Arte religioso: definición, historia, tipos Traductor traducir
Definición / Significado
¿Qué es el arte religioso?
Hay muchas formas de definir el arte religioso. Podemos decir que es:
(1) Cualquier obra de arte que tenga un tema cristiano o bíblico ( Arte cristiano ); o
(2) Cualquier obra de arte que ilustre la adoración de cualquier dios o deidad; o
(3) Cualquier obra de arte con un tema islámico, budista, hindú, sij, juche judaico, bahai o jainista, o cualquier arte que represente temas del shinto, el cao dai o las religiones tradicionales chinas.
Sin embargo, en un análisis posterior, estas definiciones se refieren al "contenido" religioso, más que a la "calidad" religiosa. Por ejemplo, una pintura de una escena de crucifixión que llamó la atención sobre algún atributo físico fundamentalmente extraño o blasfemo del Cristo moribundo difícilmente merecería la descripción del arte religioso. Además, ciertas religiones (ortodoxas orientales, Islam) tienen ciertas reglas que circunscriben el tipo de arte permitido: una escultura de Mahoma sería considerada como una blasfemia, en lugar de una pieza de arte religioso. Por lo tanto, para calificar como "religioso", la pintura, la escultura o la arquitectura en cuestión deben tener una narrativa moral reconocible, que le confiera al trabajo la necesaria "cualidad" sagrada. Al igual que con la evaluación de todo el arte, determinar si este atributo moral está presente o no, es esencialmente un ejercicio subjetivo, aunque en la mayoría de los casos es probable que la respuesta sea bastante sencilla.
Por lo tanto, nuestra definición sugerida de arte religioso es así:
El arte religioso es cualquier obra cuyo tema respalde el mensaje moral de la religión que pretende ilustrar. En este contexto, religión significa cualquier conjunto de creencias humanas relacionadas con lo que consideran sagrado, santo, espiritual o divino, estén o no involucradas las deidades.
Tipos comunes de arte religioso
Desde la antigüedad, el tipo más común de arte religioso ha sido la pintura y la escultura portátil. Sin embargo, la forma de arte religioso con mayor impacto visual es, sin duda, arquitectura . Desde el Pirámides egipcias al Stonehenge círculo de piedra , desde Santa Sofía en Estambul hasta la Gran Mezquita Omeya de Damasco, desde la Cúpula de la Roca en Jerusalén hasta el francés Catedrales góticas , desde la basílica de San Pedro en Roma hasta el Taj Mahal , las autoridades religiosas han recurrido constantemente a la arquitectura para asombrar e influir en sus congregaciones. Las decoraciones artísticas interiores y exteriores para estas iglesias cristianas, islámicas y budistas suelen incluir una amplia gama de artes decorativas, que incluyen: caligrafía, cerámica, artesanía, iconos, manuscritos iluminados, metalistería , mosaicos, vidrieras, tapices y tallados en madera.
Para obtener más información sobre la función y el diseño de las tumbas piramidales en el antiguo Egipto, consulte: Arquitectura egipcia (c.3000 en adelante).
Propósito y costo del arte religioso
La función del arte religioso, directa o indirectamente, es ganar conversos. Por lo tanto, la arquitectura es la forma principal, ya que una catedral puede inspirar, enseñar y albergar una congregación. Las estatuas públicas también pueden inspirar, mientras que los mosaicos interiores y Vitral puede ilustrar historias divinas, no sin importancia en épocas donde el analfabetismo era la norma. Al exponer el mensaje de un Universo ordenado bajo Dios, el arte cristiano también contribuyó a la creación y preservación del orden social. Pero tuvo un precio. Así, en sus intentos por revivir la grandeza, belleza y prestigio de Roma con los mejores diseños arquitectónicos, esculturas y frescos, Papa Julio II (1503-13) y el Papa León X (1513-21) casi llevaron a la bancarrota a la Iglesia. De hecho, el gasto excesivo papal en el arte fue una causa importante de la Reforma, ya que condujo a mayores impuestos a la gente común y una mayor corrupción entre los oficiales de la Iglesia. Aun así, durante al menos los nueve siglos entre 800 y 1700, la Iglesia de Roma fue, con mucho, el mayor mecenas de las artes.
Historia del arte religioso occidental
Arte religioso prehistórico más antiguo
Nadie sabe a ciencia cierta cuándo el hombre comenzó a crear arte específicamente religioso. Sabemos que varios tipos de imágenes religiosas comenzaron a aparecer durante la era de Arte neolítico : los ejemplos incluyen: la figura de terracota "Diosa entronizada" (6, 000 aC) desenterrada en Catal Huyuk, en Anatolia, Turquía; y la figura terriantrópica de piedra arenisca conocida como el Dios Pez de Lepenski Vir (fechada en 5.000 a. C.), encontrada en un asentamiento del Danubio en Serbia.
