¿La fotografía es arte? Traductor traducir

¿Es la fotografía una forma de arte objetivo?

En el actual debate sobre si la fotografía debe considerarse una forma de bellas artes, algunos críticos creen que la fotografía se produce mediante una técnica científica y no mediante un trabajo de cámara verdaderamente creativo. Después de todo, argumentan, un fotógrafo aficionado muy poco estético armado con una buena cámara es capaz de producir imágenes perfectamente aceptables. En cambio, una persona que no supiera dibujar, esculpir o tallar tendría muchas más dificultades para producir un cuadro o una estatua aceptables. Por ello, sostienen que la fotografía no puede igualar la calidad creativa de la pintura o la escultura .

Otros críticos no están de acuerdo. Dicen que precisamente porque la fotografía es tan diferente de la pintura y la escultura – se aplican estéticas diferentes . Además, desafían a cualquier artista con la propuesta de pintar un cuadro que sea tan convincente como una fotografía bien compuesta. Por ejemplo, una toma del rey Carlos I dirigiéndose a la multitud desde el cadalso tendría mucho más impacto que una pintura de la misma escena. Y como las cámaras captan la realidad, el impacto es un componente importante del trabajo de cámara. Por último, aunque un operador de cámara sin formación consiga hacer una foto aceptable, es poco probable que iguale la creatividad de una imagen tomada por un fotógrafo profesional. Como resultado de todo esto, afirman, la fotografía no sólo puede ser una de las más nuevas formas de arte, sino incluso «una forma» de arte moderno - un reflejo directo de la era científica moderna.

Estas cuestiones han sido planteadas y debatidas por artistas e historiadores del arte a lo largo de los siglos XIX y XX. Sugerimos encontrar «Photography: the whole story» (2012) de Thames and Hudson, un libro indispensable para cualquier persona interesada en el arte basado en el objetivo, cuya información se utiliza en este artículo.

Fotógrafos de arte famosos

Diane Arbus (1923-1971), Fotografías de fenómenos.
David Bailey (n.1938), Fotografías de retratos/moda.
Cecil Beaton (1904-1980), Retratos.
Robert Duano (1912-1994), Fotógrafo callejero francés.
Walker Evans (1903-1975), Retratos de la época de la Depresión.
Yusuf Karsh (1908-2002), Retratista formal.
Annie Leibovitz (n.1949), Retratos de famosos.
László Moholy-Nagy (1895-1946), Famoso por sus fotogramas.
Norman Parkinson (1913-1990), Famoso por sus retratos callejeros.

Imágenes fotográficas: parte real, parte imagen

¿Por qué son tan atractivas las imágenes fotográficas? El hecho de que muchos de nosotros hagamos fotografías semanalmente, incluso a diario, no ha disminuido la magia de las instantáneas personales o de las obras que se pueden encontrar en una galería, un museo o un libro. Las fotos colocadas en un álbum o publicadas en las redes sociales pueden hacernos reír a carcajadas. Cuando nos encontramos con imágenes impresionantes de la historia de la fotografía, como las fotografías de la Antártida de principios del siglo XX de Herbert Ponting (1870-1935), nos quedamos cautivados. Las imágenes de Ponting de la Expedición Antártica Británica de 1910-1913 hacen que el pasado lejano sea tentadoramente presente. Sin embargo, estas imágenes no son meros documentos históricos: está claro que, incluso en condiciones tan difíciles, el fotógrafo estaba decidido a no sacrificar nada por el efecto estético. La fotografía se relaciona tanto con la realidad como con la imaginación: aunque a veces privilegia una sobre la otra, nunca renuncia a su influencia.

Procesos fotográficos: daguerrotipo, dibujo fotogénico

Cuando en enero de 1839 se anunció al mundo que era posible hacer visible una fotografía en una cámara oscura (una ayuda para el dibujo, que proyecta lo que el artista ha visto sobre una superficie de la que puede copiar la escena), parecía no haber límites para el ingenio humano. El daguerrotipo, proceso desarrollado en Francia por Louis-Jacques-Mande Daguerre (1787-1851), permitió producir una imagen muy detallada en una pequeña placa de metal. Al anuncio del daguerrotipo en enero le siguió inmediatamente la noticia de otro proceso fotográfico desarrollado en Inglaterra por Henry Fox Talbot (1800-1877). El proceso de Talbot, que denominó «dibujo fotogénico», daba como resultado una imagen negativa sobre papel que tenía el calor y el ruido de las artes gráficas . Mientras que el daguerrotipo era el objeto único por excelencia (no había negativo), el dibujo fotogénico podía utilizarse para crear múltiples impresiones en positivo. Desde el inicio de estos desarrollos, la fotografía ha oscilado entre la unicidad y la multiplicidad. Hoy en día, una fotografía única o de edición limitada de un artista famoso puede venderse por más de un millón de dólares y, sin embargo, la fotografía digital -con sus réplicas aparentemente infinitas- ya desempeña un papel fundamental en la comunicación global.

