Arte religioso: definición, historia, tipos Traductor traducir

¿Qué es el arte religioso? Hay muchas maneras de definir el significado del término. Podemos decir que es:
❶ Cualquier obra de arte que tenga un tema cristiano o bíblico ) Arte cristiano); o
❷ Cualquier obra de arte que ilustre el culto a cualquier dios o deidad; o
❸ Cualquier obra de arte con un tema del islam, el budismo, el hinduismo, el sijismo, el juche, el judaísmo, el bahaísmo o el jainismo, o cualquier arte que represente temas del sintoísmo, el kaodai o las religiones tradicionales chinas.

Sin embargo, tras un análisis más detallado, estas definiciones se refieren al contenido «religioso», no a la calidad «religiosa». Por ejemplo, una pintura de una escena de crucifixión que llama la atención sobre algún atributo físico fundamentalmente extraño o sacrílego de Cristo moribundo difícilmente merece la descripción de obra de arte religiosa. Además, algunas religiones (ortodoxa oriental, islam) tienen ciertas normas (cánones) que limitan el tipo de arte permitido: una escultura de Mahoma se consideraría blasfemia, no una obra de arte religioso. Así pues, para que una pintura, escultura o arquitectura se considere «religiosa», debe tener alguna narrativa moral reconocible que dote a la obra de la necesaria cualidad «sagrada». Como ocurre con la evaluación de todo arte, determinar la presencia o ausencia de este atributo moral es un ejercicio esencialmente subjetivo, aunque en la mayoría de los casos la respuesta sea bastante sencilla.

Por lo tanto, la definición de arte religioso que proponemos es la siguiente:

Arte religioso es cualquier obra cuyo tema apoya el mensaje moral de la religión que pretende ilustrar. En este contexto, religión significa cualquier conjunto de creencias humanas relacionadas con lo que se considera sagrado, santo, espiritual o divino, haya o no deidades implicadas.

Tipos comunes de arte religioso

Desde la antigüedad, la forma más común de arte religioso ha sido la pintura y la escultura portátil. Sin embargo, la forma de arte religioso con mayor impacto visual es sin duda la arquitectura . Desde las pirámides egipcias hasta el círculo de piedra de Stonehenge, desde la catedral de Santa Sofía de Estambul hasta la Gran Mezquita Omeya de Damasco, desde la Cúpula de la Roca de Jerusalén hasta las catedrales góticas francesas , desde la Basílica de San Pedro en Roma hasta el Taj Mahal, las autoridades religiosas recurrieron constantemente a la arquitectura para influir y asombrar a sus comunidades. Las obras de arte interiores y exteriores de estas iglesias y templos cristianos, islámicos y budistas solían incorporar una amplia gama de artes decorativas, entre ellas: caligrafía, cerámica, artesanía, iconos, manuscritos ilustrados, metalistería, mosaicos, vidrieras, tapices y tallas de madera.

Para más información sobre la función y el diseño de las tumbas piramidales en el antiguo Egipto, véase: Arquitectura egipcia (c.3000).

La finalidad y el valor del arte religioso

El arte religioso consiste, directa o indirectamente, en persuadir a los conversos. La arquitectura es, por tanto, la forma principal, ya que una catedral puede inspirar, educar y alojar a los fieles. Las esculturas públicas también pueden inspirar, mientras que los mosaicos interiores y las vidrieras pueden ilustrar historias divinas, algo importante en una época en la que el analfabetismo era la norma. Al transmitir el mensaje de un universo ordenado bajo Dios, el arte cristiano también contribuyó a crear y mantener el orden social. Pero siempre tuvo un alto coste. En sus intentos por revivir la grandeza, la belleza y el prestigio de Roma a través de una mejor arquitectura, escultura y frescos, el Papa Julio II (1503-1513) y el Papa León X (1513-1521) casi llevaron a la Iglesia a la bancarrota. De hecho, el gasto excesivo de los presupuestos papales en las artes fue una causa importante de la Reforma, ya que provocó el aumento de los impuestos al pueblo llano y de la corrupción entre los ministros de la Iglesia. No obstante, durante al menos nueve siglos, entre 800 y 1700, la Iglesia romana fue con diferencia el mayor mecenas de las artes.

Historia del arte religioso occidental

Arte religioso prehistórico temprano

Nadie sabe con certeza cuándo empezó el hombre a crear arte específicamente religioso. Sabemos que varios tipos de imaginería religiosa empezaron a aparecer durante el Neolítico : ejemplos incluyen una estatuilla de terracota «de la Virgen María en un trono» (6000 a.C..) encontrada en Catal Huyuk, en Anatolia, Turquía y una figura de arenisca teriantrópica conocida como Dios de los Peces de Lepenski Vir (datada en el 5000 a.C.) encontrada en un asentamiento a orillas del Danubio en Serbia.

