Ilustración:
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Una ilustración es un dibujo, pintura u obra de arte impresa que explica, aclara, ilumina, representa visualmente o simplemente embellece un texto escrito, que puede ser de naturaleza literaria o comercial. Históricamente, las formas predominantes de este arte visual han sido las ilustraciones de libros, revistas y periódicos, aunque los ilustradores también han utilizado sus habilidades gráficas en ámbitos como cartelismo, publicidad, cómics, arte de animación, tarjetas de felicitación y tiras cómicas. La mayoría de los dibujos ilustrativos se hacían con pluma y tinta, carboncillo o punta de metal, y luego se reproducían mediante diversos procesos de impresión, como xilografía, grabado, aguafuerte, aguafuerte, litografía, fotografía, grabado de semitonos, etc.

Hoy en día se distinguen cinco tipos principales de ilustración: educativa «, gráfica informativa» (por ejemplo, publicaciones científicas o libros de texto); literaria (por ejemplo, libros infantiles); juegos y libros de fantasía; medios de comunicación (revistas, publicaciones periódicas, periódicos); y comercial (carteles publicitarios, puntos de venta, envases de productos). Muchas de estas ilustraciones se diseñan y crean utilizando programas gráficos informáticos como Adobe Illustrator, Photoshop, CorelDRAW, y tabletas como Wacom, aunque también se utilizan métodos tradicionales como la acuarela, el pastel, la caseína, el temple al huevo, el grabado en madera, el linóleo artístico, la pluma y la tinta. Existe un debate en curso sobre si la ilustración puede clasificarse como bellas artes, artes aplicadas o incluso arte decorativo . Sin embargo, si se observan las numerosas obras maestras de la ilustración creadas a lo largo de los siglos, no cabe duda de que esta forma de arte está a la altura de otras bellas artes como la pintura y la escultura.

Historia

Ilustraciones de la prehistoria, antigüedad (30.000 a.C. - 600 d.C.)

Los orígenes de la ilustración -antes de la invención «de la escritura»- se remontan a las pinturas rupestres de Chauvet, Lascaux y Altamira, cuando los artistas paleolíticos utilizaban carbón y ocre para ilustrar lo que veían a su alrededor (c. 30.000-10.000 a.C.). Estos toscos pero vívidos dibujos al carbón han sobrevivido debido a su lejanía. La mayoría de los demás dibujos creados durante la Antigüedad clásica y la Edad Media (c. 30.000 a.C.-800 d.C.) fueron menos afortunados y han sido destruidos. Una excepción notable fue una serie de ilustraciones egipcias (por ejemplo, que representaban leyendas de la vida después de la muerte) encontradas en las tumbas de los faraones (c. 3000-1000 a.C.). En Oriente (China, Japón), las primeras formas de ilustración se crearon con xilografías .

Ilustraciones de libros de la Europa insular (Irlanda, Gran Bretaña c. 600-1100)

Uno de los tipos más comunes de arte paleocristiano producido en la Edad Media fue el texto religioso ilustrado. Estos manuscritos iluminados producidos en los scriptoria monásticos irlandeses, ingleses y continentales se escribían a mano en latín sobre pieles de animales y luego se decoraban con arte bíblico que incluía imágenes de la Sagrada Familia y los apóstoles. (Véase también: La fabricación de manuscritos iluminados).

Entre los textos evangélicos iluminados más conocidos de este periodo se encuentran la Catachaeta de San Columba (principios del siglo VII), el Libro de Darrow (c.670), los Evangelios de Lindisfarne (c.700), los Evangelios de Echternach (c.700), Evangelios de Lichfield (730), y Libro de Kells (c.800) - véase en particular la exquisita página del Monograma de Cristo (Chi/Rho). Influidos por los textos cristianos orientales, en particular los de las iglesias bizantina y copta (norte de África), los primeros ilustradores irlandeses y anglosajones incluyeron páginas alfombradas «» y otros motivos decorativos que representaban la cima del arte cristiano primitivo.

Ilustraciones de libros carolingios (c. 750-900)

Carlomagno I, rey de los francos desde 768 y coronado emperador del Sacro Imperio Romano Germánico en 800, fue un apasionado mecenas de los manuscritos religiosos, aunque es discutible que aprendiera a leer. Estos libros, ilustrados con imágenes de arte cristiano, creados por escribas y monjes artistas en la corte carolingia de Aquisgrán, se escribían a veces con tinta dorada o plateada sobre hojas de color púrpura para subrayar los vínculos de Carlomagno con la antigüedad imperial.