Fotografías artísticas

Hay muchos miles de fotografías artísticas importantes en colecciones públicas y privadas de todo el mundo, pero la mayoría no se tomaron pensando en el arte. Algunas estaban destinadas a demostrar lo que un nuevo medio podía hacer; otras comenzaron su vida como documentos, registros o ilustraciones; sólo más tarde fueron etiquetadas como objetos de arte. Algunas fotografías, como el estudio de Eugene Atget (1852-1927) de parisinos contemplando el eclipse, revelan lo surrealista de la realidad. Otras, como Autorretrato como hombre ahogado (1840) de Hippolyte Bayard (1807-1877), juegan con la capacidad de la fotografía para presentar la ficción como un hecho. Dado que la mayoría de las grandes imágenes fotográficas fueron aceptadas como objetos de arte retrospectivamente, su historia no puede contarse con referencia a movimientos, escuelas y círculos.

Desde la invención de la fotografía en 1839, la identidad y el estatus de este medio se han debatido no en relación con sus orígenes tecnológicos, sino con su relación con las artes visuales . Pocos negaban que la fotografía era un ingenioso invento de la era moderna, pero muchos la veían como una amenaza para los valores tradicionales asociados a las artes. En una sociedad dividida simbólicamente entre «caballeros» (los que utilizaban su intelecto e imaginación) y «operarios» (trabajadores físicos que se dedicaban a trabajos mecánicos sin sentido), la máquina que hacía fotos era un desafío al orden social existente.

Fotografía sobre papel

En la década de 1850, el daguerrotipo y el calotipo (nombre que Talbot dio a su proceso tras importantes mejoras en 1841) dieron paso a la fotografía de colodión húmedo, basada en el uso de negativos de vidrio para producir imágenes en papel. Las imágenes resultantes solían imprimirse en papel recubierto de albúmina (clara de huevo) y se caracterizaban por la nitidez de los detalles, la tonalidad marrón chocolate y una superficie brillante. La práctica de la fotografía, tanto aficionada como comercial, experimentó un auge a mediados de la década de 1850, que los fotógrafos del siglo XIX aprovecharon al máximo. La práctica de imprimir fotografías en papel se liberó de las restricciones impuestas por las licencias y dos nuevos formatos se hicieron muy populares. La estereografía (dos imágenes del mismo tema, ligeramente separadas y pegadas una al lado de la otra en una tarjeta; el término se utiliza ahora para referirse a la proyección de cuerpos tridimensionales en un plano), presenta una imagen tridimensional cuando se mira a través de la ventana de un aparato especial; los temas eran a veces educativos, pero a menudo estaban destinados simplemente a la demostración visual o incluso a la titulación. Carte de Visite, también conocida como retrato en tarjeta, era un retrato de cuerpo entero del tamaño de una tarjeta de visita y hacía hincapié en la vestimenta más que en los rasgos de la persona.

Actitudes hacia la fotografía como arte

La popularización de la fotografía a mediados del siglo XIX provocó un cambio en las actitudes hacia ella. La práctica del calotipo en las décadas de 1840 y 1850 en Gran Bretaña y Francia fue testigo de un altísimo grado de experimentación y logros técnicos y estéticos. Ante la rápida comercialización y popularización de la fotografía en las décadas de 1850 y 1860, la idea de que la fotografía pudiera ser arte -y que los fotógrafos (procedentes de clases sociales bajas) pudieran ser artistas- parecía absurda para algunos. En 1857, la historiadora del arte e historiadora Elizabeth Eastlake opinó que la fotografía debía valorarse, pero sólo si no mostraba ninguna pretensión más allá de la consideración «de los hechos». Unos años más tarde, el poeta y crítico francés Charles Baudelaire denunció la fotografía comercial como «el enemigo más mortal» del arte. El influyente historiador del arte John Ruskin, que admiraba la fidelidad del daguerrotipo cuando se utilizó como ayuda visual en Venecia a mediados de la década de 1840, dijo más tarde de la fotografía que «no tenía nada que ver con el arte y que nunca lo sería». (Nota: la fotografía dio un nuevo impulso a la pintura de paisajes y estaba a punto de sustituir casi por completo al arte del retrato mediante la creación de retratos personales, pero aún no se aceptaba como una forma de expresión independiente.