Arte religioso de la antigüedad (c. 3500 a.C. - 400 d.C.)

Egipto albergó un importante número de temas y objetos de arte religioso. El papel de los artistas egipcios era exaltar a su faraón, un rey secular que era adorado como un gobernante divino, presumiblemente una encarnación del dios Horus. El foco principal del arte egipcio era la pirámide -la tumba del faraón y su familia-, que solía estar repleta de imágenes, esculturas y muchos otros objetos valiosos para ayudarle a sobrevivir y prosperar en la otra vida. También se construyeron templos para los faraones vivos, al igual que para los dioses de la antigua Grecia y Roma, durante el periodo 600 a.C. - 400 d.C. religioso El arte griego está mejor ilustrado por el Partenón (dedicado a la diosa Atenea) y otros templos de la Acrópolis de Atenas. Antes del 400 d.C., las obras de arte sacro que se conservan son casi exclusivamente arquitectónicas o escultóricas. Prácticamente toda la pintura de esa época ha desaparecido. Lo mismo ocurrió en el norte de Europa, donde empezaron a aparecer estructuras ceremoniales, posiblemente religiosas, como la tumba de Newgrange en Irlanda y Stonehenge en Inglaterra, a partir de finales del cuarto milenio a.C.

Arte cristiano

El arte cristiano (principalmente el arte bíblico) apareció unos 150 años después de la muerte de Cristo. El arte cristiano primitivo original -incluida la escultura cristiana primitiva - era en realidad un tipo de arte romano cristiano, que combinaba la imaginería romana con motivos griegos clásicos: la imagen de Cristo en Majestad deriva tanto de los retratos imperiales romanos como de las representaciones del dios griego Zeus. En los siglos siguientes, la iconografía cristiana se fue normalizando y armonizando con los textos bíblicos. Un relato del manuscrito cristiano iluminado (ilustrado) más antiguo del mundo: el Evangelio de Garim (390-660) del monasterio etíope de Abba Garim.

Breve guía del arte judío en un artículo sobre el Museo de Arte Judío de Jerusalén, que alberga la colección más extensa del mundo de arte y artesanía asquenazí, sefardí y oriental.

Arte religioso bizantino (c. 400-1000)

El arte bizantino en Constantinopla produjo una serie de extraordinarios ejemplos de arquitectura cristiana, como la iglesia de la Chora, la catedral de Santa Irene, la iglesia de Sergio y Baco y la asombrosamente grandiosa Santa Sofía (532-37). También construyeron la iglesia de Santa Sofía en Sofía (Bulgaria) (527-65) y la catedral de Santa Sofía en Tesalónica. El arte del mosaico también era común. Para más detalles, véase: Arte cristiano de la época bizantina .

Pintura religiosa rusa: iconos, frescos (c. 950-1700)

La técnica de la pintura de iconos se extendió por toda la Europa ortodoxa oriental, especialmente en Kiev, Nóvgorod y Moscú. Los iconos se convirtieron en la característica principal de la pintura medieval rusa . Sobre los grandes pintores de iconos rusos, véase: Teófanes el Griego (c. 1340-1410), fundador de la escuela de pintura de iconos de Nóvgorod ; su joven discípulo Andrés Rublev (c. 1360-1430), famoso por su obra maestra, el icono de la Santísima Trinidad (1411-25); y Dionisio (c. 1440-1502), conocido por sus iconos religiosos para el monasterio de Volokolamsk. La Escuela de Pintura de Moscú (c. 1500-1700) introdujo a los hermanos Stroganov, Prokopiy Chirin, Nikifor Savin y Simon Ushakov (1626-1686).

Arte religioso en Gran Bretaña (c.600-1150)

Protegida de la romanización y de las invasiones bárbaras por su posición aislada, Irlanda se convirtió en un importante centro del arte cristiano primitivo. Los monasterios irlandeses produjeron una serie de destacados manuscritos iluminados (por ejemplo, «El Libro de Kells»), cuyas ilustraciones se inspiraron en diseños de la cultura celta de La Tène. El arte celta de trabajar con metal está representado en una serie de vasos eclesiásticos irlandeses, como la Copa de Ard, la Capilla del Cinturón de Moyle, y cruces procesionales como la cruz de Tally Loch del siglo VIII-IX y la gran cruz de Cong del siglo XII. Un tercer tipo de arte cristiano, producido por esta fusión de devoción monástica y artesanía celta, fue la escultura de la alta cruz celta, que se produjo en grandes cantidades en toda Irlanda entre 750 y 1150.

