Cómo apreciar la escultura moderna Traductor traducir

Recursos adicionales

Cómo evaluar el arte moderno en 3-D

En términos muy simples, la expresión "arte tridimensional moderno" se refiere a escultura de la era moderna, que comenzó alrededor de 1850. Era la época en que los principios tradicionales del arte estaban siendo presionados por los modernistas, que comenzaban a cuestionar algunas de las convenciones pedantes del arte académico, tal como se enseñaba en las grandes academias europeas de bellas letras. Al mismo tiempo, se introdujeron movimientos como el impresionismo, el expresionismo, el cubismo y el futurismo. escultores del siglo XX a una variedad de ideas revolucionarias. los estética de la escultura moderna se caracterizaron, sobre todo, por alejarse de simplemente copiar la naturaleza (por ejemplo, en retratos de estilo tradicional, escenas grupales), hacia obras con más mensaje, ¡más actitud! Se descartaron las reglas convencionales de composición, perspectiva y presentación, mientras que el tipo de materiales utilizados se amplió dramáticamente. Para apreciar los grandes cambios introducidos por la modernidad arte plástico, recuerde, la mayoría de las escuelas de escultura solo enseñaban dibujo de la vida y talla de piedra, tal vez con algo de fundición de bronce y talla de madera en el lateral. Estaban totalmente mal equipados para responder al clamor de nuevas ideas, nuevos métodos y nuevos materiales.

Para ayudarlo a aprender (o enseñar a los estudiantes) cómo evaluar las obras de escultura moderna, esta página web contiene explicaciones de la mayoría de las principales escuelas, desde mediados del siglo XIX hasta nuestros días. Cuenta con referencias a importantes artistas modernos junto con sus obras de arte, con explicaciones individuales cuando sea relevante. Dicho esto, ningún artículo escrito sobre la apreciación del arte tridimensional es tan instructivo como una visita a una galería de esculturas, un jardín o un museo, donde puede caminar o incluso ’entrar’ en las exhibiciones y estudiarlas de cerca desde diferentes ángulos. Así que por favor visite nuestra guía de mejores museos de arte. Recuerde, la escultura es un arte tridimensional, y solo se puede apreciar plenamente en la carne.

Cómo apreciar la escultura del siglo XIX (1800-1900)

Escultores del siglo XIX Lo pasé mal. El patrocinio religioso se había derrumbado, mientras que el patrocinio estatal era incierto y se limitaba en gran medida a las estatuas conmemorativas de monarcas, estadistas patrióticos y clérigos. No fue sino hasta el cambio de siglo que los escultores pudieron reflejar las nuevas tendencias del arte moderno. Una excepción a esto fue el gran escultor francés. Auguste Rodin (1840-1917). Rodin se consideraba el sucesor natural de su héroe Miguel Ángel, a pesar de que el florentino era un tallador en piedra, mientras que Rodin era principalmente un modelador en bronce. Los estilos individuales de los dos hombres también eran polos opuestos. Miguel Ángel personifica la nobleza intemporal de la antigüedad clásica, mientras que las obras de Rodin son inconfundiblemente modernas, con un naturalismo dramático y expresivo. Los verdaderos predecesores de Rodin son seguramente los escultores góticos, de los cuales fue un admirador apasionado. Vea en particular sus obras maestras como: La edad de bronce (1876, Musée d’Orsay, París), El pensador (1881, Musée Rodin, París), El beso (1888-9, Musée Rodin, París) y Los burgueses de Calais (1889, Musée Rodin, París).

Otros escultores de la época que vale la pena estudiar incluyen: los románticos Francois Rude (1784-1855) y Auguste Preault (1809-79); el muy talentoso, alegre Jean-Baptiste Carpeaux (1827-75) y su seguidor Jules Dalou (1838-1902); así como el clasicista Alfred Stevens (1817-75) y el versátil George Frederick Watts (1817-1904).

Además, el siglo XIX produjo varias obras maestras de la escultura arquitectónica. Estos incluyen: la Columna de Nelson (1840-3), el monumento de 185 pies a Lord Nelson (coronado por una estatua del propio Nelson de 17 pies de altura) diseñado por EHBaily y ubicado en Trafalgar Square; la Estatua de la Libertad (1886, Liberty Island, puerto de Nueva York), la emblemática estatua de 302 pies de altura diseñada por el escultor francés Bartholdi (1834-1904); y el hito parisino, el hierro forjado de 1, 000 pies de altura Torre Eiffel (1885-9), diseñado por el ingeniero Gustav Eiffel y el arquitecto Stephen Sauvestre. En 1922, el escultor estadounidense. Daniel Chester francés (1850-1931) logró la inmortalidad con otra escultura pública monumental: la figura sentada de Lincoln en el Lincoln Memorial en Washington DC.

Para biografías de críticos y comentaristas, como John Ruskin y otros, ver: Críticos de arte: crítica de las artes visuales (1750-presente).

