Caravaggio: pintor barroco italiano, fundador del caravaggismo Traductor traducir

Resumen

Uno de los más iconoclastas e influyentes. Viejos maestros , Caravaggio es venerado por su estilo naturalista de Pintura barroca , una alternativa controvertida al clasicismo de Annibale Carracci, así como al estilo anterior de Manierismo . (Ver también: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII. .) Más conocido por su pinturas religiosas , utilizó a trabajadores, campesinos y cortesanas como modelos para sus figuras bíblicas. Esta naturalismo atrajo la oposición de las autoridades de la iglesia y otros, que rechazaron gran parte de su arte religioso por ser demasiado impío. Esta reacción negativa parece indicar que el Vaticano se estaba volviendo menos preocupado por la revuelta protestante, desde la realidad de Caravaggio. Arte barroco era precisamente lo que el Concilio de Trento (1545-63) esperaba cuando exigía un tipo de información más relevante y comprensible. Arte de la Contrarreforma católica por sus iglesias y capillas. En cualquier caso, el virtuosismo de su pintura (evitó el enfoque de diseño florentino a favor del método veneciano de trabajar alla prima , sin ningún dibujo preliminar) y su manejo revolucionario de Arte bíblico , lo convirtió en uno de los más influyentes Artistas barrocos italianos del siglo 17 Su mejores pinturas , aquellos que hicieron su reputación como uno de los mejores pintores de historia en Italia, incluyen: El llamado de san Mateo (1600) y El martirio de san Mateo (1600), para la Capilla Contarelli; Conversión camino a Damasco (1601) y el Crucifixión de San Pedro (1601) para la Capilla Cerasi; Cena en Emaús (1601, National Gallery, Londres); Muerte de la Virgen (1601-6, Louvre); y El Entierro de Cristo (1601-3, Museos Vaticanos, Roma). El dominio de Caravaggio de tenebrismo y claroscuro resultó tan popular entre los coleccionistas de arte del siglo XVII y otros pintores que comenzó una tendencia europea de Caravagismo , inspirando a ambos Rubens (1577-1640) y Rembrandt (1606-69) entre muchos otros.

NOTA: Trágicamente, además de ser un verdadero genio artístico, Caravaggio también era un hombre villano y violento con antecedentes penales que incluía asalto e incluso asesinato. Después de quince días de arduo trabajo, se pavonearía por la ciudad armado con una espada en busca de una pelea. En 1606 mató a un hombre en una pelea, huyó de Roma y pasó los años restantes como fugitivo, muriendo a los 38 años de fiebre en Porto Ercole mientras se dirigía a Roma para recibir (según informes) un indulto. Un triste final para uno de los mejores artistas de todos los tiempos. Fue durante este período tardío que pintó sus obras maestras La flagelación de Cristo (1607, Museo Capodimonte, Nápoles) y David con la cabeza de Goliat (1609-10, Galería Borghese, Roma).

Primeros días

Michelangelo Merisi da Caravaggio nació cerca de Milán en 1571, su padre era arquitecto o decorador. Cinco años más tarde, para escapar de la plaga que asolaba Milán en ese momento (matando a su padre en el proceso), la familia se mudó a la ciudad de Caravaggio, cerca de Bérgamo, (de donde proviene su apellido). El joven Caravaggio mostró talento temprano como artista, y cuando cumplió 13 años, luego de la muerte de su madre por la peste, fue aprendiz del pintor Simone Peterzano (c. 1540-96), un ex alumno de Tiziano y seguidor de la Escuela de arte lombarda. El estilo de pintura lombarda valoraba la simplicidad y el naturalismo, y esto tenía una influencia importante y duradera sobre el joven pintor y su estilo de arte.