Una de las reformas de Carlomagno fue una nueva escritura más sencilla. Se conoce como «minúscula carolina», y casi todos los manuscritos escritos durante el reinado de Carlomagno están en esta escritura. El manuscrito más antiguo que se conserva en esta escritura es el Evangelistus Godescalcus, terminado en 783. Otras obras maestras del arte carolingio son Salterio de Utrecht (Biblioteca de la Universidad de Utrecht), Evangelios de la Coronación (Viena), Perícopas Godescalcus (781-3, Bibliothèque Nationale, París), Evangelios de Abbeville (Biblioteca Municipal, Abbeville), Evangelios de Tréveris (Stadtbibliothek, Tréveris) y Evangelios de Lorsch (Biblioteca Vaticana, Roma), y Códice Aegino (796-99, Staatsbibliothek, Berlín).

Ilustraciones de libros ottonianos (c. 900-1050)

Tras la muerte de Carlomagno, pasaron más de cien años antes de que Otón el Grande continuara la tradición de la pintura y la ilustración de libros. De hecho, fue el nieto de Otón, Otón III, quien mostró especial entusiasmo por esta forma de pintura medieval: los manuscritos iluminados. No empleó a pintores de la corte, sino que encargó manuscritos a grandes monasterios como el de Tréveris. Las obras maestras ilustradas del arte otomano incluyen libros como el Livio del siglo V, una copia de Boecio sobre la aritmética, el gran Apocalipsis de Bamberg, un libro de los Evangelios ricamente decorado en oro (ahora en la Biblioteca de la Universidad de Uppsala) y un comentario ilustrado sobre Isaías.

La iluminación ottoniana de libros nos lleva a La iluminación medieval de manuscritos, que consta de tres tendencias principales: el estilo románico, el gótico y el gótico internacional cortesano.

Ilustración románica de libros: Gran Bretaña y el Continente (1050-1200)

Tras la estrecha colaboración entre los monasterios de Irlanda, Iona y el norte de Inglaterra en el periodo (600-900), la pintura inglesa de libros alcanzó nuevas cotas en el siglo X, con Winchester y Canterbury como principales centros de manuscritos. Uno de los grandes manuscritos románicos iluminados de esta época es la Bendición creada para San Ethelwold, obispo de Winchester (c. 963). Este manuscrito, obra de un monje llamado Godeman, se caracteriza por miniaturas con figuras cuidadosamente dibujadas y follaje ricamente decorado en oro.

Aelfric, discípulo de san Ethelwold y más tarde su biógrafo, tradujo e ilustró los cinco primeros libros del Antiguo Testamento (Pentateuco), y las versiones producidas a principios del siglo XI se caracterizan por una excepcional riqueza y variedad de ilustraciones. En la época del nuevo milenio, todos los monasterios ingleses poseían bibliotecas bastante grandes y muchas Biblias iluminadas valiosas y otros textos evangélicos. Además, se produjeron salterios especiales y otros comentarios de la Biblia ilustrados con pinturas como regalo a obispos, arzobispos y papas.

En el continente, Roma, Cluny y Salzburgo fueron los principales centros del arte románico. Nuevas órdenes religiosas y grupos como los benedictinos de Italia y los cluniacenses, cistercienses y cartujos de Francia se centraron en la lectura, la elaboración de libros y el aprendizaje. Aunque en 1200 la población apenas sabía leer y escribir, había más de 2.000 monasterios en Inglaterra y el continente, y todos necesitaban libros. Esta creciente industria del libro dio sustento a un ejército de ilustradores e iluminadores. Entre las obras clave figuran La vida de Matilde de Donizo (pre-1115, Biblioteca Vaticana, Roma); El Salterio de San Albano (1120-30, Hildesheim); El Salterio de Enrique de Blois (1140-60, Biblioteca Británica, Londres); La Biblia de Lambeth (1150, Canterbury); El Evangeliario de Enrique el León (1173, Biblioteca Duque Augusto, Wolfenbuttel).

Ilustración gótica y gótica internacional (c. 1200-1450)

Los primeros manuscritos góticos iluminados se caracterizaban por un gran naturalismo . En Francia este estilo se manifestó en una serie de magníficos manuscritos iluminados realizados para la corte real francesa (1230-40), que contenían pasajes de la Biblia acompañados de interpretaciones morales e ilustraciones ) Bibles Moralisees). En Inglaterra, este estilo se encuentra en el Salterio de Amesbury (c. 1240; All Souls College, Oxford).

La pintura de libros del Alto Gótico estuvo muy influida por la escultura moderna. En el manuscrito de los 4 Evangelios de la capilla de Luis IX de St Chapel (1241-48) podemos ver un estilo de drapeado que incorpora los grandes pliegues angulosos del maestro Joseph (Bibliotheque Nationale).

Al mismo tiempo, se prestó cada vez más atención a los detalles, lo que produjo ejemplos de escritura virtuosa. Las ilustraciones del alto gótico también muestran una mejor representación de luces y sombras, como las del famoso iluminador parisino conocido como el maestro Honoré, activo entre 1288 y 1300. Otras obras son el Codex Manesse (1310-20, Biblioteca de la Universidad de Heidelberg), el Salterio Bonnet de Luxemburgo (c. 1345-49, Metropolitan Museum of Art, Nueva York).