Arte religioso de la antigüedad (c.3, 500 a. C. – 400 d. C.)
Egipto fue el hogar de una gran cantidad de arte religioso. El papel de los artistas egipcios era exaltar a su faraón, un rey secular que era adorado como un gobernante divino, supuestamente la encarnación del dios Horus. El foco principal de Arte egipcio era la pirámide, la tumba del faraón y su hogar, que generalmente estaba llena de pinturas, esculturas y muchos otros artefactos preciosos para ayudarlo a sobrevivir y prosperar en el más allá. También se construyeron templos para el faraón vivo, como lo fueron para los dioses de la antigua Grecia y Roma, durante el período 600 a. C. – 400 d. C. Religioso Arte griego es mejor ejemplificado por el Partenón (dedicado a la Diosa Atenea) y otros templos en la Acrópolis de Atenas. Hasta el año 400 EC, las obras de arte sagradas sobrevivientes son casi exclusivamente arquitectónicas o escultóricas. Prácticamente toda la pintura ha desaparecido. Fue lo mismo en el norte de Europa, donde las estructuras ceremoniales, posiblemente religiosas, comenzaron a aparecer desde el final del cuarto milenio antes de Cristo, como la tumba de Newgrange en Irlanda y Stonehenge en Inglaterra.
Arte cristiano
Arte cristiano (principalmente Arte bíblico ) surgió unos 150 años después de la muerte de Cristo. Inicialmente arte cristiano primitivo – incluyendo escultura cristiana primitiva – en realidad era un tipo de Arte cristiano romano , combinando imágenes romanas con motivos clásicos griegos: la imagen de Cristo en Majestad deriva de los retratos y representaciones del Imperio Romano del dios griego Zeus. Durante los siglos siguientes, la iconografía cristiana se estandarizó gradualmente y se armonizó con los textos bíblicos. Para ver el manuscrito cristiano iluminado más antiguo del mundo, ver: el Evangelios de Garima (390-660) del Monasterio Abba Garima de Etiopía.
[Para una breve guía del arte judío, vea Museo de arte judío de Jerusalén , que tiene la colección más extensa del mundo de artes y artesanías judías asquenazíes, sefardíes y orientales.]
Arte religioso bizantino (c.400-1000)
Arte bizantino en Constantinopla creó una serie de ejemplos extraordinarios de arquitectura cristiana, que incluyen: la Iglesia de Chora, la Iglesia de Santa Irene, la Iglesia de San Sergio y Baco, y la impresionante Iglesia de Santa Sofía (532-37). Además, construyeron la Iglesia de Santa Sofía en Sofía, Bulgaria (527-65), y la Iglesia de Santa Sofía en Salónica. Arte mosaico También era común. Para más, ver: Arte cristiano, período bizantino .
Pintura religiosa rusa: iconos, murales (c.950-1700)
La técnica de pintura de icono se extendió por toda el área ortodoxa oriental, especialmente a Kiev, Novgorod y Moscú. De hecho, se convirtió en una característica importante de Pintura medieval rusa . Para los mejores iconógrafos rusos, ver: Teófanes el griego (c.1340-1410), fundador de la Escuela de pintura de iconos de Novgorod ; su joven alumno Andrei Rublev (c.1360-1430), famoso por su obra maestra, el Icono de la Santísima Trinidad (1411-25); y Dionisio (c.1440-1502), conocido por sus íconos religiosos para el monasterio Volokolamsky. los Escuela de pintura de Moscú (c.1500-1700) contó con los hermanos Stroganov, Procopius Chirin, Nicephorus Savin y Simon Ushakov (1626-1686).
Arte religioso en Irlanda (c.600-1150)
Protegida de la romanización y la invasión bárbara por su posición aislada, Irlanda se convirtió en un centro importante para el arte cristiano primitivo. Monasterios irlandeses produjeron una serie de pendientes manuscritos iluminados (por ejemplo, Libro de Kells), cuyas ilustraciones se basaron en el diseño de la cultura celta de La Tene. Arte celta metalistería también se ejemplificó en una gama de buques eclesiásticos irlandeses, como el Cáliz Ardagh , la Santuario del cinturón de Moylough , así como cruces procesionales como los siglos VIII / IX Tully Lough Cross y el gran siglo XII Cruz de Cong . El tercer tipo de arte cristiano producido por esta fusión de devoción monástica y arte celta fue Escultura celta de la cruz alta , que se produjo en gran número en toda Irlanda durante el período de 750 a 1150.