Entrenamiento naturalista

El hecho de su entrenamiento va de la mano con el de su reputación crítica. Mientras vivía, Federico Zuccaro (1540-1609), primer presidente de la nueva Academia de arte en Roma , despectivamente se refería a él como un pobre imitador de Giorgione (1477-1510), mientras que sus partidarios lo elogiaron como un pintor que no tenía otro maestro que la naturaleza. Solo el sofisticado mecenas de las artes Vincenzo Giustiniani (1564-1637) vio, detrás de la espontaneidad naturalista de las pinturas de Caravaggio, la participación consciente en el movimiento de ’retorno a la naturaleza’ que fue la preocupación central de la pintura italiana a fines del siglo XVI y principios del XVII. siglos. Los críticos académicos, por otro lado (como Zuccaro), reprocharon a Caravaggio por pintar escenas sin historia y sin acción, y por representar escenas religiosas sin tener en cuenta la iconografía establecida por la Iglesia.

El apoyo de Caravaggio a las ideas realistas, antihumanas y realistas que caracterizan lo mejor del trabajo lombardo en los siglos XV y XVI, así como su relación con Artistas manieristas como Giovanni Savoldo (activo 1506-48), Moretto da Brescia (1498-1554), Lorenzo Lotto (1480-1556) y los hermanos Campi, sigue siendo un hecho establecido que es esencial para cualquier comprensión de su trabajo en su conjunto.

Primeros años en roma

No hay necesidad de detenerse en las aventuras con las que se derramó la vida de Caravaggio. Son de interés solo en la medida en que ayudan a explicar su carácter y la cronología de su carrera. Cuando tenía unos 20 años, a pesar de las diferencias entre su estilo y el aprobado oficialmente en los círculos artísticos de la época, logró encontrar mecenas y coleccionistas aristocráticos en Roma. De hecho, a pesar del encarcelamiento, la huida y todo tipo de problemas, continuó produciendo obras maestras y conservó una comprensión poética que solo se encuentra en los grandes maestros. Uno de sus atributos más importantes fue que nunca perdió contacto con la vida cotidiana y continuó encontrando los personajes en sus pinturas entre la gente común.

Caravaggio llegó a Roma entre 1591 y 1592; y sin duda en su camino hacia allí se habría encontrado con el trabajo de pintores como Giotto (1267-1337) y Masaccio (1401-1428), a quien debía igualar en el poder de su imaginación y visión innovadora. En Roma, le resultó difícil comenzar la vida, y se vio obligado a ganarse la vida produciendo obras populares baratas, aunque también comenzó a trabajar en sus propias pinturas. Durante una estancia en el hospital de S. Maria della Consolazione, pintó una serie de cuadros que fueron enviados a Sevilla por el prior español del hospital.

Luego, Caravaggio asistió a la escuela del Cavaliere d’Arpino (Giuseppe Cesari) (1568-1640), un pintor encantador pero superficial que no tuvo influencia sobre él, y que pronto dejó para establecerse en la casa de su primer mecenas importante. Cardenal Francesco Maria Del Monte (1549-1627). Durante este primer período en Roma, produjo un grupo de pequeñas pinturas de caballete para coleccionistas, cuyo estilo parece marcadamente personal y su posición en relación con la tradición del siglo XVI está claramente definida. Esencialmente antimanieristas en la relación de espacio e imagen, toman de Pintura manierista la línea intensa y nerviosa, mientras que los colores claros y los fondos resaltan la vitalidad de los sujetos. Las figuras bien definidas ocupan el área frontal del espacio de la imagen y esto, junto con una iluminación intensa, produce una sensación muy fuerte de presencia física.

La característica más original de estas pinturas es la elección del tema y también la libertad de interpretación con la que se invierten los temas tradicionales. Por primera vez en la historia de la pintura europea, el tema de Baco (1597, Uffizi, Florencia) se convierte en poco más que un pretexto para la representación de todo tipo de eventos naturales y objetos cotidianos; La figura adolescente del dios, coronada con hojas de parra, recibe un trato casi burlón, y casi no es diferente del Niño con una canasta de frutas (c.1593-94, Galleria Borghese, Roma). Por primera vez, un incidente ordinario como el del niño mordido por un lagarto (c.1593-94, National Gallery, Londres) y un evento bíblico como El sacrificio de Isaac (c.1603, Uffizi, Florencia) reciben mismo grado de significación pictórica y tratado con la misma seriedad y fuerza dramática.

