Eva Hesse:
escultor minimalista Traductor traducir

Biografía

La peculiar pintora y escultora estadounidense Eva Hesse fue pionera de arte posmodernista, cuya corta vida terminó trágicamente justo cuando ella comenzó a ganar reconocimiento en el mundo del arte estadounidense. Aunque ella comenzó su vida creativa en pintura, a los 28 años cambió a escultura, un medio en el que ganó una reputación significativa en los 6 años anteriores a su muerte, gracias a trabajos innovadores como "Hang-up" (1966, Art Institute of Chicago), Ishtar (1965, Private Collection) y "Untitled" (Rope Piece) (1970, Whitney Museum, NY). Aunque su trabajo ha sido descrito como Arte minimalista, su uso inventivo de nuevos materiales (caucho, látex, fibra de vidrio, cuerdas), junto con sus formas sexualmente sugerentes, le dieron a su trabajo un poder emocional que eludió a otros artistas contemporáneos importantes, como Donald Judd (1928-94) Robert Morris (nacido en 1931) y Richard Serra (n. 1939), y la llevaron a ser etiquetada como "post-minimalista". Su muerte prematura por un tumor cerebral tal vez le haya agregado un significado adicional arte contemporáneo, pero su intenso enfoque la convirtió en una de las más imaginativas Escultores americanos en Nueva York. Otras obras de Hesse incluyen: "Una oreja en un estanque" (1965, Museo de Arte Moderno de San Francisco); "Ringaround Arosie" (1965, MOMA, Nueva York); "Manzanas del mañana" (5 en blanco) (1965, Tate Modern, Londres); "Addendum" (1967, Tate Modern, Londres); "Repetition Nineteen I" (1968, MOMA, Nueva York) y "Untitled" (Wall Piece) (1970, Des Moines Art Center). Reconocido como uno de los más prometedores. Escultores del siglo XX Hesse recibió importantes retrospectivas en 1972 (Nueva York, Chicago y otros lugares) y en 1979 (Londres, Otterlo y Hannover). Describiéndola arte de vanguardia poco antes de morir, dijo: "Absurdo es la palabra clave. Tiene que ver con contradicciones y oposiciones".

NOTA: Para otras escultoras e instalacionistas importantes en Estados Unidos a fines de la década de 1960, consulte: Louise Nevelson (1899-1988), Louise Bourgeois (1911-2010), Judy Chicago (nacido en 1939) y Carole Feuerman (nacido en 1945).

Vida temprana

Nacida en Alemania nazi en el seno de una familia judía, Eva Hesse fue enviada a un orfanato en Amsterdam, antes de ser reclamada dos meses después por sus padres, quienes la llevaron a ella (y a su hermana) a Nueva York. Aunque esta emigración la salvó de los campos de concentración, sus padres pronto se divorciaron y en 1946 su madre se suicidó. Esta historia temprana de abandono dejó un legado de ansiedad y depresión severas que Hesse exploraría continuamente en su arte. (Ver también Arte del Holocausto.)

Hesse se graduó de la Cooper Union y más tarde, en 1959, de la Yale School of Art. En 1961 conoció y se casó con un escultor llamado Tom Doyle y tres años después, en junio de 1964, se fueron a trabajar a Alemania durante un año. Cuando llegó, Hesse, de veintiocho años, todavía se veía a sí misma como pintora. Fue un año lleno de ansiedad y dudas: "No puedo ser tantas cosas", confió a su cuaderno: "… Mujer, bella, artista, esposa, ama de llaves, cocinera, vendedora, todas estas cosas. I ni siquiera puedo ser yo mismo ".

Cambia a escultura

No obstante, los 12 meses en Alemania fueron el punto de inflexión en el desarrollo de Hesse como artista. Ella cambió su enfoque a arte plástico y al final de su estadía tuvo su primera exposición individual en el prestigioso Dusseldorf Kunstverein. Doyle y Hesse vivían cerca de Dusseldorf, donde las influencias de los dos principales artistas de instalación de la ciudad, Gunter Ucker y Joseph Beuys, parecen haber tenido un efecto formativo en el carácter de su transformación estilística.