Arte religioso románico y gótico (800-1400)
El rey Carlomagno de los francos lideró el resurgimiento del arte religioso cristiano desde su corte en Aquisgrán. Arte carolingio abarcó obras de arquitectura, escultura medieval, murales, manuscritos del evangelio iluminados y más. Los sucesores de Carlomagno mantuvieron estas tradiciones durante la era de Arte otoniano – destaca por su precioso metalistería – Con el apoyo de una Iglesia revitalizada con sede en Roma. Arte románico y la arquitectura siguió desde el siglo XI hasta aproximadamente 1200 cuando fue reemplazada por arquitectura gótica (ambos Rayonnant y Flamboyant) con sus altos arcos y gloriosas vidrieras. Escultura gótica fue más evocador y expresivo. El período gótico fue testigo de una de las grandes floraciones del arte cristiano monumental, ejemplificado por un programa masivo de construcción en Francia; ver, por ejemplo, Catedral de Notre Dame (París) y Catedral de Chartres – y posteriormente en toda Europa. Se construyeron catedrales góticas en Laon, París (Notre Dame), Chartres, Soissons, Bourges, Reims, Amiens, Beauvais, Auxerre y otras ciudades. En Alemania, el estilo gótico se ejemplifica por estructuras como Catedral de Colonia , mientras que en Inglaterra aparecieron catedrales en Lincoln, Wells, Salisbury, Canterbury, Durham y Ely, junto con York Minster y Westminster Abbey. Debajo de los arquitectos, se empleó un ejército de albañiles y otros artesanos para producir una gran cantidad de obras de arte sagradas decorativas que incluían estatuas de columnas, mosaicos y esculturas de estatuas. La época del gótico tardío se destacó por su exquisito altar tallado en madera , por artesanos como Veit Stoss (c.1447-1533) y Tilman Riemenschneider (c.1460-1531).
Pintura Religiosa del Renacimiento del Norte (1400-1600)
Retablo arte fue una característica regular del arte religioso holandés durante este período, como lo demuestra el Retablo de Gante (1425-32) por Jan van Eyck (1390-1441) y Hubert van Eyck (muerto en 1426), The Retablo Portinari (1475) por Hugo van der Goes (1440-82), El Retablo de Isenheim (1515) por Matthias Grunewald (1470-1528) y The Deposition (1435), creado por Roger Van der Weyden (1400-1464) para la Iglesia de Notre Dame du Dehors (ahora en el Museo del Prado, Madrid). Vea también las extraordinarias y convincentes pinturas de fantasía. Jardín de las Delicias y El tríptico de Haywain (1516) por Hieronymus Bosch, y el Torre de Babel por Pieter Bruegel el Viejo.
Arte religioso renacentista italiano (1400-1600)
Anticipado por Giotto’s Frescos de la capilla Scrovegni (1303-10), quattrocento italiano Arte renacentista fue financiado por la Iglesia Cristiana y también por líderes seculares, como las familias Medici y Gonzaga, al igual que la Escuela de Pintura Sienés más conservadora. Sin embargo, una gran proporción de la pintura y escultura del Renacimiento temprano tenía motivos o temas religiosos: ejemplos famosos incluyen: Masaccio Santísima Trinidad (1428) y Frescos de la Capilla Brancacci (1424-8) La Anunciación (c.1450) por Fra Angelico (1395-1455), y The Última cena (1495-8) por Leonardo Da Vinci (1452-1519). La pintura del Alto Renacimiento incluía obras maestras religiosas como el Madonna Sixtina (1513-14) por Raphael (1483-1520), y lo sorprendente Génesis fresco (1508-1512) y Juicio Final fresco (1536-41) en la Capilla Sixtina, de Miguel Ángel (1475-1564).
La obra más famosa de Arquitectura renacentista fue el rediseñado y reconstruido Basílica de San Pedro en Roma (1506-1626).
Venecia
Pintura veneciana poseía una serie de pintores destacados de temas religiosos, especialmente Tiziano (1477-1576) y Tintoretto (1518-94), así como el colorista Paolo Veronese (1528-88), conocido por sus enormes escenas bíblicas de banquetes, como Fiesta de bodas en Cana (1563, Louvre) y Fiesta en la casa de Levi (1573, Academia de Venecia). Ver: Legado de la pintura veneciana sobre el arte europeo.
El arte religioso renacentista en las provincias es quizás ejemplificado por el Asunción de la Virgen (Catedral de Parma) (1526-30) por Antonio Allegri da Correggio (1489-1534).
