Fotografía de moda:
historia, estilos, los mejores fotógrafos Traductor traducir

Serie de fotografía de bellas artes
Fotografía de moda (1880-presente)
Historia, Estilos, Fotógrafos.

Para obtener más información sobre los primeros inventos sobre los que se basan las sesiones fotográficas de moda actuales, consulte: Historia de la fotografía (c.1800-1900).

¿Qué es la fotografía de moda?

El término "fotografía de moda" describe un tipo de fotografía de bellas artes dedicada a la promoción de artículos de moda como ropa de alta costura, así como ropa de mercado masivo, zapatos, perfumes y otros productos de marca diseñados por casas de moda de todo el mundo. Practicado por muchos de los mejores fotógrafos, "fotografía de moda" debe verse principalmente como una forma de arte visual, en lugar de un arte aplicado, ya que las imágenes creadas no cumplen una función utilitaria. Además, las fotos de moda del siglo XXI, como los comerciales de televisión convencionales, se refieren principalmente a la promoción de una marca (es decir, un concepto), en lugar de un producto físico. (Por favor vea también: Es arte de la fotografía ?) Sea cual sea su significado preciso o estética, "fotografía de moda" está estrechamente vinculada a arte contemporáneo y cultura popular. No solo refleja las actitudes, aspiraciones y gustos populares, sino que también refleja las opiniones que las mujeres tienen sobre su propia imagen, género y sexualidad. Además, la "fotografía de moda" está indisolublemente vinculada a los medios de comunicación. Inicialmente surgió para satisfacer las necesidades de las revistas femeninas publicadas por Conde Nast y Hearst, como Vogue y Harper’s Bazaar, hoy aumentadas por publicaciones como Elle, Cosmopolitan, Vanity Fair, W, Grazia y Seventeen, y ahora tiene un impacto mundial instantáneo gracias a revolución informática digital e internet. Aunque Nueva York reemplazó a París como la meca de la fotografía de moda desde la década de 1940, París y Milán siguen siendo importantes centros creativos, mientras que las ciudades del Lejano Oriente en India y China sin duda surgirán como centros de moda internacionales en poco tiempo.

Historia de la fotografía de moda

Las primeras fotos de moda se produjeron en la década de 1860, para documentar las creaciones de las principales casas de moda parisinas. Se pensaba que la idea de emplear modelos profesionales era repugnante, por lo que los fotógrafos de moda dependían de las celebridades sociales, como Gertrude Vanderbilt Whitney o Sarah Bernhardt, para actuar como modelos. Incluso cuando más tarde se emplearon modelos a tiempo completo, fueron dibujados por artistas en lugar de fotografiados, porque los diseñadores y diseñadores pensaron que las fotografías revelarían sus secretos. No fue hasta finales de la década de 1880 que se usaron fotografías de modelos y luego se imprimieron en revistas de moda, siguiendo la invención del proceso de impresión de medios tonos por Frederic Eugene Ives (1856-1937). Este nuevo proceso de impresión permitió reproducir fotografías de moda en revistas de circulación masiva y comercializar moda para una audiencia masiva. (Ver también: Fotógrafos del siglo XIX.) Las dos revistas de moda más importantes (ambas fundadas en Estados Unidos) fueron Harper’s Bazaar (fundada por Harper & Brothers, publicada por primera vez en 1867, luego comprada por Hearst) y Vogue (fundada por Arthur Turnure, publicada por primera vez en 1892, luego comprada por Conde- Nast) Estas revistas y su creciente número de lectores, junto con el rápido avance de la tecnología estadounidense en el área de la fotografía y la impresión, hicieron de los Estados Unidos un centro importante en el área de la fotografía de moda.

Cultura y moda de París (1880-1930)

Pero a pesar de la ventaja técnica de Estados Unidos, París siguió siendo el centro de la cultura occidental, especialmente en las áreas de arte fino y grabado. De hecho, con la aparición de las principales tendencias artísticas como el impresionismo (1873-83), el postimpresionismo (1880-1900), el art nouveau (1890-1914), el fauvismo (1905-6) y el cubismo (1907-14), París fue el La meca para todos los artistas serios involucrados en pintura y escultura. Berlín fue otro centro importante de arte de vanguardia y diseño, gracias a la influencia del expresionismo alemán, así como a la influyente Galería Sturm (1912-32), la última Escuela de diseño Bauhaus (1919-1933), y las actividades de fotógrafos como John Heartfield (1891-1968), Raoul Hausmann (1886-1971), Hannah Hoch (1889-1978), Heinrich Hoffmann (1885-1957) y Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946).

