Caravaggio: pintor barroco italiano, fundador del caravaggismo Traductor traducir

Uno de los más iconoclastas e influyentes Maestros Antiguos, Caravaggio es venerado por su estilo naturalista de pintura barroca, una controvertida alternativa al clasicismo de Annibale Carracci, así como al estilo precedente del manierismo . (Véase también: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII)

Conocido sobre todo por sus pinturas religiosas, utilizó a jornaleros, campesinos y cortesanas como modelos para sus figuras bíblicas. Este naturalismo provocó la oposición de las autoridades eclesiásticas y otros que rechazaron gran parte de su arte religioso por ser demasiado impío. Esta reacción negativa parece indicar que el Vaticano estaba cada vez menos preocupado por la revuelta protestante, ya que el arte barroco realista de Caravaggio era exactamente lo que esperaba el Concilio Tridentino (1545-63), que exigía un tipo de arte católico de la Contrarreforma más relevante y comprensible para sus iglesias y capillas.

Los cuadros de Caravaggio

En cualquier caso, el virtuosismo de su pintura -huía del disegno florentino en favor del método veneciano de trabajar alla prima, sin dibujo previo- y su revolucionario tratamiento del arte bíblico, le convirtieron en uno de los pintores barrocos italianos más influyentes del siglo XVII. Entre sus mejores pinturas, las que establecieron su reputación como uno de los mejores pintores históricos de Italia, se incluyen: La llamada de San Mateo (1600) y El martirio de San Mateo (1600), para la Capilla Contarelli; Conversión en el camino de Damasco (1601) y La crucifixión de San Pedro (1601) para la Capilla Cerasi; La Cena en Emaús (1601, National Gallery, Londres); La Muerte de la Virgen (1601-6, Louvre); y El Entierro de Cristo (1601-3, Museos Vaticanos, Roma). El dominio de Caravaggio del tenebrismo y el claroscuro fue tan popular entre los coleccionistas de arte del siglo XVII y otros artistas que inició la tendencia paneuropea del caravaggismo, que inspiró a Rubens (1577-1640) y Rembrandt (1606-1669) y a muchos otros.

Por desgracia, Caravaggio no sólo era un verdadero genio artístico, sino también un hombre villano y violento con antecedentes penales que incluían agresiones e incluso asesinatos. Después de un par de semanas de duro trabajo, se pavoneaba por la ciudad armado con una espada en busca de pelea. En 1606 mató a un hombre en una pelea, huyó de Roma y pasó los años que le quedaban prófugo, muriendo a los 38 años de fiebre en Porto Ercole, de camino a Roma para (según los rumores) recibir el indulto. Un triste final para uno de los mejores artistas de todos los tiempos. Fue durante este último periodo cuando pintó sus obras maestras «La lamentación de Cristo» (1607, Museo Capodimonte, Nápoles) y «David con la cabeza de Goliat» (1609-10, Galleria Borghese, Roma).

Primeros años

Michelangelo Merisi da Caravaggio nació cerca de Milán en 1571; su padre era arquitecto o decorador. Cinco años más tarde, huyendo de la peste que asolaba Milán en aquella época (que mató a su padre), la familia se trasladó a la ciudad de Caravaggio, cerca de Bérgamo (de donde procede su apellido).

El joven Caravaggio mostró tempranas dotes artísticas y, a los 13 años, tras la muerte de su madre a causa de la peste, fue aprendiz del pintor Simone Peterzano (c. 1540-96), antiguo alumno de Tiziano y seguidor de la escuela lombarda. El estilo lombardo de pintura valoraba la sencillez y el naturalismo, lo que ejerció una influencia importante y duradera en el joven artista y en su estilo artístico.

Formación en el naturalismo

El hecho de su formación va de la mano con el hecho de su reputación crítica. Ya en vida, Federico Zuccaro (1540-1609), primer presidente de la nueva Academia de Arte de Roma, lo calificó despectivamente de pobre imitador de Giorgione (1477-1510), mientras que sus partidarios lo ensalzaban como un artista que no tenía más maestro que la naturaleza.

Sólo el sofisticado mecenas Vincenzo Giustiniani (1564-1637) vio tras la inmediatez naturalista de los cuadros de Caravaggio una participación consciente en el movimiento «de retorno a la naturaleza» que fue la principal pasión de la pintura italiana de finales del siglo XVI y principios del XVII. En cambio, los críticos académicos (por ejemplo, Zuccaro) reprocharon a Caravaggio que pintara escenas sin historia ni acción, y que representara escenas religiosas sin tener debidamente en cuenta la iconografía establecida por la Iglesia.