Pinturas Manieristas Religiosas (1530-1600)
La Iglesia Católica Romana tenía una actitud ambivalente hacia los estilizados. Manierismo movimiento artístico. En Italia, por ejemplo, después del Concilio de Trento, las formas estilizadas y la artificialidad de Pintura manierista fue visto como una interferencia innecesaria con el mensaje litúrgico. Para ver un ejemplo de un pintor manierista que cambió su estilo de acuerdo con las enseñanzas de la Iglesia, vea: Federico Barocci (1526-1612). Para más, ver: Retablos venecianos (1500-1600). En España, sin embargo, la expresividad del nuevo estilo fue vista como un vehículo perfecto para representar experiencias religiosas intensas.
Un avance importante en este momento, gracias a los gustos de Antonello da Messina (1430-1479) y Caravaggio (1573-1610), entre otros, fue el uso de formas humanas más realistas al representar a la Sagrada Familia y otras figuras bíblicas. Ver, por ejemplo, Cristo coronado de espinas (Ecce Homo) (1470) por Antonello da Messina. La arquitectura religiosa renacentista está ejemplificada por la Cúpula de la Catedral de Florencia, diseñada por el arquitecto y artista. Filippo Brunelleschi (1377-1446), y por la reconstrucción de la iglesia de San Pedro de 1.100 años de antigüedad en Roma (1506-1626) por Bramante, Rafael, Sangallo, Maderno, Miguel Ángel y Bernini. Este proyecto se extendió más allá del Alto Renacimiento hasta la era barroca.
Escuela del Renacimiento español (siglo XVI)
El Renacimiento en España se quedó atrás del de Italia y de otros lugares. Aun así, la piedad española y la devoción a los dogmas religiosos de Roma era absoluta. Por lo tanto, no es sorprendente que sus artistas estuvieran muy involucrados en propagar e ilustrar el mensaje cristiano. Ellos incluyeron: Alonso Berruguete (c.1486-1561), el más grande de todos los escultores del Renacimiento en España, cuyas obras maestras incluyen: el retablo del monasterio de La Mejorada Valladolid (1526) y los puestos del coro en la catedral de Toledo (1539-43). También, Juan de Juni (1507-1577), el famoso escultor manierista francés, especializado en temas religiosos y en la expresión dramática de la emoción, como lo demuestran sus dos grupos del Entierro de Cristo (1544, Catedral de Valladolid) y (1571, Catedral de Segovia). La pintura religiosa española del Renacimiento tardío es ejemplificada por el pintor manierista. El Greco (1541-1614), cuyas obras principales incluyen: La Santísima Trinidad (1577); El desnudo de Cristo (El Espolio) (1577); El entierro del conde Orgaz (1586-88); Cristo expulsando a los comerciantes del templo (1600); La apertura del quinto sello del Apocalipsis (1608); La adoración de los pastores (1612-14); El arrepentido Pedro (1600); y Cristo llevando la cruz (1600).
Arte religioso barroco (1600-1700)
Después de la Reforma de Martín Lutero (c.1517), y el surgimiento de las nuevas formas de Arte de la reforma protestante , – el Vaticano lanzó una vigorosa campaña de Arte de la Contrarreforma católica , diseñado para recuperar sus congregaciones rebeldes en Europa. Pintura, así como técnicas pictóricas como Caravagismo , fue un elemento clave de esta campaña de propaganda religiosa. La iglesia quería comunicar su mensaje directamente a los fieles y exigió a sus artistas una claridad intransigente. Para cumplir con esto, las pinturas tenían que ser, sobre todo, realistas, y la marca de realismo poco sofisticado de Caravaggio estaba hecha a medida para la campaña de Contrarreforma. Al eliminar las pretensiones intelectuales y estilísticas del manierismo tardío, un estilo que solo había sido apreciado por una minoría educada, dio a la pintura el impacto inspirador instantáneo exigido por la iglesia de Roma. Los ejemplos de su realismo religioso incluyen: El llamado de san Mateo (1600) El martirio de san Mateo (1600) Cena en Emaús (1601) La crucifixión de san Pedro (1601) Conversión de san Pablo camino a Damasco (1601) Muerte de la virgen (1601-6) y La sepultura de Cristo (1601-3).
Otro tipo de arte favorecido por la Contrarreforma católica fue la pintura al fresco de la iglesia quadratura, diseñada para inspirar a las congregaciones con dispositivos ilusionistas. Ver por ejemplo: Apoteosis de San Ignacio (1694) por Andrea Pozzo.