En la década de 1860, la mayoría de los fotógrafos comerciales veían las cualidades técnicas, como la claridad de la información visual y la calidad de impresión impecable, como una forma de demostrar la superioridad de sus imágenes fotográficas. Este concepto técnico de la perfección significaba que, para el aspirante a fotógrafo profesional, la fotografía era el arte del presente. Unos pocos famosos rechazaron esta ortodoxia y vieron en la fotografía un medio para crear complejos entrelazamientos de perfección y realidad. El más famoso de estos aficionados fue una mujer, Julia Margaret Cameron (1815-1879). Cameron empezó a fotografiar a los cuarenta años y durante la década siguiente produjo una gran cantidad de obras por motivos puramente estéticos. Utilizaba el enfoque diferencial, el drapeado de cajas y el atrezzo aleatorio para crear retratos y dibujos de tonos suaves y cálidos que se inspiraban en temas bíblicos, literarios o alegóricos. La creencia de Cameron de que era ella quien estaba creando el arte de la fotografía era tan audaz, y su práctica única una aspiración tan modesta, mostrada en exposiciones de sociedades fotográficas, que fue caracterizada por la comunidad fotográfica como infeliz y excéntrica, incapaz de utilizar correctamente el equipo.

El pictorialismo

Sin embargo, no fue hasta finales del siglo XIX cuando la subjetividad en la fotografía adquirió una legitimidad cultural más amplia. Central en el movimiento internacional conocido como «Pictorialismo», cuyos representantes promovieron la fotografía como medio expresivo. La fotografía pictorialista se caracteriza por técnicas y efectos tomados de la gráfica y la pintura. Aunque la imagen pictorialista solía derivar de una imagen negativa bien definida, la a menudo extensa manipulación en el cuarto oscuro que implicaba la transformación de la imagen a partir de esta cruda realidad significaba que cada impresión podía declararse única. Las imágenes resultantes, a menudo impresas en tonos brillantes y con un aspecto suave, brumoso y onírico, pretendían evocar reacciones estéticas más que literales. Muchas obras pictorialistas invocaban la gran seriedad artística del Simbolismo contemporáneo, como se aprecia, por ejemplo, en la fotografía de Anna Brigman (1869-1950) «Arpa del viento» (1969).

Fotografía recta

La figura más estrechamente asociada con el avance de la fotografía artística de la época es Alfred Stieglitz (1864-1946), un neoyorquino con estrechos vínculos con Europa. (Nota: la esposa de Stieglitz, Georgia O’Keeffe (1887-1986) y su contemporáneo Edward Steichen (1879-1973) también fueron firmes defensores de las bellas artes basadas en el objetivo y ayudaron a introducir este medio en las colecciones de los museos). De vuelta al «Camera Club» de Nueva York y fundador de la «Photo-Secession», Stieglitz continuó trabajando en la revista «Camera Work», escaparate del mejor arte fotográfico que se producía internacionalmente en aquella época. Stieglitz y su Camera Work desempeñaron un papel tan importante en el alejamiento del pictorialismo como en su promoción. Ya en 1904, el crítico Sadakichi Hartmann, escribiendo para «Camera Work», utilizó la expresión «straight photography» para describir la estética de bordes suaves del pictorialismo. La fotografía de Stieglitz «The Steerage» (1907), que apareció en «Camera Work» en 1911, suele considerarse la primera fotografía moderna. Sin embargo, no fue hasta 1917, con la publicación del último número de la revista, cuando la estética directa de la fotografía se hizo plenamente realidad. El número se centraba en la obra de Paul Strand (1890-1976) e incluía su ya icónico Wall Street (1915), que combinaba una audaz geometría pictórica con el tema de la vida moderna.