El apoyo de Caravaggio a las ideas realistas, realistas y antihumanistas que caracterizaron las mejores obras lombardas de los siglos XV y XVI, y su relación con los manieristas, como Giovanni Savoldo (activo entre 1506 y 1508), Moretto da Brescia (1498-1554), Lorenzo Lotto (1480-1556) y los hermanos Campi, sigue siendo un hecho constatado y esencial para comprender el conjunto de su obra.

Primeros años en Roma

No es necesario detenerse en las aventuras que llenaron la vida de Caravaggio. Sólo tienen interés en la medida en que ayudan a explicar su carácter y la cronología de su carrera. A los veinte años, a pesar de la diferencia entre su estilo y el oficialmente aceptado en los círculos artísticos de la época, consiguió encontrar mecenas y coleccionistas aristocráticos en Roma. Y a pesar de la cárcel, la huida y todo tipo de problemas, siguió creando obras maestras y conservó la comprensión poética que sólo tienen los grandes maestros. Una de sus cualidades más importantes fue que nunca perdió el contacto con la vida cotidiana y siguió encontrando a los héroes de sus cuadros entre la gente corriente.

Caravaggio llegó a Roma entre 1591 y 1592; y en su camino conoció las obras de artistas como Giotto (1267-1337) y Mazaccio (1401-1428), con los que iba a igualarse en poder de imaginación y visión innovadora. Le resultó difícil vivir en Roma y se vio obligado a ganarse la vida produciendo obras populares baratas, aunque también empezó a trabajar en sus propios cuadros. Durante su estancia en el Hospital de Santa Maria della Consolazione pintó varios cuadros, que fueron enviados a Sevilla por el superior español del hospital.

Caravaggio asistió después a la escuela del Caballero de Arpino (Giuseppe Cesari) (1568-1640), un artista encantador pero superficial que no ejerció ninguna influencia sobre él, y al que pronto abandonó para instalarse en casa de su primer mecenas importante, el cardenal Francesco Maria del Monte (1549-1627). Durante este primer periodo de su vida en Roma produjo para los coleccionistas un grupo de pequeñas pinturas de caballete cuyo estilo parece marcadamente individual y cuya posición en relación con la tradición del siglo XVI está bastante claramente definida. Esencialmente antimanieristas en su relación entre espacio e imagen, toman de la pintura manierista una línea tensa y nerviosa, mientras que los colores claros y los fondos acentúan la vitalidad de los temas. Las figuras, nítidamente delineadas, ocupan la parte delantera del espacio del cuadro, lo que, unido a la fuerte iluminación, crea una sensación muy fuerte de presencia física.

La característica más original de estos cuadros es la elección de los temas y la libertad de interpretación de que están revestidos los temas tradicionales. Por primera vez en la historia de la pintura europea, el tema de Baco (1597, Uffizi, Florencia) no pasa de ser un pretexto para representar todo tipo de fenómenos naturales y objetos cotidianos; la figura adolescente del dios, coronada de hojas de vid, está tratada de manera casi burlona y casi no se distingue de Muchacho con cesta de fruta (c. 1593-94, Galleria Borghese, Roma). Por primera vez, un incidente ordinario como El niño mordido por un lagarto (c. 1593-94, National Gallery, Londres) y un acontecimiento bíblico como El sacrificio de Isaac (c. 1603, Uffizi, Florencia) reciben el mismo grado de significación pictórica y son tratados con la misma seriedad y fuerza dramática.

No había jerarquía de valores en los múltiples aspectos de la realidad que alimentaban la inspiración de Caravaggio. Así, en otro cuadro, Baco es representado como un tabernero enfermo - El Baco enfermo (1593, Galleria Borghese) - mientras que La Magdalena penitente (Galleria Doria Pamphili, Roma) no aparece como una cortesana sino como una mujer del pueblo, abandonada a su miseria en una habitación pobre y desnuda. Así también «El descanso durante la huida a Egipto» (1595, Galleria Doria Pamphili) se muestra como un trozo de vida comparable a tales pinturas seculares, como «Adivina» (1598-99, Louvre), «Mujer luterana» (1595-96, Museo del Hermitage, San Petersburgo), y Jugadores de cartas (1594, Museo de Arte Kimbell, Fort Worth). Por último, el motivo único de «Naturaleza muerta con cesta de fruta» (1601, Pinacoteca Ambrosiana, Milán) impacta al espectador por su palpable realidad. Considerada uno de los mejores ejemplos de la pintura moderna de bodegones por su rechazo del glamour puramente descriptivo, esta obra marca una clara ruptura con la pintura de género que la precedió.