En España, los devotos. Francisco de Zurbarán (1598-1664), fuertemente influenciado por el quietismo español, produjo pinturas sagradas para numerosos monasterios y órdenes religiosas (cartujos, capuchinos, dominicanos, jeronimitas, entre otros), así como catedrales y otras autoridades eclesiásticas. Entre sus obras destacadas se encuentran Cristo en la cruz (1627), Apoteosis de Santo Tomás de Aquino (1631) y Adoración de los pastores (1638). El gran Diego Velázquez (1599-1660), aunque famoso como un retratista virtuoso, también produjo una serie de pinturas sagradas como La Inmaculada Concepción (1618), Joseph’s Coat (1630) y Cristo crucificado (1632). La escultura religiosa barroca española está bien representada por el artista sevillano. Juan Martinez Montanes (1568-1649), quien fue apodado el Dios de la Madera por sus habilidades de tallado, esculpió principalmente crucifijos de madera y figuras religiosas. Sus obras más conocidas incluyen El Cristo Misericordioso (1603, Catedral de Sevilla) y el Retablo de Santiponce (1613); y también por el explosivo Alonso Cano (1601-1667), conocido como el "Miguel Ángel español", cuya obra maestra es La Inmaculada Concepción (1655, Catedral de Granada).
En Flandes, el máximo exponente de los religiosos del siglo XVII. Pintura flamenca estaba Rubens (1577-1640), el líder indiscutible de la escuela barroca flamenca, siguiendo los pasos de artistas religiosos anteriores como Robert Campin, Hugo van der Goes y Hans Memling.
En Italia, hogar de la Iglesia Católica Romana, pintores como Nicolas Poussin (1594–1665) y Claude Lorrain (1600–1682) recibieron numerosas comisiones religiosas. Los máximos exponentes de la escultura religiosa italiana fueron los incomparables. Bernini (1598-1680) – vea su Éxtasis de santa teresa (1645–52), creado para la Capilla Cornaro de la iglesia de Santa Maria della Vittoria en Roma – y su gran rival Alessandro Algardi (1598-1654), a los cuales se les dieron numerosas comisiones papales. El estilo barroco católico dio lugar a un estilo emocional de arquitectura, explotando al máximo el potencial melodramático del paisaje urbano. Esto se ejemplifica sobre todo por la Plaza de San Pedro (1656-67) y sus enfoques, frente a la Basílica de San Pedro en Roma.
El protestantismo tenía su propio arte religioso. Pintura holandesa del siglo XVII presenta algunas destacadas obras del Antiguo Testamento de Rembrandt. Además, a los realistas holandeses les gusta Harmen van Steenwyck (1612-56), Jan Davidsz de Heem (1606-83), Pieter Claesz (1597-1660), Willem Kalf (1622-93) y Willem Claesz Heda (1594-1681), introdujo un género llamado Pintura Vanitas (basado en Eclesiastés 12: 8 "La vanidad de las vanidades dice el predicador, todo es vanidad"), cuyo tema principal era la naturaleza efímera de la vida y lo absurdo de las vanidades humanas. Ver también las pinturas interiores de la iglesia de Emanuel de Witte (1615-92) y Pieter Jansz Saenredam (1597-1665).
Fue durante el período de aproximadamente 1650 a 1750 que la naturaleza del mercado del arte europeo comenzó a cambiar. Hasta 1650, la mayoría del arte había sido arte publico dirigido a las masas, principalmente en forma de arquitectura y escultura, y la mayoría religiosa. Para 1750, este tipo de arte público había sido reemplazado por el arte de caballete portátil, en su mayoría pinturas para clientes comerciales. La era del gasto a gran escala por parte de las autoridades de la Iglesia había terminado.
Disminución del arte religioso (1700 en adelante)
El siglo XVIII fue la era de los monarcas absolutos, cuyo gobierno despótico se basó en el llamado "derecho divino de los reyes" designado por Dios. Sin embargo, estos monarcas, como Luis XIV, Luis XV, los Romanov rusos y los Austrias austriacos, estaban demasiado preocupados por exaltar su propio estado secular y apuntalar sus imperios crujientes para invertir dinero en pintura, escultura o arquitectura religiosa. Además, excepto en la Península Ibérica, donde la piedad española nunca disminuyó, el poder de la Iglesia Católica Romana se había debilitado severamente por la destrucción de sus monasterios durante los dos siglos anteriores. Esta combinación de debilidad secular y eclesiástica significó que, con raras excepciones, como las comisiones católicas otorgadas a Giambattista Tiepolo (1696-1770) en Baviera y Venecia, hubo una reducción significativa durante el siglo XVIII en la cantidad de dinero dedicado a los religiosos. Art º. Además, este período experimentó un gran aumento de la demanda por parte de los comerciantes y propietarios de tierras para retratos y paisajes topográficos. Así las cosas, el período terminó con la Revolución Francesa, que anunció un cambio de sentimiento en toda Europa. En adelante, el arte celebraría a las personas más que a las deidades.