La idea de que la fotografía podía tener su propia estética y basarse en cualidades propias de la fotografía fue muy persuasiva para los fotógrafos de arte estadounidenses, muchos de los cuales abandonaron el pictorialismo. Edward Weston (1886-1958) llegó a la conclusión de que el trabajo creativo con la fotografía no debía tener lugar en un cuarto oscuro, sino en «la visualización previa del fotógrafo» del tema y su composición antes de mostrar el negativo en la cámara. En 1932 se formó en California un grupo para promover la fotografía directa, conocido como el Grupo f/64, del que formaban parte Weston y Ansel Adams (1902-1984). Weston, con sus bodegones y desnudos casi abstractos, y Adams, con su fotografía documental de paisajes líricos, siguieron dominando la fotografía en Estados Unidos durante décadas.

Vanguardia

En Europa, la Primera Guerra Mundial tuvo un profundo efecto en la creación artística. Los artistas, enfadados, intentaron desarrollar modos de expresión visual que pudieran transmitir la crisis de fe en los valores tradicionales que había provocado el conflicto. Las primeras fotografías no figurativas que captaban el tiempo, el espacio y otros conceptos abstractos se hicieron durante la guerra, y este espíritu de innovación radical influyó en la creación del arte de vanguardia de los años veinte y posteriores. Como tecnología moderna con matices demóticos, la fotografía se encontraba en una posición ideal para ocupar un lugar central en la escena artística de vanguardia. La fotografía tradicional, que hoy en día suele adoptar la forma de impresiones en plata con imágenes en blanco y negro, fue utilizada por Dadá en Alemania para obras de crítica social, por ejemplo, los fotomontajes dadaístas de Raoul Hausmann (1886-1971), Hanna Hoch (1889-1978) y John Hartfield (Helmut Herzfeld) (1891-1968) - y el Constructivismo en la Unión Soviética para crear nuevas imágenes figurativas para la nueva sociedad; artistas surrealistas como Man Ray (1890-76) en París en sus bromas visuales y exploraciones del subconsciente, e internacionalmente por los modernistas para celebrar nuevas formas de arte y diseño. La fotografía se adaptaba a estas preocupaciones estéticas tan diferentes porque se aferraba a la relevancia. Como tecnología moderna, la fotografía celebraba lo contemporáneo y lo material. Como dispositivo de registro mecanicista, la fotografía otorgaba un peso creativo o irracional a los hechos objetivos. En países tan opuestos ideológicamente como la Rusia soviética y Estados Unidos, un pequeño pero influyente número de vanguardistas empezó a considerar la fotografía como el medio visual ideal para la era moderna.

¿El comercio socava el arte?

Puede que la fotografía fuera ampliamente utilizada por los artistas de vanguardia, pero esto no significa que siempre reconocieran su igualdad con otras formas de arte. En parte debido a la comercialización en forma de retratos de famosos, publicidad y moda. Esta preocupación por el estatus de la fotografía fue compartida por biógrafos, historiadores del arte y comisarios, que ocultaron los elementos comerciales de las carreras de los fotógrafos para garantizar su reconocimiento como artistas. Hoy se sabe que los principales fotógrafos de la vanguardia parisina de los años veinte - Man Ray, André Kertész (1894-1985) y Brassaï (1899-1984) - trabajaron por encargo. Man Ray, nacido en Filadelfia con el nombre de Emmanuel Radnitzky, se trasladó a París en 1921 y se convirtió en un innovador iconoclasta de la pintura, la escultura, el cine y la fotografía.

Edward Steichen no se vio comprometido en 1911 por su famosa colección de fotografías de los vestidos de moda de Paul Poiret para la revista Art et Decoration . Hoy en día no consideramos que su trabajo se vea comprometido por sus sesiones editoriales o de moda. A veces, como en el caso de su famosa imagen «Black and White», el encargo estimulaba la creatividad. (Incluso algunas de las fotografías de guerra de camarógrafos como Robert Capa (1913-1954), Larry Burrows (1926-1971), Don McCullin (1935) y Steve McCarry (1950) tienen profundas cualidades artísticas. Los principales fotógrafos comerciales de moda estadounidenses de los años 50 y 60, como Irving Penn (1917-2009) y Richard Avedon (1923-2004), hicieron enormes contribuciones al arte contemporáneo a pesar de la naturaleza comercial de su fotografía de moda y desarrollaron varias técnicas fotográficas nuevas.

