamericano influido por este movimiento, véase Fernando Botero (n. 1932). Sobre un artista canadiense cuya obra bebe del canon surrealista, véase el artículo sobre el realista mágico Alex Colville (n. 1920).

El arte pop fue otro subproducto del surrealismo. Véanse, por ejemplo, las esculturas satíricas de objetos gigantes de Claes Oldenburg (nacido en 1929), que recuerdan claramente la obra de René Magritte.

El fin del surrealismo

No existe un acuerdo claro entre historiadores del arte e historiadores sobre el final del Surrealismo. Algunos historiadores del arte creen que se desintegró después de la guerra; otros citan la muerte de André Breton en 1966 (o la muerte de Salvador Dalí en 1989) como el final del Surrealismo como movimiento organizado. Sea cual sea su declive, el surrealismo como estilo fue (y sigue siendo) extremadamente popular entre el público artístico. En Nueva York se celebraron exposiciones surrealistas en el Museo Guggenheim y el Metropolitan Museum of Art (1999, 2002), y en 2001 la galería Tate Modern de Londres acogió una muestra de arte surrealista que atrajo a 170 000 visitantes. A continuación se celebró en Europa «La Révolution Surréaliste» en el Centro Georges Pompidou de París.

Estilos de arte surrealista: figuración y abstracción

Hubo dos movimientos principales en el Surrealismo. Uno, representacional, dependía de la figuración, de la reproducción exacta de formas naturales – normalmente separadas, desplazadas, yuxtapuestas, transpuestas o modificadas lejos de situaciones de la vida real. El segundo estilo del Surrealismo era abstracto, basado en imágenes sin referencia específica a formas naturales, y dependía en gran medida de formas generadas por el inconsciente.

Surrealismo figurativo

El estilo figurativo o representativo del Surrealismo (verismo) se manifiesta con mayor éxito en la obra de Magritte, Dalí y Delvaux, así como en la de otros artistas que, por su diversidad y sus logros, evitaron la categorización en un solo estilo. Picasso fue uno, Ernst – otro, Arp – un tercero, y en las décadas de 1930 y 1940 – Giacometti y Moore (1898-1986) presentaron su visión. Además, cabe señalar que este estilo de pintura surrealista fue anticipado por el simbolista francés Odilon Redon (1840-1916).

René Magritte

El surrealista figurativo más destacado fue el belga René Magritte, especializado en pinturas académicas, naturalistas pero ilusionistas. Aparte de una breve estancia cerca de París entre 1927 y 1930, cuando conoció a Breton y expuso con los surrealistas. Magritte pasó una vida comedida y laboriosa en Bruselas, pintando lo imposible con una convicción tranquila y segura. Lo más extravagante de su obra era defraudar las expectativas convencionales, utilizando sorprendentes diferencias de escala (una manzana llena una habitación; un tren irrumpe a través de una chimenea gigante) y desafiando las leyes de la gravedad. Su efecto único se ve potenciado por el uso de objetos cotidianos. Por ejemplo, el héroe de muchos de sus últimos cuadros, un hombre vestido de ciudad, con abrigo, bombín y a veces maletín, es tan inexpresivo como un maniquí de sastre. La ambigüedad del tema y de su imagen pintada se acentúa constantemente – el parecido exacto de una pipa con la inscripción «Esto no es una pipa». Sus cuadros surrealistas más famosos son: «La condición humana» (1933) y «Modelo rojo» (1935).

