Escultura de bronce Traductor traducir

Allí donde se desarrolló la tecnología metalúrgica, se utilizó el metal en la escultura. En el pasado, el tipo de metal más común era el bronce, una aleación de estaño (10%) y cobre (90%), que se perfeccionó por primera vez en el arte griego del periodo clásico. Contrariamente a la idea popular de que la escultura griega era de mármol blanco, aproximadamente la mitad de las estatuas griegas eran de bronce. Esto se debe a que el bronce tiene un alto grado de resistencia a la tracción, lo que -en comparación con la escultura de mármol o terracota- da al escultor una mayor libertad de diseño, especialmente para poses alargadas. Podría decirse que el uso del bronce fue un factor clave para que la escultura griega antigua alcanzara su reputación durante el siglo V a.C.

Por desgracia, la valiosa resistencia y durabilidad del bronce, combinadas con el método relativamente sencillo de forja y fundición, lo hicieron extremadamente valioso para su uso en armas, en comparación con otros metales. Como resultado, el 99% de todos los objetos de bronce de la antigua Grecia y Roma fueron saqueados y fundidos por su contenido metálico. Desde la antigüedad clásica el bronce ha seguido siendo un medio popular en todas las formas de arte plástico .

Casi todos los grandes escultores utilizaron el bronce en algún momento de su carrera, incluidos los famosos escultores griegos (como Fidias, Mirón y Policleto), artistas del Renacimiento como Donatello (1386-1466), Antonio Pollaiuolo (1432-1498), Andrea del Verrocchio (1435-1488) y Benvenuto Cellini (1500-1571), así como Giambologna (1529-1608), François Girardon (1628-1715) y Auguste Rodin (1840-1917). Escultores del siglo XX que destacaron en bronce son, por ejemplo, Brancusi (1876-1957), Alexander Archipenko (1887-1964), Osip Zadkine (1890-1967), Henry Moore (1898-1986), Giacometti (1901-1966), John De Andrea (n. 1941) y otros.

Historia

Escultura clásica en bronce

Casi todas las civilizaciones antiguas utilizaron el bronce en su arte. Uno de los ejemplos más famosos es la «Danzante de Mohenjo-Daro» (2500 a.C., Museo Nacional, Nueva Delhi), una obra maestra de la escultura india de la Civilización del Valle del Indo (3300-1300 a.C.).

También los escultores chinos dominaron los fundamentos de la fundición a la cera perdida y la fundición en molde seccional, especialmente durante el arte de la dinastía Shang (c. 1750-1000 a.C.). Recientes descubrimientos (a partir de la década de 1980) en Sichuan han sacado a la luz numerosos artefactos, entre ellos los inusuales objetos monumentales de bronce conocidos actualmente como bronces de Sanxingdui, un ejemplo de los cuales es la figura humana (c. 1150 a.C., Oficina del Instituto de Arqueología y Reliquias Culturales de Sichuan) hallada en la fosa funeraria 2 de Sanxingdui.

Para una visión general de los objetivos y principios artísticos de los bronces del Lejano Oriente, véase: Arte tradicional chino: características . Para la evolución cronológica de la escultura (principalmente budista) en China, véase: Cronología del arte chino (c. 18.000 a.C. hasta la actualidad). En Egipto, durante los Reinos Medio, Nuevo y Tardío (c. 1986-323 a.C.), se fabricó un gran número de estatuillas de bronce por el método de la cera perdida con fines decorativos y funerarios.

En Europa, el arte mesopotámico fue probablemente el primero en producir bronce de alta calidad - la escultura egipcia era principalmente de piedra debido a la falta de minerales - y el antiguo arte persa también estaba familiarizado con el trabajo en bronce, al igual que el arte minoico en Creta. En la Grecia continental ya se fabricaban objetos de bronce en el 1200 a.C., sobre todo recipientes religiosos o estatuillas. Durante el periodo de la escultura griega arcaica apareció una reducida gama de formas figurativas, principalmente restringidas al estilo egipcio Kore y Kouros, debido a la tendencia de las obras de mármol o terracota a agrietarse si se extendía el brazo o a volcarse si se inclinaba el cuerpo.

