Pintura irlandesa:
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siglo 18

La pintura y la escultura en Irlanda han jugado tradicionalmente un papel subordinado a la literatura y la música por una variedad de razones. El idioma, la canción y la palabra escrita han sido más apreciados en la sociedad irlandesa desde la Edad Media, y los incipientes disturbios, pobreza y guerra desde el siglo XVI han dificultado el mantenimiento de una fuerte tradición de bellas artes. Debido a esta falta de recursos y patrocinio, obras de Arte irlandés que han sobrevivido desde el período anterior a 1800 generalmente reflejan la visión del mundo de las clases de tierra angloirlandesas.

Paisaje irlandés y retrato

Los recursos financieros necesarios para sostener estudios y comprar materiales de arte solo eran accesibles para los nuevos propietarios de tierras de la Irlanda de los siglos XVII y XVIII, por lo que no es sorprendente encontrar que gran parte del pintura de paisaje de esta época son vistas esencialmente topográficas y en forma de mapa de las fincas y casas de esta aristocracia, que comúnmente ofrecen vistas de jardines formales y paisajes agradables. Un ejemplo típico es Nathaniel Grogan ’s’ Vista del corcho ’, pintada a mediados del siglo XVIII. Conmemora la transformación del antiguo asentamiento monástico irlandés en una ciudad moderna y mercantil.

Entonces el artes visuales en Irlanda ocupaba un nicho estrecho en la sociedad, aunque para ser justos era un nicho bastante similar al ocupado por la pintura y la escultura en Inglaterra, donde la moda de tener pinturas en lugar de tapices tardó en arraigarse y donde la Reforma del siglo XV prácticamente había borrado tradición de artes visuales que data de la edad media. En Inglaterra, como en muchos países del Renacimiento del norte (como Flandes y Holanda), arte de retrato había reemplazado a la pintura religiosa como el género principal, y el paisaje aún no había alcanzado su pleno florecimiento. Del mismo modo en Irlanda, donde la vista topográfica de la casa señorial y los jardines – el tipo estándar de comisión para Paisajistas irlandeses – fue desplazado gradualmente por retratos del Escudero y su familia pintados al estilo de Van Dyke o sus seguidores.

Pintura de la historia

Como en Inglaterra pintura de historia era más escaso y en gran medida evitado por los artistas irlandeses, excepto James Barry (1741-1806), uno de los más grandes Artistas irlandeses del siglo XVIII, que pasó la mayor parte de su vida en Londres.

Barry desarrolló el arte de la pintura de historia narrativa (la forma más elevada de Arte renacentista en Italia) en gran medida, inspirado por su visita a Roma y alentado por el sorprendente éxito del artista estadounidense derivado de moda Benjamin West (1738-1820) en Londres, que sacudió a los partidarios tradicionales de arte académico cuando pintó la ’Muerte de Wolfe’ (1771) con ropa contemporánea en lugar de clásica. James Barry también se sintió alentado por el éxito de otro estadounidense John Singleton Copley (hijo de inmigrantes irlandeses), cuya pintura de 1778 ’Brooke Watson y The Shark’ también abrió nuevos caminos en la pintura de historia (los tradicionalistas la odiaron por su falta de seriedad) y atrajo una enorme atención.

Sin embargo, James Barry fue más individualista en naturaleza y su carrera en Londres sufrió como resultado. No solo se peleó con su antiguo mecenas, Edmund Burke, sino que también atacó Joshua Reynolds Presidente de la Real Academia (RA) y fue expulsado debidamente de la RA como resultado. A pesar de esto, sus murales para la Royal Society of Arts fueron la mejor serie de imágenes ejecutadas en el "gran estilo" de la pintura de historia en Gran Bretaña en el siglo XVIII.

Dos décadas después, otro artista de Cork, Daniel Maclise (1806-70) reubicado en Londres. Maclise fue uno de los primeros graduados de la Escuela de Arte de Cork (ahora el Crawford School of Art and Design) que se fundó en 1819. Estableció una reputación como pintor de retratos a una edad temprana y se mudó a la capital inglesa en 1827. Intensamente ambicioso, su objetivo, como James Barry, era ser un gran pintor de historia y su exitosa carrera culminó en sus grandes decoraciones murales pintadas en las casas del Parlamento en la década de 1860. Un hombre sociable y encantador, las pinturas históricas de Maclise se caracterizan por una atención meticulosa a los detalles de época en la ropa y la arquitectura.

