Escultura Barroca:
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En la época barroca no faltaron escultores, aunque pocos destacaron -quizás sólo Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), que como escultor fue incluso más grande que como arquitecto. Aquellos escultores que fueron los mejores en su profesión trabajaron con una intensidad sin precedentes, pues, a pesar de la importancia de la arquitectura barroca, la escultura fue la forma más característica del arte cristiano del Barroco y, con mucho, la más extendida. A diferencia de la arquitectura y la pintura, no sólo consiguió crear un lenguaje artístico en gran medida común a toda Europa, sino que también influyó en la apariencia de casi todos los productos artísticos creados durante este periodo. En resumen, la primera característica reconocible de la escultura barroca es su ubicuidad.

Las obras de arte plástico producidas durante este periodo pueden dividirse en dos grandes categorías:
❶ las destinadas a decorar, a dar finalidad a la arquitectura, y
❷ la escultura en el sentido ordinario de la palabra, como objeto por derecho propio.

Escultura arquitectónica

La arquitectura utilizó la escultura decorativa de tres formas típicas. La primera es en forma de línea horizontal de estatuas u otras esculturas para completar la parte superior de un edificio. Tampoco en este caso se trata de una invención barroca, sino que fue en el Barroco cuando se convirtió en un rasgo estilístico tradicional, una técnica sistemática. Tiene su origen en la costumbre del siglo XVII de completar un edificio «con un ático». De hecho, se trataba de un parapeto bajo que ocultaba los lados inclinados del tejado y que daba al edificio, visto desde abajo, la apariencia del final de una línea horizontal. Este elemento estaba casi siempre decorado con varias estatuas, dispuestas regularmente y destacadas contra el cielo.

Algunos ejemplos son la catedral de San Pedro de Roma, cuya columnata oval fue obra del propio Bernini, y el palacio de Versalles, donde las estatuas se sustituyen por enormes urnas y frisos. Desde el ático o el tejado de un edificio, esta práctica se extendió a otras horizontales: muros que cierran jardines, parapetos de puentes, etc.

Uno de los máximos exponentes de la escultura de jardín fue el italiano Carlo Bartolomeo Rastrelli, padre de Bartolomeo Rastrelli (1700-1771), que llegó a San Petersburgo procedente de París en 1716, durante la época del arte petrino en Rusia (1686-1725). Recibió el encargo de decorar los jardines de varios palacios de Pedro el Grande.

Otro uso arquitectónico de los elementos escultóricos, como las estatuas, era sustituir a las columnas como elementos de soporte, ya fueran cariátides (elevaciones de forma femenina) o telamones (de forma masculina). Este uso se remonta a la Grecia clásica y se puso de moda, sobre todo en el Barroco austriaco y alemán.

El tercer y más típico uso de la escultura en combinación con la arquitectura son los frisos, grupos de escudos, pergaminos, trofeos y elementos similares. La combinación de la escultura con la arquitectura llegó incluso a hacer que la escultura pareciera o se convirtiera en arquitectura, como en el baldaquino de Bernini en la basílica de San Pedro, en el que los papeles de ambas formas se mezclan hasta un punto muy acorde con el gusto barroco.

Estas son las formas en las que la escultura se vinculaba a la arquitectura.

Nota sobre la apreciación de la escultura
Para aprender a apreciar la escultura barroca, véase: Cómo apreciar la escultura . Para obras posteriores, véase: Cómo apreciar la escultura moderna .

Escultura tradicional

Las obras ejecutadas tradicionalmente por el escultor en siglos anteriores, en tumbas, altares, monumentos, etc., siguieron produciéndose en el Barroco. Por regla general, su diseño se aproximaba o incluso podía confundirse con la escenografía, con un planteamiento teatral que recordaba a la escenografía -quizá propio de la época en que surgieron el melodrama y el teatro moderno. En una de las capillas laterales, por ejemplo, Bernini presenta el éxtasis de la santa como un acontecimiento teatral, y los miembros de la familia que encargó la obra están representados a tamaño natural, sentados en palcos, como si estuvieran en un teatro presenciando el espectáculo. «Ectasia de Santa Teresa» (1647-52) Mármol, Capella Cornaro, Roma - véase más abajo).