Salvador Dalí

En contraste con la publicidad que rodeaba a otros artistas, la tranquilidad del método de Magritte hizo que inicialmente se infravaloraran sus logros. En su lugar, la atención pública se centró en las febriles actividades del español Salvador Dalí, el principal provocador de la burguesía desde su primera asociación con el surrealismo parisino en 1927. Irónicamente, como la de Magritte, la técnica pictórica de Dalí era uno de los rasgos académicos del naturalismo del siglo XIX, aplicado a temas irreales como si fueran reales. Trabajó en muchos medios, fue escritor, pintor, hizo diseño de joyas, hizo cine (con Luis Buñuel) – pero quizás sobre todo en este hombre fantásticamente bigotudo, en una impresionante carrera pública, a menudo casi la misma que en el mundo del espectáculo – se percibía un gigantesco egocentrismo alimentado por una enérgica paranoia. Su relación con el surrealismo oficial fue eufórica al principio, pero más tarde se volvió tensa. Entre las obras surrealistas famosas de Dalí figuran, por ejemplo, «La permanencia de la memoria» (1931), «Construcción blanda con judías hervidas» (1936), y muchas otras.

Paul Delvaux

Otro belga, Paul Delvaux, tenía un talento algo más limitado, pero añadió una nota misteriosa constante al abanico de la imaginería surrealista. En sus memorables cuadros presenta un mundo de solitaria alienación: suburbios desiertos atormentados por trenes y tranvías, poblados por silenciosas mujeres que esperan y que, si se observan más de cerca, resultan ser idénticas – quizás la realización más vívida de un sueño o pesadilla lograda por cualquier surrealista. Sin embargo, no estaba oficialmente asociado al movimiento. Tampoco lo estuvo Maurits Escher (1898-1972), un holandés cuyas obras más conocidas – sus dibujos brillantemente calculados – juegan con la perspectiva, presentando con gran precisión imágenes bastante diferentes, que se interpenetran con tal ambigüedad que el ojo no puede decir dónde empieza una y acaba la otra.

Francis Bacon

El artista irlandés Francis Bacon (1909-1992) debe considerarse uno de los principales exponentes contemporáneos del surrealismo figurativo, aunque las entrevistas sugieren que su complejo repertorio de formas humanas representaba su intento consciente de crear un nuevo tipo de narrativa figurativa en consonancia con la imaginería cinematográfica contemporánea, así como su visión de la época de alienación en la que vivía.

¿Era inconsciente el surrealismo figurativo? En caso negativo, ¿era surrealista?

Dado que estas obras figurativas requerían un pensamiento «racional» minucioso, se podría haber pensado que iban más allá de la definición del arte surrealista como producto del pensamiento inconsciente. Parece ser que no. Las obras figurativas estaban permitidas (por Breton y otros teóricos) siempre que cuestionaran la realidad racional» normal «. Así, la obra de Magritte en estilo académico se consideró surrealista por sus extrañas yuxtaposiciones que daban la vuelta a la realidad y presentaban una nueva surrealidad. Las obras de Dalí también pasaron la prueba porque fueron creadas (según Dalí) en un estado semialucinatorio que él llamaba paranoia crítica. "Me despertaba al amanecer y, sin lavarme ni vestirme, me sentaba delante de mi caballete…. con los ojos fijos, intentando «ver» como un médium las imágenes que surgían en mi imaginación. Cuando veía estas imágenes colocadas con precisión en el cuadro, inmediatamente las dibujaba en su sitio". Las imágenes de Dalí, como sus relojes que se derriten y sus extrañas figuras medio humanas, le convirtieron en el más famoso de todos los pintores surrealistas. Sin embargo, en 1937, cuando cambió a un estilo académico más convencional, Breton le excluyó del movimiento. Por otra parte, puede decirse que el arte surrealista incluía incluso obras muy representativas, siempre que ilustraran las limitaciones de la realidad sensible.