Recesión de posguerra en el siglo XIX

Así las cosas, las carreras de Grogan, Barry y Maclise (y muchos otros artistas europeos) se vieron significativamente afectadas por la Guerra de Independencia de los Estados Unidos y las siguientes Guerras Napoleónicas en el Continente. Las grandes comisiones de Maclise para las Casas del Parlamento fueron ’La reunión de Wellington y Blucher en Waterloo’ (1861) y ’La muerte de Nelson’ (1864). En Irlanda, como en Inglaterra, una recesión siguió a la victoria en Waterloo causada principalmente por los fuertes impuestos impuestos por el gobierno para ayudar a pagar las deudas contraídas por 20 años de guerra. Muchas empresas manufactureras inglesas y granjeros irlandeses, quienes se habían hecho ricos suministrando el esfuerzo militar, sufrieron financieramente como resultado, y el patrocinio de las artes disminuyó en ambos países.

Educación artística

Para ayudar a aliviar la situación, un sistema elaborado de escuelas de diseño gubernamentales (en oposición a arte fino) se lanzó a partir de la década de 1830. El objetivo principal de estas escuelas de diseño era enseñar diseño industrial a trabajadores y artesanos para mejorar la calidad de los productos manufacturados en Gran Bretaña. Así las cosas, la implementación de esta iniciativa educativa en Irlanda fue perseguida por una controversia administrativa entre el gobierno británico y el Royal Dublin Society.

Al mismo tiempo, una serie de sociedades filantrópicas de arte se habían establecido en ciudades de Gran Bretaña e Irlanda a fines del siglo XVIII y principios del XIX, para elevar el estándar de ’gusto’ en la sociedad y también mejorar las habilidades de los artesanos y artistas. Debido a conflictos prácticos entre miembros y fundadores, la mayoría no sobrevivió por mucho tiempo. Un irlandés que seguía comprometido con la mejora de la sociedad a través de la educación artística y de diseño para las clases trabajadoras y medias, era James Brenan (1837-1907) – el director de la Escuela de Arte de Cork (1860-89) y, desde entonces, hasta 1904, el Director Principal de la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín (ahora Colegio Nacional de Arte y Diseño)

El hambre

En cualquier caso, con una o dos excepciones, el historia del arte irlandés Durante los primeros cuarenta años del siglo XIX no se observaron mejoras significativas en la cultura visual de Irlanda. De hecho, para 1840, la mayoría de las personas involucradas en la educación o administración de arte, y muchas otras áreas para el caso, sospechaban firmemente que la Ley de Unión que unió a Gran Bretaña e Irlanda en 1800 estaba beneficiando a Gran Bretaña más que a Irlanda. Esta sospecha se confirmó en los años trágicos que siguieron a 1845, cuando la hambruna generalizada trajo devastación y agitación a millones de irlandeses, particularmente en el oeste de Irlanda. La gente dependía por completo de un cultivo, la papa: cuando la cosecha fallaba, como lo hacía repetidamente, se morían de hambre. Como resultado, la población de Irlanda se redujo a la mitad de 8 millones a 4 millones.

Curiosamente, esta tragedia se conmemora en pocas pinturas o esculturas de la época. Entre los artistas que se centraron en la tragedia estaban el artista de Cork. Daniel MacDonald – cuya foto ’La familia campesina irlandesa descubriendo la plaga de su tienda’ es una de las pocas obras que muestran una escena real de la hambruna, y James Mahony, un acuarelista e ilustrador nacido en Cork, contratado por Illustrated London News para visitar algunos de los peores centros de hambruna en West Cork. Los grabados de los bocetos de Mahony en Clonakilty y Skibbereen ayudaron a que la opinión pública influyera en el gobierno británico para que tomara medidas. Un ejemplo más moderno es la artista contemporánea Alanna O’Kelly, quien en su instalación fotográfica ’The Country Blooms, A Garden and A Grave’, se enfrentó a las realidades de la hambruna y su impacto en la sociedad irlandesa.

Renacimiento de las artes celtas

Durante la era tardía Arte victoriano, una fuerte tendencia a la historización comenzó a surgir en el trabajo de artistas irlandeses. Mucha gente pensó que, al incorporar algunos de los motivos que se habían utilizado durante la Edad de Oro de los Manuscritos Iluminados, se podría crear un nuevo arte ’nacional’. Esta noción se reflejó en el Renacimiento de artes y oficios celtas en Inglaterra, que también veía la era medieval como la clave para resolver los males contemporáneos. Sin embargo, con algunas excepciones, el resultado de injertar motivos celtas entrelazados y románicos en las artes decorativas y bellas solo podría describirse como kitsch. Una excepción fue la Capilla de Honan en Cork, en la que los textiles y la arquitectura de los vitrales de mosaico se unieron en una obra maestra bizantina, con matices de artes ortodoxas rusas y griegas, así como imágenes celtas.