La escultura barroca tradicional tenía, en general, dos características sobresalientes. En primer lugar, era técnicamente perfecta. La habilidad de los escultores barrocos representaba un verdadero virtuosismo, por ejemplo, a la hora de transmitir el aspecto de la piel humana según se tratara de un hombre o de una mujer, de un anciano o de un joven. Los rizos, los drapeados, los distintos tejidos como la lana y la seda, y la textura de las armaduras se imitaban con precisión.

Los escultores dominaban tanto su material que en las estatuas talladas en mármol es imposible deducir o imaginar la forma original del bloque. Miguel Ángel, personificando los ideales de la escultura renacentista italiana, decía que una estatua debía dar la impresión de que podía rodar desde lo alto de una colina hasta los pies sin sufrir daño alguno. Nada de eso puede decirse de las esculturas barrocas. Persiguen un objetivo que podríamos llamar fotográfico: inmortalizar el movimiento. Esto implica el uso de construcciones libres y relajadas, y de formas de la figura humana mucho más esbeltas que las consideradas deseables por los escultores del Renacimiento.

En escultura, otra característica de la época -y la más importante- fue la apariencia de movimiento. Las figuras nunca se representaban en quietud o en una pose de reposo, sino siempre en movimiento, y la mayoría de las veces en ese momento de menor equilibrio que es la culminación del movimiento, un momento imperceptible pero dramático, como cuando un saltador ya no se eleva pero aún no ha empezado a caer y está inmóvil, en una pose potencial, en el aire. Cuando quiso representar a Apolo persiguiendo a Dafne, Bernini eligió el momento más dramático, cuando Dafne se convierte en un laurel para escapar del dios: el momento del clímax de la acción. Apolo y Dafne (1622-5) Mármol, Galería Borghese, Roma).

Debido a su preferencia por el movimiento, el esbozo conocido como figura serpentinata, la figura serpentina, gozó de tanta popularidad en el siglo XVII. Como forma de representar la figura humana, apareció por primera vez en la segunda mitad del siglo XVI, en el periodo inmediatamente anterior al Barroco. Esta forma facilitaba la representación del cuerpo en un movimiento en espiral, una rotación rápida, como la de un atleta que lanza un disco, o una lucha - véase: «El rapto de las sabinianas» (1581-3, mármol, Piazza della Signora, Florencia) de Giambologna .

Para un análisis de una estatua griega cuyo carácter emocional, así como su movimiento, tuvo una gran influencia en los escultores barrocos, véase Laocoonte y sus hijos (c. 42-20 a.C., Museos Vaticanos).

A veces la composición se volvía exagerada y se asemejaba más a la excitación que al movimiento. A veces, el artista estaba tan absorto en los efectos que creaba y en su habilidad técnica que perdía de vista la armonía de la composición general. Sin embargo, este efecto siempre es probable cuando pasamos de la obra de los maestros a la de los aprendices.

Uno de los méritos del Barroco es haber creado unas condiciones en las que el trabajo de segunda fila podía asimilarse a la ejecución de obras complejas de gran valor artístico: Las grandes fuentes habitadas por figuras barbudas, sátiros, ninfas, delfines y monstruos diversos que adornaban las plazas y callejuelas de las ciudades y jardines barrocos, la decoración de las grandes escaleras de los palacios de la época, hasta las molduras y otras decoraciones fastuosas de galerías, salones, iglesias y todo tipo de interiores. En estas obras, la impresión general era a veces meramente orgiástica, pero en conjunto el estilo barroco producía un efecto de triunfo.