Era lo mismo en la moda. Todas las principales tendencias emanaron de París y Berlín, y fueron estas tendencias de la moda francesa y alemana las que se exhibieron en Harper’s Bazaar y Vogue. Y dado que la mayoría de los principales modistas y casas de moda se encontraban en París, fue allí donde se realizó la mayor parte de la fotografía de moda pionera. De hecho, la primera sesión de fotos de moda seria fue realizada en París en 1911 por el fotógrafo estadounidense. Edward Steichen (1879-1973), cuando fotografió una serie de vestidos hechos por el modisto Paul Poiret, para transmitir su calidad física y su aspecto formal. Publicadas en la revista Art et Decoration, las imágenes de Steichen fueron vistas como las primeras fotos modernas de moda publicadas. Otras revistas francesas que emplearon fotografía de moda durante los años anteriores a la guerra incluyeron La Mode Practique y La Gazette du Bon Ton, mientras que otros fotógrafos de moda parisienses de principios del siglo XX incluyen: los hermanos Seeberger – Jules Seeberger (1872-1932), Louis Seeberger (1874- 1946) y Henri Seeberger (1876-1956) – Maison Reutlinger, Boissonnas et Taponnier y Henri Manuel.

Nota: La fotografía de moda francesa moderna se originó con tres fotógrafos parisinos de postales conocidos como los hermanos Seeberger (Jules, Louis, Henri), quienes comenzaron a tomar fotos de retratos del escalón superior de la sociedad francesa alrededor de 1910 en adelante. A medida que estos retratos casuales de mujeres hermosas, vestidas con la última moda en carreras de caballos, centros turísticos y cafés, comenzaron a aparecer en revistas y revistas, modistas como Chanel, Hermes y Madeleine Vionnet se apresuraron a enviar sus modelos de moda para ser fotografiados por los hermanos.

Aunque fue golpeado fuertemente por La Gran Guerra (1914-18), Francia mantuvo su posición como el centro del arte y la moda durante las décadas de 1920 y 1930, gracias al nacimiento del surrealismo en 1924, así como al surgimiento de modistas como Chanel, Balenciaga, Schiaparelli y Lanvin, cada uno de los cuales se hizo conocido por sus estilos distintivos. Como resultado, la ciudad continuó atrayendo a los mejores artistas de cámaras, incluido Horst P. Horst (1906-99), Hombre rayo (1890-1976), Cecil Beaton (1904-80), George Hoyningen-Huene (1900-68), Erwin Blumenfeld (1897-1969), Brassai (1899-1984) y Andre Kertesz (1894-1985), así como el genio del diseño Alexey Brodovitch (1898-1971).

Nota: En ambos lados del Atlántico, la aparición de grandes almacenes aumentó en gran medida la accesibilidad de la moda femenina. En París, las principales tiendas de moda incluyeron Le Bon Marche, La Samaritaine y Grands Magasins Dufayel, mientras que en Estados Unidos incluyeron Macy’s, McCreary’s, Abraham & Straus, AT Stewart Dry Goods Store (todo Nueva York), Marshall Field & Company, Carson Pirie Scott (ambos Chicago) y Wanamaker’s (Filadelfia).

Fotografía de moda en América (1900-1930)

Tal actividad en París no impidió que la fotografía de moda estadounidense progresara también. La creciente riqueza del país, el poder de Harper’s Bazaar y Vogue, así como su tradición de arte fotográfico, ejemplificada por el trabajo de Alfred Stieglitz (1864-1946), y más tarde Paul Strand (1890-1976), Charles Sheeler (1883-1965), Dorothea Lange (1895-1965) y Walker Evans (1903–1975): todo combinado para hacer de Nueva York un semillero de innovación.

