Xilografías: técnica de grabado de impresión en relieve Traductor traducir

El grabado en madera, la técnica más antigua utilizada en las bellas artes, es un tipo de impresión en relieve. Se hace un esbozo o dibujo artístico en una pieza de madera (normalmente de haya), luego se recortan las zonas intactas con una gubia, dejando una imagen en relieve, que luego se aplica con pintura.

Las impresiones de grabado en madera se realizan presionando un soporte elegido (normalmente papel) contra la imagen aplicada. Si se utiliza color, se necesitan bloques de madera separados. El grabado en madera también se denomina xilografía o proceso xilográfico (de las palabras griegas «xulon» - madera y «graphikos» - escribir/dibujar), y en la tipografía moderna estos términos se utilizan comúnmente para referirse a las impresiones de texto.

Antes de la llegada de la tecnología mecánica, todo el proceso requería relativamente mucha mano de obra. Normalmente, un artista sólo esbozaba un grabado sobre madera, ya fuera dibujándolo directamente sobre la madera o dibujando primero sobre papel y luego calcándolo o pegándolo sobre la madera. A continuación, unos artesanos especiales, llamados «formschneiders», realizaban la talla propiamente dicha de la madera, tras lo cual el bloque se entregaba a los impresores.

Nota: sobre el grabado artístico moderno, véanse Serigrafía (popularizada por Warhol) y Giclée (impresora de chorro de tinta).

Simplicidad del proceso

El grabado en madera o xilografía es un proceso pictórico mucho más sencillo que la calcografía o la impresión de superficie como la litografía, y en comparación con el aguafuerte y el grabado, sólo se necesita una pequeña cantidad de presión para producir una impresión. Además, el grabado puede utilizarse junto con los tipos móviles, ya que ambos emplean el método del relieve, una de las razones por las que siguió siendo la principal técnica de impresión para la ilustración de libros hasta finales del siglo XVI. La xilografía final se producía de tres formas diferentes.

❶ Estampación . Este método se utilizó en la mayoría de las xilografías de principios del Renacimiento (1400-50). Se extendía un soporte (papel o tela) sobre una superficie plana y se colocaba sobre él un bloque de madera de modo que la superficie de coloración estuviera en contacto con el soporte; a continuación, se presionaba el reverso del bloque contra el soporte para formar una impresión y producir una imagen impresa.

❷ Frotación . Este método se utilizaba mucho en China y Japón, pero no se popularizó en Europa hasta después de 1450. Consiste en colocar un bloque sobre una mesa con la superficie entintada hacia arriba. A continuación, se coloca papel o tela encima y se frota el reverso del bloque con una estera dura, un trozo de madera o cuero llamado frotton (de la palabra francesa «frotter» - frotar). Los impresores modernos utilizan una herramienta llamada baren.

❸ Prensas . Al principio se utilizaban simples prensas de pesas, y a finales del siglo XV aparecieron versiones más sofisticadas, después de que Johannes Gutenberg creara la imprenta.

Historia temprana de la xilografía

Las xilografías, que aparecieron en el arte chino en el siglo V, aparecieron por primera vez en Europa a principios del Renacimiento . El ejemplo datado más antiguo es la «Virgen con cuatro vírgenes santas en un jardín» (1418). Sin embargo, algunos señalan a «San Cristóbal llevando al Niño Jesús», encontrado en un monasterio de Buxheim y fechado en 1423, como la obra más antigua.

El arte de la xilografía se desarrolló ampliamente en el siglo XIV con la llegada del papel, que se producía en grandes cantidades, facilitando la producción de estampas religiosas y manuscritos iluminados . Dada la dificultad de raspar la madera entre las líneas y el peligro de que, si éstas eran demasiado finas, la madera se astillara, las primeras xilografías consistían en contornos gruesos con poco sombreado.

Al igual que los modernos libros infantiles para colorear, las xilografías sólo servían para imprimir el contorno de una imagen, y los detalles debían colorearse a mano. Sin embargo, a medida que crecía la demanda de libros, también lo hacían las xilografías y sus temas. Fueron artistas como Alberto Durero (1471-1528) , del Renacimiento septentrional, quienes transformaron esta forma de arte, produciendo xilografías como «Sansón matando al león» (c. 1497, Metropolitan Museum of Art, Nueva York). Consiguió un detalle asombroso, dado que cada línea se creaba tallando la madera por ambos lados. Los sutiles tonos y texturas llevaron a Erasmo de Rotterdam (1466-1536) a declarar que añadir color «dañaría la obra».

Grabados en madera claroscuros

El artista veneciano Tiziano (1485-1576) dio un nuevo impulso a la xilografía en Italia. Eligió esta forma de dar publicidad a sus dibujos. En el cuadro «San Jerónimo en el desierto» (1523, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), las audaces líneas en negrita sugieren que dibujó directamente sobre el bloque y luego utilizó un cincel para seguir sus marcas lo más fielmente posible.

Fue en las xilografías donde apareció por primera vez el color, en grabados conocidos como xilografías de claroscuro. Las primeras xilografías en color pretendían imitar el aspecto de un dibujo realizado sobre papel de color y se denominaban claroscuro . En estos dibujos, el papel de color servía como tono medio, y los artistas trabajaban hacia la luz (chiaro) añadiendo aguada blanca, y hacia la oscuridad (scuro) añadiendo rayas cruzadas con aguada oscura o tinta.

La xilografía en claroscuro fue desarrollada en 1509 por Hans Burgkmayr (1473-1531), así como por Hans Baldung Grien (1484-1545) y Parmigianino (1503-1540). Utiliza bloques de líneas para crear un efecto de rayado cruzado y bloques de tonos para crear zonas planas de color. El pintor italiano Ugo da Carpi (1455-1523) introdujo esta técnica en Italia, trabajando en colaboración con Tiziano. Sin embargo, a finales del siglo XVI, Tiziano parece haber perdido el interés por las xilografías, favoreciendo los efectos de los grabados calcográficos.