Surrealismo abstracto

La abstracción surrealista rechazó las formas geométricas en favor del impacto visual y emocional de las formas orgánicas de la naturaleza : reales (Jean Arp, André Masson, Juan Miró) o imaginarias (Yves Tanguy, Robert Matta). La vertiente no representativa del Surrealismo no fue menos vigorosa. La obra, sobre todo la de Jean Arp, fue más a menudo no figurativa que no figurativa, pero los principales artistas más sistemáticamente independientes de los fenómenos naturales fueron el español Juan Miró (1893-1983) y el francés André Masson (1896-1987), cuyos estudios estaban situados al lado, en París, y que se unieron al grupo surrealista de Breton en sus inicios, en 1924. Durante un tiempo, ambos artistas experimentaron libremente con dibujos «automáticos», el análogo visual de la crucial «no-técnica» del irracionalismo surrealista, la escritura «automática». (Su propósito era permitir la libre asociación necesaria para crear una expresión totalmente espontánea). Pero ambos artistas encontraron esta abstracción geométrica – ya fuera en las rígidas teorías cubistas doctrinarias de Gleizes o en las estrictas reducciones geométricas de Piet Mondrian (1872-1944) – estéril e inadecuada a sus necesidades.

André Masson

El artista francés André Masson, influido para siempre por los terribles acontecimientos de la Primera Guerra Mundial, estaba obsesionado con el dominio de la ley del diente y la garra en toda vida, ya fuera animal o humana, y su obra – es el desencadenamiento de la violencia de los bajos instintos, como se evidencia, por ejemplo, en «La batalla de los peces» (1926). El propio Masson era un hombre violento y a menudo atacaba físicamente lienzos que consideraba insatisfactorios. En 1926 empezó a utilizar «la aleatoriedad» como parte de su técnica: esparcía arena sobre lienzos previamente colocados (al azar) con pegamento, y luego organizaba muy rápidamente sus configuraciones aleatorias en patrones sueltos de arte. Las imágenes resultantes también podían ser «violentas». A medida que se iban concretando, aparecían criaturas terroríficas. Tres años más tarde abandonó el movimiento surrealista oficial y su obra de los años treinta fue menos intensa y tuvo menos éxito. Sin embargo, en América, durante la Segunda Guerra Mundial, volvió a sus primeras técnicas automatistas, y su obra de estos años influyó en la posterior aparición de la escuela del Expresionismo Abstracto.

Juan (Joan) Miró

El más prolífico, versátil, brillante y, en general, más optimista de los creadores del Surrealismo Abstracto fue el pintor y escultor español Juan Miró, aunque él mismo siempre rechazó que su obra fuera abstracta. Para él, cada una de sus formas fantásticas significaba siempre un objeto real. Fue, como Picasso y Dalí, uno de esos jóvenes y brillantes artistas españoles que llegaron a París a principios del siglo XX, pero, a diferencia de Picasso, regresaba continuamente de la agitación de París a su país natal.

Al final de la Primera Guerra Mundial trabajaba en un estilo de realismo meticuloso del que surgió casi repentinamente su estilo maduro hacia 1924, como una mariposa de una crisálida, en gran parte como resultado de sus contactos surrealistas. Si, como sostienen algunos historiadores del arte, su obra, sobre todo durante y después de la Guerra Civil española (1936-39), tiene un trasfondo siniestro, éste queda compensado con creces por la alegría infantil que brilla en sus lienzos. Sus imágenes abstractas suelen ser biomórficas, similares a las de Arp, y su imaginación a menudo se aproxima a la de Paul Klee .

Organismos oscuros pero convincentemente representados toman forma definida por contornos claros y colores nítidos – predominan los rojos, negros y blancos primarios, como se muestra en «Carnaval de Arlequín» (1924). Por el contrario, la imaginería pictórica semiabstracta de Miró se ilustra en su famosa obra «Perro ladrando a la luna» (1926). Miró afirmaba que sus ideas surgieron de «un estado de alucinación provocado por alguna conmoción, objetiva o subjetiva, de la que soy completamente inexplicable». Cualquiera que sea la fuente, su concepción inicial se convierte en una extraña armonía formal gracias a un inconfundible sentido del diseño, el espacio y el espaciado.