El primer fotógrafo de moda estadounidense notable fue el barón Adolf de Meyer (1868-1946), mejor conocido por sus elegantes retratos de celebridades como Mary Pickford, John Barrymore, Lillian Gish, Ruth St. Denis, el rey George V y la reina María de Gran Bretaña. quien en 1913 se convirtió en el primer fotógrafo de moda oficial de la revista estadounidense Vogue, ahora propiedad de Conde-Nast. De Meyer fue el primero en imbuir sus fotos de moda con una sensación de "humor", bañando sus fotos en una atmósfera límpida y una luz brillante. Este refinamiento abrió el camino para que la fotografía de moda evocara una amplia gama de sentimientos en el espectador, abandonando así la convención tradicional de usar fotos de moda para ilustración solo propósitos. (Para los efectos evocadores creados por los primeros fotógrafos de retratos, vea el trabajo de Julia Margaret Cameron : 1815-79.)

Durante la primera parte del siglo XX, otro factor importante en el crecimiento de la industria de la moda estadounidense (y, por lo tanto, la fotografía de moda estadounidense) se refería al surgimiento de la industria de la ropa "lista para usar" y al desarrollo contemporáneo de un país independiente de EE. UU. estilo bastante ajeno a la moda parisina. En efecto, el mercado de la moda estadounidense cambió de la alta costura parisina a la ropa individualizada lista para usar, comercializada y promovida a través de revistas como Women’s Wear Daily (fundada en 1910), Harper’s Bazaar y Ladies Home Journal (fundada en 1883) y en 1903 se convirtió en el primera revista estadounidense en llegar a 1 millón de suscriptores).

En 1924, los efectos de "enfoque suave" de Adolf de Meyer fueron reemplazados por el limpio estilo geométrico de modernismo fotográfico de Steichen, que sustituyó los fondos simples pero elegantes por los ajustes rococó de De Meyer. Al igual que las líneas suaves, formas geométricas y formas aerodinámicas de Arte deco – El movimiento de diseño enormemente influyente desarrollado en Estados Unidos – Las fotos de Steichen mostraron que los fotógrafos de moda de Estados Unidos tenían la intención de liderar Europa, no seguirla. El hecho de que Estados Unidos fuera la tierra de los emigrantes europeos, liberados de los valores tradicionales y anticuados de sus países de origen, fue una ventaja adicional. De este modo, Steichen pudo retratar a la mujer moderna con un estilo moderno de ropa que reflejaba su nueva libertad del corsé, una situación que luego retrató Horst P. Horst en su imagen seminal de Vogue, titulada "El corsé Mainbocher" (1939). Vea también la serie de fotografías de Steichen de Marion Morehouse, que encarnaba a la mujer arquetípica "contemporánea", la aleta.

Otro desarrollo importante fue diseñado por Carmel Snow, editor en jefe de Harper’s Bazaar, quien arregló para que el fotógrafo deportivo húngaro Martin Munkacsi (1896-1963) tome algunas fotos para un traje de baño, al aire libre en una playa ventosa. Mientras Lucile Brokaw, la modelo, corría hacia la cámara, Munkacsi la fotografió en movimiento, borrosa y con el cabello suelto, y en ese instante destrozó la convención de que las fotografías de moda solo podían tomarse dentro de un ambiente de estudio controlado. El realismo espontáneo de Munkacsi revolucionó la estética de la fotografía de moda y abrió el camino para que otros lo siguieran.

También fue importante la invención de Kodachrome, un tipo de película en color presentada por Eastman Kodak en 1935. Una de las primeras artistas de cámara en usar el color en la fotografía de moda fue Louise Dahl-Wolfe (1895-1989), mejor conocida por su fotografía al aire libre. dispara para el bazar de Harper. También fue una de las primeras en utilizar la luz natural y en lugares exóticos para su fotografía.