El arte gótico internacional se desarrolló en torno a las cortes reales de Europa, como la del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Carlos IV, que fue un importante centro de pintura de manuscritos. Se produjeron dos importantes manuscritos religiosos: un misal (libro que contiene el oficio de la misa) para el canciller Jan de Streda (1360, Praga, Biblioteca del Museo Nacional, MS) y una enorme Biblia para el hijo de Carlos, Wenceslao (década de 1390, Viena, Biblioteca Nacional de Osterreich). Véase también Breviario de Belleville Manuscrito (Biblioteca Nacional de París) y Reloj de Juana de Evreux (1324-28) Claustros, Museo Metropolitano de Arte, autor iluminador Jean Pucelle (c. 1290-1334).

Entre las famosas iluminaciones góticas internacionales figuran: El bellísimo libro de horas del duque de Berry (1416, Musee Conde Chantilly) de los hermanos Limburgo (~1390-1416) (c. 1290-1334) (c. 1290-1334).), cuyas ilustraciones recuerdan mucho a la pintura italiana contemporánea; La capilla de Bruselas (Biblioteca Nacional de Bélgica, MS. 11060-1) y La capilla del Mariscal de Boucicault (Museo Jacques-Mart-André, París) de Jacquemart de Esden (c. 1355-1414). Véanse también las ilustraciones del maestro de la paremi de Narbona, el maestro Boucicault, y Jean Fouquet (1420-1481). La pintura cortesana francesa revivió durante el reinado de Luis XI (1461-83), ejemplificada por el manuscrito religioso iluminado Le Livre du coeur d’Amours Espris (1465, Biblioteca Nacional de Austria, Viena). Véase Historia de los manuscritos iluminados .

Ilustraciones del Renacimiento alemán (1430-1580)

La unión de los dos procesos que constituyen la imprenta moderna -el uso de sellos metálicos para producir partes reutilizables de tipos y el uso de una prensa capaz de repetir impresiones- suele atribuirse al impresor alemán Johannes Gutenberg, hacia 1450. Su invención de la primera imprenta dio un gran impulso a los tipógrafos durante el Renacimiento alemán, incluido el nacido en Núremberg Alberto Durero (1471-1528), que siguió siendo principalmente dibujante y artista gráfico.

Entre sus ilustraciones figuran xilografías para «Cuatro libros sobre las proporciones humanas» (1528, Nuremberg) e «Instrucciones para medir con compás y regla» (1525, Nuremberg), así como la serie «Apocalipsis» de 1498, dos series de «Pasión» y «Vida de la Virgen». El contemporáneo de Durero Albrecht Altdorfer (1480-1538) mostró una creatividad inusual en la iluminación e ilustración de manuscritos, al igual que Hans Baldung Grien (1484-1545), y Hans Holbein el Joven (1498-1543), que también realizó varias ilustraciones, entre ellas «La venta de indulgencias» (1522-23), una pequeña xilografía para un panfleto luterano anticatólico.

Ilustraciones del siglo XVIII

La ilustración del siglo XVIII se vio muy favorecida por el desarrollo de los periódicos, cuyas páginas de noticias eran una plataforma ideal para las ilustraciones xilográficas y grabadas. Los primeros periódicos (en Gran Bretaña) aparecieron a finales del siglo XVII, aunque el primer diario británico no apareció hasta 1710 ) The Times fue fundado en 1785 por John Walter), y el primer periódico francés, Journal de Paris, apareció hacia 1771. En el siglo XVIII también aparecieron varios «diarios» serios, como The Tatler (1709) y The Spectator (1711).

Entre los ilustradores del siglo XVIII figuran los pintores franceses rococó François Boucher (1703-1770) y Jean-Honore Fragonard (1732-1806), que ilustraron las Fábulas de La Fontaine, «El indomable Roldán de Ariosto» y «El Quijote de Cervantes». En Inglaterra, la tradición fue liderada por William Hogarth (1697-1764), más conocido por sus ilustraciones satíricas para revistas sobre temas como «La ramera» (1731, destruida por un incendio), «Rooks (Grajos)» (1735, original en el Sloane Museum, Londres), y «Fashionable Marriage (Matrimonio a la moda)» (1743, original en la National Gallery, Londres).

Otros ilustradores británicos del siglo XVIII son Henry Fuseli (1741-1825), que pintó nueve ilustraciones para «Boydell’s Shakespeare Gallery» (1786, inaugurada en 1789): Algunos ejemplos son «Lady Macbeth camina dormida» (1784, Kunsthaus Zurich), «Titania despierta rodeada de hadas» (1794, Detroit Institute of Arts)- y William Blake (1757-1827), cuya reputación se basa en gran medida en su conjunto de 21 ilustraciones en cobre de escenas del Libro de Job del Antiguo Testamento. También ilustró el libro «Historias originales de la vida real» de la feminista Mary Walstonecraft en 1788 y «Infierno» de Dante en 1826, completando sólo unas pocas acuarelas y aguafuertes antes de su muerte. El contemporáneo de Blake, el célebre grabador Thomas Bewick (1753-1828), también contribuyó notablemente a la historia de la ilustración del siglo XVIII con sus famosos libros «A General History of Quadrupeds» (1790) y «A History of British Birds» (vol. I 1797, vol. II 1804), que escribió e ilustró.