En España, durante la Segunda Guerra Mundial, se dedicó al grabado , a la escultura y, sobre todo, a la cerámica . Posteriormente se sintió atraído por las obras monumentales y los murales gigantescos, por ejemplo para el Terrace Hilton Hotel de Cincinnati, y por las paredes de cerámica del edificio de la UNESCO en París (1958). Innovador constante, estaba dispuesto a explorar las posibilidades de cualquier medio, a menudo en colaboración con artesanos profesionales, y la fecundidad de su visión nunca decayó durante su larga carrera.

Yves Tanguy

El pintor abstraccionista surrealista Yves Tanguy desarrolló un estilo de paisajes imaginarios (o fondos marinos) habitados por extrañas pero convincentes formas mitad vegetales, mitad animales y organismos parecidos a amebas desconocidos hasta entonces para la ciencia, derivados de alucinaciones. Desarrolló cada vez más los contrastes y la variedad de sus texturas, de modo que sus cuadros podrían clasificarse como una especie de bodegones metafísicos holandeses . Las formas crecían bajo el pincel de Tanguy bajo su propio impulso misterioso, como él afirmaba, más que por intervención suya. Las principales obras de Tanguy son «Una vista de Ámbar» (1929), «Palacio en el Cabo» (1931), «Palacio de las Rocas Ventanas» (1942).

El antiguo dadaísta Jean Arp, amigo íntimo de Max Ernst, participó en la primera exposición surrealista de París en la Gallerie Pierre en 1925 y colaboró regularmente con el surrealismo hasta 1930. Conocido inicialmente por sus relieves dadaístas de madera, recortes de cartón y collages de papel rasgado , sus obras surrealistas eran simples formas biomórficas, a veces con ecos del arte primitivo. También experimentó con la composición automática (automatismo). En 1930 se unió a Cercle et Carré (Círculo y Cuadrado), una sociedad parisina de debate y exposición de artistas abstractos (en su mayoría) geométricos, y en 1931 pasó a formar parte de la organización más amplia Abstraction-Creation (Abstracción-Creación), grupo con el que comenzó a crear sus sensuales esculturas abstractas orgánicas en mármol o bronce. Esto puso fin a su breve fascinación por el surrealismo. A pesar de ello, fue una figura importante tanto en el dadaísmo como en el surrealismo, y su estilo característico de abstracción biomórfica influyó notablemente en otros escultores, especialmente en Henry Moore.

Técnicas artísticas surrealistas

Los surrealistas inventaron una serie de técnicas para crear imágenes aleatorias o «automáticas». El eminente pintor, escultor, artista gráfico y poeta alemán Max Ernst (1891-1976) fue un gran pionero en este campo. Hombre de inmensa capacidad creativa, Ernst se casó primero con una historiadora del arte, luego vivió con la pintora surrealista de origen británico Leonora Carrington; posteriormente se casó y divorció de la coleccionista de arte Peggy Guggenheim antes de casarse finalmente con otra destacada artista surrealista, Dorothea Tanning. Continuó creando obras rompedoras hasta su muerte. Entre sus obras importantes destacan «Bosque y paloma» (1927), las series «La Femme 100 tetes» (1930), «Toda la ciudad» (1935) e «Immortelle» (1966), así como un juego de ajedrez de cristal.

Frottage
Uno de los primeros exponentes del dadaísmo y el surrealismo, Ernst inventó Frottage (1925) – una técnica para crear una imagen colocando una hoja de papel sobre una superficie rugosa, como madera granulada o piedra, y frotando el papel con un lápiz o crayón hasta que la calidad de la superficie de la sustancia subyacente da la impresión de una superficie texturada.

Decalcomanía
Ernst también inventó la decalcomanía, una técnica en la que se salpica pintura sobre el papel, normalmente con un pincel grande, y luego – el papel aún húmedo – se cubre con otra hoja de papel y se frota. El resultado es una serie de extraños dibujos.

Grattage
Ernst también fue pionero en una técnica conocida como grattage . Consistía en colocar el lienzo pintado sobre una superficie texturada (como una tela metálica o una tabla de parqué) y raspar la pintura para dejar una impresión.