Fotografía de moda surrealista

Presidido por su jefe teórico Andre Breton (1896-1966), con sede en París Surrealismo El movimiento, con sus atributos fantásticos y oníricos, tuvo una influencia significativa en la fotografía de moda. Esto se ejemplifica mejor con el trabajo de Man Ray, el artista de cámara estadounidense que trazó una dirección completamente nueva para la fotografía de moda, principalmente porque ignoró las convenciones y experimentó con imágenes surrealistas y expresionistas en su cuarto oscuro. En efecto, su ingenioso estilo de trabajo pictórico interior representaba el extremo opuesto del espectro a la espontaneidad de Munkacsi. Otro importante fotógrafo de moda pictórico fue Erwin Blumenfeld (1897-1969), que empleó numerosas técnicas, incluida la solarización, la sobreimpresión, la yuxtaposición de transparencias de color e incluso el enfriamiento de negativos en el refrigerador para lograr sus efectos surrealistas. Otros artistas de la cámara que incorporaron ideas surrealistas en sus fotos incluyeron al inglés Peter Rose Pulham (1910-56), el francés Andre Durst (1907-49), el estadounidense George Platt Lynes (1907-55) y el inimitable Cecil Beaton.

Segunda Guerra Mundial y 1950

El advenimiento de la guerra llevó a numerosos pintores, escultores y fotógrafos europeos a trasladarse a la seguridad de los Estados Unidos. La tendencia comenzó durante la década de 1930 y se aceleró desde el momento en que Hitler llegó al poder en Alemania, en 1933. Así, por ejemplo, el diseñador y fotógrafo Alexey Brodovitch (1898-1971) emigró de París a Nueva York en 1930; Martin Munkacsi lo hizo en 1934; George Hoyningen-Huene se mudó en 1935; y Erwin Blumenfeld (1897-1969) en 1941.

La moda en los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial fue un negocio deprimente. No solo había una grave falta de materiales de moda, diseñadores y modelos, sino que la gente había perdido interés en la ropa ante tanta tragedia e incertidumbre. La moda se consideraba una forma frívola e innecesaria de autocomplacencia. Para volver a conectarse con sus lectores, las revistas de moda describieron el papel de las mujeres en la guerra, promovieron la moda como construcción de la moral, reemplazaron las columnas de la sociedad con informes de guerra y defendieron la ropa de estilo uniforme pero a la medida. La fotografía de estudio con sus costosos sistemas de iluminación y configuraciones complejas desapareció casi por completo. Muchos fotógrafos (Lee Miller en París, Cecil Beaton en Londres, Louise Dahl-Wolfe en Nueva York) adoptaron un estilo directo y directo casi como un documental.

Al final de la guerra, el centro global de fotografía de moda había cambiado de París a Nueva York, donde la rivalidad entre Harper’s Bazaar y Vogue estaba en pleno apogeo. Los fotógrafos más importantes ahora eran Martin Munkacsi, Louise Dahl-Wolfe, Irving Penn (1917-2009), Richard Avedon (1923-2004), quienes contribuirían significativamente a la fotografía de moda, aunque Penn y Avedon dominarían el género en los años venideros. Como muchos grandes artistas modernos tenían la capacidad de reinventarse con casi cada década.

Las fotos de Avedon estaban marcadas por su elegancia elegante y su vitalidad ilimitada. También tenía un don único para la toma de riesgos inventiva y la experimentación imaginativa, y era un observador de talentos perceptivo, siempre encontrando la "cara" que mejor captura la "mirada" del momento, como Dorian Leigh, Suzy Parker, Twiggy, Jean Shrimpton, Brooke Shields y Nastassja Kinski. En contraste, la fotografía de Penn tenía que ver con la belleza y la forma, elementos que se combinaron perfectamente en su serie posterior de fotos de bodegones. Fue el primero en usar austeros fondos grises y blancos, y sus arreglos de estudio fueron estéticos y meticulosos. Si el trabajo de Avedon puede describirse como "inmediato", el de Penn es "monumental". Además de su trabajo de moda, ambos hombres produjeron sobresalientes arte de retrato – Vea, por ejemplo, el retrato inmortal de Penn de Pablo Picasso, o el retrato de Avedon de la modelo Dovima con un vestido de Dior rodeado de elefantes africanos.

Otro gran talento de la posguerra fue el camarógrafo británico Norman Parkinson (1913-90), quien se unió a Vogue (Internacional) en 1946 y comenzó a trabajar para US Vogue en 1949. El estilo "realista de acción" de Parkinson y su personalidad más grande que la vida ayudaron a transformar la fotografía de moda convencional.