Arte religioso románico-gótico (800-1400)

Carlomagno, rey de los francos, inició el renacimiento del arte religioso cristiano desde su corte en Aquisgrán. El arte carolingio incluía obras de arquitectura, escultura medieval, frescos, manuscritos evangélicos ilustrados y mucho más. Los sucesores de Carlomagno preservaron estas tradiciones en la época del arte otomano -famoso por sus metales preciosos - con el apoyo de una Iglesia renacida con sede en Roma. El arte y la arquitectura románicos se sucedieron desde el siglo XI hasta aproximadamente 1200, cuando fueron suplantados por la arquitectura gótica ) gótica radiante y flamígera) con sus airosos arcos y magníficas vidrieras. La escultura gótica era más memorable y expresiva.

El periodo gótico fue testigo de uno de los mayores florecimientos del arte monumental cristiano, ejemplificado por el enorme programa de construcción en Francia -véase, por ejemplo, la catedral de Notre Dame (París) y la catedral de Chartres, y otras estructuras por toda Europa. Se construyeron catedrales góticas en Laon, París (Notre Dame), Chartres, Soissons, Bourges, Reims, Amiens, Beauvais, Auxerre y otras ciudades. En Alemania , el estilo gótico se ilustra en lugares como la catedral de Colonia, mientras que en Inglaterra aparecieron catedrales en Lincoln, Wells, Salisbury, Canterbury, Durham y Ely, junto con la catedral de York y la abadía de Westminster. Junto a los arquitectos, se empleó a un ejército de canteros y otros artesanos para producir una gran cantidad de obras decorativas, como estatuas para columnas, mosaicos y esculturas monumentales. El gótico tardío fue conocido por sus exquisitos retablos tallados por artesanos como Veit Stoss (c.1447-1533) y Tilman Riemenschneider (c.1460-1531).

Pintura religiosa del Renacimiento septentrional (1400-1600)

El retablo fue una característica constante del arte religioso neerlandés en este periodo, ejemplificado por El retablo de Gante (1425-32) Jan van Eyck (1390-1441) y Hubert van Eyck (m. 1426), Retablo de Portinari (1475) Hugo van der Goos (1440-1482), Retablo de Isenheim (1515) ejecutado por Matthias Grünewald (1470-1528), y Deposición de la Cruz (1435), creado por Rogier van der Weyden (1400-1464) para la iglesia de Notre Dame du Dehors (actualmente en el Museo del Prado, Madrid). Véanse también las extraordinarias e irresistibles pinturas fantásticas de El Bosco «El jardín de las delicias» y el tríptico «Voz hay. Infierno» (1516), y «Torre de Babel» de Pieter Bruegel el Viejo.

Arte religioso del Renacimiento italiano (1400-1600)

Anticipado por los frescos de Giotto en Los frescos de Giotto en la Capilla Scrovegni (1303-10), El arte renacentista italiano Quattrocento (quattrocento) fue financiado por la Iglesia cristiana, así como por líderes seculares como las familias Medici y Gonzaga, al igual que la más conservadora escuela de pintura de Siena. No obstante, una gran parte de la pintura y la escultura de principios del Renacimiento tenía motivos o temas religiosos: frescos de la Santísima Trinidad de Mazaccio (1428) y de la Capilla Brancacci (1424-8), La Anunciación (1450) de Fra Angelico (1395-1455), y «La Última Cena» (1495-8) de Leonardo da Vinci (1452-1519). La pintura del Alto Renacimiento incluía obras maestras religiosas como La Madonna Sixtina (1513-14) de Rafael (1483-1520) y los asombrosos frescos Génesis (1508-1512) y El Juicio Final (Capilla Sixtina) de Miguel Ángel (1475-1564).

La obra más famosa de la arquitectura renacentista   la reconstruida y reedificada Basílica de San Pedro en Roma (1506-1626).

Venecia

La pintura veneciana incluye a muchos pintores destacados de temas religiosos, sobre todo Tiziano (1477-1576) y Tintoretto (1518-1594), así como el colorista Paolo Veronese (1528-1588), famoso por sus enormes escenas de banquetes bíblicos, como las Bodas de Caná (1563, Louvre) y Banquete en casa de Leví (1573, Academia de Venecia). Véase El legado de la pintura veneciana .

El arte religioso renacentista en provincias puede ejemplificarse con Asunción de la Virgen (catedral de Parma) (1526-30) Antonio Allegri da Correggio (1489-1534).

