Historia del arte: orígenes, evolución de las artes visuales 
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Al igual que la pintura,
la escultura – es ante todoarte plástico , por lo que cuanto más vemos, más se familiarizan nuestros ojos con el medio y más rápido lo percibimos. Para ayudarle a aprender a apreciar la bella escultura plástica , esta página web contiene explicaciones sobre la mayoría de las principales escuelas, desde la Edad de Piedra hasta nuestros días. Contiene referencias a la estética del mecanismo, así como a escultores famosos y sus obras, con explicaciones individuales cuando procede. Sin embargo, ningún artículo académico puede compararse con una visita a una galería de esculturas, un jardín o un museo, donde se pueden recorrer las obras expuestas y estudiarlas desde distintos ángulos. Consulte nuestra lista de los mejores museos de arte . Al fin y al cabo, la escultura, a diferencia de la pintura, – es un arte tridimensional y sólo puede apreciarse adecuadamente en persona. Cómo entender la escultura de la Edad de Piedra La escultura prehistórica aparece por primera vez en el Paleolítico (antes del 10.000 a.C.) en forma de dos imágenes primitivas: una estatuilla de basalto conocida como Venus Berehat-Ram y una figurilla de cuarcita que conocemos como Venus Tan-Tan . Ambas han sido datadas con carbono en torno al 200.000 a.C. o antes. Desgraciadamente, ninguna de las dos parece muy realista. Paralelamente a la sustitución de Neanderthal por humanos anatómicamente modernos como Cro-Magnon, a partir del 40.000 a.C. floreció el arte en toda Europa. Las primeras esculturas realistas – son las figurillas paleolíticas talladas en marfil del Jura suabo , que representan aves, animales y figuras teriántropas halladas en las cuevas de Hohle-Fels, Vogelherd y Hochlenstein-Stadel. Estas sencillas pero bellas obras datan de 35.000 a 30.000 a.C. Al mismo tiempo se crea un variado surtido de pequeñas esculturas femeninas gordas conocidas como « La pieza de arte tridimensional más inusual del de la Civilización del Valle del Indo (3300-1300 AC). Nota: Los métodos Los escultores griegos aprendieron muchos de los fundamentos durante la era geométrica, aunque sus estatuas figurativas siguieron siendo bastante rígidas. Las figuras solían representarse desnudas (kouros Durante la era de la Mirón. (Activo 480-444). En el siglo IV a.C., en la segunda mitad de la era clásica, escultores como La época helenística fue testigo del desarrollo de dos estilos principales: el «estilo austero» tipificado por la estilo de la Venus de Milos (ca. 100 a.C.).), o el más dramático «estilo barroco» ejemplificado por el Para más información sobre críticos profesionales como Los artistas romanos veneraban mucho a sus homólogos griegos y trataban de emularlos en cada oportunidad. Se animaba a los maestros griegos a abandonar Grecia y trabajar en Roma. A pesar de ello, la escultura romana desarrolló sus propios modos de expresión. Durante el periodo 200-50 a.C., cuando el gobierno republicano ocupaba el poder, los artistas desarrollaron un aspecto «romano» distintivo para sus estatuas y Quizá la mayor contribución de los escultores romanos al arte, y sin duda el medio de crear un monumento público, fue el relieve histórico. La Columna de Trajano , por ejemplo, situada al norte del Foro Romano, es famosa por su magníficamente detallado bajorrelieve en espiral , que rodea 23 veces el fuste del monumento, relatando la victoria del emperador Trajano en sus guerras contra los dacios. El fuste mide 30 metros de alto y 4 de ancho, y está construido con 20 bloques macizos de mármol de Carrara, cada uno de los cuales pesa 40 toneladas. El Arco de Tito es otro bello ejemplo de relieve histórico. Por último, es imposible apreciar la