Fotografía humanista

Otro fenómeno importante que se desarrolla en Francia en el periodo de entreguerras es la fotografía humanista. Este tipo de fotografía, estrechamente asociada a la aparición de revistas populares como la revista Life, mostraba temas de interés humano. Los fotógrafos humanistas más famosos fueron los artistas Dorothea Lange (1895-1965) y Henri Cartier-Bresson (1908-2004), cuyas fotografías callejeras e imágenes de reportajes fotográficos de todo el mundo también se publicaron en una serie de influyentes fotolibros. Las obras realistas de Cartier-Bresson deben tanto al surrealismo como a la fotografía directa. Véanse también las fotografías inéditas en Photobook «Twentysix petrol stations» (1962) Ed Ruscha (n. 1937).

La aceptación de la fotografía como forma de arte

Una de las mejores galerías de arte moderno del mundo, el célebre Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) fue el hogar ideológico del modernismo, la estética vanguardista dominante a mediados de siglo que abarcaba el arte, el diseño y la arquitectura . El MoMA llevó a cabo una importante revisión de la fotografía en 1937 y finalmente abrió su departamento de fotografía en 1940, pero el estatus de la fotografía como forma artística aún no estaba asegurado. John Szarkowski (1925-2007), que se convirtió en conservador de fotografía del MoMA en 1962, fue el más eficaz a la hora de asimilar la fotografía al modernismo. Según Szarkowski, la fotografía legítima era «directa», democrática en su temática y tenía un fuerte componente formal. Las fotografías no eran obras de la imaginación, sino fragmentos de la realidad, organizados visualmente para reflejar una fuerte visión personal.

Según el académico Douglas Crimp, aunque la fotografía se inventó en 1839, no se desarrolló plenamente hasta las décadas de 1960 y 1970. Crimp y otros de su círculo han criticado la pérdida de comprensión que ha supuesto el traslado de las fotografías de los cajones de un archivo a las paredes de un museo de arte. Inevitablemente, este interés crítico por la fotografía, junto con libros como «Un art moyen» de Pierre Bourdieu (1965), «On Photography» de Susan Sontag (1977) y «Lusida» de Roland Barthes (1979), sirvieron para elevar aún más la fotografía en términos de su estatus cultural. El libro de Barthes, un conmovedor relato de su búsqueda de la «verdadera» imagen de su madre, es quizá el ejemplo más influyente de un intento de definir la fotografía en términos esencialistas. En su libro, Barthes articuló la idea del «punctum», el detalle de una fotografía que evoca una sensación de herida en el espectador. Al igual que en las concepciones modernistas de la fotografía, sugirió que la fotografía tiene una naturaleza única que la distingue de todos los demás medios visuales.

Varios movimientos artísticos y nuevas formas de arte de los años sesenta integraron la fotografía en sus planteamientos. Entre estos movimientos se encuentran Fluxus (años sesenta) y Pop Art (hacia 1955-1970), y Arte Povera (hacia 1966-1971), mientras que entre las nuevas formas de arte que utilizan fotografías se encuentran Installation Art y Performance Art . Uno de los artistas contemporáneos más importantes que se basó en la fotografía para crear su obra fue Andy Warhol (1928-1987); véanse, por ejemplo, sus grabados con fotografías de estrellas de cine como Elvis y Elizabeth Taylor. Muchos artistas contemporáneos, como Gilbert y George (1943 y 1942), también están muy influidos por el uso de la fotografía. Curiosamente, el retrato fotográfico que el propio Warhol hizo en 1987 de Robert Mapplethorpe (1946-1989) y que Christie’s subastó en 2006 por 643.200 dólares sigue siendo una de las fotografías más caras de la época.

La fotografía posmoderna

Una conceptualización opuesta de la fotografía afirma que no tiene características innatas. Se argumenta que su identidad depende de las funciones y aplicaciones que se le atribuyan. Esta teoría de la fotografía pertenece a la crítica moderna del modernismo conocida como posmodernismo. (Nota: véanse también: El arte del posmodernismo y Artistas del posmodernismo .) El deseo de volver a ver el arte como algo comprometido social y políticamente, en lugar de pertenecer al ámbito de la pureza creativa, condujo a los estudiosos a la obra de Walter Benjamin, crítico y filósofo asociado a la Escuela de Fráncfort en la década de 1930. Argumentando que la copia fotográfica destruía «el aura» de la obra de arte original y que las masas podían disfrutar del arte a través de este simulacro, la fotografía simbolizaba para Benjamin la posibilidad de despojar a los nacionalsocialistas del poder cultural y, en última instancia, político. En la década de 1980, los teóricos de izquierdas empezaron a replantearse la historia del medio en términos de la implicación de la fotografía en el ejercicio del poder. (Para el poder y la desnudez, véase la obra de Helmut Newton (1920-2004); para la cobertura del género, véase la obra de Nana Goldin (n. 1953)). La noción de objetividad fotográfica se vio socavada por el trabajo de estos académicos e intelectuales, así como por Jean Baudrillard, que cuestionó la idea de una realidad preexistente que simplemente es captada o reflejada por los medios visuales. Según Baudrillard, las imágenes son la realidad a través de la cual conocemos el mundo.