Ilustraciones del siglo XIX

La prosperidad industrial del siglo XIX dio un nuevo impulso a la industria periodística. La tirada diaria del «Times» , por ejemplo, pasó de 5.000 ejemplares (1815) a 50.000 (1850). Y lo que es más importante desde un punto de vista ilustrativo, esto también propició la aparición de numerosas publicaciones periódicas dirigidas a un público menos culto: publicaciones periódicas como un semanario popular, un semanario femenino, una revista religiosa y un semanario infantil - en 1842 se lanzó el «Illustrated London News», de enorme éxito, un año después de la revista británica de humor «Punch», lanzada tras el éxito previo del «Cruikshank’s Comic Almanac» (1827-1840). Estas publicaciones periódicas y revistas emplearon a un gran número de ilustradores de gran calidad.

La ilustración de revistas y libros evolucionó rápidamente durante el siglo XIX en consonancia con la tecnología de impresión. A principios de siglo, el grabado sobre acero o cobre ) aguafuerte) era la técnica principal. El principal ilustrador victoriano que utilizó este método fue el caricaturista e ilustrador político George Cruikshank (1792-1878), que creó tales láminas para «Oliver Twist» Dickens’s (1837), «Bentley’s Miscellany» (1837-1843), y «The Legend of Ingoldsby» (1840-1847).

El grabado en acero fue sustituido gradualmente por el grabado en madera, basado en un bloque grabado de madera dura (normalmente boj), que luego podía fijarse directamente en la imprenta con un tipo de metal. (Muchas xilografías a partir de 1850 se imprimieron mediante el proceso Volta de electrotipia). Entre las mejores ilustraciones xilográficas de la época se encuentran las de Gustave Doré para el libro de Douglas Jerrold «London: A Pilgrimage (1872), las innovadoras ilustraciones de John Tenniel para «Alice’s Adventures in Wonderland» (1865) y «Alice in Looking-Glass» (1871), de Lewis Carroll, y las ilustraciones de Linley Sambourne para «Children of Water» (1863), de Charles Kingsley. Aproximadamente a partir de 1890, las xilografías fueron sustituidas por procesos fotomecánicos mediante los cuales las obras de arte se transferían a planchas de impresión de forma fotográfica.

La ilustración en color apareció a finales del siglo XVIII (con técnicas de aguatinta y mezzotinta), pero se perfeccionó mucho en el siglo XIX, gracias al «procedimiento de impresión natural» de Alois Auer Naturselbstdruck, pero sobre todo a la litografía, una avanzada técnica de impresión inventada en 1798 por el alemán Alois Senefelder (1771-1834).

El proceso se mantuvo en secreto hasta 1818, cuando Alois Senefelder publicó «Un curso completo de litografía». A finales de la década de 1830, la impresión litográfica (incluidas las litografías tintadas o coloreadas) estaba muy extendida. En Inglaterra, el proceso había sido perfeccionado por el litógrafo Charles Joseph Hallmandel. La litografía siguió siendo uno de los métodos más populares para ilustrar libros hasta finales del siglo XIX, cuando fue suplantada por el fotograbado en color, una técnica de impresión de fotograbados similar a las antiguas mezzotinta y punteado.

Ilustradores ingleses del siglo XIX

Entre los ilustradores importantes del siglo XIX en Inglaterra se encuentran: El pintor visionario romántico John Martin (1789-1854), la mayoría de cuyas pinturas de paisajes apocalípticos se reprodujeron como grabados e ilustraciones de libros, lo que le hizo ganar una fortuna; el paisajista y grabador Samuel Palmer (1805-1881), que produjo una serie de grabados que ilustraban «las Églogas» de Virgilio ; Edward Lear (1812-1888), conocido por sus ilustraciones paisajísticas, literarias y sin sentido; el grabador Hablot Knight Brown (1815-1882), alias PHIZ, conocido por sus ilustraciones interpretativas de las obras de Charles Dickens, en particular Pickwick, David Copperfield, Dombey e hijo, Martin Chuzzlewit, y Casa desolada ; los eminentes grabadores en madera George Dalziel (1815-1902) y Edward Dalziel (1817-1905), cuya empresa fue probablemente la mayor fuente de ilustraciones de libros victorianos en Gran Bretaña: George también encargaba con frecuencia ilustraciones para el Illustrated London News ; el famoso caricaturista e ilustrador John Leech (1817-1864), que realizó más de 3.000 dibujos sólo para Punch ; el gran artista figurativo romántico John Everett Millais (1829-1896), cuyos numerosos dibujos a pluma y tinta «Meeting at the Races», 1853, Ashmolean Museum, Oxford) le llevaron en 1857 a ilustrar una edición de los poemas de Tennyson: En la década de 1860 fue un ilustrador prolífico, tanto para revistas, en particular «Weekly», como para novelas, especialmente las de Trollope; el diseñador y medievalista inglés William Morris (1834-1896), partidario del movimiento «Arts and Crafts», que en los últimos años de su vida produjo (a través de su Kelmscott Press) una edición de las obras de Geoffrey Chaucer que aún se considera una obra maestra de la ilustración y el diseño de libros; prerrafaelitas John William Waterhouse (1849-1917), conocido sobre todo por su famosa obra maestra «Lady of Shalott» (1888), una ilustración del poema de Alfred Tennyson «Lady of Camelot».

