Henry Moore:
escultor inglés, biografía Traductor traducir

Biografía

Henry Moore, considerado durante mucho tiempo el mayor escultor de Inglaterra, fue en gran parte responsable de la aparición gradual de los británicos. escultura del provincialismo a la corriente principal de arte Moderno. Irónicamente, fue durante la década de 1930, cuando el trabajo de Moore fue tan violentamente atacado en la prensa, que él y sus contemporáneos Ben Nicholson (1894-1982) y Barbara Hepworth (1903-75) sentaron las bases de escultura abstracta en Inglaterra, el nuevo modernismo, después de las innovaciones anteriores de lo bohemio Jacob Epstein (1880-1959).

En 1946, con su primera gran exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la escuela de escultura británica moderna estaba firmemente establecido, y Moore se había convertido en uno de los más admirados e influyentes. escultores abstractos en el mundo.

Primeros días y entrenamiento

Nacido en Castleford, Yorkshire, el séptimo hijo de un minero, Henry Moore a la edad de 10 u 11 años decidió que quería convertirse en escultor. Recibió sus primeras lecciones en dibujo en la Escuela de Gramática Castleford de la amante del arte, Alice Gostick, cuyo apoyo y aliento significaron mucho para él. Después de servir dos años en el ejército, Moore recibió una subvención de ex militar de la Escuela de Arte de Leeds, y se inscribió en el curso de dos años en septiembre de 1919. Barbara Hepworth se unió allí en 1920 y se hizo amigo y cercano. asociado durante los próximos 20 años.

Mientras estaba en Leeds conoció a Sir Michael Sadler, cuya notable colección incluía pinturas de Paul Cezanne (1839-1906), Paul Gauguin (1848-1903) y Henri Matisse (1869-1954), los primeros ejemplos de arte moderno que vio Moore. En ese momento leyó la visión y diseño de Roger Fry y fue particularmente influenciado por los capítulos sobre "Arte antiguo americano" y "Escultura negra".

1920

En 1921 Moore comenzó el curso de diploma de tres años en el Royal College of Art de Londres. Pronto se desarrolló un conflicto entre el trabajo académico del curso y su deseo de seguir su propia dirección en escultura, basada en el conocimiento obtenido de numerosas visitas al Museo Británico. Allí estudió escultura de muchos períodos: prehistórico, egipcio, asirio, sumerio, Griego arcaico, tanto como Arte africano y Oceánico ; pero estaba más atraído por el arte mexicano, que se convertiría en la mayor influencia en su trabajo durante la década de 1920. Logró un compromiso, dibujando y modelando a partir de la vida durante el período escolar, con noches y días festivos libres para perseguir sus propios intereses.

En 1922, en el primero de muchos viajes a París, vio la Colección Pellerin, que incluía Grandes Baigneuses de Paul Cezanne (ahora en el Museo de arte de Filadelfia) Él ha escrito: "Ver esa imagen, para mí, fue como ver la Catedral de Chartres. Fue uno de los grandes impactos". En 1924 recibió una beca de viaje y también fue nombrado instructor de escultura en el Royal College of Art por un período de siete años. Se fue a Francia e Italia en enero de 1925. Admiraba enormemente la monumentalidad de Masaccio Frescos de la Capilla Brancacci en Florencia. A su regreso a Londres en el verano de 1925, completó la piedra de Hornton Madre e hijo de 1924-5 (Galería de arte de la ciudad de Manchester).

Casi todas sus esculturas entre 1921 y 1939 fueron esculturas. Me gusta Amedeo Modigliani (1884-1920), Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915), Constantin Brancusi (1876-1957) y Sir Jacob Epstein (1880-1959), Moore estaba interesado en la talla directa; creía en la doctrina de la verdad a los materiales, en la comprensión y simpatía con las cualidades de la madera o la piedra. En la talla de Manchester, las formas no se han liberado del material y permanecen algo enterradas en el bloque de la piedra. La talla es, como el tipo de escultura que Moore más admira, "no es perfectamente simétrica, es estática y es fuerte y vital, emite algo de la energía y el poder de las grandes montañas". A diferencia de Hepworth, por ejemplo, Moore no se preocupa por una belleza y pureza ideal, clásica. Apunta al poder de la expresión, dándole a su escultura una energía acumulada, una vida propia.