El uso del bronce eliminó estos problemas: el metal no sólo era más resistente y ligero que el mármol o la arcilla, sino que se podían colocar fácilmente pesas pesadas dentro de la base hueca de la escultura para proporcionar estabilidad adicional. En otras palabras, el bronce dio a los escultores la libertad de crear poses mucho más innovadoras y emocionantes que las rígidas formas de la mujer drapeada de pie ) Corus) y el hombre desnudo de pie ) Corus).

Sin embargo, la transición de los recipientes de bronce a las estatuillas de tamaño natural no fue un proceso trivial: llevó varias generaciones. Por el camino, fue necesario desarrollar un método de fundición de piezas huecas de bronce que no requiriera enormes cantidades de metal extremadamente valioso. Se cree que la revolucionaria técnica de fundición de bronces huecos -el método óptimo por su resistencia y ligereza- se originó en la antigua Mesopotamia. Sea como fuere, los griegos empezaron a utilizar esta técnica no más tarde del año 550 a.C., y en el plazo de un siglo dio lugar a una época gloriosa de la alta escultura clásica griega, y a una explosión de creatividad sin precedentes en la historia de la escultura.

Escultores griegos como Fidias (c.488-431 a.) a.C.), Mirón (activo 480-444 a.C.), y Policleto (siglo V a.C.), fueron los primeros en producir bronce.), fueron los primeros en hacer estatuas de bronce de tamaño natural, y el monumental Coloso de Rodas, una de las famosas Siete Maravillas del Mundo y obra icónica del arte helenístico, fue realizado por Hares de Lindos entre 292 y 280 a.C.. Por desgracia, la mayor parte de la obra se ha perdido. Afortunadamente, gracias al pragmatismo del arte romano, disponemos de numerosos modelos en mármol de bronces griegos que, de otro modo, nos serían desconocidos. Además, se ha conservado una amplia gama de esculturas romanas de bronce, incluidos numerosos bustos retratos y estatuas de emperadores y gobernantes.

Escultura medieval en bronce

Durante la era de la escultura medieval (c. 300-1000) poca gente intentó trabajar el bronce, incluso en el arte bizantino oriental debido a la prohibición de las obras figurativas. Y puesto que la decoración escultórica de iglesias y catedrales durante las épocas románica (c. 1000-1200) y gótica (c. 1150-1280) se basó en la piedra para sus estatuas y relieves en lugar del bronce, la tradición europea se silenció hasta el Renacimiento (1400-1530). Sin embargo, persistió en el arte chino durante gran parte de este periodo, y también en el sur de la India bajo la dinastía Tamil Chola (c. 850-1279), cuya fundición en bronce fue una de las cumbres de la escultura y la pintura en la India de ese periodo. Véase también: Escultura budista china (c. 100 hasta nuestros días).

Renacimiento y posteriores

Entre los nuevos maestros de la escultura renacentista, a menudo formados en joyería, figuran los florentinos Lorenzo Ghiberti (1378-1455), conocido por las Puertas del Paraíso de la puerta del Baptisterio de Florencia, y Donatello (1386-1466), cuyo David (c. 1440) sigue siendo una de las mayores obras de arte cristiano jamás realizadas.

Mientras que la escultura en piedra (mármol) volvió de nuevo a manos de escultores renacentistas como Miguel Ángel y barrocos como Bernini, fue abandonada por tales, como Andrea del Verrocchio (1435-1488), Benvenuto Cellini (1500-1571), Giambologna (1529-1608) y François Girardon (1628-1715), que aportaron gran parte de la innovación en obras monumentales y pequeñas.

Después, los más grandes escultores neoclásicos fueron los creadores de las tres mejores estatuas ecuestres heroicas del siglo XVIII: Andreas Schlüter (1660-1714), que esculpió la estatua de Federico Guillermo el Grande (1708, Charlottenburg, Berlín); Etienne-Maurice Falcone (1716-1791), que creó «el Jinete de bronce «(1766-78, Plaza del Senado, San Petersburgo); y el austriaco Franz Anton von Zauner (1746-1822), que fundió en bronce la estatua ecuestre de José II (1806, Josefplatz, Viena).