Otras esculturas del siglo XIX para evaluar

Cómo apreciar la escultura del siglo XX (1900-45)

El nuevo siglo fue testigo del surgimiento del primero de los grandes escultores modernos Constantin Brancusi (1876-1957) y Umberto Boccioni (1882-1916). En The Kiss (1907, Hamburgerkunsthalle, Hamburgo) y Sleeping Muse (1910, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), Brancusi reduce las formas naturales a sus principios básicos, sin perder su humanidad esencial. El beso, en particular, transmite un profundo primitivismo, pero que ilustra la fe de Brancusi en el poder de la emoción humana. Mirando al mundo con un enfoque más político-histórico, las Formas únicas de continuidad en el espacio de estilo futurista de Boccioni (1913, Museo de Arte Moderno, Nueva York) personifican el movimiento y el dinamismo de la era de la máquina. Personifica al nuevo hombre tecnológico, avanza poderosamente por el espacio y simboliza su triunfo sobre la naturaleza. Ambos escultores ejemplifican la tendencia a alejarse del representacionalismo, hacia un idioma más desafiante en el que se fusionan el conceptualismo y el formalismo.

Cubismo, el estilo revolucionario de arte Moderno promovido por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963), desencadenó una ola de experimentación en escultura abstracta. Los ejemplos de arte cubista en 3-D incluyen: Woman Walking (1912, Denver Museum of Art) por Alexander Archipenko (1887-1964); Caballo grande (1914, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París) por Raymond Duchamp-Villon (1876-1918); Hombre con guitarra (1915, MoMA, Nueva York) por Jacques Lipchitz (1891-1973); Cabeza de mujer (1917, MoMA, Nueva York) por Naum Gabo (1890-1977); Plato de frutas con uvas (1918) de Henri Laurens (1885-1954); y Torso (1924-6, MoMA, NY) por Antoine Pevsner (1886-1962).

La carnicería de la Primera Guerra Mundial llevó a esculturas desgarradoras como Fallen Man (1916, New National Gallery, Berlín) y Seated Youth (1918, Stadel Art Institute), ambas por Wilhelm Lehmbruck (1881-1919), el artista expresionista que se suicidó después de sus experiencias en un hospital de la Primera Guerra Mundial. También condujo directamente a Dada, cuyo concepto de arte basura fue adecuadamente ilustrado por Fountain (1917, réplicas en varios museos) por Marcel Duchamp (1887-1968), y el único Merzbau de Kurt Schwitters (1887-1948).

Durante los años de entreguerras, el arte plástico evolucionó a lo largo de una serie de líneas, que podemos caracterizar, en términos simples, de la siguiente manera:

Cómo apreciar la escultura de finales del siglo XX (1945-2000)

Este período fue testigo de la evolución continua de los seis estilos de escultura mencionados anteriormente, así como una cantidad de innovación genuina.

Escultura Tecnologica
Este estilo es el único cuyo avance parece haberse reducido definitivamente. En la actualidad solo sobrevive en la escultura arquitectónica: un ejemplo del siglo XXI es The Spire of Dublin, conocido como ’la espiga’, diseñado por Ian Ritchie RA. Sin embargo, este tipo de escultura volverá a surgir, sin duda en nuevos entornos (por ejemplo, en el espacio o en el agua).

Abstracción
Este estilo fue llevado a nuevas alturas por el Minimalismo escuela durante la década de 1960. Escultores americanos – como Sol LeWitt (nacido en 1928), Donald Judd (1928-94), Walter de Maria (n. 1935), y Carl Andre (n. 1935): se centró en crear un tipo de arte intelectual reducido a sus fundamentos. Difícil de entender o discutir, a menos que uno tenga un doctorado en estética. Sin embargo, debemos señalar de paso que el experto en arte contemporáneo y coleccionista Charles Saatchi atribuye un profundo significado a la obra de Donald Judd. Las esculturas minimalistas famosas incluyen: Cage II (1965, MoMA, Nueva York) de Walter de Maria; Equivalente 1 (1969, Kunstmuseum, Basilea) por Carl Andre; y Stack (1967, MoMA, Nueva York) de Donald Judd.

Movimiento / descomposición
La escultura cinética de la posguerra fue ejemplificada por Relief Mobile 5 (1954, Musee d’Art Moderne, Saint-Etienne) por Pol Bury (1922-2005); Señal: Insect Animal of Space (1956, Tate London) por Takis (nacido en 1925); y los extraordinarios artilugios autodestructivos reunidos por el artista suizo de vanguardia Jean Tinguely (1925-1991), como Homage to New York (1960, Museum of Modern Art, New York). Las obras de Tinguely combinan escultura, proceso y performance en una fiesta visual única. También se podría argumentar que las esculturas ambientales temporales (por ejemplo, hechas de nieve) de Andy Goldsworthy (nacido en 1956), también pertenecen a esta categoría.