No había jerarquía de valores en los muchos aspectos de la realidad que alimentaron la inspiración de Caravaggio. Por lo tanto, en otra pintura, Baco es representado como un muchacho enfermo de las tabernas: El enfermo Baco (1593, Galería Borghese), mientras que La penitente Magdalena (Galería Doria Pamphilj, Roma) no es vista como una cortesana, sino como una mujer de personas, solas con sus sufrimientos en una habitación pobre y desnuda. Así, también, The Rest on the Flight into Egypt (1595, Galleria Doria Pamphilj) se muestra como una parte de la vida comparable a pinturas seculares como The Fortune-Teller (1598-99, Louvre), The Lute-Player (1595- 96, Hermitage, San Petersburgo) y The Cardsharps (1594, Kimbell Art Museum, Fort Worth). Finalmente, el único motivo de la Naturaleza muerta con una cesta de frutas (1601, Pinacoteca Ambrosiana, Milán) sorprende al espectador con su realidad tangible. Considerado uno de los mejores ejemplos de modernidad. pintura de naturaleza muerta Debido a su rechazo al encanto meramente descriptivo, el trabajo marca un claro quiebre del pintura de género eso lo precedió.

Años posteriores en Roma

La pintura que produjo para la capilla Contarelli retablo en la Iglesia de S. Luigi dei Francesi, cuyas fechas se han establecido recientemente como 1599-1600 para los paneles laterales ( El llamado de San Mateo y El martirio de San Mateo ) y como 1600-2 para la pintura del altar ( San Mateo y el ángel ), marcan una etapa importante en la carrera de Caravaggio. Estas pinturas fueron precedidas por una serie de obras que muestran los primeros signos de un cambio de estilo que probablemente debió algo a la llegada a Roma de Annibale Carracci (1560-1609) en 1595, y en cualquier caso mostró un cambio de actitud hacia la cultura clásica oficial. La cena en Emaús (1601, National Gallery, Londres), con su perspectiva más exagerada y su tono más austero y solemne, en realidad parece ser una respuesta a la gran manera de Escuela boloñesa , mientras que San Juan Bautista (en las dos versiones en la Galleria Capitolina [1602] y la Galleria Borghese [1610] en Roma) y Amor Vincit Omnia (Cupido victorioso) (1602, Gemaldegalerie SMPK, Berlín), una especie de parodia, son una muestra abierta e incluso irónica de la relación de Caravaggio con la tradición clásica del siglo XVI.

Después de su rechazo juvenil a la tradición, Caravaggio ahora parece haber pasado por un período de reflexión y una interpretación ansiosa de los eventos religiosos. Sus creencias artísticas se consolidaron, y su naturaleza revolucionaria exigió aceptación aún más fácilmente debido a la certeza tranquila con la que se expresaron. Audazmente traducido a escenarios contemporáneos (una mesa de cartas en The Calling of St Matthew , el interior de una iglesia romana en The Martyrdom of St Matthew ), los acontecimientos en las pinturas religiosas de Caravaggio se captan sin lugar a dudas a través del papel revelador de la luz. Dirigida desde un lado, desde una fuente fuera de la pintura, la luz se utiliza para seleccionar los elementos esenciales de la composición, obedeciendo no a las leyes ópticas objetivas sino a las demandas expresivas del artista, deteniendo los movimientos repentinamente, como en una instantánea, y hundiendo el escena en silencio, dramático claroscuro . Esta fue la afirmación del luminismo de Caravaggio, cuyas raíces culturales se encuentran en el manierismo.

La primera versión de la pintura del altar San Mateo y el Ángel (destruida en Berlín en 1945) se consideró demasiado realista e insuficientemente reverente y, por lo tanto, se rechazó. El segundo fue concebido de una manera más clásica. Es particularmente sorprendente por la solidez de las cortinas que envuelven al ángel, como para sostenerlo en su vuelo (Caravaggio era completamente incapaz de hacer volar a un ángel), así como por sus colores, con su rango moderado y bastante escaso. que parecen romperse ante el violento choque de la luz contra el sombrío fondo del lienzo.