«El Éxtasis de Santa Teresa» Bernini (Capilla Cornaro)

La Capilla Cornaro es la pieza central de la ornamentada iglesia barroca de Santa Maria della Vittoria en Roma. Contiene una de las obras más ambiciosas de Bernini «El Éxtasis de Santa Teresa», diseñada y creada como un miniteatro. Encargada por el cardenal Federigo Cornaro y ocupando un espacio a lo largo del lateral de la iglesia, la capilla es una increíble mezcla de pintura, escultura y diseño interior.

Iluminada teatralmente a través de una ventana oculta en la parte posterior del altar, los haces de luz divina caen sobre la agitada y desmayada Teresa en el mismo clímax de su éxtasis espiritual. La escultura de mármol blanco está rodeada de vigas «de bronce dorado», que reflejan simbólicamente la luz divina. Un ángel de mármol surge de la escultura y del manto de Teresa, preparándose para clavar una flecha en el corazón de Teresa.

La imagen corresponde al relato de Santa Teresa de Ávila de cómo el ángel atravesó su corazón con una flecha de amor divino, simbolizando así su unión mística con Jesucristo. En poco relieve, observando el espectáculo desde la primera fila de los palcos de la ópera, hay grupos esculpidos de la familia Cornaro. En conjunto, es una impresionante mezcla de arte y arquitectura barrocos que ilustra muchas de las principales características del Barroco: inspiración religiosa dramática, movimiento, ilusionismo y escultura virtuosa.

Lista de escultores barrocos famosos

Entre los más grandes escultores del Barroco:

ITALIA

Stefano Maderno (1576-1636)
Escultor manierista/barroco más destacado de Roma antes de Bernini.
Estatua de Santa Cecilia (1600) Iglesia de Santa Cecilia, Trastevere.

Francesco Mocci (1580-1654)
Primer escultor barroco; par escultórico de Caravaggio y Carracci.
Ángel del Anunciador (1605-08) Museo del Opera del Duomo, Orvieto.

François Duquesnoy (1594-1643)
Pintor flamenco, uno de los mejores escultores de Roma. (Véase Barroco flamenco).
Estatua de San Andrés (1629-33), mármol, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano.

Alessandro Algardi (1595-1654)
Principal representante del alto clasicismo barroco.
Tumba del Papa León XI (1634-44) Catedral de San Pedro en Roma.

Bernini (1598-1680)
El mayor arquitecto y escultor del Barroco.
Ectasia de Santa Teresa (1647-52) Mármol, Capella Cornaro, Roma.

Véase también: Artistas del Barroco italiano .

FRANCIA

Pierre Puget (1620-1694)
El más grande escultor francés del siglo XVII.
Milo de Crotona (1671-82) Mármol, Louvre, París.

Gaspard y Balthazar Marcy (1624-1681)
Escultores franceses contratados por el rey Luis XIV, en el palacio de Versalles.
Caballos del Sol (1668-70) Jardin du Chateau, Versalles.

François Girardon (1628-1715)
Junto con Coysevox, el mejor escultor del reinado de Luis XIV.
Violación/secuestro de Proserpina (1693-1710) Bronce, Palacio de Versalles.

Jean Baptiste Tuby (1635-1700)
Escultor de la corte de Versalles.
Fuente de Apolo (1671) Piedra, Palacio de Versalles.

Antoine Koisevox (1640-1720)
Escultor de corte del rey Luis XIV.
Retrato busto de Charles Lebrun (1676) Wallace Collection, Londres.

Guillaume Coustou (1677-1746)
Escultor francés del Barroco tardío.
Caballo sujetado por el mozo de cuadra («El caballo de Marley») (1745) Louvre, París.

Véase también: Artistas barrocos franceses .

ALEMANIA/AUSTRIA

Jörg Zurn (1583-1638)
Escultor de madera barroco del sur de Alemania.
Altar de la Virgen (1613-16) Iglesia de Uberlingen.