La fundición de bronce del siglo XIX estuvo dominada por el pintor naturalista francés Auguste Rodin (1840-1917), mientras que entre los mejores escultores del siglo XX se encontraba Constantin Brancusi (1876-1957), conocido por su «Musa dormida» (1910); Umberto Boccioni (1882-1916), que creó en el estilo del futurismo «Formas únicas de continuidad en el espacio» (1913); Alexander Archipenko (1887-1964), conocido por sus obras cubistas de vanguardia; Osip Zadkine (1890-1967), que creó la llamativa «Ciudad destruida» (1953); Henry Moore (1898-1986), conocido por su abstracción biomórfica orgánica; y Alberto Giacometti (1901-1966), conocido por sus características «figuras de palo». Véanse también las figuras de bronce hiperrealistas de Karol Feuerman (nacido en 1945).

Véase también: Cómo apreciar la escultura . Para obras más recientes, véase: Cómo apreciar la escultura contemporánea .

Técnicas de la escultura en bronce

En la fabricación del bronce pueden utilizarse numerosos procedimientos de fundición. Los principales son el método de fundición a la cera perdida (incluida la fundición a la cera perdida), la fundición en arena y la fundición centrífuga.

Método de la cera perdida «»

El método de fundición a la cera perdida incluye los siguientes pasos:
Se crea un modelo a tamaño natural de la obra utilizando una arcilla que no se seca, como la plastilina.
El artista hace una impresión del molde del modelo. Para ello, el modelo de arcilla se cubre con una capa de cera de medio centímetro de grosor y, a continuación, con una capa más gruesa de arcilla (a veces, el molde se utiliza para hacer una copia de escayola que puede guardarse para su uso posterior o refinarse).
A continuación, el modelo de cera se cuece en un horno. Durante el calentamiento, la arcilla se endurece y se deja escurrir la cera (que sale a través de un pequeño orificio en la capa exterior de arcilla).
El molde de arcilla restante se rellena con arena y se vierte con bronce fundido.
Cuando el bronce se ha solidificado y enfriado, se retira la arcilla con un cincel para dejar al descubierto la escultura de bronce.
Por último, se raspa el modelo interior de arcilla del interior de la cáscara de bronce mediante un pequeño orificio en el fondo.

Esculturas a gran escala

Cuando se crea una escultura a gran escala, el artista suele crear uno o varios modelos pequeños de entrenamiento para perfeccionar la forma y las proporciones deseadas. Después puede pasar a un modelo intermedio más grande antes de proceder a crear una escultura de tamaño natural. A menudo se utilizan instrumentos de medición para aumentar el tamaño del modelo intermedio y garantizar unas proporciones correctas. En el pasado, las grandes obras tridimensionales de bronce se fundían siempre en una sola pieza. Ahora, sin embargo, gracias a las nuevas técnicas de soldadura, las esculturas de gran tamaño pueden fundirse en varias piezas y luego soldarse entre sí.

Pintura y decoración

Una vez finalizado el proceso de fundición, la estatua de bronce puede someterse a un proceso de acabado. En la antigua Grecia, por ejemplo, se nivelaba y pulía el metal y se aplicaba barniz a la superficie amarillenta del bronce para conseguir el tono deseado. En esta fase se añadían otros metales para decorar ciertas partes del cuerpo de la estatua.

Por ejemplo, se podía aplicar oro y plata a los labios, y en los ojos se solía insertar esmalte de color o vidrio para darles un aspecto realista. A veces incluso se utilizaban finos hilos de cobre para representar las pestañas y las cejas. Es posible que se añadieran joyas de verdad. Después se pintaba la estatua. En la antigua Grecia, las esculturas, ya fueran de bronce o mármol, rara vez se dejaban sin pintar. Para realzar el efecto general, los artistas utilizaban pigmentos colorantes, incluido el oro. La pintura de esculturas se convirtió en un oficio especializado por derecho propio. Véase: Paleta de colores clásica .

Estatuas de bronce famosas

Las esculturas de bronce famosas pueden verse en muchos de los mejores museos de arte y jardines de esculturas de todo el mundo. Las obras maestras, por ejemplo, incluyen:

Bronces clásicos

El auriga de Delfos (475 a.C.), Museo Arqueológico de Delfos.
Zeus o Poseidón (460) Museo Arqueológico de Atenas. Fidias.
Bronce A de Riace (450), Museo Nacional de Calabria. Fidias.
Bronce Riace B (450), Museo Nacional de Calabria. Fidias.
Discóbolo (450) Originalmente bronce, Museo Nacional, Romano. Mirón.
Atenea Lemniana (447-5) Originalmente bronce, Partenón. Fidias.
Museo Nacional Doríforo (440), Nápoles. Autor Policleto.
Juventud de Anticitera (350) Museo Arqueológico, Atenas.
Spinario (Niño quitándose una espina) (siglo I a.C.) Roma.
Laocoonte y sus hijos (42-20 a.C.) Museos Vaticanos, Roma.
Estatua ecuestre de Marco Aurelio (180 d.C.) Plaza del Campidoglio, Roma.