Últimos años en Roma

Cuadros que pintó para la capilla Contarelli, retablo de la iglesia de S. Luigi dei Francesi. Luigi dei Francesi, cuyas fechas se han establecido recientemente como 1599-1600 para los paneles laterales ) La llamada de San Mateo y El martirio de San Mateo) y como 1600-2 para el retablo ) San Mateo y el ángel), marcan una etapa importante en la carrera de Caravaggio. Estas pinturas fueron precedidas por una serie de obras que mostraban los primeros signos de un cambio de estilo, probablemente vinculado a la llegada a Roma de Annibale Carracci (1560-1609) en 1595, y que en cualquier caso significó un cambio de actitud hacia la cultura clásica oficial.

La cena de Emaús (1601, National Gallery, Londres) con su perspectiva más exagerada y su tono más austero y solemne parece en realidad una respuesta a la manera señorial de la Escuela Boloñesa, Mientras que San Juan Bautista (en dos versiones en la Galleria Capitolina (1602) y en la Galleria Borghese (1610) de Roma) y Amor Vincit Omnia (Cupido victorioso) (1602, Gemaldegalerie SMPK, Berlín) son una especie de parodia, una manifestación abierta, incluso irónica, de la familiaridad de Caravaggio con la tradición clásica del siglo XVI.

Tras su rechazo juvenil de la tradición, Caravaggio parece haber pasado por un periodo de reflexión e interpretación inquieta de los acontecimientos religiosos. Sus convicciones artísticas se reforzaron, y su carácter revolucionario fue aceptado tanto más fácilmente cuanto más tranquilamente se expresaban. Trasladados con audacia a un entorno moderno (la mesa de juego en «La llamada de San Mateo», el interior de una iglesia romana en «El martirio de San Mateo»), los acontecimientos de los cuadros religiosos de Caravaggio se transmiten inequívocamente a través del papel revelador de la luz. Dirigida lateralmente, desde una fuente exterior al cuadro, la luz se utiliza para destacar los elementos principales de la composición, obedeciendo no a leyes ópticas objetivas, sino a las exigencias expresivas del artista, deteniendo súbitamente el movimiento, como en una instantánea, y sumiendo la escena en un silencioso y dramático claroscuro . Se trata de una afirmación del luminismo de Caravaggio, cuyas raíces culturales se encuentran en el manierismo.

La primera versión del retablo «San Mateo y el ángel» (destruido en Berlín en 1945) se consideró demasiado realista y poco reverente, por lo que fue rechazada. El segundo cuadro fue concebido en una línea más clásica. Resulta especialmente llamativo por la masividad de las cortinas que envuelven al ángel, como si quisieran mantenerlo en vuelo (Caravaggio fue totalmente incapaz de hacer volar al ángel), y por los colores, una gama contenida y más bien escasa que parece desintegrarse cuando la luz incide con fuerza sobre el fondo sombrío del lienzo.

Aunque los efectos cromáticos de este cuadro indican una influencia veneciana en el uso de la luz, está relacionado con dos pinturas del año anterior ) La Crucifixión de San Pedro y Conversión en el camino de Damasco) para la capilla Cerasi de la iglesia de Santa Maria del Popolo. El encargo le fue hecho a Caravaggio por su nuevo mecenas, el banquero y coleccionista de arte Marchese Vincenzo Giustiniani (1564-1637), y las pinturas se terminaron, según los documentos, en noviembre de 1601.

Aún más intensas que las pinturas de la Capilla Contarelli, estas dos obras son el resultado de una interpretación más profunda de los temas religiosos, que a partir de entonces fueron casi los únicos a los que se dedicó Caravaggio. El relato bíblico está traducido a la lengua vernácula. Esto, según algunas autoridades, puede deberse a la predicación de San Ignacio de Loyola y San Felipe Neri.

En las pinturas de la Capilla Cerasi, el realismo se lleva a límites extremos (por ejemplo, la grupa del caballo en primer plano en «Conversión en el camino de Damasco», que escandalizó a los contemporáneos de Caravaggio). Mediante la transformación del claroscuro de en una profunda penumbra atravesada por ocasionales rayos de luz, las propias escenas aparecen con una verdad estremecedora.

Las otras pinturas de Caravaggio en Roma antes de su huida pueden agruparse con éstas. Hacia 1602-4 sus ideas clásicas ) El Entierro de Cristo, 1601-3, Pinacoteca Vaticana, Roma) parecen haber encontrado equilibrio con Madonna de Loreto (1603-6), pintada para la iglesia de San Agostino, en la que la belleza escultórica de la Virgen está animada por la ternura humana en diálogo silencioso con sus humildes adoradores. Caravaggio eligió a la hija de uno de sus vecinos pobres como modelo para la Virgen de la «Madonna con la Serpiente» ) Madonna dei Palafrenieri, 1605-6, Galleria Borghese, Roma). Pintada para la fraternidad de los Palafrenieri , la composición se caracteriza por su inusual iconografía.