En general, se puede decir que a mediados de la década de 1950, surgió una nueva estética fluida y enérgica para reemplazar el enfoque más estático de antes de la guerra. En cierto sentido, esto no fue más que un reflejo de la creciente confianza demostrada tanto por las empresas como por los consumidores a medida que la prosperidad comenzó a afianzarse en todo Estados Unidos. Con un renovado interés en la ropa, impulsada por la imagen elegante y los atuendos de las estrellas de cine, las mujeres estadounidenses comenzaron a querer más moda y las revistas estaban debidamente obligadas. Además de Avedon, Penn y Parkinson, se incluyeron otros fotógrafos de moda líderes de la década de 1950, William Klein (nacido en 1928) y Lillian Bassman (1917–2012).

Nota: Harper’s Bazaar y Vogue compitieron fuertemente por los editores de moda, directores de arte y diseñadores más innovadores, muchos de los cuales tuvieron un gran efecto en el desarrollo de la ropa y otras fotografías de moda, a través de su influencia sobre los fotógrafos y camarógrafos independientes. Los dos mejores ejemplos incluyen: Alexey Brodovitch, director de arte en Harper’s Bazaar (1934-56); y la Sra. T. Reed Vreeland, editora de moda en Harpers (1936–1962), más tarde editora en jefe en Vogue.

Fotografía de moda en la década de 1960

Mientras que la década de 1950 introdujo un espíritu fresco y aventurero en el arte de la cámara de moda, la década de 1960 fue testigo de un cambio total. Un nuevo mundo de la moda se abrió como resultado de la revolución cultural de los años 60. Nuevas formas de música pop, arte pop, mayor tiempo libre, una actitud más liberal hacia el sexo y, por supuesto, la repentina "brecha generacional", todo combinado para hacer que la moda sea intensamente relevante para los jóvenes, un fenómeno reflejado en la aparición de nuevas palabras como "moda" y "moda" consciente". La necesidad generalizada de ser visto como "moderno" o "moderno" alimentó la demanda de nuevos estilos, formas, materiales y colores. Otras influencias importantes sobre las actitudes hacia la moda (y, por lo tanto, la fotografía de moda) incluyeron la Guerra de Vietnam, el Programa Espacial de la NASA, el movimiento de liberación de las mujeres y el tema de la "raza". Aunque no está 100% dominada por la cultura juvenil, la moda de los años 60 fue redefinida por las demandas de los jóvenes.

Esta creciente demanda de moda, aliada a los valores sociales y morales cambiantes, tuvo un gran impacto en la fotografía de moda. Los mejores fotógrafos jóvenes, como el trío londinense de David Bailey (n. 1938), Terence Donovan (1936-96) y Brian Duffy (1933-2010) – disfrutaron de tarifas exorbitantes y estatus icónico; Bailey se hizo casi tan famoso como las celebridades que fotografió. También modelos, como Jean Shrimpton (musa de Bailey), Twiggy, Lauren Hutton y Veruschka, se convirtieron en nombres conocidos.

Si la fotografía de moda de la década de 1960 tenía una estética unificadora, era "novedad". Las revistas necesitaban imágenes nuevas y emocionantes para competir. David Bailey fue audaz, directo e indudablemente centrado; Terence Donovan fue pionero en el uso de entornos urbanos severos y arenosos; Yasuhiro Wakabayashi (nacido en 1930), más conocido como Hiro, utilizó una iluminación inusual, yuxtaposiciones creativas y una sensación única de color para crear un estilo monumental y surrealista; Bob Richardson (1928-2005) incluyó sexo, drogas y rock ’n’ roll en sus fotos, al igual que Art Kane (1925-95), a los 26 años, director de arte de Seventeen Magazine, mientras que Diane Arbus (1923-1971) produjo algunas de las imágenes de moda infantil más inquietantes jamás publicadas.

Para una breve explicación de la cámara y los términos fotográficos, consulte: Glosario de Fotografía Artística.