El siglo XIX produjo aún menos arte religioso. Aunque la Revolución Industrial creó una riqueza excedente significativa tanto para las naciones como para los individuos, no se invirtió en arte cristiano. En cambio, entró en el desarrollo de los servicios sociales y públicos. Las únicas comisiones regulares ofrecidas por las autoridades de la Iglesia eran de forma independiente escultura para conmemorar a los obispos fallecidos y otros clérigos. Y aunque algunos pintores continuaron pintando escenas bíblicas, la demanda de composiciones religiosas se desplomó, una tendencia que continuó en el siglo XX. Pero mira Un entierro en ornans (1850) del pintor realista Gustave Courbet, y las extrañas obras simbolistas del pintor belga James Ensor (1860-1949), especialmente la entrada de Cristo en Bruselas .
Arte religioso del siglo XX
Una característica del arte cristiano moderno en Occidente ha sido la arquitectura del templo de La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días (Mormones). Su desarrollo, desde el diseño simple de una iglesia del Templo de Kirtland (construido en 1830), hasta los intrincados estilos góticos de los templos tempranos de Utah, hasta los templos modernos producidos en masa de hoy en día, narra la evolución de la arquitectura religiosa moderna. Las iglesias posmodernas más recientes incluyen el Templo de la Comunidad de Cristo en Independence, Missouri; Unity Temple, el Unitario Universalista en Chicago diseñado por Frank Lloyd Wright (1867-1959); la Catedral de Santa María de la Asunción (San Francisco) diseñada por Pietro Belluschi; y la Catedral Católica de Nuestra Señora de los Ángeles, diseñada por José Rafael Moneo (Los Ángeles). Lamentablemente, el siglo XX también ha sido testigo de una enorme destrucción: muchas iglesias hermosas y otras obras de arte religiosas fueron destruidas por los regímenes comunistas de Europa del Este. En lo que respecta a la pintura sagrada, los pintores del siglo XX la han ignorado, con algunas excepciones, prefiriendo atender al coleccionista de arte más secular modernista y contemporáneo. Las pinturas religiosas modernas excepcionales incluyen: Cristo en la cruz (1936) de Georges Rouault (1871-1958); Ecce Homo (1925) de Lovis Corinth (1958-1925); Cristo en Emaús (1963) de Patrick Caulfield (1936-2005); Crucifixion 3.85 (1985) de Antonio Saura (1930-98); y la extraña obra abstracta St John (1988) de Gerhard Richter (nacido en 1932). Mientras tanto, la escultura religiosa posmoderna seguramente es ejemplificada por la Virgen Madre (2005) por Damien Hirst (nacido en 1965), que se encuentra en la Plaza de Lever House, Nueva York.
Temas del arte cristiano
Pintores y escultores han sido comisionados por papas, autoridades religiosas y seculares para ilustrar una amplia gama de escenas de la Biblia. La elección de las escenas puede estar determinada por la política religiosa, así como por el tipo de forma de arte y los medios involucrados. Uno de los temas más famosos de la escultura religiosa, por ejemplo, es David y Goliat : sea testigo de los tres Davids esculpidos por Donatello (1386-1466), Andrea del Verrocchio (1435-1488) y Miguel Ángel (1475-1564). Leonardo manejó el difícil tema de la Inmaculada Concepción en su hermoso Virgen de las rocas (1484-6, Louvre, París). Ocasionalmente, artistas especializados en ciertos temas bíblicos: por ejemplo, la pintora barroca. Artemisia Gentileschi (1593–1656) pintado ’ Judith decapitando a Holofernes varias veces.
Temas de arte populares de los evangelios del Nuevo Testamento
Temas de arte populares de los evangelios del Antiguo Testamento
Arte religioso no cristiano
En esta breve descripción, frases como el arte hindú, el arte budista y el arte islámico, no son más que términos generales para las artes y artesanías decorativas creadas dentro de los territorios ocupados por la cultura en cuestión. La arquitectura y la escultura (a menudo combinadas) son las dos formas de arte más llamativas. Ver, por ejemplo, el siglo XI. Templo Kandariya Mahadeva (1017-29) en India, siglo XII Templo de Angkor Wat Khmer (1115-45) en Camboya, y el famoso Taj Mahal del siglo XVII (1632-54), todos los cuales son ejemplos sobresalientes de la arquitectura religiosa no cristiana. Otras formas de arte incluyen escultura en relieve, pintura corporal, fundición de bronce, caligrafía, tejido de alfombras, cerámica, decoración de disfraces, cortinas, dibujos, bordados, pintura facial, frisos, fabricación de muebles, talla de piedras preciosas, orfebrería, iluminación de manuscritos, talla de marfil , joyería, encuadernación pintada con laca, lustre, metalurgia, mosaicos, pintura, cerámica, arte de tapiz , diseño textil, talla en madera, entre otros.