Aunque los efectos de color de esta pintura sugieren una influencia veneciana en su uso de la luz, está relacionada con dos pinturas del año anterior ( La crucifixión de San Pedro y La conversión en el camino a Damasco ) para la capilla Cerasi en la Iglesia de Santa Maria del Popolo. La comisión fue asegurada para Caravaggio por su nuevo mecenas, el banquero y coleccionista de arte Marchese Vincenzo Giustiniani (1564-1637), y las imágenes se terminaron, según los documentos, en noviembre de 1601. Incluso más intenso que las pinturas en la capilla Contarelli, Estas dos obras son el resultado de una interpretación más profunda de los temas religiosos, que fueron desde entonces casi los únicos tratados por Caravaggio. La historia bíblica se traduce en términos populares. Esto, según algunas autoridades, puede estar relacionado con la predicación de San Ignacio de Loyola y San Felipe Neri. En las pinturas de la capilla de Cerasi, el realismo se lleva a sus límites extremos (por ejemplo, la grupa del caballo en primer plano en La conversión en el camino a Damasco , que conmocionó a los contemporáneos de Caravaggio). A través de una transformación del claroscuro en una oscuridad profunda, atravesada por ocasionales rayos de luz, las escenas mismas aparecen con una verdad devastadora.

Las otras pinturas de Caravaggio en Roma, antes de huir, se pueden agrupar con estas. Alrededor de 1602-4, sus ideas clásicas ( El Entierro de Cristo , 1601-3, Pinacoteca Vaticana, Roma) parecen haber encontrado un equilibrio con La Virgen de Loreto (1603-6), pintada para la Iglesia de S. Agostino, en la que La belleza escultórica de la Virgen está animada por una ternura humana en el diálogo silencioso con sus humildes adoradores. Caravaggio eligió a la hija de uno de sus pobres vecinos como modelo para la Virgen en La Virgen de la Serpiente ( Madonna dei Palafrenieri , 1605-6, Galleria Borghese, Roma). Pintado para la hermandad de los Palafrenieri , la composición es notable por su iconografía inusual.

Al mismo tiempo, la oscuridad se hizo más pronunciada en sus pinturas, no como un elemento complementario de luz sino como un elemento opuesto a ella. Esto se puede ver en San Jerónimo (1605) y el David con la cabeza de Goliat (1610) en Roma (ambos en la Galería Borghese), en San Jerónimo en el monasterio de Montserrat, y particularmente en La muerte de la Virgen. (1601-6, Louvre), una tragedia silenciosa iluminada por un resplandor rojizo. El realismo de este último trabajo indignó a los contemporáneos de Caravaggio.

Caravaggio huye de Roma

Se sabía que Caravaggio había tenido un mal genio y la pasión en sus pinturas a menudo se reflejaba en su vida. Se publicó un aviso anticipado sobre él en 1604 que decía cómo "después de un trabajo de quince días se pavoneará durante un mes o dos con una espada a su lado y un criado que lo sigue, de un campo de juego al siguiente, siempre listo para participar en una pelea o una discusión, por lo que es muy incómodo llevarse bien con él ". En mayo de 1606, durante una pelea después de una disputa sobre el puntaje de un partido de tenis, mató a su oponente Ranuccio Tomassoni.