Desarrollo moderno de la pintura irlandesa (1850 en adelante)

A partir de la segunda mitad del siglo XIX, una nueva generación de Artistas irlandeses comenzó a emerger. Por lo general, estos artistas buscaban fuera de Irlanda tanto su formación como su carrera. Ejemplos incluyen Frank O’Meara, Walter Frederick Osborne, Henry Jones Thaddeus, Roderic O’Conor y William John Leech, que todos desarrollaron su pintura al aire libre en Francia, mientras William Orpen Hizo su carrera en Londres.

Poco a poco, se produjeron dos acontecimientos. Primero, algunos pintores emigrantes, como Paul Henry y Richard Moynan Comenzó a volver a practicar su arte en Irlanda. En segundo lugar, otra generación de artistas enseñados por Dublín, como Sean Keating y Maurice MacGonigal, comenzaron a surgir quienes no estaban interesados ​​en vivir en el extranjero. Estos dos grupos formaron el núcleo educativo e inspirador para las generaciones sucesivas de artistas irlandeses del siglo XX. En el proceso, el grupo indígena de pintores comenzó a buscar un estilo de arte ’irlandés’, una búsqueda que condujo a conflictos con sus compatriotas más ’internacionales’ y un debate continuo sobre la mejor dirección para la pintura irlandesa en el siglo XX. siglo.

Hacia un estilo de arte irlandés (1870-1960)

El debate sobre la creación de un Estilo irlandés de pintura en el siglo XX. lo que de alguna manera expresaría el ’carácter de la nación irlandesa’ se enfureció durante años y provocó fuertes desacuerdos dentro de la comunidad artística de Irlanda. En términos simples, el desacuerdo se encontraba entre aquellos artistas que miraban más hacia adentro, creyendo que la clave del futuro estaba en la isla de Irlanda, (que favorecía una estilo de arte representativo) y aquellos que miraban hacia afuera y sentían que el arte irlandés se beneficiaría de los desarrollos emergentes en Europa. Por razones políticas y sociales, el grupo insular tendió a incluir más pintores y escultores de un trasfondo católico conservador, mientras que los internacionalistas tendieron a atraer a un fuerte grupo protestante de clase media. Esta es una gran sobreimpresión, ya que muchos artistas (como Paul Henry) que comenzaron su carrera estudiando arte en el continente o en Londres, llegaron años más tarde para adoptar una actitud cada vez más insular hacia el arte y la nacionalidad. Aun así, el punto de vista más nacionalista no fue mejor atendido por artistas que se aferraron a las ideas fijas de lo que su país debería representar. El mejor trabajo de Paul Henry (1876-1958), Maurice MacGonigal (1900-1979) y Sean Keating (1889-1977) se realizó cuando eran más jóvenes, más idealistas y ambiciosos. Sus trabajos posteriores a veces carecen de inspiración y esto puede deberse al aislamiento cultural general de Irlanda, particularmente en la década de 1930.

Paradójicamente, a pesar de la dedicación de Irlanda al cristianismo en general y al catolicismo en particular, una cantidad relativamente pequeña de su pintura podría clasificarse como " Arte cristiano ".

Entre los artistas de mentalidad más internacional de la primera parte de este período, estaban Nathaniel Hone the Younger (1831-1917), John Butler Yeats (1839-1922), George Russell (1867-1935) y Walter Osborne (1859-1903), cuyo estilo impresionista era común a muchos artistas que habían estudiado en Amberes o París en la década de 1880. Otros incluyeron a Edith Somerville (1858-1949) y William Gerard Barry (1864-1941). Siendo, en su mayor parte, de orígenes protestantes relativamente ricos donde la cultura era muy valorada, estos artistas viajaron fácilmente a Londres, París, Amberes, Dusseldorf y Viena. Otros, como los retratistas William Orpen (1878-1931) y John Lavery (1856-1941) eligieron Londres. Sus filas incluían a Hugh Lane, hijo de un rector de la Iglesia de Irlanda en Cork, quien se convirtió en un exitoso comerciante de arte en Londres y organizó numerosas exposiciones de arte en Dublín, incluida una en 1904 que incluyó el trabajo de una gama de artistas franceses modernos. Aun así, las obras de arte que Lane consideraba "modernas" en 1904 estaban desactualizadas según los estándares franceses al menos varias décadas, con Picasso y Braque experimentando con nuevas formas de arte en París durante ese mismo año. Sin embargo, Hugh Lane hizo mucho para ampliar los horizontes culturales de Irlanda e intentó fomentar su propia versión de una escuela nacional de arte. (Nota: para una interpretación de las obras modernas, ver: Análisis de pinturas modernas : 1800-2000.)