Arte que involucra el culto a los antepasados
Este tipo de religión avergüenza una variedad de diferentes prácticas y creencias con respecto a los espíritus de los familiares fallecidos. Las sociedades cuyas artes y cultura estaban estrechamente relacionadas con la celebración del culto a los antepasados religiosos, incluyen varias de la antigua civilización del área mediterránea – ver, por ejemplo, Arte Egeo (2600-1100 aC) – así como Arte asiático de Japón, China, Corea, Sudeste de Asia y el subcontinente indio. El culto a los antepasados estaba particularmente extendido en la antigua China. Para una mirada cercana a las culturas chinas involucradas, vea los siguientes recursos:
Arte neolítico chino (7500-2000 a. C.)
Cultura de la dinastía Xia (2100-1600 a. C.)
Arte de la dinastía Shang (1600-1050 a. C.)
Arte de la dinastía Zhou (1050-221 a. C.)
Arte de la dinastía Qin (221-206 a. C.)
Arte de la dinastía Han (206 AEC – 220 CE)
Arte hindú
El hinduismo, que data del segundo milenio antes de Cristo, es la religión principal en la India, con cerca de 850 millones de seguidores y unos 64 tipos de arte tradicional. La pintura hindú, por ejemplo, está ejemplificada por obras tempranas y medievales de Ajanta, Bagh, Ellora y Sittanavasal, mientras que la escultura hindú no está marcada por una sensación de plenitud plástica sino por un carácter lineal con énfasis en el contorno, como en Shiva estatuilla [izquierda]. La arquitectura hindú abarca templos como el Akshardham en Delhi, el templo Hoysaleswara en Halebidu, el templo Chennakesava en Belur, el templo Kesava en Somanathapura, el templo Brihadeeswara, Thanjavur y el templo Sri Ranganathaswamy en Srirangam.
Lecturas adicionales sobre el arte hindú
Para una breve encuesta del arte indio, ver: India: pintura y escultura .
Para artículos más específicos, consulte lo siguiente:
Pintura india clásica (Hasta 1150 CE)
Pintura india posclásica (Siglos XIV-XVI)
Pintura mogol (Siglos XVI-XIX)
Pintura Rajput (Siglos XVI-XIX)
Escultura india (3300 a. C. – 1850)
Arte budista
El budismo, fundado por Siddhartha Gautama alrededor del año 600 a. C., tiene unos 380 millones de seguidores repartidos por India, Asia central y meridional y Japón. La arquitectura budista se dedica principalmente a templos, monasterios y santuarios, incluidas estupas, dagobas y pagodas, en toda Asia. Pero la iconografía budista utilizada en artes como la escultura varía según la región: en el sudeste asiático (Myanmar, Camboya, Tailandia, Indonesia), las tradiciones Theravada alientan las imágenes de Buda en posiciones de mediación o reclinación; En Asia central (China, Corea, Japón, Tíbet, Bután, Vietnam, Afganistán), las tradiciones Mahayana han dado lugar a una gama más amplia de representaciones, incluidos diferentes budas, santos, bodhisattvas y otras deidades. Para más, ver Escultura Budista China (c.100-presente). El arte budista en 3D está ilustrado por las esculturas de arenisca de Mathura, India. (Para más información, ver: Arte japonés y Arte chino .)
Nota: El arte budista chino, especialmente la pintura, la escultura y el diseño de edificios, proliferaron durante el Jin Oriental (317-420), las Dinastías del Sur y del Norte (420-581), el imperio Sui (589-618), la mayor parte de Tang (618-906) y las eras Song (906-1279). Para más información, vea los siguientes recursos:
Artes del período de las seis dinastías (220-589)
Arte de la dinastía Sui (589-618)
Arte de la dinastía Tang (618-906)
Arte de la dinastía Song (906-1279)
Arte de la dinastía Yuan (1271-1368)
En Corea, donde el budismo llegó de China alrededor de 370 CE, la cultura budista se mantuvo fuerte por más tiempo: para más detalles, ver Arte coreano (c.3, 000 BCE en adelante). En India, la relación entre budismo, hinduismo e islam ha sido extremadamente compleja. El arte hindú fue influenciado por el arte budista más joven, hasta que el budismo se desvaneció alrededor del siglo 950 CE en parte como resultado de la creciente influencia del Islam (y el arte islámico) en paralelo con el hinduismo. Debido a esta influencia, los arquitectos hindúes adaptaron sus diseños para acomodar las tradiciones de la nueva religión, como se ilustra en el diseño y construcción de Taj Mahal y Gol Gumbaz. Pero tenga en cuenta también el reciente choque de ideologías religiosas que ocurrió en Afganistán, cuando los musulmanes talibanes destruyeron las esculturas monumentales de piedra conocidas como Los Budas de Bamyan.
