Arte representativo Traductor traducir

En pintura y escultura, el término « arte representativo» (a menudo se utiliza el término más común « representativo») suele referirse a imágenes que son claramente reconocibles como lo que pretenden ser, como una figura humana, un plátano, un árbol, etc. Estas imágenes no tienen por qué corresponder a la vida. Así, no es necesario que un árbol sea verde o incluso erguido, pero debe representar claramente o ser reconocible como un árbol. En cambio, el arte no representativo o abstracto consiste en imágenes que no tienen una identidad clara y deben ser interpretadas por el espectador.

Aun así, no existe una distinción absoluta entre abstracción y realismo . En su lugar, imagina un continuo entre (en un extremo) la abstracción pura y (en el extremo opuesto) el ultrarrealismo. En algún punto de esta línea, las imágenes abstractas se vuelven lo suficientemente reconocibles como para que las califiquemos de representacionales, pero es imposible determinar ese punto de antemano.

No obstante, puede decirse que el arte representacional incluye todas las imágenes que representan un objeto o una serie de objetos identificables. Ejemplos comunes de este tipo de arte son los retratos, los paisajes tradicionales, las pinturas de escenas domésticas, las pinturas históricas o mitológicas, las naturalezas muertas y, por supuesto, diversos tipos de estatuas figurativas y ecuestres .

Las pinturas o esculturas de la forma humana, una especie de subcategoría de las bellas artes, también se denominan a veces «arte figurativo». Las versiones expresionistas de formas humanas (por ejemplo, las obras del artista colombiano contemporáneo Fernando Botero) pueden denominarse «arte neofigurativo».

Observación frente a interpretación

Otra forma de apreciar la diferencia entre arte representacional y no representacional es observar las cosas desde el punto de vista del artista. Los artistas del arte representativo suelen actuar como observadores e intentan reproducir lo que ven. Por supuesto, «interpretan» lo que ven -por lo que no habrá dos artistas que pinten una escena de la misma manera-, pero su principal objetivo es observar y reproducir los objetos que tienen delante. Así, por ejemplo, la pintura al aire libre, popularizada por los impresionistas del siglo XIX, es casi siempre representativa.

En cambio, los artistas no representativos tienen un enfoque diferente. Su objetivo es crear una imagen más «intelectual» que no esté directamente relacionada con ningún objeto reconocible y que, en consecuencia, deba ser interpretada. Este enfoque no representativo queda bien ilustrado por el movimiento abstracto del siglo XX, como la obra de Piet Mondrian (1872-1944), Mark Rothko (1903-1970) y Sean Scully (nacido en 1945), cuyas pinturas carecen de significado objetivo y, por tanto, deben ser interpretadas únicamente por el espectador.

Orígenes

La mayor parte del arte antiguo es representativo y se practicó ya en la Edad de Piedra (c. 2.000.000-10.000 a.C.). Algunos ejemplos son las esculturas como «Venus de Tan-Tan» (Marruecos) y «Venus de Berehat Ram» (Israel), así como las pinturas rupestres de Lascaux (Francia) y Altamira (España).

Las bellas artes modernas derivan en gran medida del arte griego y romano (c. 650 a.C. - c. 350 d.C..), ejemplificado por la escultura griega, como «La juventud de Maratón» (siglo III a.C.) de Praxíteles; «La Galia moribunda» (c. 232 a.C.) de Epigono; Laocoonte y sus hijos (c. 40 a.C.) de Hagesandro, Polidoro y Atenodoro. Uno de los mejores ejemplos de escultura representativa romana es el bajorrelieve en espiral de la columna de Trajano, perteneciente al periodo juliano-claudio. Estas obras de la Antigüedad clásica sentaron las bases del Renacimiento italiano tardío, que a su vez ejerció una gran influencia en los artistas hasta el siglo XX. El Ejército de Terracota chino, creado durante el arte de la dinastía Qin (221-206 a.C.), es quizá el mayor ejemplo de las bellas artes).

