Jusepe Ribera:
pintor barroco español, seguidor de Caravaggio Traductor traducir

Introducción: el realismo español

Durante la segunda mitad del siglo XVI, el más progresivo tardío Artistas del renacimiento español aparentemente estaban tratando de dominar el secreto de la gracia y la grandeza del Renacimiento. Lo que realmente estaban haciendo, desde el punto de vista evolutivo, era aprender una nueva técnica con la que las cosas vistas podían representarse con mayor veracidad: presenciar la intrusión constante en sus grandiosas composiciones de características incompatibles y realistas. Durante la era de la Barroco español, esto fue para culminar en el trabajo de Diego Velázquez (1599-1660), pero antes de él la tradición fue llevada por varios otros, especialmente el pintor español con sede en Nápoles José Ribera, famoso por su intensa Arte cristiano, y su contribución a la campaña de propaganda del Vaticano de Arte católico de contrarreforma. Fuertemente influenciado por Caravaggio tenebrismo, Ribera se convirtió en uno de los máximos exponentes españoles de Pintura barroca y, junto con El Greco, Velázquez y Zurbarán, uno de los grandes ejemplos de religiosos Arte barroco. (Ver también: Artistas barrocos españoles.) Fue uno de los principales contribuyentes a pintando en Nápoles durante el seicento temprano y su trabajo allanó el camino para el Barroco napolitano en la segunda mitad del siglo 17. Entre sus famosos pinturas religiosas son Santísima Trinidad (1635, Prado, Madrid), La Inmaculada Concepción (1635, Convento Agustino, Recoletas, Salamanca), Santa Inés (1641, Gemaldegalerie, Alte Meister, Dresden) y La adoración de los pastores (1650, Louvre). Ver también: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII..

Biografía

Ribera nació en Xativa, cerca de Valencia. Provenía de una familia distinguida. Su padre era ayudante en el importante puesto avanzado, Castelnuovo, Nápoles. Ribera estudió con el buen pintor valenciano, Francisco Ribalta (1565-1628), quien estuvo algo influenciado por el tenebrismo de Caravaggio. Probablemente por sugerencia de Ribalta, Ribera fue a Italia, pasando el tiempo en el norte, en Parma, Padua y probablemente en Venecia. Luego se mudó a Roma donde, según la leyenda, un cardenal lo notó dibujando en los frescos fuera de un palacio en Roma, y ​​le dio alojamiento. En cualquier caso, Ribera vivió en Roma desde 1613-16, mezclándose con otros Caravaggisti, incluidos Gerrit van Honthorst (1592-1656) y Hendrik Terbrugghen (1588-1629). Según Giulio Mancini, se mudó a Nápoles para evitar a sus acreedores.

En este punto, el Reino de Nápoles era una colonia de España, gobernada por virreyes españoles. La nacionalidad española de Ribera le permitió acceder al pequeño grupo gobernante español en la ciudad, y a la comunidad mercantil, que incluía a coleccionistas de arte notables. Esto permitió a Ribera atraer la atención del virrey, el duque de Osuna, quien le otorgó una serie de comisiones importantes.

Pocas pinturas han sobrevivido desde 1620 hasta 1626, aunque produjo una serie de excelentes grabados diseñado para promover su arte más allá de Nápoles. Su carrera de pintura parece haberse reanudado a fines de la década de 1620, y luego fue aceptado como el principal artista napolitano, siendo especialmente popular entre los coleccionistas españoles expatriados. Mientras estuvo en Nápoles se habría encontrado con muchos otros maestros italianos, entre ellos: Battistello Caracciolo (1578-1635) Domenichino (1581-1641) Lanfranco (1582-1647), y Mattia Preti (1613-99). Además, sus propias obras tuvieron un impacto en sus sucesores, incluyendo Luca Giordano (1634-1705) y Francesco Solimena (1657-1747).