Pintura religiosa manierista (1530-1600)

La Iglesia católica romana tuvo una actitud ambivalente hacia el movimiento artístico del manierismo estilizado . Por ejemplo, en Italia, tras el Concilio de Trento, las formas estilizadas y la artificialidad de la pintura manierista se consideraron una interferencia innecesaria con el mensaje litúrgico. Un ejemplo de pintor manierista que cambió su estilo de acuerdo con las enseñanzas de la Iglesia es Federico Barocci (1526-1612). Para más información, véase: Retablos venecianos (1500-1600). En España, sin embargo, la expresividad del nuevo estilo se percibió como un medio ideal para representar intensas experiencias religiosas.

Un avance importante en esta época, gracias a personajes como Antonello da Messina (1430-1479) y Caravaggio (1573-1610), fue el uso de formas humanas más realistas en la representación de la Sagrada Familia y otras figuras bíblicas. Por ejemplo, Cristo coronado de espinas (Ecce Homo) (1470) de Antonello da Messina. La arquitectura religiosa renacentista queda ilustrada por la cúpula de la catedral de Florencia, diseñada por el arquitecto y artista Filippo Brunelleschi (1377-1446), y la restauración de la iglesia de San Pedro de Roma, de 1100 años de antigüedad (1506-1626), a cargo de Bramante Rafael Sangallo, Maderno, Miguel Ángel y Bernini. Este proyecto se extendió más allá del Alto Renacimiento hasta la época barroca.

La escuela renacentista española (siglo XVI)

El Renacimiento en España fue a la zaga del italiano y de otros. A pesar de ello, la piedad y la devoción españolas a los dogmas religiosos de Roma eran absolutas. No es de extrañar, por tanto, que sus artistas se dedicaran a difundir e ilustrar los mensajes cristianos. Entre ellos: Alonso Berruguete (c.1486-1561) el más grande de todos los escultores renacentistas de España, entre cuyas obras maestras destacan el retablo del monasterio de La Mejorada de Valladolid (1526) y la sillería del coro de la catedral de Toledo (1539-43); Juan de Juni (1507-1577), famoso escultor del manierismo francés especializado en temas religiosos y en la expresión dramática de la emoción, ejemplificada en sus dos grupos de Entierro de Cristo (1544, catedral de Valladolid y 1571, catedral de Segovia). La pintura religiosa española de finales del Renacimiento está ilustrada por el pintor manierista El Greco (1541-1614), entre cuyas principales obras se encuentra La Santísima Trinidad (1577), Despojando a Cristo de sus vestiduras de El Espolio (1577), El entierro del conde de Orgaz (1586-88), Cristo expulsando a los mercaderes del Templo (1600), Abriendo el quinto sello del Apocalipsis (1608); Adoración de los pastores (1612-14), Pedro arrepentido (1600), y Cristo llevando la cruz (1600).

Arte religioso barroco (1600-1700)

Tras la Reforma de Martín Lutero (c. 1517) y la aparición de nuevas formas de arte protestante de la Reforma, el Vaticano lanzó una vigorosa campaña de arte católico de la Contrarreforma destinada a recuperar la atención de las comunidades díscolas de Europa. La pintura, y técnicas pictóricas como el caravagianismo, fue un elemento clave de esta campaña de propaganda religiosa. La Iglesia quería transmitir su mensaje directamente a los fieles y exigía a sus artistas una claridad sin concesiones. Para lograrlo, las pinturas debían ser ante todo realistas, y el realismo sin complicaciones de Caravaggio fue una característica expresiva de la campaña de la Contrarreforma. Al descartar las pretensiones intelectuales y estilísticas del Manierismo tardío, un estilo que había llegado a ser apreciado sólo por una minoría culta, el realismo dio a la pintura el aspecto que hacía especialmente inspirador al templo romano. Ejemplos de realismo religioso son La llamada de san Mateo (1600), El martirio de san Mateo (1600), La cena de Emaús (1601), La crucifixión de san Pedro (1601), La conversión del apóstol Pablo en el camino de Damasco. (1601), Muerte de la Virgen (1601-6), y Posición en el ataúd (1601-3).

Otra forma de arte favorecida por la Contrarreforma católica fue la pintura al fresco, basada en la cuadratura, concebida para inspirar a las congregaciones con técnicas ilusionistas. Véase, por ejemplo: Apoteosis de San Ignacio (1694) de Andrea Pozzo.