El final del siglo fue testigo de la brillante obra del originalísimo ilustrador inglés del Art Nouveau Aubrey Beardsley (1872-98), conocido sobre todo por sus eróticas pero escasas ilustraciones en blanco y negro. Editor artístico de «The Yellow Book», entre los dibujos a pluma y tinta más conocidos de Beardsley figuran sus ilustraciones para «The Death of Arthur» de Malory y «Salome» de Oscar Wilde (Princeton University Library, New Jersey). Muy influido por la xilografía y la silueta, sus líneas sinuosas y la exageración fantástica de las formas naturales se incorporaron más tarde al lenguaje pictórico del estilo Art Nouveau internacional. Tras abandonar el «Yellow Book», Beardsley se incorporó a la recién fundada «Savoy Magazine», que publicó algunos de sus mejores dibujos. También realizó otra serie de ilustraciones para una edición privada de «Lisístrata» de Aristófanes .

Ilustradores franceses del siglo XIX

En Francia, algunos de los más grandes ilustradores del siglo XIX son: el líder del Romanticismo Eugène Delacroix (1798-63), que realizó varias ilustraciones litografiadas para «Fausto» (1828) de Goethe y «Hamlet» (1843) de Shakespeare; el genial caricaturista y satírico francés Honoré Dumier (1808-1879), conocido por sus caricaturas políticas publicadas en revistas como La Caricature y La Charivari, así como por un gran número de ilustraciones litográficas sobre temas sociales, políticos y mitológicos; ilustrador, pintor y escultor Gustave Doré (1832-1883), conocido por sus ediciones ilustradas de clásicos literarios como «Inferno» Dante (1861) y «Don Quijote» (1862), así como por sus representaciones de la pobreza londinense en la década de 1860; el impresor y cartelista Jules Chéret (1836-1932), que desarrolló una forma más barata de litografía en color y, de paso, el cartel publicitario litográfico; el artista suizo Theophile Steinlen (1859-1923), autor del inmortal cartel «Cabaret Du Chat Noir» ; el artista checo parisino Alphonse Mucha (1860-1939) diseñador arquetípico del Art Nouveau - más conocido por su cartel teatral de Sarah Bernhardt en «Gismond» - que infundió una nueva estética a las artes decorativas durante la Belle Epoque ; el gran pintor postimpresionista Toulouse-Lautrec (1864-1901), conocido por su cartelismo litográfico. Además, Les Nabis, un grupo de artistas parisinos entre los que se encontraban Pierre Bonnard (1867-1947), Paul Sérusier (1864-1927), Maurice Denis (1870-1943), Paul Ranson (1862-1909) y Henri Ibels (1867-1936), produjeron obras pioneras en ilustración, cartelismo y artes decorativas. Otros cartelistas franceses del Art Nouveau fueron Georges de Fer y Albert Guillaume (1873-1942).

Ilustraciones americanas del siglo XIX

El estallido de la Guerra de Secesión estadounidense provocó una inmediata demanda pública de ilustraciones de maniobras y batallas militares, así como de retratos de políticos y líderes militares contrarios. En respuesta, publicaciones estadounidenses como Leslie’s Illustrated News, Harper’s Weekly, y New York Illustrated News, invirtieron grandes sumas en artistas-reporteros como Theodore R. Davis, Edward Forbes, Winslow Homer y Alfred Waugh, algunos de los cuales pasaron a producir ilustraciones para la revista The Century en la década de 1880. Otros de los primeros ilustradores estadounidenses fueron Charles Reinhart, John White Alexander, A.B. Frost y Edwin Austin Abbey. A partir de entonces, las ilustraciones desempeñaron un papel cada vez más importante en las publicaciones, junto con el texto escrito.

Aunque América se estaba convirtiendo rápidamente en un centro industrial, sus ilustradores comerciales seguían abiertos a la influencia de colegas británicos como Arthur Boyd Houghton, Charles Kean, John Everett Millais, George John Pinwell, Frederick Sandys y Fred Walker, así como de ilustradores continentales como J. L.E. Meissonier y Gustave Doré de Francia, Daniel Vierge de España y Adolf Menzel de Alemania, todos ellos maestros del dibujo a pluma y tinta.