Al mismo tiempo, la oscuridad se acentúa en sus cuadros, no como elemento complementario de la luz, sino como opuesto a ella. Esto puede verse en San Jerónimo (1605) y David con la cabeza de Goliat (1610) en Roma (ambos en la Galería Borghese), en San Jerónimo en el Monasterio de Montserrat, y especialmente en Muerte de la Virgen (1601-6, Louvre), una tranquila tragedia iluminada por un resplandor rojizo. El realismo de esta última obra enfureció a los contemporáneos de Caravaggio.

Caravaggio huye de Roma

Se sabe que Caravaggio se caracterizaba por un temperamento colérico, y la pasión de sus cuadros se reflejaba a menudo en su vida. En 1604 se publicó una nota sobre él en la que se afirmaba que "después de quince días de trabajo, durante un mes o dos, se pavoneaba con la espada preparada y un criado siguiéndole, de un patio de baile a otro, siempre dispuesto a pelearse o a discutir, por lo que resulta muy incómodo llevarse bien con él". En mayo de 1606, mató a su oponente Ranuccio Tomassoni durante una pelea tras una disputa por el resultado de un partido de tenis.

Acusado de asesinato, Caravaggio huyó a Nápoles, donde recibió la protección de la influyente familia Colonna. Fuera de la jurisdicción de las autoridades romanas, el artista más famoso de Roma se convirtió en el artista más famoso de Nápoles. Probablemente fue aquí donde pintó «Cena en Emaús» (1606, Galleria Brera, Milán), tratándola como una escena de taberna con figuras individuales que emergen de la oscuridad.

Trabajó febrilmente en Nápoles en 1607, pero la mayoría de los cuadros de este periodo se han perdido. Las que se conservan son Virgen del Rosario (1606-7, Museo de Historia del Arte, Viena), Siete obras de misericordia (1606-7, Iglesia de Pio Monte della Misericordia, Nápoles), Salomé con la cabeza de Juan Bautista (1609-10, National Gallery, Londres), y Flagelación de Cristo (1607, Museo di Capodimonte, Nápoles) muestran un cambio de estilo en el modelado de figuras que recuerdan las tradiciones clásica y manierista. En este caso, sin embargo, se limita a la relación entre la oscuridad y la luz y se utiliza para magnificar los aspectos más básicos de la realidad humana. Véanse también Caravaggio en Nápoles y Escuela napolitana de pintura (c. 1600-56).

A principios de 1607 Caravaggio estuvo en Malta, donde pintó dos retratos Alof de Vignacourt para la Orden de San Juan (uno de los cuales algunas autoridades identifican con el retrato del Louvre), La decapitación de Juan Bautista y San Jerónimo para la catedral de San Juan de La Valeta. Por estas obras Caravaggio recibió el título de Chevalier de l’Ordre, del que fue despojado por su comportamiento agresivo. Tras su estancia en Nápoles, Caravaggio volvió a los temas que le habían ocupado antes de su huida de Roma, enriqueciéndolos con un nuevo interés por la materia pictórica. (Nota: Para más información sobre las obras napolitanas de Caravaggio, véanse Pintar Nápoles y Arte barroco napolitano : 1650-1700).

Fallecimiento

Continuó con el mismo espíritu en Sicilia, adonde llegó en octubre de 1608. Durante sus andanzas -que terminaron trágicamente, tras una travesía marítima, con su muerte en una playa del Lacio el 18 de julio de 1610- realizó obras maestras como El entierro de Santa Lucía (1608, Museo Bellomo, Siracusa), Juan Bautista (1609-10, National Gallery, Londres), y probablemente «San Juan Bautista» (1610) en la Galería Borghese, Roma. Las circunstancias exactas de su muerte no están claras, quizá fue una fiebre, quizá otra pelea. Caravaggio sólo tenía 38 años cuando murió, y su carrera como pintor duró poco más de una década.

Caravaggismo

El estilo pictórico de Caravaggio fue bastante revolucionario. Entre otras cosas, porque no se atuvo a la estricta división entre «arte elevado» y «temas de género», que había mantenido una división bastante estricta entre arte religioso y popular desde el Renacimiento. Tanto en el tema religioso como en el retrato, Caravaggio demostró un notable ingenio como agudo observador de las personas y los objetos cotidianos. Sus figuras son tan bellas o feas como la gente corriente que se encuentra por la calle. Sin embargo, estos cuadros no presentan al espectador escenas de la vida cotidiana en Italia, sino más bien una visión individualizada de la vida y del mundo artificial creado en el taller del artista.