En España, el devoto Francisco de Zurbarán (1598-1664), muy influido por el quietismo español, realizó pinturas sacras para numerosos monasterios y órdenes religiosas (cartujos, capuchinos, dominicos, jerónimos, etc.), así como catedrales y otros lugares eclesiásticos. Entre sus obras significativas figuran Cristo en la Cruz (1627), Apoteosis de Santo Tomás de Aquino (1631) y Adoración de los pastores (1638). El gran Diego Velázquez (1599-1660), aunque célebre como retratista virtuoso, también produjo varias pinturas sacras, como Inmaculada Concepción (1618), El manto de José (1630) y Cristo crucificado (1632). La escultura religiosa barroca española está ampliamente representada en Sevilla por el artista Juan Martínez Montañez (1568-1649), apodado el Dios de la Madera por su habilidad para la talla. Creó principalmente crucifijos de madera y estatuas de figuras religiosas. Sus obras más famosas son: La Misericordia de Cristo (1603, Catedral de Sevilla) y El Altar de Santiponce (1613). Otro destacado representante del barroco español   explosivo Alonso Cano (1601-1667), conocido como el «Miguel Ángel español», cuya obra maestra es la Inmaculada Concepción (1655, Catedral de Granada).

En Flandes, el máximo representante de la pintura religiosa flamenca del siglo XVII fue Rubens (1577-1640), líder indiscutible de la escuela barroca flamenca, que siguió los pasos de pintores religiosos anteriores como Robert Campin, Hugo van der Goos y Hans Memling.

En Italia, donde tenía su sede la Iglesia católica romana, artistas como Nicola Poussin (1594-1665) y Claude Lorrain (1600-1682) recibieron numerosos encargos religiosos. Los grandes maestros de la escultura religiosa italiana fueron el incomparable Bernini (1598-1680) -véase su Deleite de santa Teresa (1645-52), creado para la capilla Cornaro de la iglesia de Santa Maria della Vittoria de Roma- y su gran rival, Alessandro Algardi (1598-1654). Ambos recibieron numerosos encargos papales. El barroco católico dio lugar a una arquitectura emocional que aprovechaba al máximo el potencial melodramático del paisaje urbano. La Plaza de San Pedro (1656-67) y sus accesos frente a la Basílica de San Pedro en Roma son un buen ejemplo de ello.

El protestantismo tuvo su propio arte religioso. La pintura holandesa del siglo XVII incluye algunas obras destacadas del Antiguo Testamento de Rembrandt. Además, realistas holandeses como Harmen van Steenwyk (1612-1656), Jan Davids de Heem (1606-1683), Pieter Claes (1597-1660), Willem Kalf (1622-1693) y Willem Claes Heda (1594-1681) introdujeron un género llamado Vanitas (basado en el Eclesiastés 12: 8 «Vanidad vacía, dijo el Predicador, todo está vacío», otra traducción: «Todo carece de sentido. ¡El Maestro dice que todo es una pérdida de tiempo!»), cuyo tema principal era lo efímero de la vida y lo absurdo de las vanidades humanas. Véanse también los cuadros de interiores de iglesias de Emmanuel de Witte (1615-1692) y de Pieter Sanredam (1597-1665).

Entre 1650 y 1750, aproximadamente, comenzó a cambiar el carácter del mercado europeo del arte. Hasta 1650, la mayor parte del arte era público, dirigido a las masas, principalmente en forma de arquitectura y escultura, y sobre todo religioso. En 1750, este tipo de arte público había sido sustituido por el arte de caballete portátil, principalmente pinturas para compradores comerciales. La época de los grandes gastos de las autoridades eclesiásticas había terminado.

El declive del arte religioso (1700)

El siglo XVIII fue la época de los monarcas absolutos cuyo gobierno despótico se basaba en el llamado «Derecho Divino de los Reyes», designados por Dios. Sin embargo, estos monarcas, como Luis XIV, Luis XV, los Romanov rusos y los Habsburgo austriacos, estaban demasiado preocupados por elevar su estatus secular y sostener sus chirriantes imperios como para invertir en pintura, escultura o arquitectura religiosa. Además, con la excepción de la Península Ibérica, donde la piedad española nunca decayó, el poder de la Iglesia Católica Romana se había visto gravemente debilitado por la destrucción de sus monasterios en los dos siglos anteriores. Esta combinación de debilidad secular y eclesiástica hizo que -con alguna excepción, como los encargos católicos concedidos a Giambattista Tiepolo (1696-1770) en Baviera y Venecia- la cantidad de dinero destinada a las bellas artes religiosas se redujera enormemente en el siglo XVIII. Además, durante este periodo se produjo un enorme aumento de la demanda de retratos y paisajes topográficos por parte de comerciantes y terratenientes. El periodo concluyó con la Revolución Francesa, que supuso un cambio de estado de ánimo en Europa. A partir de entonces, el arte glorificaría a las personas más que a los personajes divinos.