En las décadas de 1880 y 1890 se produjo un gran avance en la imprenta, que permitió reproducir con precisión los dibujos a pluma y tinta. A esto siguió la invención de la impresión de semitonos, un método radicalmente nuevo de traducir imágenes tonales, que ofrecía una reproducción mucho más exacta de la pintura; y un nuevo proceso de impresión cromolitográfica, capaz de imprimir en color incluso antes que el proceso de semitonos. El propio proceso de impresión se hizo más rápido y barato con la llegada de nuevas rotativas de alta velocidad. Gracias a todo ello, los editores pudieron imprimir más y mejores imágenes, lo que a su vez atrajo a más lectores.

También empezaron a aparecer los primeros cómics. En 1900, la lista de ilustradores estadounidenses importantes incluía a Robert Blum, William H. Bradley -conocido como «Beardsley americano»-, que se dio a conocer en el diseño de carteles, A. B. Frost, William Glackens, Jules Guerin, Arthur E. Keller, George Loucks, Eric Pape, Edward Penfield - pionero del cartelismo en América, Howard Pyle, Ethel Reed, Frederic Remington, Reiterdahl, Everett Shinn, A. B. Wenzel y Zogbaum. Algunos habían recibido educación francesa, pero casi todos conocían los principales avances europeos en el arte de la ilustración, en particular la explosión del cartelismo, defendido por los cartelistas franceses Toulouse-Lautrec, Jules Chéret y Alphonse Mucha, así como por los británicos «Beggerstaff Brothers» y Aubrey Beardsley (a veces el apellido se traduce como Beardsley).

Historia de la ilustración del siglo XX en Europa

A falta del enorme mercado estadounidense de revistas, periódicos y cómics, la ilustración europea se desarrolló generalmente en áreas más especializadas de las artes gráficas, como carteles, libros infantiles y otros nichos. No obstante, siguió siendo una importante fuente de ingresos para un amplio abanico de artistas, grafistas y diseñadores europeos.

Ilustración europea de libros

Entre los ilustradores británicos de libros infantiles del siglo XX destacan: Walter Crane (1845-1915), que llegó a ser director del Royal College of Art (1898-99); Beatrix Potter (1866-1943), creadora de los personajes Peter Rabbit, Jeremy Fisher, Jemima Puddle-Duck, Mrs Tiggy-Winkle y otros; Arthur Rackham (1867-1939), conocido por obras como Los cuentos de hadas de los hermanos Grimm (1900), Sigfrido y el crepúsculo de los dioses (1911), El romance del rey Arturo y sus caballeros de la Mesa Redonda (1917); Edmund Dulac (1882-1953), artista británico de origen francés más conocido por sus ilustraciones de cuentos de hadas y temas legendarios; y Raymond Briggs (nacido en 1934). 1934). 1934) Dibujante del siglo XX, artista gráfico y autor de «El muñeco de nieve».

Otros ilustradores de libros europeos del siglo XX: El artista checo Frank Kupka (1871-1957), que ilustró «El hombre y la Tierra» Elisea Reclue (1904-6), «Brinns» Lecomte de Lisle , «Lisístrata» Aristófanes y «Prometeo» Esquilo (1905-9); el artista gráfico francés Raoul Dufy (1877-1953), que realizó varios tipos de diseños artísticos para diseñadores de moda como Bianchini-Ferrier y Paul Poiret, así como ilustraciones para poemas de Apollinaire, organizadas por Daniel-Henrich Kahnweiler ; el genio bielorruso Marc Chagall (1887-1985), a quien el coleccionista Ambroise Vollard encargó que ilustrara «Almas muertas de Gogol» (publicada en 1948), las Fábulas de La Fontaine «(1952) y la Biblia (1956); los artistas gestualistas del grupo «Cobra» Asger Jorn (1914-1973) y Karel Appel (1921-2006), ambos experimentaron con la ilustración de libros; el dibujante británico David Hockney (n. 1937), conocido sobre todo por un conjunto de 16 grabados que representan una versión autobiográfica moderna de «» Rake’s Progress de Hogarth», y por sus trabajos litográficos e ilustraciones para «Six Grimm Fairy Tales».

Cartelismo europeo (1900-20)

Tras el declive del Art Nouveau, el cartelista italiano Leonetto Cappiello (1875-1942) fue el primero en apreciar la necesidad primordial de un impacto visual instantáneo y rápidamente se ganó la reputación de padre de la publicidad moderna. (Véase también el cartel de Alfred Leete de 1914 que muestra a Lord Kitchener señalando al espectador, con la leyenda «Su país le necesita»).