escultura romana sin mencionar el papel de los artistas romanos en la reproducción de las estatuas griegas originales, la mayoría de las cuales han desaparecido. Sin estas copias, el arte griego difícilmente habría recibido el aprecio que merece, y el Renacimiento italiano (y, por tanto, la historia del arte occidental junto con él) habría sido muy diferente. Esculturas romanas dignas de aprecio Augusto Prima Porta (50 a.C.), mármol, Museos Vaticanos. Mármol Altar de la Paz (Ara Pacis) (9 a.C.), Museo Ara Pacis, Roma. Emperador Claudio como Júpiter (41-54 d.C.) mármol, Museo Pio Clementino. Mármol Tíber (90-140 d.C.), Louvre, París. Mármol Columna Trajana (113 d.C.), Roma. Mármol Hércules de Lansdowne (ca. 125 d.C.), Museo J. Paul Getty, California, EE.UU. Centauro en la rueda de Cupido (hacia 150 d.C.) en mármol, Louvre. Danzantes Borghese» (siglo II d.C.) en mármol «, Louvre. Atalanta (siglo II d.C.) mármol, Louvre. Sarcófago de batalla de Ludovisi (251 d.C.) Museo Nacional de Roma. Basílica de San Marcos (300 d.C.) Venecia. Cabeza colosal del emperador Constantino el Grande (324 d.C.) Museo Capitolino. Cómo apreciar la escultura gótica (circa 1150-1300, desde 1500 en Alemania) catedrales góticas , cada una de las cuales debía adornarse con arte cristiano apropiado. . Externamente eran relieves esculpidos y estatuas en columnas; internamente – pila bautismal tallada, púlpitos, estatuas, esculturas en relieve. Alrededor de los portales y las puertas, los escultores esculpían grupos de apóstoles, profetas y santos, junto con miembros de la Sagrada Familia. Estilísticamente, la escultura figurativa gótica era más suave, más realista y, en general, más humana que la rígida escultura románica . Por ejemplo, el cuerpo de Cristo sobre la entrada principal de la catedral de Chartres es increíblemente flexible y real, lo que lo hace sensible y comprensible. El estilo escultórico del Alto Gótico también se originó en Francia, desde donde se extendió a Italia, Alemania, los Países Bajos y otros lugares. Con un estilo más ornamentado, la mayoría de los escultores del gótico tardío se dedicaron más a las tumbas y monumentos privados que a la escultura arquitectónica. Véase, por ejemplo, la hilera de esculturas funerarias de la abadía de Westminster, donde los monumentos (en purbecks, bronce, alabastro y fresco) están decorados con suelos y tumbas realizados por maestros italianos del mosaico contratados por el rey Enrique III. El gótico tardío recibió un énfasis clásico en Italia, donde los escultores utilizaron modelos griegos y romanos, y un énfasis más emocional en Alemania, donde escultores como Importante escultura gótica puede verse en la catedral de Chartres (1194-1250); la catedral de Colonia , construida en 1248 y terminada en 1880; y las catedrales de Santiago de Compostela, Magdeburgo, Tréveris, Estrasburgo, Friburgo, Naumburgo, Canterbury, Salisbury, Exeter, Winchester y Westminster, entre muchas otras. Esculturas góticas para apreciar Además de estudiar la gran cantidad de esculturas arquitectónicas de la catedral, también se pueden valorar los siguientes elementos. El Juicio Final (circa 1210) Trascoro Sur, Notre Dame (París). Fachada oeste de la catedral de Wells (circa 1230) Wells, Reino Unido. Rayo de Gloria (después de 1242) Casa de San Esteban y San Sixto, Halberstadt. Portada oeste de la Jube (ca. 1250) Catedral de Naumburg, Naumburg. Púlpito de mármol (1265-8) Duomo, Siena. Nicola Pisano. Tríptico de la Virgen Gloriosa (ca. 1290), Museo de la Edad Media, París. Virgen de Juana de Evreux (1324-39) Plata, esmalte, oro y perlas, Louvre. Altar de Santa María (1477-89) Iglesia de Santa María, Cracovia, Polonia. Autor Stoss. Altar de la Santa Sangre (1504) Iglesia de San Jacobo, Rothenburg. Autor Riemenschneider. Escultores