Claroscuro en pintura Traductor traducir

¿Cuál es la definición y el significado del claroscuro?

Aunque carece de una definición precisa, el arte fino El término " claroscuro " (del italiano para "claro-oscuro", o el francés "clair-obscur") describe el contraste prominente de luz y sombra en una pintura, dibujo o impresión, y la habilidad demostrada por el artista en la gestión de sombras para crear la ilusión de formas tridimensionales.

El punto es que la solidez de la forma solo es detectable en presencia de luz. (Por ejemplo, es solo cuando se acerca el amanecer cuando los objetos o figuras, hasta ahora solo detectables como manchas ligeramente más oscuras que sus alrededores, adquieren volumen y una apariencia tridimensional). Y si la luz emana de una sola fuente, ilumina los objetos de acuerdo con Un conjunto específico de reglas. El claroscuro describe cómo el pintor representa la iluminación tridimensional de los objetos creando así la ilusión de formas sólidas.

Orígenes

Aunque el pintor renacentista temprano Masaccio (1401-28) – ver obras como The Santísima Trinidad (1428) y El Homenaje dinero (1426) – así como artistas del Alto Renacimiento Leonardo da Vinci (1452-1519) y Raphael (1483-1520) se consideran comúnmente pioneros en el uso del claroscuro para crear la ilusión de alivio, especialmente en el modelado del cuerpo humano, el término se aplica con mayor frecuencia a las obras creadas durante el Manierismo y épocas barrocas, notablemente por Caravaggio (1571-1610) (y sus seguidores Caravaggisti), y Rembrandt (1606-69).

[Nota: El término separado "xilografía de claroscuro" se refiere a xilografías de colores impresas con diferentes bloques, cada una con una tinta de color diferente, un proceso inventado por el alemán Hans Burgkmair en 1508; mientras que "dibujo de claroscuro" se refiere a dibujos en papel de color donde típicamente la luz se representa en aguadas blancas y la oscuridad en tintas.]

¿Cuál es la diferencia entre claroscuro y tenebrismo?

Tanto el claroscuro como el estilo pictórico manierista conocido como tenebrismo (de la palabra italiana "tenebroso" que significa "turbio") se refieren al tratamiento de la luz y la sombra en una pintura o dibujo bidimensional. Y a primera vista, una pintura tenebrista podría ser muy similar a una que contenga fuertes efectos de claroscuro .

Sin embargo, existe una clara diferencia teórica entre los dos términos. Como se describió anteriormente, el claroscuro es una técnica de sombreado pictórico que se usa específicamente para dar a los objetos bidimensionales una sensación de volumen: es decir, para que se vean como sólidos tridimensionales. Mientras que el tenebrismo es una técnica de composición de luz oscura mediante la cual algunas áreas de la pintura se mantienen oscuras (es decir, totalmente negras), lo que permite que una o dos áreas se iluminen fuertemente en comparación.

El tenebrismo se usa para un efecto puramente dramático (a veces se le llama "iluminación dramática"). No se trata de modelos: no se intenta dar a las figuras una sensación de tridimensionalidad. En efecto, la oscuridad tenebrista es puramente negativa, mientras que la sombra del claroscuro contribuye de forma positiva.

Algunas de las pinturas de Caravaggio combinan el claroscuro de estilo tridimensional y la iluminación dramática de estilo tenebrista. Para los mejores ejemplos, ver: El llamado de san Mateo (1600) El martirio de san Mateo (1600) Cena en Emaús (1601) La crucifixión de san Pedro (1601) Conversión camino a Damasco (1601) y La sepultura de Cristo (1601-3).

¿Cuál es la diferencia entre Sfumato y claroscuro?

Como se señaló, el claroscuro implica el uso combinado de luz y sombra. Sin embargo, el punto de encuentro de estos dos valores puede dar lugar a líneas o contornos afilados. Leonardo da Vinci fue pionero en la técnica de sfumato para suavizar la transición de la luz a la oscuridad. En sus notas sobre la pintura, dice que la luz y la sombra deben combinarse "sin líneas ni bordes, en forma de humo (en italiano, sfumato significa" desapareció gradualmente como humo "). Sfumato generalmente implica el uso de varios esmaltes translúcidos para crear Un espectro tonal gradual de oscuro a claro, eliminando así contornos agudos indeseables. Sfumato se ejemplifica en las caras de la Virgen de las rocas y el suave sombreado facial en la cara del Mona Lisa (c.1503, Louvre). La técnica del sfumato también fue dominada por Giorgione (1477-1510) y Correggio (1490-1534).