El desarrollo de la xilografía europea (1600-1800)

La Alemania del siglo XV fue uno de los primeros centros tanto de las bellas artes como de la impresión de textos. Los ilustradores de libros pioneros fueron Michael Wolgemuth (1434-1519) y Erhard Reuwig (c. 1450-1505), así como Martin Schongauer (1448-1491) (este último introdujo el sombreado, más problemático en la xilografía que en el aguafuerte o el grabado). Les siguió el maestro grabador del Renacimiento alemán, Alberto Durero (1471-1528), cuya habilidad sigue siendo inigualable. Más tarde, en el siglo XVI, el artista y grabador suizo Urs Graf (1485-1529) desarrolló la xilografía de líneas blancas, en la que la imagen se esculpe en finas líneas, similar al grabado .

Sin embargo, debido a la llegada del grabado, la xilografía se convirtió en una forma de arte inaccesible durante dos siglos. En los siglos XVII y XVIII, los libros se ilustraban principalmente con finos grabados en cobre. Los grabados en madera sólo se utilizaban para los libros baratos llamados «chap books». Estas imágenes se creaban a partir de bloques de madera toscamente trabajados. Las xilografías eran populares en la prensa porque se imprimían fácilmente en tipografía. Los artistas se rebelaron contra los efectos de las xilografías producidas en masa y empezaron a inspirarse en los grabados de Rembrandt (1606-1669) y Goya (1746-1828).

Los méritos del dibujo fino y las líneas finas creadas por los grabados impresos fueron promovidos por la Escuela de Barbizon (c. 1830-70). Los impresionistas Édouard Manet (1832-1883), Edgar Degas (1834-1917) y Camille Pissarro (1830-1903) ampliaron las posibilidades del aguafuerte con la litografía y el aguatinta.

Grabado en madera (década de 1900)

A finales del siglo XVIII, el grabador en metal Thomas Bewick (1753-1828) reconoció el potencial del grabado en madera y lo llevó a un nuevo nivel. Desarrolló la técnica de la línea blanca. A diferencia de sus predecesores, Bewick grababa sobre maderas más duras. Trabajaba a contrapelo, utilizando herramientas finas, generalmente grabadores de metal. Este estilo resultó mucho más logrado y ha sido el más popular desde entonces.

El grabador y artista suizo Felix Vallotton (1865-1925), asociado con «Nabi», revivió la xilografía de línea blanca, que coincidió con el japonismo, la moda de los grabados que recorrió Europa en la década de 1860. La obra de Vallotton está claramente influida por el postimpresionismo, el simbolismo y las xilografías japonesas ukiyo-e (véanse, en particular, las obras de Hokusai [1760-1849] y Hiroshige [1797-1858]). En general, sus xilografías adquieren un carácter más gráfico, lo que influyó en los artistas Edvard Munch (1863-1944), Franz Masereel (1889-1972), Aubrey Beardsley (1872-98) y Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938).

Representantes del expresionismo alemán disfrutaron trabajando con xilografías, produciendo obras impactantes como «Profeta» (1912, colección privada) Emil Nolde (1867-1956). Karl Schmidt-Rothluff (1884-1976) fue otro expresionista alemán que produjo xilografías excepcionalmente impactantes. Otros artistas influidos por este movimiento fueron los estadounidenses Mary Cassatt (1844-1926) y Paul Gauguin (1848-1903).

Un desarrollo reciente de esta forma de arte es el método de abrasión, que se utiliza para distinguir las zonas impresas en una macrorrayas de las zonas no impresas. Las primeras se cubren con una pantalla metálica o de caucho-cemento y, a continuación, se trata toda la superficie con pintura.

Grabados xilográficos de estilo Ukiyo-e

La xilografía se utilizó por primera vez en Japón en el siglo VIII para imprimir textos, sobre todo escrituras budistas. Aunque a principios del siglo XVII el diseñador Tawaraya Sotatsu (fallecido hacia 1640) utilizó sellos de madera para imprimir diseños en papel y seda, la xilografía siguió siendo principalmente una herramienta para imprimir textos hasta el siglo XVIII.

En 1765, una nueva tecnología permitió producir grabados de una sola hoja en diversos colores. Pronto empezaron a aparecer coloridas imágenes de cortesanas y actores de kabuki, acompañadas de historias, que se hicieron enormemente populares entre las clases medias. El término Ukiyo-e significa «mundo flotante» y se refiere generalmente a los temas degenerados que los artistas preferían representar, incluidos bares y burdeles. Las xilografías Ukiyo-e aparecieron por primera vez a principios del periodo Edo (1600-1868), y sus grandes maestros fueron Ando Hiroshige (1797-1858) y Suzuki Harunobu (1725-1770).

Para crear una xilografía, el artista dibujaba primero un diseño en papel y luego lo transfería a un papel más fino y transparente. El papel se pegaba a la xilografía y el grabador seguía el dibujo y cincelaba los bordes para crear un dibujo en relieve. Se aplicaba pintura a la superficie de la xilografía. Se colocaba una nueva hoja de papel sobre la xilografía y se frotaba con un palo redondo para transferir la imagen.

Se hacían miles de reproducciones hasta que los bloques de madera se desgastaban demasiado. Hoy en día, el ukiyo-e sigue siendo una parte importante de la cultura japonesa, y elementos de su diseño se han incorporado a gráficos y dibujos animados modernos. Las reproducciones de carteles son muy populares.