Arte abstracto irlandés temprano

La teoría y la práctica de Cubismo llegó a Irlanda por cortesía de Mary Swanzy, Mainie Jellett (1897-1944) y Evie Hone (1894 – 1955), todos los cuales estudiaron arte abstracto en Francia: primero con Andre Lhote (1885-1962) y luego con Albert Gleizes (1881-1953). Después de esto, regresaron a Irlanda y continuaron desarrollando un estilo de cubismo sintético bastante severo y académico sobre el cual injertaron una sensibilidad espiritual profundamente sentida. Hone y particularmente Jellett tuvieron un impacto significativo en el mundo del arte irlandés en la década de 1920, un impacto que se debió tanto a su promoción de las exposiciones de la Sociedad de Pintores de Dublín como a sus propias pinturas. Estas exhibiciones no eran muy vanguardistas para los estándares continentales, pero proporcionaron una alternativa valiosa a las exhibiciones anuales más prestigiosas pero altamente conservadoras del Real Academia Hiberna (RHA) El abismo que existió entre estos dos campos en el confinado mundo de Dublín en la década de 1920 está representado por el excelente retrato académico, ’El violinista’, de Leo Whelan y ’Composición’ de Mainie Jellett. Patrick Hennessy de Cork se unió a la sociedad de Jellett en la década de 1940, pero su estilo difícilmente puede clasificarse como totalmente abstracto, más como una casa a medio camino entre el foto-realismo y el realismo mágico.

Exposición irlandesa de arte vivo

Otro pintor irlandés que experimentó con el cubismo fue el joven artista brillante, Louis le Brocquy, que también provenía de un entorno muy culto. Junto con Mainie Jellett, Evie Hone, el P. Jack Hanlon, Norah McGuinness, Margaret Clarke, Elizabeth Curran, Ralph Cusack y Laurence Campbell, Le Brocquy fundaron el Exposición irlandesa de arte vivo (IELA) , en 1943. Al igual que la Sociedad de Pintores de Dublín, la IELA era una asociación que se oponía al conservadurismo tradicional de la RHA. Sin embargo, a diferencia de Jellett, el estilo de arte de Le Brocquy pasó por numerosas fases distintas, alcanzando un alto grado de sofisticación. La historia de amor de Le Brocquy con Francia lo une a un siglo de artistas irlandeses, al igual que a otro pintor contemporáneo consumado, William Crozier (nacido en 1930). Crozier puede detectar una reacción a su entorno en casi todas las obras, especialmente en sus paisajes ricos y coloridos de West Cork, y en sus oscuros dibujos en tinta de Hampshire.

Temas en el arte irlandés contemporáneo

Durante la década de 1960, un tema abierto de heroísmo comenzó a surgir en las bellas artes irlandesas. El artista de Dublín Louis le Brocquy ejemplificó esta tendencia en su uso de figuras históricas y heroicas del pasado histórico y literario de Irlanda, al igual que Robert Ballagh con su serie de retratos republicanos irlandeses. Los problemas solo sirvieron para aumentar esta conciencia de la identidad nacional. Artistas como David Crone, Rita Duffy, Dermot Seymour pintaron sus reacciones ante la presencia militar en las ciudades y el campo de Irlanda del Norte, mientras que James Hanley invirtió sus pinturas con una iconografía derivada de la Iglesia y la historia de Irlanda. Escultura irlandesa También, se convirtió en una salida de la expresión política.

A fines de la década de 1970, el choque artístico se convirtió en cinismo con Micheal Farrell’s Madonna Irlanda (subtítulo: The Very First Real Irish Political Picture) (1977), que presentó una visión de una prostituta Irlanda corrompida por la partición continua y un sentido de servidumbre cultural, si no nacional. Podría decirse que todo esto fue una continuación moderna de los esfuerzos anteriores de Jack B Yeats, durante la primera mitad del siglo XX, para apoyar el orgullo nacional y cultural de Irlanda.

Cuando estudie irlandés Art º durante el período (c.1965-1990) uno debe notar la compleja interacción de influencias y motivaciones dentro de la comunidad artística. ¿La influencia cosmopolita implica inferioridad o fortaleza cultural local? ¿Puede un artista verdaderamente "irlandés" permitir que se desvíe de centrarse en temas irlandeses o de ver los problemas desde una perspectiva irlandesa? Si un pintor sigue los pasos de William Orpen y otros, y construye una carrera próspera en Londres, Europa o América, ¿esto equivale a vender su herencia celta o republicana? Estos son temas en vivo que siguen siendo debatidos por pintores, escultores y exponentes contemporáneos de las artes visuales en los 32 condados de Leinster, Munster, Connacht y Ulster.