Bronces renacentistas

Portal sur del baptisterio florentino (1336), bronce dorado. Andrea Pisano .
David (ca. 1440) Bargello, Florencia. Donatello.
Estatua ecuestre de Gattamelata (1444-53) Siena. Donatello.
Hércules y Anteo (ca. 1470) Bargello, Florencia. Por Antonio Pollaiolo .
David (hacia 1475) Bargello, Florencia. Por del Verrocchio.
Estatua ecuestre de Bartolomeo Colleoni (1480-95) por del Verrocchio.

Bronces manieristas / barrocos

Perseo con la cabeza de Medusa (1545-54) Florencia. Autor Cellini.
Venus y Cupido (1550) Getty Museum, Los Angeles. Autor de Jacopo Sansovino .
Mercurio (1564-80) Bargello, Florencia. Autor Giambologna.
Mercurio y Psique (1593) Louvre. Por Adrian de Vries .
Fuente de Apolo (1671), Palacio de Versalles. Jean Baptiste Touby.
Plutón raptando a Proserpina (1693-1710) Versalles. Por Girardon.

Bronce neoclásico

Estatua de Federico Guillermo el Grande (1708) Berlín. Autor Schluter.
«Jinete de bronce» (1778) San Petersburgo. Etienne-Maurice Falcone.
Estatua ecuestre de José II (1806) Viena. F. A. von Sauner.
Marsellesa (1833-6) Museo de Niza. François Rood.

Escultura moderna en bronce

David (hacia 1872), Museo de Orsay. Marius Jean Antonin Mercier.
La edad del bronce (1876), Museo de Orsay. Rodin.
Pequeña bailarina de catorce años (1879-81), Museo de Orsay. Autor Degas .
El Pensador (1881) París. Rodin.
El perezoso (1885) Londres. Autor Frederick Leighton .
Los burgueses de Calais (1889) París. Rodin.
Las puertas del infierno (1880-1917) París. Rodin.
Robert Burns (1892), bronce, Aberdeen. Henry Bain Smith.
Joven arrodillado ante la fuente (1898), Museo de Orsay. George Minn.
Monumento a Balzac (1898) París. Rodin.

Escultura en bronce del siglo XX

La Musa Durmiente (1910), Museo Metropolitano de Arte. De Constantin Brancusi.
Mujer caminando (1912), Museo de Arte de Denver. Por Archipenko.
Taladro de roca (1913-14) MoMA, Nueva York. Por Yakov Epstein .
Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) MoMA. Umberto Boccioni.
El caballo mayor (1914) Centro Pompidou. Autor Raymond Duchamp-Villon .
El final del camino (1915) Brookgreen Gardens. Autor James Earl Fraser .
Mujer degollada (1932) Alberto Giacometti.
La ciudad en ruinas (1953) Rotterdam. Osip Zadkin.
Gato (1954) Metropolitan Museum of Art, Nueva York. Alberto Giacometti.
Escultura conmemorativa del Holocausto (c. 1950-55) Dachau. Autor Gleed Nandor.
Hombre que camina (1960) Varios museos. Alberto Giacometti.
Dos latas de cerveza (1960) Basilea. Jasper Johns.
La cabeza partida (1963) Autor Cesar Baldaccini .
Cabeza de luna (1964) Leeds. Henry Moore.
Aspiración (1995) Edificio del Tesoro, Dublín. Autor Rowan Gillespie .
Ushiku Daibutsu, Buda Amitabha (1995) Piedra/Bronce, Japón.
Hunger (1996-7) Custom House Quay, Dublín. Rowan Gillespie.
Maman (1999) Galería Nacional de Canadá. Autor Louise Bourgeois .
Guishan Guanyin de las Mil Manos y Ojos (2009) Bronce dorado, China.
Quan (2013) Bronce y acero inoxidable. Por Carol Feuerman.