Hesse creó los veinte hemisferios mamarios (su asociación) que la componían. escultura abstracta "Ishtar" (1965, Private Collection), enrollando y pegando meticulosamente espirales de cable alrededor de los formularios, pintándolos y fijándolos a la superficie de yeso manipulada de forma sugerente. Las cuerdas de plástico negro, que salen libremente de los centros de cada montículo, proporcionan una conexión sensual y frágil a esta imagen materna reiteradamente ritualista. Los orbes eróticos en "Ishtar", las formas fálicas colgantes en "Varios" (1965, Colección Saatchi) y las otras formas abiertamente sexuales que impregnan la escultura de Hesse desde 1965 hasta la mayor parte de 1976 tienen un carácter fetichista no solo en el proceso obsesivo de su fabricación pero en su repetición. De hecho, tanto el título como la composición de "Ishtar" evocan a la antigua fetiche de pecho cruzado Diana de Éfeso, que está relacionada con la diosa semítica del amor, la fertilidad y la guerra por la que Hesse nombró su obra.

La estructura en serie de las formas parecidas a senos en "Ishtar" también alude directamente al carácter sistémico de la escultura minimalista contemporánea, que Hess se apropió y personalizó con éxito en obras como esta. Vio directamente el contenido expresivo, generalmente no reconocido, del minimalismo y se sintió conmovida por él, como es evidente en su respuesta al trabajo de Carl Andre (nacido en 1935). "Me siento muy cerca de Carl Andre", dijo. "Me siento, digamos, emocionalmente conectado con su trabajo. Hace algo en mi interior. Sus placas de metal fueron el campo de concentración para mí". (Ver también Arte basura.)

Abandono

Poco después de que Hesse regresó a Nueva York a fines de 1965, su esposo la dejó, y un año después su padre murió. Estaba aterrada por la inevitable sensación de abandono. Sin embargo, al mismo tiempo, influyentes exposiciones como "Abstracción excéntrica" ​​(organizada por su amiga Lucy Lippard en el otoño de 1966), "Nueve en Leo Castelli" de Robert Morris (el llamado "Almacén Show" de diciembre de 1968) y el "Anti-Illusion: Procedimiento / Materiales" de Whitney Museum (que Marcia Tucker y James Monte protagonizaron en el verano de 1969) creó una trayectoria creciente para la reputación de Hesse como figura central en el surgimiento de un nuevo tipo de arte abstracto (postminimalismo), y potencialmente uno de los mejores artistas contemporáneos en Nueva York. La recepción pública cada vez más positiva de su trabajo y un grupo de amigos excepcionalmente comprensivos, entre ellos Mel Bochner, Lucy Lippard, Robert Smithson y, sobre todo, Sol LeWitt, fomentaron una creciente autoestima artística que mantuvo a Hesse emocionalmente a flote.

La sensualidad directa de la fibra de vidrio y el látex.

Durante 1967, el trabajo de Hesse se alejó de las imágenes abiertamente eróticas hacia un tipo más directo de sensualidad que estaba presente de inmediato en los propios materiales, en lugar de como símbolos de otra cosa. Su decisión de comenzar a trabajar en fibra de vidrio y caucho de látex a principios de 1968 tuvo que ver con su translucidez y luminiscencia, la fisicalidad práctica de construir el cuerpo del trabajo en capas como una piel y la sensibilidad de ambos materiales al tacto.. Las secuencias en forma de cadena de unidades simples que sirven como principio compositivo de muchos de estos trabajos tardíos hacen eco deliberadamente de la estructura subyacente de los polímeros mismos. Hesse buscó relacionarse, de manera fundamental, con la naturaleza invisible de sus materiales. (Ver también: Arte Feminista.)