Orígenes e historia del claroscuro

El primer uso del sombreado tridimensional de estilo claroscuro (conocido como "skiagraphia" o "pintura de sombras" en la antigua Grecia) se atribuye tradicionalmente a Apollodoros, el famoso pintor de la Atenas del siglo V. Duradera en una forma algo primitiva durante la era del arte bizantino (c.400-1400), la técnica fue refinada en Occidente a fines de la Edad Media y hacia 1400 era una característica estándar tanto en las iluminaciones del evangelio como en la pintura.

Vea también nuestro ensayo de bellas artes: Cómo apreciar las pinturas .

Claroscuro durante el Renacimiento

El claroscuro del siglo XV en el norte de Europa se convirtió en una técnica esencial para todos los pintores religiosos siguiendo las visiones de Santa Brígida de Suecia, quien afirmó haber visto la luz emitida por el niño Jesús Cristo. En sus representaciones consecuentes de la Natividad y otras escenas que involucran al niño Jesús, artistas del Renacimiento como Hugo van der Goes (1440-82) frecuentemente hicieron de esta luz sagrada la fuente predominante de iluminación, confiando fuertemente en el claroscuro en el proceso. Leonardo ( Virgen de las rocas ) fue otro pionero muy influyente de la técnica. Un enfoque compositivo que fue debidamente extendido al Jesús adulto en escenas de la Última Cena por varios pintores, incluyendo Tintoretto (1518-94). Si la mayoría del claroscuro religioso durante la época del Renacimiento sirvió para crear escenas de serenidad y calma, pintores manieristas como Caravaggio, Paolo Veronese (1528-88), Giovanni Baglione (1566-1643), Georges de La Tour (1593-1652) y otros, tendieron a usarlo para lograr un efecto más dramático después de los esfuerzos anteriores de personas como Ugo da Carpi (1455-1523).

Para otra técnica de pintura ilusionista, ver: Escorzo .

Claroscuro durante el barroco

Pintura barroca dependía en gran medida del uso de la sombra por su efecto dramático. Fue Caravaggio quien desplegó la iluminación dramática a su máximo efecto con su método de tenebrismo , una técnica que se extendió por toda Europa bajo el nombre caravagismo . Debido a la influencia de Caravaggio en Nápoles El hiaroscuro se convirtió en una técnica especialmente popular en la ciudad, que era la segunda ciudad más grande de Europa, después de París (y una colonia española). Para una breve guía, ver: Pintar en Nápoles (1600-1700). Para más detalles de principios del siglo XVII, ver: Escuela Napolitana de Pintura (c.1600-56); para eventos posteriores, ver: Barroco napolitano (C.1650-1700).

El claroscuro se convirtió en una característica de Arte barroco español en manos de artistas como Francisco de Zurbarán (1598-1664) y con sede en Nápoles Jusepe de Ribera (1591-1652), mientras que también fue empleado por el pintor con sede en Roma nacido en Alemania Adam Elsheimer (1578-1610), cuyas escenas nocturnas ocupaban un punto medio entre puro claroscuro y puro tenebrismo . Se dejó a los dos más grandes pintores del norte de Europa, Peter Paul Rubens y Rembrandt para llevar el claroscuro a nuevas alturas de dramática tridimensionalidad: Rubens, en obras como Descent From the Cross (1608-12, Onze-Lieve-Vrouve-Kerk, Antwerp) y The Consequences of War (1638, Palazzo Pitti); Rembrandt, en pinturas como The Anatomy Lecture of Dr Nicolaes Tulip (1632, Mauritshuis), The Sacrifice of Isaac (1635, The Hermitage) y Bathsheba (1654, Louvre). Otros exponentes notables del claroscuro barroco del siglo XVII incluidos Gerrit van Honthorst (1592-1656) y Gerrit Dou (1613-75) de la Barroco holandés colegio, Jacob Jordaens (1593-1678) de la Barroco flamenco y el artista boloñés Guercino (Giovanni Francesco Barbieri) (1591-1666).

Claroscuro durante el siglo XVIII y principios del siglo XIX

La tradición se mantuvo durante el período rococó por pintores como Fragonard (1732-1806) en obras como The Swing (1767, Wallace Collection) y The Bolt (1777, Louvre), y Watteau (1684-1721) en los frondosos fondos de sus fiestas galantes. En Inglaterra, el claroscuro se basó en el expresionista romántico Fuseli (1741-1825) en Lady MacBeth Sleepwalking (1784, Louvre), y por Joseph Wright de Derby (1734-97) en Un experimento sobre un pájaro en la bomba de aire (1768, National Gallery, Londres). En España, Goya Utilizó una variedad de claroscuro ligero y pesado en obras como Cristo en la cruz (1780, Museo del Prado) del siglo, Nude Maja (1800, Prado), Saturno devorando a su hijo (1821, Prado).