La primera exposición individual de Moore se celebró en Warren Gallery, Londres, en 1928. Ese mismo año recibió su primera comisión pública, un alivio titulado North Wind para la nueva sede de la Junta de Transporte de Pasajeros de Londres. La figura reclinada de 1929 (Leeds City Art Gallery), sin duda la escultura más importante de Moore de la década de 1920, fue el primer trabajo que reflejó la tremenda influencia de la figura reclinada mexicana de Chac Mool. Aunque la talla de Leeds tiene la misma masa y peso que admiraba en el prototipo mexicano y la alerta cabeza con forma de máscara girada en ángulo recto con respecto al cuerpo, la postura reclinada es bastante diferente. La figura descansa sobre su costado, con el brazo izquierdo levantado detrás de la cabeza, y la pierna izquierda se alza sobre la derecha.

En la figura reclinada, Moore había encontrado un tema que le permitía experimentar con nuevas ideas formales, explorar infinitas variaciones sobre un solo tema. A fines de la década de 1920, el tema de la madre y el niño y la figura reclinada se habían convertido en las dos obsesiones principales en el trabajo de Moore. En 1929 Moore se casó con Irina Radetsky, una estudiante de la Royal College of Art School of Painting. Se mudaron a Parkhill Road, Hampstead, Londres, donde vivieron hasta 1940. La primera de dos casas de campo en Kent, para usar durante las vacaciones, se compró en 1931. La enigmática obra abstracta Composición de 1931, marcó una nueva partida radical que se alió El trabajo de Moore a las abstracciones biomórficas actuales en el trabajo de Arp, Mira, Tanguy y, sobre todo, Picasso.

1930

La escultura y los dibujos creados por Picasso (1881-1973) durante la década de 1920 ejerció una influencia directa en la escultura y los dibujos de Moore de principios de la década de 1930. Al igual que Hepworth y Nicholson, Moore visitó el taller de Picasso y los estudios parisinos de Georges Braque (1882-1963) y Brancusi. La composición ilustra cuán rápida e intuitivamente Moore había asimilado las imágenes visuales del trabajo de Picasso.

Nota sobre la apreciación de la escultura
Para aprender a evaluar escultores modernistas de abstracción orgánica como Henry Moore, vea: Cómo apreciar la escultura moderna. Para trabajos anteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura.

En 1932 estableció el Departamento de Escultura en la Chelsea School of Art. Al año siguiente fue elegido miembro de la "Unidad Uno". La primera de sus composiciones de dos, tres y cuatro piezas apareció en 1934 y está relacionada con el trabajo de Jean Arp (1886-1966) y Alberto Giacometti (1901-66). A menudo usaba el idioma surrealista del objeto encontrado, e hizo varias tallas usando guijarros de piedra de hierro. En 1932, hizo una serie de dibujos de huesos y conchas, transformando formas de la naturaleza en formas humanas. En las esculturas de varias partes de 1934, el cuerpo humano se dividió en fragmentos y se volvió a montar. No fue hasta finales de los años cincuenta y sesenta que volvió al tema de la figura de dos y tres piezas.

Las tallas cuadradas de Moore de 1935 y 1937, entre sus obras más abstractas, reflejan la influencia de los relieves de Ben Nicholson de la época. Durante estos años, cuando vivía en Hampstead cerca de Hepworth, Nicholson y el crítico Herbert Read, hubo un fructífero intercambio de ideas entre estos artistas con objetivos ampliamente similares. El trabajo de Moore nunca se volvió totalmente abstracto; siempre hay alguna referencia a formas humanas u orgánicas. De hecho, probablemente sea mejor conocido por abstracción biomórfica de sus ’figuras reclinables’.

Participó en la "Exposición Surrealista Internacional" en Londres en 1936, y al año siguiente contribuyó a Circle: International Survey of Constructive Art. La idea de la figura femenina reclinada como metáfora del paisaje apareció por primera vez en la Figura reclinada de 1929 (City Art Gallery, Leeds) y luego en la Mujer reclinada de 1930 (Galería Nacional de Canadá, Ottawa). El lenguaje paisajístico, en el que el pecho y las rodillas son como colinas o montañas, y agujeros como cuevas en la ladera de una colina, se resuelve maravillosamente en Recumbent Figure de 1938 (Tate Gallery, Londres). Los ritmos suavemente ascendentes y descendentes se hacen eco de South Downs, donde originalmente se encontraba la escultura.