Hasta la década de 1970, el arte fotográfico se identificaba con imágenes icónicas del siglo XIX y principios del XX. Hoy se identifica con obras realizadas en los últimos treinta y cinco años aproximadamente. El récord mundial de una fotografía vendida en subasta fue de 4,3 millones de dólares por «Rhine II» (1999) de Andreas Gursky (nacido en 1955). Cuando entramos en el siglo XXI, el récord mundial era de 860.000 dólares - «La Gran Ola», establecido por Gustave Le Gray (1820-1884). El aumento masivo de la fotografía se cita a menudo como prueba de que la fotografía fue finalmente aceptada como un arte. (Nota: véase también «Cuadros más caros: los 20 más caros» .) Sin embargo, no es la primera vez que se define la fotografía como una forma de arte. Lo que la distingue hoy del pasado es que la información, en cualquiera de sus formas, rara vez se transmite sin imágenes fijas o en movimiento: la fotografía digital es una maravilla tan moderna como lo era el daguerrotipo en 1839. (Nota: véanse también animación y videoarte .)

Conclusión: la fotografía – es un arte

Considerando algunos argumentos intelectuales, el consenso actual parece ser que las fotografías captan un momento artificioso o intencionado de la realidad, y es esta intencionalidad la que contiene el núcleo artístico. (Véanse, por ejemplo, las fotografías «escenificadas» de Jeff Wall (nacido en 1946), los paisajes manipulados de Andreas Gursky (nacido en 1955) o los autorretratos surrealistas de Cindy Sherman (nacida en 1954)). En otras palabras, el arte del fotógrafo es su capacidad para captar un momento de la realidad y transformarlo en una imagen visible de interés o belleza. Es irrelevante que una fotografía pueda reproducirse mil veces, privando así «al original» de su condición única. Basta con que no haya dos fotógrafos que puedan producir una imagen completamente idéntica. La calidad artística de la «imagen pictórica», que es, por así decirlo, «creada» en un cuarto oscuro, está aún más asegurada. El proceso de evaluar si una fotografía es arte nos recuerda que ni la pintura ni la escultura son formas de arte tan puras como a veces se supone. La escultura de bronce puede fundirse y refundirse en un gran número de copias; y nuestro conocimiento de la escultura griega no procede de las estatuas griegas originales, sino de copias romanas. Además, se calcula que al menos 1 de cada 10 cuadros que cuelgan en los mejores museos de arte, son copias, no originales. Al fin y al cabo, la cámara, junto con el cuarto oscuro y sus productos químicos, no es tan diferente de los pinceles y los colores del artista. No es más que un conjunto de herramientas con las que el fotógrafo intenta crear una imagen: una imagen que nos conmueva el alma, como lo hacen las pinturas al óleo.

Hoy en día, los mejores ejemplos de fotografía artística pueden verse en muchos museos de todo el mundo, entre ellos El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (colecciones de Stieglitz, Steichen, Walker Evans y Ford Motor Company); el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York (colecciones reunidas por Edward Steichen, John Szarkowski y Peter Galassi); El Museo Guggenheim de Nueva York (colección de Robert Mapplethorpe); Art Institute of Chicago (Colección Alfred Stieglitz); Detroit Institute of Arts (Albert / Peggy de Salle Gallery); Los Angeles County Museum of Art (Wallis Annenberg Photography Department); Philadelphia Museum of Art (30.000 fotografías de fotógrafos como Alfred Stieglitz, Paul Strand); y Victoria and Albert Museum, Londres (500.000 imágenes desde 1839 hasta la actualidad).

Para una explicación de los términos más utilizados, véase: Fotografía artística, Glosario