Desde 1644 en adelante, Ribera parece haber estado plagada de problemas de salud, lo que redujo su producción, aunque su taller continuó ocupado. En 1651, los problemas de dinero forzaron la venta de su gran casa y, a su muerte en 1652, se encontraba en serias dificultades financieras.

Carrera de pintura de Ribera

Obras de Ribera, principalmente Arte cristiano, retratos y obras de género, se agrupan tradicionalmente en tres períodos.

El primer período corre 1620-35 cuando, fuertemente bajo la influencia de Caravaggio, favoreció los fondos oscuros y los violentos contrastes de luz y oscuridad: ver Drunken Silenus (1626, Capodimonte, Nápoles), Martrydom of St Andrew (1628, Museum of Fine Art, Budapest), Christ Disputing with the Doctors (1630, Kunsthistorisches, Vienna)

El segundo período es 1635-9, cuando la influencia de Van Dyck hizo que aligerara sus antecedentes, suavizara sus claroscuro y hacer sus sombras más transparentes: ver San José y la Vara en ciernes (1635, Museo de Brooklyn, Nueva York), La Santísima Trinidad (1635, Prado, Madrid), Apollo Flaying Marsyas (1637, Museo de Bellas Artes, Bruselas), Isaac Blessing Jacob (1637, Prado, Madrid) y El martirio de San Felipe (1639, Prado, Madrid).

Tercero, 1640-52, un período caracterizado por modelos más flojos y tonos plateados de color : ver The Foot Footed Boy (1642, Louvre, Paris), St Jerome (1644, Prado, Madrid), Adoration of the Shepherds (1650, Louvre, Paris) y Communion of the Apostles (1651, S. Martino, Naples).

La influencia italiana estuvo presente en el arte de Ribera a lo largo de su vida pero con un efecto variable. La de Correggio y el Renacimiento veneciano pronto se sacudió, pero el Tenebrismo proletario de Caravaggio lo influyó permanentemente, aunque desarrolló una técnica propia. Ver también: Caravaggio en Nápoles (1607-10).

Estilo de pintura

Al igual que Caravaggio, Ribera eligió sus modelos de gente humilde. Le gustaba el carácter de los viejos, que a lo largo de los años habían corrugado sus cuerpos y forrado sus rostros. De tales modelos él multiplicó los estudios de personajes. Estas Riberas son quizás demasiado desagradablemente agresivas. Aunque se ejecuta con todo respeto por la construcción y el carácter, hay poca preocupación con la composición, el color y los refinamientos de la creación de imágenes en general. Un ejemplo superior de estos estudios de personajes es el casi desnudo A Hermit (Prado, Madrid). Superficialmente, en sus sombras profundas y amplias áreas de luz, el trabajo se parece a Caravaggio, pero solo superficialmente. Donde Caravaggio borra la pincelada, Ribera lo afirma. La superficie está muy cargada y rayada, y esto produce una corrugación positiva muy diferente a la pintura lisa de Caravaggio. El método es muy similar al de su contemporáneo Francisco Herrera (1590-1654), y es posible que Ribera haya estudiado las imágenes de Herrera antes de ir a Italia. El color de Ribera en estas primeras imágenes es cálido y desagradable y carece de relaciones armoniosas con los accesorios escasos y los fondos simples. Tenemos que ver más bien con estudios poderosos que con buenas imágenes.

Cuando Ribera pinta imágenes de sujetos, elige los temas más sensacionales. San Jerónimo oyendo el último triunfo, Nápoles, el martirio de San Bartolomé (1630, Prado, Madrid), el martirio de San Andrés (1628, Museo de Bellas Artes, Budapest), siguen siendo estudios de personajes con un efecto dramático. La composición es obvia y no estudiada. Hay mucha luz, pero no hay aire. La construcción es masiva y poderosa, pero también desagradablemente grumosa. La forma se te muestra, como se insistió en la expresión en los estudios de personajes. Con todos estos defectos, el Martirio de San Bartolomé es una imagen muy poderosa y sincera, la expresión de un talento único, mientras que el Martirio de San Andrés es finamente dramático y, para Ribera, de inusual belleza decorativa. Es una de las mejores pinturas barrocas del Escuela Napolitana de Pintura (1600-56) y una obra maestra de su tiempo y clase.