A fines de la primavera de 1968, Hesse había comenzado a trabajar con una empresa de fabricación de plásticos en Staten Island. Al igual que muchos artistas en la década de 1960, descubrió que la ayuda de fabricantes externos y asistentes de estudio podría acelerar el ritmo de producción y el desarrollo de ideas, así como permitirle aumentar la escala de su trabajo, dándole la opción de mudarse a arte de instalación creando un "ambiente" más grande para los espectadores. Doug Johns, uno de los propietarios de la compañía de plásticos, se sintió tan absorto trabajando con Hesse que en septiembre había cerrado su negocio para dedicarse a tiempo completo a ella. Tener a Johns ahí mismo resolviendo los problemas estructurales a medida que avanzaba le permitió a Hesse una espontaneidad mucho mayor y la capacidad de generar y realizar ideas rápidamente.

En obras de 1969 como "Expansión expandida", "Contingente" y "Sin título (Pieza de hielo)", Hesse exploró la idea de la expansión infinita. "Adoptan una actitud absurda", como ella lo expresó, al cortejar la incomprensibilidad de la extensión infinita en el espacio, la improbable transformación de superficies repulsivas en hermosos efectos de luz y forma, y ​​la contradicción entre la fuerza de la fibra de vidrio y la fragilidad. del látex Incluso eligió incorporar la impermanencia en el trabajo empleando el látex de manera que interfiriera con su curado adecuado.

Nota sobre la apreciación de la escultura
Para aprender a evaluar escultores estadounidenses posmodernos como Eva Hesse, vea: Cómo apreciar la escultura moderna. Para trabajos anteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura.

El sentido de lo absurdo de Hesse

"El arte y el trabajo y el arte y la vida están muy conectados y toda mi vida ha sido absurda", dijo Hesse a Cindy Nemser. "No ha sucedido nada en mi vida que no haya sido extremo: salud personal, familia, situaciones económicas… Siempre fui consciente de que debía tomar el orden versus el caos, fibroso versus masivo, enorme versus pequeño, e intentaría encontrar los opuestos más absurdos u opuestos extremos ".

Esta atracción entre polaridades subyace tanto en el erotismo como en el humor consciente del trabajo de Hesse. En Sin título ("Wall Piece") de 1970, las cuatro cajas de fibra de vidrio con cadenas tenues que cuelgan claramente establecen un orden general. Sin embargo, la excentricidad entrañablemente antropomórfica de cada unidad se burla de la conformidad de la regularidad en serie.

A principios de abril de 1969, Hesse se derrumbó de un tumor cerebral y luego se sometió a tres operaciones antes de que finalmente muriera en mayo de 1970 a la edad de treinta y cuatro años. El hecho de que ella ya había desarrollado un sistema de trabajo con asistentes en 1968, le permitió continuar trabajando hasta el final, y de hecho, produjo su mejor trabajo en ese último año. El "Untitled (Rope Piece)" de 1970, por ejemplo, socava las nociones de forma y escala fijas. Al igual que con el campo gestual de un Pollock, el detalle en este trabajo atrae al espectador, pero lo desorienta con su desconocimiento del material y la forma. "Quería arrojarme totalmente a una visión a la que tendría que adaptarme y aprender a entender", dijo. "… Quiero extender mi arte quizás a algo que aún no existe".

Las obras de Hesse se encuentran en varios de los mejores museos de América, entre ellos: el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; Museo de Arte Moderno, Nueva York; y el Instituto de Arte de Chicago. En el extranjero está representada en varias colecciones de arte contemporáneo, incluida la Galería Saatchi, y el Tate Collection Londres

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Referencias
Reconocemos con gratitud el uso del material de "Art Since 1940" por Jonathan Fineberg (2000, Laurence King Publishing), una excelente obra de referencia para cualquier estudiante serio de arte contemporáneo.