El absurdo o surrealista
Esta tradición fue renovada por miembros del Arte pop movimiento. Los ejemplos incluyen el gigantismo de Claes Oldenburg (nacido en 1929), véanse, por ejemplo, Giant Fag-Ends (1967) y Apple Core (1992); así como el humorístico Joe Sofa (1968) de los italianos Jonathan De Pas (1932-91), Donato D’Urbino (nacido en 1935) y Paolo Lomazzi (nacido en 1936). Además, las obras de Cesar (1921-98), (coches aplastados); y la escultura basura de Arman (b.1928) (montones de teléfonos rotos) claramente califican como pertenecientes al absurdo, al igual que las esculturas de araña Maman de Louise Bourgeois (1911-2010); y las figuras únicas en forma de palo de Alberto Giacometti, como Tall Woman II (1960, Museo de Arte Moderno, Nueva York). En febrero de 2010, el Walking Man I (1961) de bronce de tamaño natural de Giacometti, vendido en Sotheby’s en Londres por £ 65 millones ($ 104 millones), el precio de subasta más alto de una escultura.

Formas orgánicas
Este género fue activamente continuado por Henry Moore y Barbara Hepworth, antes de reaparecer (posiblemente) en las monumentales obras abstractas de Richard Serra (nacido en 1939). Al estudiar Serpiente de Serra (1994-97) en el Museo Guggenheim, Bilbao, uno no puede evitar pensar en ella como una entidad viviente. Otro trabajo destacado en esta categoría es Divided Head (1963, Fiorini, Londres) de Cesar Baldaccini.

Materiales industriales
Esta categoría ha sido desarrollada desde la guerra por artistas como Tony Smith (1912-81), ver su Die (1962, MoMA, Nueva York); Barnett Newman (1905-70), ver su Broken Obelisk (1963-9, MoMA, Nueva York); Alexander Calder, ver su Le Hallebardier (1971, Museo Sprengel, Hannover);
y Mark Di Suvero (n. 1933), ver su Storm Angel (1974, Chalon-sur-Saone).

NOTA: En una categoría propia se encuentran las emotivas esculturas conmemorativas que conmemoran la Shoah (1933-45). Esta forma de Arte del holocausto está ejemplificado por los memoriales de Treblinka y Dachau.

Innovaciones

Las nuevas formas de escultura que aparecieron durante la segunda mitad del siglo XX incluyen las siguientes:

Montaje
Iniciado por Jean Dubuffet (1901-85), arte de ensamblaje comprende obras hechas de fragmentos de objetos naturales o hechos por el hombre, como escombros domésticos o domésticos. Los ejemplos incluyen las "paredes esculpidas" de Louise Nevelson (1899-1988), típicamente hechas de cajas de madera, rociadas con pintura negra o dorada y dispuestas en estantes en forma de caja. Ver también obras del escultor de vanguardia alemán. Joseph Beuys (1921-1986). Assemblage recibió un gran impulso promocional en un espectáculo importante titulado "The Art of Assemblage", celebrado en 1961 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Superrealismo
Surgiendo del Pop Art y Fotorrealismo, este es un género figurativo basado en Estados Unidos en el que ciertos individuos estereotípicos se recrean hasta el último detalle realista, utilizando poliéster / fibra de vidrio y otros materiales, incluido el cabello humano. El estilo está ejemplificado por obras como Young Shopper (1973, colección privada) de Duane Hanson (1925-96); y pareja (1971, Centro Georges Pompidou, París) por John De Andrea (nacido en 1941). Ver también los nadadores hiperrealistas de Carole Feuerman (nacido en 1945).

Gigantismo
Las tradiciones monumentales de diseño de Joseph Stalin y Albert Speer se mantuvieron vivas gracias a las colosales obras del ganador del premio Turner Antony Gormley (n. 1950) – ver su Ángel del Norte (1997-8, Gateshead, Reino Unido); y ganador del premio Turner Anish Kapoor (b.1954) – ver sus Marsyas (2002, Tate Modern Exhibition). Ciertos tipos de escultura de tierra o Land Art, también entran en esta categoría.

Britart (Jóvenes artistas británicos)
Algunas obras de la escuela de inglés de arte posmodernista, dirigido por Damien Hirst (n. 1965), Rachel Whiteread (1963) y Tracey Emin (n. 1963), podrían clasificarse fácilmente en The Absurd, pero para ser justos, merecen una categoría especial propia: uno podría llamarlo ’Completamente y completamente absurdo’. Este tipo de arte contemporáneo se caracteriza por La imposibilidad física de la muerte de Hirst en la mente de alguien vivo (tiburón muerto, 1991) y Flock (cordero muerto, 1994); y por Whiteread’s Untitled (House) (1993). Para arte tridimensional en Irlanda, ver: Escultura irlandesa: historia, escultores.