El cartelismo alemán, por su parte, estuvo muy influido por Ludwig Holwein, que eliminó todos los elementos gráficos no esenciales. Su contemporáneo, el abstraccionista Lucian Bernhard, inventó el Plakatstil alemán, un estilo de cartelismo caracterizado por líneas limpias, naturalismo minimalista, colores planos y estructura precisa, ejemplificado por su Sachplakat Cartel (1906) para las cerillas Preister. Otro ilustrador alemán de talento fue Max Slevogt (1868-1932), conocido por sus caricaturas en «Jugendstil» y otras imágenes de cuentos de hadas. El cartelismo italiano -creado originalmente para anunciar la ópera- fue personificado por el artista Art Nouveau alemán Adolfo Hohenstein (1854-1928) y su mejor discípulo Leopoldo Metlicovitz (1868-1944). El mejor alumno de Metlicovitz fue Marcello Dudovic (1878-1962), que transformó el Art Nouveau (conocido en Italia como Stile Liberty) en un estilo más moderno.

Tras el Art Nouveau y el Funcionalismo de principios del siglo XX, el siguiente estilo internacional de cartelismo fue el Art Déco (c. 1925-40), fiel reflejo de la nueva era tecnológica. Entre los artistas del cartel Art Déco se encuentran Fernand Léger (1881-1955), Amedy Ozenfant (1886-1966), Herbert Mutter y el artista franco-ucraniano Adolphe Muron Cassandre (1901-1968), todos ellos conocidos por sus carteles turísticos de fotomontaje.

Mientras tanto, Suiza se convertía rápidamente en un importante centro de artes gráficas. Figuras clave del diseño suizo fueron los primeros maestros del Art Nouveau Theophile Steinlen y Eugène Grasset (1845-1917), Emile Cardino (famoso por su cartel turístico Matterhorn «» de 1908), y un grupo más joven de diseñadores suizos, influidos por la imaginería del Constructivismo, De Stijl y la escuela de diseño Bauhaus . Dirigido por Ernst Keller, este grupo desarrolló el importante Estilo Tipográfico Internacional después de la Segunda Guerra Mundial . A partir de la década de 1960, la invención de la litografía offset, junto con técnicas fotográficas y de impresión más sofisticadas, estimuló la aparición de un amplio mercado de «carteles artísticos», en particular la reproducción de obras de conocidos artistas europeos, así como de modernistas como Jack Vettriano (nacido en 1951). Para más detalles, véase Historia del cartelismo .

Historia de la ilustración del siglo XX en América

La ilustración comercial estadounidense dominaría el nuevo siglo, sobre todo gracias a una poderosa industria editorial e impresora. La introducción de la cuatricromía hizo posible la reproducción exacta de una imagen a todo color. A partir de entonces, los ilustradores podían recibir sus dibujos y pinturas exactamente como habían sido creados.

Pronto, publicaciones como Harper’s Weekly, McClure’s, Scribner’s y The Century empezaron a contratar a los mejores artistas de Estados Unidos como ilustradores independientes. Aparecieron nuevas publicaciones, como Saturday Evening Post, Collier’s Weekly, American Magazine, McCall’s, Peterson’s, Woman’s Home Companion, Metropolitan, Outing, The Delineator, All-Story Magazine, Vogue y otras, lo que supuso un enorme aumento de las oportunidades para los ilustradores, aunque ello no impidió el uso de dispositivos que ahorraban trabajo, como cámaras, baloptikans y pantógrafos. Entre los jóvenes ilustradores de talento de esta época se encontraban Stanley Arthurs, Harvey Dunn, Edward Hopper, Frank Schoonover y N.C. Wyeth, así como destacadas mujeres artistas como Elizabeth Shippen Green, Violet Oakley, Jessie Willcox Smith, Sarah S. Stillwell y Ellen Thompson.

La Primera Guerra Mundial provocó un aumento de la demanda de carteles y vallas publicitarias, así como de representaciones de combates. Ocho importantes ilustradores, entre ellos W. J. Aylward, Walter Jack Duncan, Harvey Dunn, Wallace Morgan, Ernest Peixotto y Harry Townsend, fueron enviados al frente occidental para crear pinturas y dibujos (conservados actualmente en la Smithsonian Institution) con el fin de informar al público y fomentar el apoyo al esfuerzo bélico. Véase también el famoso cartel de reclutamiento para el Ejército de 1917 de James Montgomery Flagg, en el que aparece el Tío Sam apuntando directamente al espectador y pareciéndose a él El cartel de Moore «¿Te has apuntado como voluntario?» . (Entre los carteles de propaganda estadounidenses famosos de la Segunda Guerra Mundial también se incluyen «Rosie the Riveter» de Norman Rockwell).

El auge de la posguerra de los años veinte en Estados Unidos trajo consigo una demanda aún mayor de imágenes comerciales, gráficos publicitarios e ilustraciones literarias para acompañar las series de revistas de novelas de autores como F. Scott Fitzgerald y Ernest Hemingway. Ilustradores literarios como Walter Biggs, Charles Chambers, Dean Cornwell y James Montgomery Flagg se hicieron famosos en el proceso. Mientras tanto, Norman Rockwell (1894-1978), cuyo nicho era la portada del Saturday Evening Post, se hacía rápidamente famoso en el arte estadounidense, con sus pinturas nostálgicas y sentimentales de una época pasada. En la década de 1920 surgieron nuevas publicaciones periódicas, como The New Yorker, Vanity Fair, Smart Set y College Humor, que contrataron a nuevos artistas para ilustrar sus contenidos.