Afortunadamente, dada la debilidad económica que persiguió a Irlanda durante tanto tiempo y que minó directamente su pintura y escultura en el proceso, la reciente fase de prosperidad del país ha llevado a un aumento sin precedentes de oportunidades en las artes visuales, y (igualmente importante) ha aumentó enormemente la confianza en la cultura e identidad irlandesas. Si esta mayor prosperidad material continuará beneficiando al arte irlandés, o conducirá a la decadencia espiritual y artística, es otra cuestión. (Para una vista sobre los mejores pintores contemporáneos en Irlanda, ver: Mejores artistas irlandeses.)

Identidad del arte irlandés

El desarrollo del arte irlandés no ha sido un proceso fluido durante el siglo XX. Después de 25 años de agitación política, un nuevo Estado irlandés surgió solo para hundirse en el aislamiento durante las décadas de 1930 y 1940. Siguió la depresión de la posguerra, lo que significó que fue solo en la década de 1960 que Irlanda comenzó a construir su confianza como nación, un proceso en gran parte descarrilado por los disturbios políticos en el Norte. Es dentro de esta camisa de fuerza política que los artistas buscaron desarrollar un estilo único irlandés de pintura y escultura.

Las limitaciones asociadas a esta búsqueda de una identidad artística son evidentes. Al igual que sus predecesores, Walter Osborne, William Orpen, John Lavery y Roderic O’Conor (1860 – 1940), los artistas Tony O’Malley (1913-2003), Barrie Cooke (n. 1931) y William Crozier son casos en cuestión. O’Malley, del condado de Kilkenny, pasó sus años más formativos como artista en St. Ives, en el suroeste de Inglaterra. Fue considerado como uno de los artistas contemporáneos más importantes de Irlanda. Sin embargo, cualquier crítica de su trabajo debe tener en cuenta la influencia de Peter Lanyon, Ben Nicholson y otros artistas en Cornwall a quienes llegó a conocer bien. Del mismo modo, ninguna apreciación de Barrie Cooke, cuyas pinturas personifican una respuesta contemporánea a los distintivos paisajes irlandeses de Burren y de los ríos y lagos de Midlands, estaría completa sin tener en cuenta su formación en Harvard y Mainie antes de mudarse a Irlanda. El escocés William Crozier es otro desafío complejo a los supuestos sobre raza, nacionalidad e identidad personal.

La verdad es que, desde el siglo XVIII en adelante, un gran número de importantes artistas irlandeses, (es decir, nacidos o establecidos en Irlanda), se han mudado entre Inglaterra, Irlanda, Escocia y Gales, adquiriendo ideas, métodos y agendas con escaso respeto por fronteras nacionales o los temas de clasificación amados por los críticos de arte e historiadores. Incluso el pintor irlandés por excelencia Jack B Yeats (1871-1957), generalmente reconocido como el artista irlandés más importante del siglo XX, fue producto de muchas influencias. Nacido en Inglaterra, dividió su infancia entre Londres y el condado de Sligo, mientras que su formación inicial como ilustrador en Inglaterra fue fundamental para la formación de su estilo de pintura maduro.

En resumen, dado que no se puede decir que ningún arte irlandés, no más que el arte francés, italiano o alemán, haya surgido de un laboratorio, por así decirlo, sino que es producto de innumerables artistas individuales, sus personajes, circunstancias y experiencias de vida, ¿Es probable que la búsqueda de un estilo irlandés único produzca algún resultado significativo? Para decirlo de otra manera, ¿qué definición significativa de arte irlandés o pintura irlandesa podría acomodar el expresionismo surrealista de Francis Bacon (1909-1992), los lienzos contemporáneos de varias capas de West Cork John Kingerlee (n. 1936), y el retrato académico de William Orpen?

Incluso hoy, artistas contemporáneos como Valerie Brennan y Bridget Fahy busca la inspiración del paisaje mediterráneo.

Además de esto, las recientes intervenciones de organismos gubernamentales y privados han dotado a las artes visuales en Irlanda de una nueva gama de oportunidades que han sido aprovechadas con éxito por un gran número de artistas contemporáneos que trabajan con los medios tradicionales y modernos. Esto, junto con la aparición de numerosos de primera clase Galerías de arte irlandesas, además de aumentar el acceso a espectáculos, proyectos y foros internacionales, es un buen augurio para todos los artistas de la isla de Irlanda.

Ver también: Pintores al óleo de Irlanda.