Balthasar Permoser (1651-1732)
Importante escultor del Barroco tardío, talló en madera, marfil, piedra, mármol.
Apolo (1715) Staatliche Kunstsammulungen, Dresde.

Andreas Schlüter (1664-1714)
Uno de los más grandes escultores alemanes del Barroco.
Estatua ecuestre de Federico Guillermo el Grande (1703) Castillo de Charlottenburg.

Véase también: Artistas del Barroco alemán .

ESPAÑA/PORTUGAL

Juan Martínez Montañez (1568-1649)
Escultor español de Sevilla, conocido como «Dios de la Madera».
Cristo Misericordioso (Cristo de la Misericordia) (1603) Catedral de Sevilla.

Alonso Cano (1601-1667)
Escultor, pintor, arquitecto - apodado «el Miguel Ángel español».
Inmaculada Concepción (1655) Catedral de Granada.

Pedro Roldán (1624-1699)
Artista español, maestro de la talla en madera policromada.
Entierro (1673) Hospital de la Caridad, Sevilla.

Pedro de Mena (1628-1688)
Escultor barroco español conocido por su incomparable habilidad técnica.
María Magdalena penitente (1664) Museo de Valladolid.

Véase también Artistas del Barroco español y Arte barroco español .

EUROPA CENTRAL

Adriaen de Vries (1560-1626)
Escultor holandés que trabajó en Praga (véase: Barroco holandés).
Mercurio y Psique (1593) Louvre, París.

Las más grandes esculturas barrocas

He aquí una breve lista de algunas de las más grandes esculturas (estatuas, relieves y otras obras tradicionales) esculpidas o modeladas en el Barroco, ordenadas por escultor.

Éxtasis de Santa Teresa (1647-52, mármol, Capella Cornaro, Roma)
Plutón y Proserpina (1621-2, mármol, Galleria Borghese, Roma)
Apolo y Dafne (1622-5, mármol, Galleria Borghese, Roma)
De Giovanni Bernini (1598-1680).

Tumba del Papa León XI (1634-44, mármol, Basílica de San Pedro, Roma)
Éxtasis de San Felipe Neri (1638, Santa Maria in Vallicella, Roma)
El Papa León expulsando a Atila de las puertas de Roma (1646-53, Basílica de San Pedro, Roma)
Por Alessandro Algardi (1598-1654).

Estatua de San Andrés (1629-33, mármol, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano)
De François Duquesnoy (1594-1643).

Milo de Crotona (1671-82, mármol, Louvre, París)
De Pierre Puget (1620-1694).

Apolo cortejado por las ninfas de Fetida (1666-72, mármol, Palacio de Versalles)
El rapto de Proserpina (1693-1710, bronce, Versalles)
Por François Girardon (1628-1715).

Fuente de Apolo (1671, piedra, castillo de Versalles)
De Jean Baptiste Tuby (1635-1700).

Caballo sujetado por un mozo de cuadra («El caballo de Marley») (1739-45, Louvre, París)
De Guillaume Coustou (1677-1746).

Mercurio atando su talaria (1753, plomo, Louvre, París)
Voltaire (1776, mármol, Louvre, París)
De Jean Baptiste Pigalle (1714-1785).

Monumento a Pedro el Grande («Jinete de bronce») (1766-78, Plaza del Senado, San Petersburgo)
Por Etienne-Maurice Falcone (1716-1791).

Talla de madera Cravata (c. 1690, Limwood, Victoria and Albert Museum)
Por Greenling Gibbons (1648-1721).

Apolo (1715, mármol, Staatliche Kunstsammulungen, Dresden)
Por Balthasar Permoser (1651-1732).

Estatua ecuestre del Príncipe-Curfürst Federico Guillermo el Grande (1689-1708, bronce, Schloss Charlottenburg, Berlín)
Andreas Schlüter (1660-1714).