Por el contrario, la década de 1930 fue una época sombría de depresión y recesión. Muchos ilustradores fueron despedidos y las publicaciones cerraron (dos excepciones fueron la revista Fortune publicada en 1930 y la revista Esquire publicada en 1933), y las fotografías empezaron a sustituir a las imágenes dibujadas a mano. El único punto positivo fue el aumento de la demanda de pinturas y dibujos para ilustrar novelas pulp, un género que atrajo a ilustradores en ciernes como Walter Baumhofer, Emery Clark, John Clymer, John Falter, Robert G. Harris, Tom Lavelle y Amos Sewell, así como a ilustradores consagrados como Robert Graefe, John Newton Howitt, George Rosen y Herbert Morton Stoops.

La década de 1940 abrió nuevas posibilidades a la ilustración. Durante la guerra se utilizaron imágenes publicitarias de productos militares e ilustraciones para revistas dirigidas a las esposas y novias de los militares en servicio activo en el extranjero. Después de la guerra, la demanda de gráficos publicitarios, imágenes para comercios e ilustraciones para revistas aumentó espectacularmente. El baby boom de la posguerra también trajo consigo una mayor demanda de libros ilustrados para niños. Entre los principales ilustradores estadounidenses de la época se encontraban John Gunnam, John Falter, Robert Fawcett y Haddon Sandblom.

La década de 1950 fue decisiva para los ilustradores estadounidenses. Empezó bien, con una gran demanda de todo tipo de trabajos, especialmente en publicidad y marketing. Desgraciadamente, la llegada de la televisión provocó una reducción significativa de la publicidad en las revistas y, en consecuencia, menos páginas ilustradas. Se empezó a utilizar más la fotografía en las publicaciones para añadir más realismo, lo que también provocó un descenso de la demanda de trabajos ilustrativos.

Los colores más vivos y los temas más atrevidos no consiguieron frenar el declive y muchas revistas quebraron. Sin embargo, en la década de 1960 se produjo un pequeño renacimiento de la ilustración, con una nueva demanda de portadas de álbumes musicales, carteles musicales y cómics. (El movimiento de los carteles musicales se extendió al marketing y el merchandising con carteles de álbumes gratuitos y carteles promocionales de conciertos. La demanda de esta forma de arte visual se hace eco de una demanda anterior de carteles vintage a finales del siglo XIX). Además, la creciente popularidad de las novelas de bolsillo (Penguin Books, Pocket Books, Bantam Books) creó un duro mercado de portadas atractivas.

Entre los practicantes de esta forma precisa de ilustración literaria tipo póster se encontraban James Avati, James Bama y Stanley Meltzoff. A finales de la década de 1950 también surgieron artistas notables como Andy Warhol (1928-1987) y Roy Lichtenstein (1923-1997), que empezaron a incursionar en el diseño gráfico comercial -incluidas la caricatura y las técnicas de serigrafía - antes de convertirse en figuras importantes del mercado del arte pop de la década de 1960. Warhol, por ejemplo, estudió pintura y diseño en el Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh (1945-49), y pasó a crear ilustraciones para anuncios de zapatos, portadas de discos e ilustraciones literarias para las obras de Truman Capote. Para más detalles, véase El arte pop de Andy Warhol de los años sesenta y setenta.

En los años setenta y ochenta, el mercado del arte comercial estadounidense se dividió en un gran número de segmentos más especializados: animación y cine, videojuegos, música, ilustración de libros, dibujo de moda, libros de bolsillo «Espada y brujería», cómics para periódicos, caricaturas políticas y otros. Fue la última década en la que la ilustración no se vio afectada por la revolución informática.

En cambio, la ilustración cambió para siempre en los años 90 con la adopción generalizada de sistemas informáticos y métodos informatizados de creación, edición, duplicación y transmisión de imágenes. El arte de la ilustración se convirtió en una técnica de tratamiento de imágenes, ya que cada vez más artistas comerciales creaban cuadros profesionales sin ninguna formación artística tradicional ni habilidad para el dibujo.

Cada vez más ilustradores profesionales fueron sustituidos por principiantes expertos en programas gráficos como Adobe Illustrator, Photoshop, CorelDRAW, y las tabletas Wacom, Kai’s Power Tools . Al mismo tiempo, sin embargo, este tipo de arte digital se combina con métodos más tradicionales. Por ejemplo, la ilustración de fusión es una forma mixta de bellas artes y arte comercial que incorpora la ilustración, el diseño gráfico, la tipografía y la fotografía. Además, la popularidad generalizada de los géneros de ciencia ficción y fantasía (libros, juegos, carteles, productos) ha creado un género totalmente nuevo que requiere conocimientos tanto de bellas artes como digitales.