Fotografía de moda en la década de 1970

Durante la década de 1970, los estilos exóticos y hippies de los años 60 fueron reemplazados por prendas más prácticas. Los jeans se convirtieron en "la" prenda característica de la ropa informal, y la demanda de ropa lista para usar (pret-a-porter) explotó. La moda se extendió desde los jóvenes hasta todas las edades, y este consumismo recién descubierto impulsó la moda hacia una industria multimillonaria, reforzada por elegantes campañas publicitarias y comerciales de televisión de vanguardia.

French Vogue ahora tomó la delantera creativa en la fotografía de moda gracias a artistas de cámara como Helmut Newton (1920-2004) y Guy Bourdin (1928-91). Newton era mejor conocido por sus imágenes subversivas y eróticas que de alguna manera mantienen un tono irónico, mientras que Bourdin era conocido por sus imágenes altamente artísticas, coloridas y ocasionalmente surrealistas. Deborah Turbeville (1932-2013) fue la primera en usar modelos con sobrepeso y antiestéticos. Los tres ayudaron a transformar las imágenes de moda convencionales y bien iluminadas en algo mucho más nervioso y poco convencional.

Los modelos de moda continuaron triunfando en los años 70. En 1975, Margaux Hemingway firmó el primer contrato de un millón de dólares como la cara del perfume Babe de Fabergé, mientras que Lauren Hutton apareció en la portada de Vogue 25 veces (!). Las modelos negras también llegaron a lo grande, como lo demuestran Iman, Donyale Luna, Naomi Sims y Beverly Johnson, quien fue la primera modelo afroamericana en aparecer en la portada de American Vogue en 1974. Otros modelos principales de la década de los 70 incluyeron a Cybill Shepherd, Patti Hansen, Penélope Tree, Grace Jones y Jerry Hall.

Fotografía de moda en la década de 1980

Si bien algunas de las fotografías de moda más creativas de la década de 1980 continuaron siendo producidas por ’veteranos’ como Richard Avedon, vea, por ejemplo, su campaña publicitaria narrativa "The Diors", o su foto desnuda de Nastassja Kinski entrelazada con una serpiente – los fotógrafos más jóvenes también salieron a la fama, incluidos: Herb Ritts (1952-2002), mejor conocido por su icónica toma de "Stephanie, Cindy, Christy, Tatjana, Naomi, Hollywood, 1989", que apareció en la revista Rolling Stone; Bruce Weber (nacido en 1946), quien presentó una nueva perspectiva de la masculinidad a través de sus sesiones de fotos para Armani y Calvin Klein, al igual que Robert Mapplethorpe (1946-89) con sus tomas homoeróticas; y Gian Paolo Barbieri (nacido en 1938), conocido por su trabajo para los diseñadores de moda Armani, Versace, Dolce & Gabbana, Pomellato y Giuseppe Zanotti. Al mismo tiempo, fotógrafos como Denis Piel (n. 1944) y Bert Stern (1929-2013) enfatizaron la independencia de las mujeres en diversos entornos.

La controversia, siempre una herramienta útil para impulsar la fortuna comercial, surgió como resultado de la campaña de moda de Benetton, filmada por Oliviero Toscani (nacido en 1942). Las imágenes incluyeron una de un paciente muriendo de SIDA frente a familiares en duelo, mientras que otras incorporaron referencias al racismo, la guerra, la religión y la pena de muerte.

Las principales supermodelos de la fotografía de moda de la década de 1980 incluyeron: Gia Marie Carangi, Ines de la Fressange, Cheryl Tiegs, Christie Brinkley, Paulina Porizkova, Brooke Shields, Heather Locklear, Carol Alt y Elle Macpherson, entre otros. Fue durante esta década que las supermodelos dejaron de ser vistas como individuos y comenzaron a considerarse imágenes, al igual que las estrellas de cine. Sé testigo de las fotos de fiestas de celebridades tomadas por la fotógrafa de moda Roxanne Lowit (n. 1965) de supermodelos como Elle Macpherson, Naomi Campbell y otras.