El siglo XIX produjo aún menos arte religioso. Aunque la Revolución Industrial había creado considerables excedentes de riqueza para la nación en su conjunto y para los individuos, éstos no se invirtieron en arte cristiano. En su lugar, los presupuestos se destinaron al desarrollo de servicios sociales y comunitarios. Los únicos encargos regulares que ofrecían las autoridades eclesiásticas eran esculturas independientes, para honrar a obispos y otros clérigos fallecidos. Y aunque algunos artistas siguieron pintando escenas bíblicas, la demanda de composiciones religiosas disminuyó, una tendencia que continuó en el siglo XX. Pero obsérvese «Entierro en Ornans» (1850) del pintor realista Gustave Courbet y las obras extrañamente simbólicas del pintor belga James Ensor (1860-1949), en particular «La entrada de Cristo en Bruselas».

Arte religioso del siglo XX

Una característica del arte cristiano contemporáneo en Estados Unidos es la arquitectura de los templos de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días (mormones). Su desarrollo -desde el sencillo diseño eclesiástico del templo de Kirtland (construido en la década de 1830) hasta los elaborados estilos góticos de los primeros templos de Utah, pasando por los modernos templos de producción masiva de hoy- ha sido una crónica de la evolución de la propia arquitectura religiosa moderna. Entre las iglesias posmodernas más recientes figuran la Community of Christ Church de Independence (Misuri), el Unity Temple, una iglesia unitaria universalista de Chicago diseñada por Frank Lloyd Wright (1867-1959), la catedral de Santa María de la Asunción diseñada por Pietro Bellusci (San Francisco) y la catedral católica de Nuestra Señora de los Ángeles (Los Ángeles) diseñada por José Rafael Moneo. Desgraciadamente, el siglo XX también fue testigo de una tremenda destrucción: muchas hermosas iglesias y otras obras de arte religioso fueron destruidas por los regímenes comunistas de Europa del Este. En cuanto a la pintura sacra, los artistas del siglo XX, con algunas excepciones, la ignoraron, prefiriendo atender al modernismo más secular y a los coleccionistas de arte moderno. Entre las pinturas religiosas modernas excepcionales se encuentran Cristo en la cruz (1936), de Georges Rouault (1871-1958); Ecce Homo (1925), de Lovis Corinth (1958-1925); Cristo en Emaús (1963), de Patrick Caulfield (1936-2005); Crucifixión 3. (1985). 85 (1985) de Antonio Saura (1930-1998) y la extraña obra abstracta San Juan (1988) de Gerhard Richter (n.1932). Mientras tanto, un ejemplo de escultura religiosa posmoderna es sin duda Virgin Mary (2005) de Damien Hirst (n.1965), que se alza en la plaza Lever House de Nueva York.

Temas en el arte cristiano

Papas y autoridades religiosas y seculares han encargado a pintores y escultores que ilustren una gran variedad de escenas de la Biblia. La elección de las escenas podía estar determinada tanto por la política religiosa como por el tipo de arte y de soporte. Por ejemplo, uno de los temas más famosos de la escultura religiosa es David y Goliat : véanse los tres Davides creados por Donatello (1386-1466), Andrea del Verrocchio (1435-1488) y Miguel Ángel (1475-1564). Leonardo desarrolló el complejo tema de la Inmaculada Concepción en su bella Virgen en las rocas (1484-6, Louvre, París). A veces los artistas se especializaban en temas bíblicos concretos; por ejemplo, la pintora barroca Artemisia Gentileschi (1593-1656) pintó Judith con la cabeza de Holofernes en varias ocasiones.

Arte religioso no cristiano

En este breve resumen, frases como arte hindú, arte budista y arte islámico no son más que términos paraguas para designar las artesanías artísticas y decorativas creadas en los territorios ocupados por la cultura respectiva. La arquitectura y la escultura (a menudo combinadas) son dos de las formas de arte visualmente más apasionantes. Véanse, por ejemplo, el templo Kandariya Mahadev del siglo XI (1017-29) en la India, el templo jemer Angkor Wat del siglo XII (1115-1145) en Camboya, y el famoso Taj Mahal (1632-54) del siglo XVII, todos ellos ejemplos destacados de arquitectura religiosa no cristiana. Otras formas de arte son la escultura en relieve, la pintura corporal, la fundición en bronce, la caligrafía, el tejido de alfombras, la cerámica, la decoración de trajes, el drapeado, el dibujo, el bordado, la pintura facial, los frisos, la fabricación de muebles y la talla de piedras preciosas, joyería, ilustración de manuscritos, talla de marfil, joyería, encuadernación, vajilla, metalistería, mosaicos, pintura, tapicería, diseño textil, talla de madera y otros.