góticos famosos Nicola Pisano (ca. 1206-1278); Giovanni Pisano (1250-1314); Arnolfo di Cambio (ca. 1240-1310); Giovanni di Balduccio (1290-1339).); Andrea Pisano (1295-1348); Filippo Calendario (antes de 1315-1355); André Boneveu (1335-1400); Klaus Sluter (c. 1340-1406); Veit Stoss (c. 1447-1533); Tilman Riemenschneider (1460-1531). Para biografías de destacados escultores góticos, véase: Los más grandes escultores . Cómo apreciar la escultura renacentista (ca. 1400-1600) El arte renacentista , especialmente la escultura, se basó en un nuevo auge del respeto por el arte griego. Los escultores del Renacimiento , aunque se ocupaban principalmente de obras religiosas, estaban fuertemente inspirados por una fuerte creencia en el humanismo y la nobleza del hombre. Así, la forma humana, especialmente el desnudo masculino , era uno de sus temas favoritos. Sin embargo, para apreciar mejor La escultura del Alto Renacimiento estuvo dominada y personificada por la perfección de Miguel Ángel (1475-1564). Según el erudito historiador del arte Anthony Blunt, las obras figurativas de Miguel Ángel, como Piedad (1497-9, Basílica de San Pedro , Roma), David (1501-4, Galleria dell’Accademia, Florencia) y El esclavo moribundo (1513-16, Louvre) poseían no sólo «cualidades sobrehumanas», sino también «un sentido de sombría ansiedad que reflejaba la tragedia del destino humano». Las estatuas de mármol de Miguel Ángel, de una belleza impecable, reflejan su absoluta maestría técnica. En el desnudo masculino heroico sigue siendo el artista consumado. A los 29 años ya había realizado dos de las obras más grandes de la historia de la escultura . Otros escultores importantes del Alto Renacimiento son el veneciano Jacopo Sansovino (1486-1570) y el florentino Baccio Bandinelli (1493-1560). Al norte de los Alpes estaban representados los famosos escultores Hans Mulcher (c.1400-1467); Giorgio da Sebenico (1410-73); Michel Colomb (1430-1512); Gregor Ehrhart (c.1460-1540), y los ya mencionados Stoss y Riemenschneider. Para biografías de destacados escultores del Renacimiento, véase: Los más grandes escultores . Otras esculturas renacentistas dignas de aprecio San Marcos (1411) Orsanmichele, Florencia. Donatello. Abbacum (1426), Museo de la Ópera del Duomo, Florencia. Donatello. Puerta del Cielo (1425-52) Baptisterio de Florencia. De Lorenzo Ghiberti. Estatua ecuestre de Gattamelata (1444-53) Siena. Donatello. Maria Magadalina (c. 1455) Museo Nazionale del Bargello. Donatello. La lamentación de Cristo muerto (1463) Bolonia. Niccolò dell’Arca. Hércules y Anteo (1470) Museo Nazionale del Bargello. Antonio Pollaiuolo. David (c.1475) Museo Nazionale del Bargello. Andrea del Verrocchio. La incredulidad de Santo Tomás (c.1483) Orsanmichele. Andrea del Verrocchio. Venus y Cupido (ca. 1550), Getty Museum, California. Por Jacopo Sansovino. Cómo apreciar la escultura manierista (1530-1600) En comparación con la armonía y el equilibrio de las obras del Alto Renacimiento, la escultura manierista era mucho más exagerada y expresiva, reflejando en cierta medida la incertidumbre de una Europa desgarrada por la división religiosa. Los diversos impulsos artísticos del El rapto de las sabinas (1581-153, Piazza della Signora, Florencia) posee una expresividad verdaderamente asombrosa; y El rapto de las sabinas (1581-153, Piazza della Signora, Florencia), por ejemplo, su Perseo (1545-54, Piazza della Signora, Florencia). Compárese, sin embargo, con la tranquila expresividad de la Santa Cecilia yacente de Stefano Maderno (1600, Trastevere, Roma) (1576-1636). Otros escultores manieristas dignos de estudio – son Juan de Juni (1507-1577) y Alonso Berruguete (ca. 1486-1561), que introdujeron las ideas renacentistas y manieristas en España, y Francesco Primaticcio (1504-1570), que hizo lo propio en Francia en la Escuela de Fontainebleau fundada bajo Francisco I. Sobre los mejores escultores franceses de la época véase: Jean Goujon (c. 1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prier (1536-1611) y Adrien de Vries (1560-1626). Otras esculturas manieristas dignas de aprecio: Entierro (1541-44), Museo de Escultura, Valladolid. Juan de Juni. Salero de Francisco I (1543), Museo de Arte e Historia. Benvenuto Cellini. Salón de la duquesa de Etamp (1544) Castillo de Fontainebleau. Primaticcio. Fuente de Neptuno (1559-75) Pizza Signora. Bartolomeo Ammanati. Mercurio (1564-80) Museo Nazionale del Bargello, Florencia. Giambologna. Virgen María en pena y sufrimiento (1585) Louvre, París. Germain Pilon. Mercurio y Psique (1593) Louvre, París. Adrien de Fries. Caballo alzado (1615) Getty Museum, California. Adrien de Fries. Cómo apreciar la escultura barroca (c. 1600-1700) El periodo Barroco estuvo dominado por el arte religioso . La escultura barroca , parte de la campaña de propaganda de la Contrarreforma católica, fue diseñada para inspirar a los espectadores con ilustraciones de la liturgia católica y así animar a los fieles a volver a la única Iglesia verdadera. Para apreciar mejor de Bernini (1598-1680), la mayor figura de su época. Entre sus mejores obras – Éxtasis de Santa Teresa (1647-52, Capella Cornaro, Roma); Plutón y Proserpina (1621-1616, Galleria Borghese, Roma); Apolo y Dafne (1622-1655) Galleria Borghese, Roma; y Muerte de la beata Ludovica Albertoni (1671-4, San Francesco-a-Ripa, Roma). Obsérvese cómo las figuras y los drapeados de Bernini parecen flotar en el aire y cómo trata los duros materiales de la escultura como si fueran absolutamente plásticos. Otros escultores importantes Alessandro Algardi (1598-1654), favorito del papa Inocencio X, y el escultor flamenco François Girardon (1628-1715), el más libre Antoine Coysevox (1640-1720) y el menos consistente pero a veces más brillante Pierre Puget (1620-94). En España son dignos de estudio los escultores Alonso Cano (Granada, 1601-1667), y en Alemania cabe destacar la obra de Andreas Schlüter (1664-1714). Esculturas barrocas para apreciar San Sebastián (1600) San Salvatore, Venecia. Alessandro Vittoria. Ángel Mensaje (1608) Orvieto. Francesco Mochi. Altar de la Virgen (1616) Iglesia de Uberlingen, Alemania. Jörg Zurn . Santa Susanna (1633) Santa Maria di Loreto, Roma. François Ducnois. Monumento funerario al Papa León XI (1634-44), Basílica de San Pedro, Roma. Algardi. Éxtasis de San Felipe Neri (1638), Santa Maria in Vallicella. Algardi. El Papa León expulsando a Atila de las puertas de Roma (1653), Catedral de San Pedro. Algardi. María Magdalena penitente (1664) Valladolid, España. Pedro de Mena. Apolo cortejado por las ninfas de Fetida (1666-72) Versalles. François Girardon. Fuente de Apolo (1671), Palacio de Versalles. Jean Baptiste Touby. Milon de Croton (1671-1682), Louvre, París. Pierre Puget. Estatua ecuestre de Federico el Grande (1708) por Andreas Schlüter. Plutón raptando a Proserpina (1710), Getty Museum, California. François Girardon. Extraña escultura rococó (circa 1700-1789. La escultura rococó alemana fue el epítome de la escultura rococó alemana, con Etienne-Maurice Falcone (1716-1791), que se especializó en figuras eróticas con una falsa conexión con la escultura griega helenística. La escultura rococó alemana fue personificada por el escultor de Dresde Balthasar Permoser (1651-1732). A finales de la década de 1780, el decadente Rococó fue barrido por los ideales de la Revolución Francesa, que sentaron las bases del estilo más serio y severo del Neoclasicismo. Cómo apreciar la escultura neoclásica (floreció hacia 1790-1830) La escultura neoclásica volvió a hacer hincapié en las virtudes del