Collage
Hacia 1930, Ernst comenzó una serie de «novelas collage», de las cuales la más famosa es «Une Semaine de Bonte» («Semana de abundancia»). Recortando y reordenando grabados victorianos en acero, creó fantasías caprichosas del seguro mundo burgués en el que creció.

Pintura por goteo
Tras trasladarse a Nueva York durante la Segunda Guerra Mundial, Ernst comenzó a trabajar con pintura que goteaba de un tarro oscilante, – un método que puede haber iniciado la obra de Jackson Pollock en su método de pintura dinámica .

Fumage
Otra técnica surrealista fue conocida como fumage (fumar). Propuesta por primera vez por Wolfgang Paalen (1907-1959) a finales de la década de 1930, consistía en colocar una vela bajo una hoja de papel para formar un patrón de hollín. Al mover la vela se modificaban los patrones.

Dibujo automático
El método de dibujo automático, del que fueron pioneros André Masson, Juan Miró y Paul Klee, consistía en la capacidad de mover un bolígrafo u otra herramienta de dibujo sin ninguna planificación consciente.

Pintura automática
Hacia 1926, André Masson empezó a experimentar aplicando arena y cola al lienzo, aplicando después pintura al óleo y creando pinturas basadas en las formas resultantes.

El Expresionismo Abstracto utiliza técnicas surrealistas

Aunque muchos surrealistas europeos incursionaron en algunas de estas «técnicas de pintura automática» a mano alzada, la mayoría se había alejado del automatismo a principios de la década de 1940. Sin embargo, su influencia en América (adonde muchos se habían trasladado durante la Segunda Guerra Mundial) fue enorme. En Nueva York, por ejemplo, los surrealistas europeos presentaron sus ideas a líderes de opinión clave como Leo Steinberg, Clement Greenberg y Peggy Guggenheim, así como a los vanguardistas conocidos como la Escuela de Nueva York, como Arshile Gorky (1904-1948), Jackson Pollock (1912-1956), Robert Motherwell (1915-1991), Mark Tobey (1890-1976) y Robert Matta (1911-2002). En particular, las abstracciones a gran escala de Pollock «de las pinturas de acción» contienen un fuerte elemento de automatismo surrealista. Para más información, véase Pinturas de Jackson Pollock (c. 1940-56).

Escultura surrealista

Giacometti creó obras maestras surrealistas como «Mujer degollada» (1932), un diseño en bronce de un cadáver femenino desmembrado, y «Objeto invisible» (Manos que sostienen el vacío) (1934). Ambas representaban el cuerpo de la mujer como algo inhumano y peligroso. Sin embargo, cuando a finales de la década de 1930 volvió a un estilo más clásico, trabajando con modelos, fue excluido del movimiento. Muchos otros escultores experimentaron con estilos surrealistas, entre ellos Pablo Picasso, Henry Moore y el escultor irlandés F. E. McWilliam .

Fotografía surrealista

Man Ray fue el primer fotógrafo surrealista. Una de sus obras más famosas – «El enigma de Isadore Ducasse» (1920), hoy sólo conocida por su propia fotografía de una máquina de coser envuelta en tela negra atada con un cordel. La creó en honor del poeta Lautréamont (es decir, Isadore Ducasse), cuyo sucinto comentario: "Bello como el encuentro casual de una máquina de coser y un paraguas sobre una mesa de disección" se convirtió en un comentario definitorio de la filosofía estética del Surrealismo. Man Ray, uno de los mejores fotógrafos de su época, muy hábil en la manipulación del cuarto oscuro, los primeros planos y las yuxtaposiciones inesperadas, trabajó con éxito en los mundos aparentemente incompatibles de la sociedad parisina de vanguardia y la fotografía comercial. Sus fotografías se publicaron tanto en revistas especializadas como en publicaciones populares, desde Vogue y Vanity Fair hasta La Surrealisme au service de la Revolution (1930-33) y La R