Arte que muestra el culto a los antepasados

Este tipo abarca muchas prácticas y creencias diferentes relacionadas con los espíritus de los parientes fallecidos. Entre las sociedades cuyo arte y cultura estaban estrechamente relacionados con la celebración del culto religioso a los antepasados se incluyen varias de la antigua civilización del Mediterráneo -véase, por ejemplo, el arte egeo (2600-1100 a.C.), y el arte asiático de Japón, China, Corea, el Sudeste Asiático y el subcontinente indio. El culto a los antepasados estaba especialmente extendido en la antigua China. Para una introducción detallada a las culturas chinas, véanse los siguientes artículos:

Arte neolítico chino (7500-2000 AEC)
Cultura de la dinastía Xia (2100-1600 AEC)
Arte de la dinastía Shang (1600-1050 AEC.)
Arte de la dinastía Zhou (1050-221 a.C.)
Arte de la dinastía Qin (221-206 a.C.) a.C.)
Arte de la dinastía Han (206 a.C-220 d.C.)

Arte hindú

El hinduismo, que se remonta al segundo milenio a.C., es la principal religión de la India, con unos 850 millones de seguidores y unas 64 formas de arte tradicionales. Por ejemplo, la pintura hindú se ejemplifica en las obras tempranas y medievales de Ajanta, Bagh, Ellora y Sittanavasala, mientras que la escultura hindú no se caracteriza por un sentido de plenitud plástica, sino más bien por un carácter lineal con énfasis en el contorno, como la de Shiva. La arquitectura hindú incluye templos como el de Akshardham en Delhi, el de Hoysaleswara en Halebidu, el de Chennakeshava en Belur, el de Keshava en Somanathapura, el de Brihadiswara en Thanjavur y el de Sri Ranganathaswamy en Srirangam.

Breve repaso al arte indio:
India: pintura y escultura .
Artículos más detallados:
Pintura clásica india (antes de 1150 CE.)
Pintura india postclásica (siglos XIV-XVI)
Pintura mogola (siglos XVI-XIX)
XIX)
Pintura Rajput (siglos XVI-XIX)
Escultura India (3300 a.C. a 1850) э. - 1850)

El budismo, fundado por Siddhartha Gautama alrededor del año 600 a.C., cuenta con unos 380 millones de seguidores repartidos por la India, Asia central y meridional y Japón. La arquitectura budista se centra principalmente en templos, monasterios y santuarios, incluidas estupas, dagobas y pagodas por toda Asia. Pero la iconografía budista, utilizada en formas artísticas como la escultura, varía de una región a otra: en el Sudeste Asiático (Myanmar, Camboya, Tailandia, Indonesia), las tradiciones Theravada fomentan las imágenes de Buda como mediador o postrado; en Asia Central (China, Corea, Japón, Tíbet, Bután, Vietnam, Afganistán), las tradiciones Mahayana han dado lugar a un abanico más amplio de representaciones, que incluyen diferentes Budas, santos, bodhisattvas y otras deidades. Para más información, véase Escultura budista china (c.100-presente). El arte tridimensional budista está bien ilustrado por las esculturas de arenisca de Mathura (India). (Para más detalles, véase: Arte japonés y Arte chino .)

Nota: El arte budista chino -especialmente la pintura, la escultura y el diseño de edificios- se difundió durante la dinastía Jin oriental (317-420), las dinastías del Sur y del Norte (420-581), el imperio Sui (589-618), la mayor parte de la dinastía Tang (618-906) y la era Song (906-1279). Para más información, véanse los siguientes recursos:

Arte del Periodo de las Seis Dinastías (220-589)
Arte de la Dinastía Sui (589-618)
Arte de la Dinastía Tang (618- 906)
Arte de la dinastía Song (906-1279)
Arte de la dinastía Yuan (1271-1368)

En Corea, donde el budismo llegó de China hacia el 370 a.C., la cultura budista se mantuvo fuerte durante más tiempo: véase el artículo sobre Arte coreano (c. 3000 a.C.) para más detalles. En la India, la relación entre budismo, hinduismo e islamismo fue extremadamente compleja. El arte hindú se vio influido por el arte budista joven hasta que el budismo desapareció en torno al 950 a.C., en parte como consecuencia de la creciente influencia del islam (y del arte islámico) en paralelo con el hinduismo. Debido a esta influencia, los arquitectos hindúes adaptaron sus diseños para acomodarlos a las tradiciones de la nueva religión, como demuestran el diseño y la construcción del Taj Mahal y el Gol Gumbaz. Pero obsérvese también el reciente choque de ideologías religiosas que se produjo en Afganistán cuando los musulmanes talibanes destruyeron unas esculturas monumentales de piedra conocidas como los Budas de Bamiyán.