Para obtener más información sobre la evolución de las artes y la cultura budista en el este de Asia, consulte: Cronología del arte chino (c.18, 000 BCE – presente).
Arte islámico
El Islam, fundado por el profeta Mahoma en el siglo VII d. C., tiene alrededor de 1.500 millones de seguidores. Al igual que sus religiones, arte islámico Es una mezcla de muchas culturas. Aunque refleja el credo musulmán sobre el poder absoluto de El Dios Único (Alá), combina elementos del arte griego y cristiano primitivo, así como las grandes culturas del Medio Oriente de Egipto, Bizancio y la antigua Persia, junto con la herencia oriental. de India y China. Aun así, la influencia de los árabes, que conquistaron el antiguo mundo islámico, es primordial. Ha propagado el Corán (Corán), la forma árabe de escritura, las escrituras cúficas y naskhi de la tradición islámica tradicional. caligrafía , una variedad infinita de adornos abstractos y un sistema completo de abstracción lineal (arabescos) que es peculiar de todas las formas de arte islámico. Este diseño abstracto equilibra la prohibición islámica de la reproducción figurativa.
Otras artes y artesanías islámicas notables incluyen: el arte cerámico, especialmente el lustre, la talla de piedra, el arte textil de seda y la pintura mural. La iluminación de libros era una especialidad iraní, como lo ejemplifica el manuscrito Manafi al-Hayawan (Utilidad de los animales) (1297) y el Jami al-tawarikh de Rashid al-Din. El vidrio esmaltado y la carpintería metálica también fueron muy apreciados, por ejemplo, la exquisita cuenca metálica de la joyería mameluca conocida como el "Baptistere de Saint Louis" (Siria, 1290-1310). La arquitectura islámica es especialmente famosa por estructuras religiosas como: La Cúpula de la Roca (Jerusalén, construida por Abd al-Malik, 691); la Gran Mezquita de Damasco (terminada en 715); el palacio de la Alhambra (Granada, c.1333-91); la Gran Mezquita de Samarcanda (comenzada en 1400); La mezquita otomana del sultán Ahmet I ("la mezquita azul") (Estambul, 1603-17); la mezquita abovedada de Shaykh Lutfullah (1603-18), construida por arquitectos safavid en Isfahan; La arquitectura mogol incluye el complejo del palacio de Fatehpur Sikri (c.1575) construido durante el reinado de Akbar, así como el sublime Taj Mahal (1630-53), construido por el emperador Shah Jahan en memoria de su esposa favorita Mumtaz Mahal.
Arte religioso nativo
El arte tribal (también conocido como arte nativo primitivo), que significa artes y artesanías producidas por indígenas de sociedades tribales en África, el Pacífico Sur e Indonesia, Australia, América y Alaska, es típicamente mucho más sagrado u orientado a la religión que el arte occidental. Esto se debe a que las religiones tribales eran omnipresentes. Así, las imágenes pictóricas tribales (pinturas), la escultura (piedra o talla en madera) o los modelos 3-D (máscaras) encarnaban las fuerzas vitales que se cree que existen en toda la materia viva. Algunas veces estas imágenes representaban los espíritus de los muertos, la esencia vital de la ascendencia tribal. Desafortunadamente, muchas de estas obras de arte han perecido o han sido intercambiadas con exploradores blancos. Lo que queda es principalmente cantería (escultura, templos), algunos movimientos de tierra o varias formas de arte rupestre. Aun así, se han realizado algunos hallazgos extraordinarios de arte religioso nativo, que incluyen: (1) pinturas prehistóricas en las cuevas de Laas Gaa’l en Hargeisa en Somalia, que contenían dibujos de hombres y mujeres adorando ganado y realizando rituales religiosos; (2) pinturas en Ukhahlamba-Drakensberg, Sudáfrica, que retratan animales y humanos que, según los expertos, representan creencias religiosas. Para más detalles del arte religioso primitivo, ver: Arte tribal .
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