Estilos de representación

El arte italiano del Renacimiento promovió el «tipo ideal» de representacionismo, ejemplificado por las esculturas de David Donatello y Miguel Ángel . El desnudo se consideraba la forma más elevada de expresión creativa, y las figuras se dibujaban y esculpían a menudo de forma idealizada. Durante el Renacimiento Florencia, Roma o Venecia mostraban muy pocos «rostros o cuerpos feos». Se estudiaron y documentaron técnicas de perspectiva lineal.

Sin embargo, esta situación cambió durante el periodo del Manierismo (c. 1530-1600), comenzando con el fresco de Miguel Ángel El Juicio Final en la Capilla Sixtina . Las figuras se volvieron menos idealizadas y más «reales», especialmente fuera de Italia, donde predominaba la pintura al óleo no idealista, sobre todo en Holanda, donde las tradiciones realistas de Jan Van Eyck (1390-1441) y Rogier van der Weyden (1399-1464) condujeron a la creación de la incomparable escuela del realismo holandés, ejemplificada por los exquisitos interiores de Jan Vermeer (1632-1675).

Sin embargo, gracias al poder de la Iglesia y a la perdurable influencia del Renacimiento italiano expresada en las grandes academias de arte europeas, no fue hasta después de la Revolución Industrial (c. 1790-1850) cuando nació el movimiento realista y los artistas empezaron a representar la verdadera realidad de la vida en lugar de una variedad idealizada. (Pero véase también La escuela inglesa de pintura figurativa: siglos XVIII-XIX) Esto influyó tanto en los métodos de pintura como en los temas. Por ejemplo, el color entraba de lleno en juego cuando los artistas intentaban representar lo que veían. Así, si un pajar aparecía de color rosa a la luz mortecina, se pintaba de color rosa.

Bellas artes del siglo XX

En los últimos 30 años del siglo XIX, la pintura europea de bellas artes estuvo dominada por los métodos libres del Impresionismo, cuyos representantes, sin embargo, concedían gran importancia a las técnicas tradicionales del dibujo, el color y la composición.

Por ejemplo, el impresionista Edgar Degas (1834-1917), que destacó en la pintura de género, fue uno de los mejores dibujantes de la historia del arte, y el retratista impresionista John Singer Sargent (1856-1925) fue un maestro de la técnica «au premier coup» (un trazo preciso, sin refinamiento) y uno de los más grandes pintores al óleo de los tiempos modernos. Sin embargo, la aparición de Van Gogh (1853-1890) a finales de la década de 1880 supuso un cambio importante.

La pincelada dramática , el empaste y los cuadros altamente personalizados de Van Gogh marcaron el comienzo del estilo expresionista, desarrollado posteriormente por el noruego Edvard Munch (1863-1944) y, en particular, por grupos alemanes, como Der Blaue Reiter, Die Brucke, Die Neue Sachlichkeit y artistas como Wassily Kandinsky (1844-1944), Paul Klee (1879-1940), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Otto Dix (1891-1969), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Egon Schiele (1890-1918), Oskar Kokoschka (1886-1980) y Max Beckmann (1884-1950). Aunque el Expresionismo temprano seguía adoptando un enfoque (en gran medida) representativo, rechazaba las tradiciones académicas y favorecía un enfoque más subjetivo del arte. Con el tiempo, esto condujo a un debilitamiento de los métodos pictóricos tradicionales, lo que, combinado con los acontecimientos políticos de principios del siglo XX, provocó el auge del arte abstracto y la aparición del posmodernismo. Como resultado, en la década de 1940 el mundo del arte (cuyo centro era entonces Nueva York) asistía a un predominio de la forma sobre el contenido.

Picasso, el cubismo y el atractivo de la abstracción

Además del auge del expresionismo alemán y su subjetivismo subyacente, la pintura real estaba sometida a la presión de otros artistas descontentos con su imagen anticuada y su falta de posibilidades intelectuales. Por desgracia, en su intento de «redefinir» y «modernizar» el arte, estos artistas «tiraron al bebé con el agua». Este fenómeno puede ilustrarse con la obra del artista español Pablo Picasso (1881-1973), que destacó tanto en el arte representativo como en el no representativo. (Nota: Para una explicación de las obras contemporáneas de artistas como Picasso, véase: Análisis de la pintura contemporánea : 1800-2000).