Para más información sobre la evolución del arte y la cultura budistas en Asia Oriental, véase: Cronología del arte chino (c. 18.000 a.C.-presente).

Arte islámico

El Islam, fundado por el profeta Mahoma hacia el siglo VII d.C., cuenta con unos 1.500 millones de seguidores en todo el mundo. Al igual que sus homólogos, el arte islámico es una mezcla de muchas culturas. Aunque refleja el credo musulmán relativo a la autoridad absoluta del Dios Único (Alá), incorpora elementos del arte griego y del cristianismo primitivo, así como de las grandes culturas de Oriente Próximo de Egipto, Bizancio y la antigua Persia, junto con la herencia oriental de la India y China. A pesar de ello, la influencia de los árabes que conquistaron el antiguo mundo islámico es de suma importancia. Propagaron el Corán, la forma árabe de escritura, las escrituras cúficas y naskhi de la caligrafía islámica tradicional, una infinita variedad de ornamentación abstracta y todo un sistema de abstracción lineal (arabesco) característico de todas las formas de arte islámico. Este trabajo de diseño abstracto equilibra la prohibición islámica de la reproducción figurativa.

Otras artes y artesanías islámicas muy conocidas son: el arte cerámico, sobre todo las lámparas de araña, la talla en piedra, el arte textil en seda y la pintura mural. La ilustración de libros era una especialidad iraní, ejemplificada por el manuscrito Manafi al-Hayavan (Utilidad de los animales) (1297) y Jami al-tawarikh Rashid al-Din. Los objetos de vidrio y metal esmaltados también eran muy apreciados, como por ejemplo el exquisito recipiente mameluco de metal plateado conocido como «Baptistere de Saint Louis» (Siria, 1290-1310). La arquitectura islámica es especialmente conocida por estructuras religiosas como: Cúpula de la Roca (Jerusalén, construida por Abd al-Malik, 691); la Gran Mezquita de Damasco (terminada en 715); el palacio de la Alhambra (Granada, c. 1333-91); la Gran Mezquita de Samarcanda (principios de 1400.); la mezquita otomana del sultán Ahmet I («Mezquita Azul») (Estambul, 1603-17); la mezquita abovedada del jeque Lutfullah (1603-18), construida por arquitectos safávidas en Ispahán; la arquitectura mogol incluye el complejo palaciego de Fatehpur-Sikri (c. 1575), construido por arquitectos safávidas en Ispahán. 1575), construido durante el reinado de Akbar, y el imponente Taj Mahal (1630-53), construido por el emperador Shah Jahan en memoria de su esposa favorita, Mumtaz Mahal.

Arte religioso prehistórico

Arte tribal (también conocido como «Arte aborigen primitivo»), es decir, obras de arte y artesanía creadas por los pueblos indígenas de las sociedades tribales de África, el Pacífico Sur e Indonesia, Australia, América del Norte y del Sur, y Alaska   generalmente mucho más sagradas u orientadas a la religión que el arte occidental. Esto se debe a que las religiones tribales eran omnipresentes. Así, las imágenes tribales (pinturas), las esculturas (tallas de piedra o madera) o los modelos tridimensionales (máscaras) encarnaban las fuerzas vitales que se creía que existían en toda la materia viva. A veces, estas imágenes representaban espíritus de los muertos, la esencia vital de los orígenes ancestrales. Por desgracia, muchas de estas obras de arte han desaparecido o han sido extorsionadas por los exploradores blancos. Lo que ha sobrevivido es sobre todo mampostería (esculturas, templos), algunos movimientos de tierra o diversos tipos de arte rupestre. A pesar de ello, se han hecho algunos hallazgos inusuales de arte religioso, entre ellos:
❶ pinturas prehistóricas en las cuevas de Laas-Gaal en Hargeisa, Somalia, que incluían dibujos de hombres y mujeres adorando al ganado y realizando rituales religiosos;
❷ pinturas en Ukhahlamba-Drakensberg, Sudáfrica, que representan animales y personas que se cree que representan creencias religiosas. Para más información sobre el arte religioso primitivo, véase: Arte tribal .