Este último aspecto se ve acentuado por los contrastes extremos de iluminación característicos de toda la obra de Caravaggio. Las zonas planas de color, muy iluminadas, contrastan con las sombras oscuras de una manera nunca vista, predominando los tonos claros y terrosos. El naturalismo de Caravaggio era algo nuevo y poco comprendido por la gran mayoría de sus contemporáneos. Además, Caravaggio no se contentaba con dar a sus santos el aspecto de modelos que recogía en la calle; incluso se rumoreó que dio a la imagen de la Virgen María el rostro de una de sus amantes.

Esta mundanidad molestaba a los devotos feligreses de la época, acostumbrados a ver Madonas de belleza sobrenatural. El estilo realista de las pinturas religiosas de Caravaggio supuso un escándalo en opinión de la Iglesia católica, que sospechaba que el artista utilizaba el arte sagrado para sus propios fines egoístas, despojándolo de su dignidad.

La revolución que Caravaggio llevó a cabo en materia de forma e iconografía -y que propugnan los defensores del caravaggismo - fue el resultado de un cambio radical en la relación entre el artista y el mundo. Su influencia fue tanto más significativa cuanto que respondía a una necesidad general de renovación y cambio, y porque fue capaz de lograrlo de una manera muy original, individual y sensible. Su ejemplo dio lugar a una serie de fórmulas -representación naturalista de objetos, figuras de tamaño natural, iluminación desde el exterior del cuadro, uso expresivo del tenebrismo y el claroscuro - que fueron recogidas y difundidas por sus seguidores.

Entre los caravaggistas se encontraban artistas italianos como Orazio Gentileschi (1563-1639), Carlo Saraceni (1579-1620) y Bartolomeo Manfredi (1582-1622). En Nápoles, donde la influencia de Caravaggio fue especialmente fuerte debido al quietismo local, entre sus seguidores se encontraban el español Husepe Ribera (1591-1652), así como Battistello Caracciolo (1578-1635) y Mattia Preti (1613-1699).

Otros seguidores fueron los artistas holandeses Gerrit van Honthorst (1592-1656) y Hendrik Terbruggen (1588-1629); el alemán Adam Elsheimer (1578-1610); los pintores españoles Zurbarán (1598-1664) y Diego Velázquez (1599-1660).

En Francia sus seguidores fueron los pintores barrocos franceses Moise Le Valentin (1591-1632), Simon Vouet (1590-1649), Georges de Latour (1593-1652) y Nicolas Tournier (1599-1649), y Joseph Wright de Derby (1734-1797), entre muchos otros. También se les llamó pintores de Caravaggio, aunque el propio Caravaggio nunca tuvo el deseo de fundar una escuela.

Su influencia en la pintura europea osciló entre la aceptación de su visión del mundo y la adhesión estricta a su estilo pictórico. Su enfoque de la luz y la sombra revitalizó la pintura italiana al mejorar la tridimensionalidad de las figuras. También permitió a los artistas controlar el enfoque de un cuadro, realzando así su contenido dramático. En manos de un maestro como Rembrandt, permitía una mayor caracterización y profundidad emocional. El caravaggismo fue plenamente utilizado por los pintores realistas holandeses, así como por los pintores barrocos españoles del siglo XVII, que trabajaron en la pintura histórica religiosa asociada al movimiento de la Contrarreforma católica.

A pesar de ello, aunque el realismo poético de Caravaggio fascinó a artistas del siglo XIX como Gustave Courbet (1819-1877), Édouard Manet (1832-1883) y Paul Cézanne (1839-1906), no fue hasta la década de 1920 cuando sus logros fueron debidamente considerados por la crítica, entre ellos el eminente estudioso del arte renacentista Bernard Berenson (1865-1959) y, en particular, el historiador y estudioso del arte italiano Roberto Longhi (1890-1970), que definió su estilo y su papel en la pintura europea.

Longhi lo situó junto a otros grandes artistas europeos de la historia del arte, como Jan Vermeer y Rembrandt, y escribió que "con la excepción de Miguel Ángel, ningún otro pintor italiano ha ejercido una influencia tan grande". Lo que comienza con Caravaggio es, sencillamente, la pintura moderna.

La obra de Caravaggio puede verse en los mejores museos de arte de todo el mundo.