Fotografía de moda en la década de 1990

La moda durante los años 90 se volvió casi manierista, ya que los consumidores adoptaron estilos grunge en mal estado, así como tatuajes y perforaciones en el cuerpo. Más adelante en la década hubo un resurgimiento de ciertos estilos de finales de los 60 / principios de los 70, aunque la década de 1990 retuvo un estilo propio. Artistas de larga data como Irving Penn y Helmut Newton continuaron dominando el campo, mientras que Ellen von Unwerth (n. 1954) presentó a los espectadores su marca única de feminidad erótica. Además, Peter Lindberg (nacido en 1944), conocido por sus fotos monocromas, alcanzó fama con su portada de Vogue de enero de 1990 con Christy Turlington, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Linda Evangelista y Tatjana Patitz. Mientras tanto, su contemporáneo más joven, Steven Meisel (nacido en 1954), fue elogiado por sus fotos de Madonna en su libro de 1992 "Sex" y por Vanity Fair. El fotógrafo de moda peruano Mario Testino (nacido en 1954) también recibió atención por sus fotos de portada de Vanity Fair en 1997 de la difunta Lady Di, princesa de Gales.

Una tendencia fotográfica clave (apodada "heroína elegante"), que tal vez refleja la ambivalencia de género de la época, fue el uso de modelos pálidos de estilo andrógino y demacrado, ejemplificados por la sesión fotográfica para la "Obsesión" de Calvin Klein, de Mario Sorrenti (b.1971), que presentaba a Kate Moss.

La década de 1990 vio el apogeo del poder del modelo de moda, como lo encarnan las superestrellas fotográficas citadas anteriormente: Naomi Campbell, Linda Evangelista, Christy Turlington, Claudia Schiffer y Tatjana Patitz. El estilo Heroin Chic brilló brevemente a mediados de la década, pero se desvaneció con el ascenso a la fama de la modelo brasileña Gisele Bundchen, en 1999. Los años 90 también fueron testigos del creciente uso de celebridades establecidas en sesiones fotográficas de moda, como lo demuestra Julia Roberts, quien se convirtió en la cara de Lancome.

Fotografía de moda en el siglo XXI

El siglo XXI ya ha estado marcado por tres cosas: los atentados del 11 de septiembre; globalización y empobrecimiento del Tercer Mundo; y la recesión económica (2007-2014). Esto parece haber influido en la moda de muchas maneras. Las prácticas comerciales éticas y las políticas ecológicas están dando forma a las políticas de compra. La ropa lista para usar ahora se fabrica en gran medida en China. El escapismo para mitigar las incertidumbres financieras y políticas ha alentado un resurgimiento de la fotografía de moda surrealista o de estilo kitsch, así como el uso continuo de celebridades y supermodelos de larga data. La creciente insatisfacción con los valores establecidos a raíz de la austeridad mundial continúa estimulando el uso de elementos controvertidos en el diseño de sesiones fotográficas de moda, aunque no en la medida de las confrontaciones de moda de los años ochenta de Oliviero Toscani para Benetton.

Con la muerte de Herb Ritts (en 2002), Richard Avedon, Helmut Newton, Francesco Scavullo (en 2004) e Irving Penn (en 2009), los principales fotógrafos de moda de hoy incluyen a Patrick Demarchelier, Steven Meisel, Mario Testino, Peter Lindbergh, Oliviero Toscani (nacido en 1942), Annie Leibovitz (n. 1949), Nick Knight (n. 1958) y David LaChapelle (1963). Los artistas más jóvenes de la cámara incluyen a Christophe Kutner, Glen Luchford, Craig McDean y Javier Vallhonrat.

Aunque Kate Moss, Naomi Campbell, Gisele Bundchen y otros modelos ’establecidos’ continúan liderando el campo, la nueva generación de modelos de moda profesional del siglo XXI, como se cita en American Vogue (mayo de 2007), incluye: Agyness Deyn, Lily Donaldson, Chanel Iman, Doutzen Kroes, Sasha Pivovarova, Hilary Rhoda, Coco Rocha, Jessica Stam, Caroline Trentini y Raquel Zimmermann.

Mientras tanto, las principales revistas de moda (aparte de Vogue y Harper’s Bazaar) ahora incluyen a Elle (la revista de moda más vendida del mundo), Cosmopolitan, Seventeen, W, Vanity Fair, GQ, Grazia, Marie Claire, así como Dazed and Confused y Sleaze. Nación

Exposiciones de fotografía de moda se muestran regularmente en varios de los mejores galerias de arte contemporaneo a través de América.