Fue un trabajo como este lo que le valió a Ribera en 1626 el honor de ser elegido Academia de Bellas Artes de Roma (San Lucas) El erudito y crítico, Jusepe Martínez, intentó que regresara a España, y él replicó que "España era una madre tierna para los extranjeros, pero una madrastra cruel para su propio pueblo".

Cuando Ribera tenía más de cuarenta años, 1635, su estilo cambió para mejor. El color se vuelve más fresco y más armonioso, la construcción menos agresiva, la composición más cuidadosamente considerada. El principal biógrafo de Ribera, el Dr. AL Mayer, data este cambio de la Inmaculada Concepción, de 1635, en el convento agustino de Salamanca. No es una buena imagen, la Virgen María está singularmente enana por los amplios márgenes llenos de querubines caídos, y el remolino barroco de su túnica es demasiado complicado, pero al menos tenemos una distribución razonable de luz y sombra y un enfoque de la unidad pictórica.. Es interesante comparar esta Asunción con las versiones operísticas y sentimentales más exitosas posteriores de Bartolome Esteban Murillo (1617-82) y sus contemporáneos.

Quizás la mejor imagen de este tipo maduro es el Lamento por Cristo, en S. Martino, Nápoles. Tiene un gran sentimiento, conmovedor sin sentimentalismo, y las caras están lo suficientemente cerca de la modelo para mantener el efecto idiomático y napolitano, sin renunciar a la nobleza.

los arte de retrato y los estudios de carácter de este período son más moderados y más efectivos que sus predecesores de unos veinte años antes. El magnífico busto-retrato de un músico, anteriormente en la Colección Strogonoff, ahora en Toledo, viviría cómodamente en cualquier compañía. La Santa María de Egipto, en Montpellier, tiene la máxima intensidad de carácter ascético, y la relación de la figura demacrada con el fondo escarpado es muy hermosa. Pero el toque y el sabor de Ribera aún son inciertos. La muy famosa St. Agnes, en Dresde, es dolorosamente sentimental. Hay una gran calidad de placer en la prosa robusta y lúcida de una de sus últimas imágenes, La adoración de los pastores (1650, Louvre, París). En él tenemos un arte de declaración simple, sin matices de ningún tipo, y muestra la suavidad normal de su duro talento en la vejez.

Hasta el final, Ribera interpretó su tarea de manera bastante limitada, como una construcción enfática de la forma y la afirmación de la expresión facial. Parece carecer de visión de la imagen en su conjunto. Velázquez lo visitó en 1649 y sin duda fue cortés y complementario con su famoso senior. Uno quisiera saber qué piensa realmente Velázquez sobre el trabajo de Ribera. Ribera murió en 1652 uno de los más grandes españoles Viejos maestros y lleno de honores, dejando su sello en sus contemporáneos napolitanos en particular y en el siglo XVII. Pintura española en general.

Sobre su memoria creció una leyenda de arrogancia y violencia. Fue acusado de formar una camarilla proteccionista egoísta, conocida como el "Cabal de Nápoles", con el fin de monopolizar las comisiones de arte napolitanas, utilizando amenazas de violencia para ahuyentar a los competidores. Ver: Pintar en Nápoles (1600-1700). Sin embargo, aunque no es conocido por su temperamento bien equilibrado, es probable que exista una cierta exageración en estas historias. Es la opinión de que uno podría esperar que Nápoles tome de un extranjero muy exitoso que siempre se llamó La Spagnoletto o "pequeño español".

Las pinturas de Jusepe de Ribera se pueden ver en muchas de las mejores museos de arte en todo el mundo, especialmente el Museo del Prado en Madrid y el Museo Capodimonte en Nápoles.