heroísmo, el deber y la seriedad . Para entender mejor el Neoclasicismo, el eminente historiador del arte alemán Johann Winkelmann (1717-1768) afirmó que evitaba la pasión y la expresividad extremas y que, en cambio, era un modelo de noble moderación. Sin duda, el mayor y más influyente escultor del Neoclasicismo fue Antonio Canova (1757-1822), entre cuyos clientes se encontraban Napoleón Bonaparte, Catalina la Grande y el emperador austriaco Francisco II. Su escultura más famosa fue probablemente la monumental estatua desnuda de Napoleón (1802-1886) – véase el mármol original (Wellington Museum, Londres) o la copia en bronce de la Pinacoteca di Brera, Milán. Fíjese también en «Teseo y el Minotauro» (1781-1781, Victoria and Albert Museum, Londres) y en el retrato de Pauline Napoleon-Borgese como Venus (1807, Galleria Borgese, Roma). Entre otros escultores neoclásicos dignos de mención: el retratista austriaco Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), conocido por sus bustos caricaturescos conocidos como «Cabezas de personajes» ; el realista francés Jean-Antoine Oudon (1741-1828); el despreocupado escultor francés de pequeño formato Clodion (1738-1814); y los famosos artistas ingleses TIPOS DE ESCULTURA Sobre bronce – estatuas y relieves véase: Sobre las formas de escultura en piedra véase: Sobre las piedras pentélica, de Carrara y de Pariana, véase: Sobre las esculturas en madera: Escultura en madera . SIGNIFICADO DEL ARTE Para más información sobre los distintos tipos y estilos de arte tradicional, véase : Definición de arte . Cómo apreciar la escultura
más antigua y la escultura figurada más antigua conocida, y la inusual
Venus de Dolni Vestonice 26000 a.C.. – la escultura de arcilla más antigua conocida en el mundo), lo que sorprende es la relativa similitud de estas figuras.
Pensador de Aguas Negras » (ca. 5000 a.C.), una pequeña figura profundamente inmersa en sus pensamientos. En el Neolítico destacan el Toro de Oro de Maikop (ca. 2500 a.C.) – una notable escultura de oro creada en la región del Cáucaso Norte mediante el método de fundición a la cera perdida y la deslumbrante Bailarina de Mohenjo-Daro (ca. 2500 a.C.). AD), una obra maestra de la escultura india temprana
de la cultura Harappan
de la escultura egipcia tuvieron una gran influencia en muchos escultores griegos de la antigüedad, así como en la posterior
escultura africana subsahariana . Cuestiones y problemas de estudio ¿Por qué se originó la escultura en la Edad de Piedra? Respuesta: combinación de factores, por ejemplo: organización social; mayor seguridad (más cuevas disponibles); clima; mayor demanda de objetos simbólicos y rituales. ¿Por qué surgió la escultura de bronce en el Neolítico? Respuesta: asentamientos más seguros que permitieron la fundición y la metalurgia; mayor demanda de adornos personales y de joyas de mayor tamaño. Durante este periodo prehistórico, sigue el cambio gradual de los artefactos funcionales al «arte por el arte». Cómo evaluar la escultura griega
La escultura griega , de forma sencilla, abarca el periodo Arcaico (ca. 750-500 a.C.), el periodo Clásico (ca. 500-323 a.C.) y el periodo Helenístico (ca. 323-100 a.C.). Explicar cómo evaluar la escultura griega requeriría toda una página web, así que aquí van unos cuantos comentarios seleccionados sobre cómo se desarrolló esta forma de arte única y a qué, por tanto, hay que prestar atención.
de la escultura arcaica , cuando el país se abrió a las influencias del Mar Negro, el Levante y Egipto, aprendieron a dar a sus figuras humanas una mayor fluidez y un mayor sentido de la vida. También empezaron a desarrollar «la sonrisa arcaica» junto con una articulación más realista del cuerpo. Entonces llegó el apogeo verdaderamente extraordinario de esta forma de arte.