Acusado de asesinato, Caravaggio huyó a Nápoles, donde recibió la protección de la poderosa familia Colonna. Con seguridad fuera de la jurisdicción de las autoridades romanas, el pintor más famoso de Roma se convirtió en el pintor más famoso de Nápoles. Probablemente, mientras estuvo aquí, pintó una Cena en Emaús (1606, Galería Brera, Milán), tratándola como una escena de taberna de baja vida, en la que figuras individuales emergen de un fondo de oscuridad. En Nápoles, en 1607, trabajó febrilmente, pero la mayoría de las pinturas de este período ahora están perdidas. Los que sobreviven, Virgen del Rosario (1606-7, Kunsthistorisches Museum, Viena), Las siete obras de la misericordia (1606-7, Iglesia del Pío Monte della Misericordia, Nápoles), un Salomé con la cabeza de San Juan Bautista (1609-10, National Gallery, Londres) y Flagellation of Christ (1607, Museo di Capodimonte, Nápoles) muestran un cambio de estilo en el modelado de figuras que recuerdan las tradiciones clásicas y manieristas. Sin embargo, en este caso se limita a las relaciones entre la oscuridad y la luz y se utiliza para exaltar los aspectos más básicos de la realidad humana. Ver también Caravaggio en Nápoles y Escuela Napolitana de Pintura (C.1600-56).

A principios de 1607, Caravaggio estaba en Malta, donde, para la Orden de San Juan, pintó dos retratos de Alof de Wignacourt (uno de los cuales ha sido identificado por algunas autoridades con el retrato en el Louvre), una decapitación de San Juan el Bautista y San Jerónimo para la Catedral de San Juan en La Valeta. Para estas obras, Caravaggio fue creado Caballero de la Orden, un honor del que fue despojado, por comportamiento violento. Después de una estancia en Nápoles, Caravaggio volvió a los temas que lo habían ocupado antes de su vuelo desde Roma, enriqueciéndolos con un nuevo interés en el material pictórico. (Nota: para obtener más información sobre las obras napolitanas de Caravaggio, consulte: Pintar en Nápoles y Arte barroco napolitano : 1650-1700.)

Muerte

Continuó de la misma manera en Sicilia, donde desembarcó en octubre de 1608. Durante sus andanzas, que terminaron trágicamente, después de un cruce marítimo, con su muerte en una playa en Lazio el 18 de julio de 1610, creó obras maestras como El entierro de Santa Lucía (1608, Museo Bellomo, Siracusa), La resurrección de Lázaro (1608-9, Museo Regionale, Messina) y La adoración de los pastores (1608-9, Museo Regionale, Messina), una Natividad con los santos Francisco y Lawrence (1609, Iglesia de San Lorenzo, Palermo), un Salomé con la cabeza de San Juan Bautista (1609-10, Galería Nacional, Londres), y probablemente el San Juan Bautista (1610) en la Galería Borghese en Roma. Las circunstancias exactas de su muerte no están claras, puede haber sido fiebre, puede haber sido otra pelea. Caravaggio tenía solo 38 años cuando murió, su carrera de pintura había durado poco más de una década.

Caravagismo

El estilo de Caravaggio de pintura Fue bastante revolucionario. No menos importante porque no se adhirió a la división estricta entre los temas de ’alto arte’ y ’género’ que habían mantenido una separación bastante estricta entre el arte religioso y popular desde el Renacimiento. Si el tema era una historia religiosa o un retrato, Caravaggio mostró un ingenio sobresaliente como un observador cercano de personas y objetos cotidianos. Sus figuras son tan hermosas o feas como las personas promedio que normalmente se encuentran en la calle. Sin embargo, el espectador no se enfrenta realmente con escenas de la vida cotidiana en Italia en estas imágenes, sino con una visión altamente individualizada de la vida y un mundo artificial que se ha organizado en el estudio del artista. Este último aspecto se enfatiza a través de los contrastes extremos en la iluminación que son típicos de toda la obra de Caravaggio. Las áreas de color brillantes y lisas forman un fuerte contraste con las sombras oscuras de una manera que nunca antes se había visto, y predominan los tonos distintos y terrenales. El naturalismo de Caravaggio era algo nuevo y poco entendido por la gran mayoría de sus contemporáneos. Además, Caravaggio no se contentó con simplemente dar a sus santos la apariencia de las modelos que recogió de la calle; incluso se rumoreaba que le dio a una imagen de la Virgen el rostro de una de sus amantes. Tal mundanalidad preocupaba a los piadosos feligreses de la época: estaban acostumbrados a ver Madonnas de belleza sobrenatural. El estilo realista de las pinturas religiosas de Caravaggio equivalía a un escándalo en la opinión de la Iglesia Católica, que sospechaba que el artista usaba el arte sagrado para sus propios fines egoístas, robándole así su dignidad.