Al principio de su carrera (c. 1901-7), sobre todo en los periodos «Azul» y «Rosa», Picasso se concentró en la pintura realista. Le siguió el breve periodo africano «» (époque negre), durante el cual sus imágenes se volvieron más distorsionadas (por ejemplo «Les Demoiselles d’Avignon»), y luego el revolucionario estilo cubista (c. 1908-19), cuyas formas dispares (por ejemplo «Muchacha con mandolina», 1910) se cuentan entre los ejemplos más conocidos de pintura no representativa. En pocas palabras, Picasso creía que el arte naturalista había alcanzado su límite durante las épocas impresionista (1870-1900) y fauvista (c. 1905).

Como resultado, decidió experimentar con formas de arte más no representativas (abstractas) -un enfoque que él y Georges Braque consideraban más «intelectual»-, momento en el que llegaron al Cubismo. (El camino de Picasso del realismo a la «abstracción» se considera mejor examinando su cartera de retratos, hasta su famosa «Mujer llorando» de 1937).

Sin embargo, a pesar de la naturaleza genuinamente revolucionaria del Cubismo y su contribución a la historia del arte, y a pesar de la inmensa creatividad de Picasso en sus 92 años de vida -obra que incluyó el Expresionismo, el Cubismo y el Surrealismo - nunca estuvo realmente interesado en la abstracción pura, y la mayoría de sus obras maestras fueron (discutiblemente) representativas. Obsérvese también su uso del lenguaje clasicista - véase: Pinturas neoclásicas de figuras de Picasso (1906-30) - y su contribución al Renacimiento clásico en el arte moderno (c. 1900-30).

¿Por qué es importante el arte representativo?

Según el inolvidable filósofo Karl Popper, "El significado objetivo de una afirmación depende de si se puede demostrar su falsedad. Si no se puede demostrar su falsedad, entonces tiene poca importancia. Por ejemplo, mi afirmación: creo que es arte - no puede refutarse y, por tanto, tiene poca significación, excepto quizá como prueba de mi opinión personal."

Criterio de mérito artístico

El arte representativo es importante sobre todo porque proporciona un criterio para juzgar el mérito artístico. Por ejemplo, un retrato puede juzgarse por el parecido que transmite con el retratado; un paisaje puede juzgarse por su parecido con una escena concreta; un paisaje urbano puede compararse con la vida real; un cuadro de una escena oscura puede juzgarse por lo bien que representa la luz y la sombra, etc. Pero el arte no representativo es importante sobre todo porque proporciona un criterio por el que puede juzgarse el mérito artístico. Pero el arte no representativo no pretende representar nada de la vida real y, por tanto, no puede juzgarse con criterios objetivos. En consecuencia, la reputación de los pintores y escultores no representativos puede depender enteramente de los caprichos de la moda en el mundo del arte, más que de una habilidad evidente.

La base de todas las bellas artes

En segundo lugar, el arte representativo es una base importante para todas las bellas artes porque depende de la habilidad del artista en el dibujo, la perspectiva, el uso del color/tono, la representación de la luz y la composición general: habilidades que sustentan muchas bellas artes. Además, estas habilidades objetivas pueden enseñarse a los alumnos en beneficio de todos, sobre todo porque dicha enseñanza puede utilizar, apoyar y mejorar los métodos artísticos.

Hacer el arte accesible al público

En tercer lugar, como las imágenes representativas son fácilmente reconocibles y, por tanto, perceptibles, contribuyen a que el arte sea accesible al público en general. Por el contrario, las obras de arte abstractas o no representativas pueden requerir considerables conocimientos por parte del espectador antes de que puedan ser «verdaderamente» comprendidas. Este requisito actúa a menudo como una lamentable «barrera» entre los artistas y el público.

Nada de esto resta méritos al arte abstracto. No obstante, espero que estas disposiciones demuestren que la pintura y la escultura representativas desempeñan un papel indispensable en la creación, la apreciación y el disfrute de las artes visuales, y deberían ser promovidas activamente por personas y organizaciones responsables.