Partenón (447-422 a.C.). Estas innovaciones clásicas marcaron la evolución estilística de la escultura durante miles de años. La pose de la figura de pie se hizo más refinada, más realista y, en general, más natural. Otras características de las estatuas griegas clásicas incluyen un aire de calma suprema combinado con un marcado equilibrio dinámico del movimiento, creando una sensación de armonía y proporción. Entre los principales escultores griegos de la Antigüedad se encuentran
Policleto (siglo V a.C.),
Fidias (488-431) y
Praxíteles y
Lisipo , suavizaron la forma humana, infundiéndole un aura de gracia despreocupada. Los dioses griegos de la mitología se humanizaron y sus movimientos y expresiones faciales se volvieron más elegantes. La composición y las posturas se hicieron más complejas: los miembros sobresalían en el espacio del espectador, los grupos escultóricos se disponían de forma más dinámica y los espectadores podían caminar a su alrededor y obtener una visión variada.
Venus de Milos (ca. 100 a.C.), o el más dramático
Altar de Zeus de Pérgamo (ca. 166-166 a.C.) y el
Laocoonte y sus hijos (150-50 a.C.). Para saber más, visita
Escuela de escultura helenística de Pérgamo (241-133 a.C.). En la mayoría de los casos, los detalles se representaban con el máximo realismo. Los escultores del Alto Renacimiento (Miguel Ángel) y del Barroco (Bernini) estuvieron muy influidos
por la escultura griega helenística , al igual que los historiadores del arte neoclásicos, como el historiador alemán
Johann Joachim Winckelmann (1717-1768).
John Ruskin y otros, véase:
Críticos y crítica de artes visuales (1750-presente). Esculturas griegas dignas de aprecio Discóbolo (~450 a.C.), Mirón, Museo Nacional de Roma, Roma. Heracles Farnesio (siglo V), Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. En el Museo Arqueológico Nacional, Zeus o Poseidón (ca. 460 a.C.), Atenas. Amazona herida (440-30 a.C.), Museo Capitolino, Roma. De Policleto. Museo Arqueológico Nacional - Joven de Anticitera (siglo IV), Atenas. Apolo Sauroctonos (siglo IV), Museo Pio Clementino. Autor Praxiteles. Columna Capitolina de Venus (350-40 a.C.), Museo Capitolino, Roma. Autor Praxíteles. Fauno Barberini (ca. 220 a.C.), mármol, Gliptoteca, Múnich. Galia moribunda (ca. 240 a.C.). copia en mármol, Museo Capitolino, Roma. Nika de Samotracia (ca. 190 a.C.) mármol, Louvre, París.
Venus de Milos (Afrodita de Melos) (ca. 100 a.C.). Autor Alexandros de Antioquía. Cómo apreciar la escultura romana (c. 200 a.C. – c. 200 d.C.) la arquitectura . Las autoridades de la Iglesia cristiana construyeron muchas
la catedral de Nuestra Señora de París (1163-1345); la catedral de Reims (1211-1275); la catedral de Amiens (1220-1270); la catedral de Burgos, España, que comenzó a construirse hacia 1221;
manierismo quedan mejor ilustrados por
Giambologna (1529-1608), cuya inmortal obra
el arte barroco , fíjese bien en las obras
de la época barroca fueron el más sobrio
Juan Martínez Montañez (1568-1649) y
Bertel Thorvaldsen (1770-1844) se mostró digno sucesor de Canova en su veneración de las formas griegas. Sobre el desarrollo del arte volumétrico en Irlanda, véase: Escultura irlandesa: historia, escultores . Otras esculturas neoclásicas a valorar Venus (1773), Museo Getty, Los Ángeles. Joseph Nollekens. Retrato de Voltaire (1781) Comédie-Française. Jean-Antoine Houdon. Apolo coronándose (1781), Getty Museum, California. Antonio Canova. El ahorcado (1770-83) Viena. Franz Xaver Messerschmidt. La furia de Atham (1790) Ickworth, Reino Unido. John Flaxman. Psique despertada por Eros (1787-93) Louvre, París. Antonio Canova. Magdalena penitente (1796) Palazzo Bianco, Génova. Antonio Canova. Perseo y la cabeza de Medusa (1797-1801) Museos Vaticanos. Canova. Estatua ecuestre de José II (1795-1806) Franz Anton von Sauner. Alejandro Magno entra en Babilonia (1812) Bertel Thorvaldsen. Jasón con el vellocino de oro (1828) Copenhague. Bertel Thorvaldsen. Cristo y los doce apóstoles (1838) Copenhague. Bertel Thorvaldsen. Recursos adicionales
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