La revolución llevada a cabo por Caravaggio en materia de forma e iconografía, y propagada por los partidarios del caravagismo , fue el resultado de un cambio radical en la relación entre el pintor y el mundo. Su influencia fue aún mayor porque se produjo en respuesta a una necesidad generalizada de renovación y cambio y porque fue capaz de lograr esto de una manera muy original, individual y sensible. Su ejemplo condujo al establecimiento de una serie de fórmulas: representación naturalista de objetos, figuras de tamaño natural, iluminación desde fuera de la imagen, y el uso expresivo del tenebrismo y el claroscuro que sus seguidores tomaron y difundieron.

Caravaggisti incluyó artistas italianos como Orazio Gentileschi (1563-1639), Carlo Saraceni (1579-1620) y Bartolomeo Manfredi (1582-1622). En Nápoles, donde la influencia de Caravaggio fue especialmente fuerte, debido al quietismo local, sus seguidores incluyeron al español Jusepe Ribera (1591-1652), así como Battistello Caracciolo (1578-1635) y Mattia Preti (1613-99).

Otros seguidores incluyeron los pintores holandeses, Gerrit van Honthorst (1592-1656) y Hendrik Terbrugghen (1588-1629); el Alemán Adam Elsheimer (1578-1610); los pintores españoles Zurbarán (1598-1664) y Diego Velázquez (1599-1660).

En Francia, sus seguidores fueron los Artistas barrocos franceses Moise Le Valentin (1591-1632) Simon Vouet (1590-1649) Georges de La Tour (1593-1652) y Nicolas Tournier (1599-1649), así como Joseph Wright de Derby (1734-97), y muchos otros. También se los conocía colectivamente como pintores de Caravaggesque, aunque el propio Caravaggio nunca tuvo ningún deseo de fundar una escuela.

Su influencia en la pintura europea varió desde la adopción de su actitud mental hasta una estrecha adhesión a su estilo pictórico. Su tratamiento de la luz y la sombra revitalizó la pintura italiana al mejorar la calidad tridimensional de las figuras. Además, permitió a los artistas controlar el enfoque de la pintura, aumentando así su contenido dramático. En manos de un maestro como Rembrandt, produjo una mayor caracterización y profundidad emocional. El caravaggismo fue completamente explotado por Artistas realistas holandeses y para el siglo 17 Artistas barrocos españoles trabajando en religiosos pintura de historia relacionado con el movimiento de la Contrarreforma católica.

Disminución

El caravaggismo primero pasó de moda en Roma, a fines de la década de 1620, mientras persistía en otras partes de Italia, especialmente en Sicilia. En Flandes, Netherlandish Utrecht y el este de Francia, siguió siendo popular hasta la década de 1650. La reputación de Caravaggio disminuyó durante el siglo XVIII pero revivió durante el siglo XIX.

Reputación

Aun así, aunque el realismo poético de Caravaggio fascinó a pintores del siglo XIX como Gustave Courbet (1819-77), Edouard Manet (1832-83) y Paul Cezanne (1839-1906), no fue sino hasta la década de 1920 que los críticos examinaron adecuadamente sus logros, incluido el eminente erudito del arte del Renacimiento. Bernard Berenson (1865-1959) y, en particular, por el historiador y estudioso italiano del arte Roberto Longhi (1890-1970), quien definió su estilo y su papel en la pintura europea. Longhi lo colocó entre otros grandes pintores europeos en el historia del Arte como Jan Vermeer y Rembrandt, escribiendo que "con la excepción de Miguel Ángel, ningún otro pintor italiano ejerció una influencia tan grande". Lo que comienza con Caravaggio es, simplemente, la pintura moderna.

Las obras de Caravaggio se pueden ver en el mejores museos de arte alrededor del mundo.