De 1937 a 1939, Moore ejecutó una serie de dibujos y esculturas de cuerdas, un breve interludio en su obra. Su primera "escultura de casco" apareció en 1939-40. Entre 1921 y mediados de la década de 1950, la génesis de casi todas las esculturas de Moore se encuentra en los cuadernos de bocetos y dibujos más grandes. Los dibujos para la escultura fueron un medio para generar ideas para la escultura, para registrar el desbordamiento de ideas demasiado numerosas para explorar directamente en madera o piedra.

1940

En septiembre de 1940, Moore comenzó a trabajar en sus dibujos de refugios, escenas de londinenses que se refugiaban de Blitz en las estaciones de metro de Londres. Al mes siguiente, su estudio de Hampstead fue gravemente dañado por una bomba, y los Moores se mudaron a una granja del siglo XVII en Much Hadham, a 48 kilómetros al norte de Londres. Como artista de guerra, pasó el año siguiente trabajando en los dibujos del refugio. Visitó los refugios una o dos veces por semana, e hizo los dibujos de memoria a su regreso a casa. En 1942 hizo una serie de dibujos de mineros en el trabajo en la cara de carbón. La Virgen y el Niño de 1943-4, encargada para la Iglesia de San Mateo, Northampton, refleja la influencia de los dibujos del refugio en el uso de cortinas y en el énfasis humanista.

La tradición mediterránea, que en su viaje a Italia en 1925 había estado en conflicto con su interés en arte primitivo, había salido una vez más a la superficie. En 1946, el año de su primera retrospectiva en el Museo de Arte Moderno, Nueva York, nació su hija Mary. Dos años después ganó el Premio Internacional de Escultura en la 24 Bienal de Venecia. Su primera retrospectiva en la Tate Gallery se celebró en 1951. La reputación mundial de Moore como escultor y como un destacado exponente de la abstracción orgánica ahora estaba firmemente establecida.

1950s

Durante la década de 1950, las dos comisiones más importantes fueron una pantalla para la fachada y la Figura Reclinada Drapeada de bronce (1952-3) para el nuevo Edificio Time-Life en Londres, y la Gran Figura Reclinada Romana de mármol travertino (1957-8) para Sede de la UNESCO en París.

Aunque el interés de Moore por la talla continuó durante toda su vida, muchas de sus esculturas más conocidas de la posguerra, como Family Group (1948-9; Museum of Modern Art, New York), King and Queen (1952-3; Joseph Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, DC), Warrior with Shield (1953-4; Art Gallery of Ontario, Toronto), Reclining Figure (1963-5; Lincoln Center, New York) y Nuclear Energy (1964-6; University of Chicago) – fueron hechas en yeso y fundidas en bronce. Se puede ver una excelente colección de yesos en la Galería de Arte de Ontario, Toronto.

Entre las esculturas más impresionantes de las últimas dos décadas se encuentran las figuras reclinables de dos y tres piezas de 1959-62 (se pueden ver ejemplos en la Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo; el Museo de Arte Moderno, Nueva York; etc.). La metáfora del paisaje, una fuente de inspiración de Moore desde finales de la década de 1920, se invierte: las esculturas son más paisajísticas que humanas. Los elementos fragmentarios de un paisaje accidentado de rocas, acantilados y cuevas se convierten en la figura femenina.

A mediados de la década de 1950, como su arte plástico se estaba volviendo más tridimensional, con una integridad orgánica desde todos los puntos de vista, el dibujo ya no servía como una forma de desarrollar ideas para la escultura. El punto de partida para la mayor parte de su escultura posterior han sido los huesos, conchas y piedras de pedernal que abundan en el estudio de maquetas en Much Hadham.

Periodo tardío

Después de 1968, Moore mostró un renovado interés en el dibujo como una actividad independiente de la escultura, y en grabado, produciendo más de 260 litografías y grabados, incluidas las carteras de Elephant Skull, Auden, Stonehenge y Sheep.

La gran retrospectiva en el Galería de arte Tate en 1968 fue seguido en 1972 por la magnífica exposición en el Forte di Belvedere en Florencia. Muchos bronces grandes y moldes de fibra de vidrio fueron colocados en las terrazas; La arquitectura de Florencia y las colinas más allá hicieron de este uno de los sitios más espléndidos del mundo para exhibir esculturas en la enorme escala de los últimos trabajos de Moore. En octubre de 1974 se inauguró el Centro de esculturas Henry Moore en Toronto; El Centro alberga el regalo de Moore a la Galería de Arte de Ontario de más de 500 yesos, bronces, dibujos y grabados originales.

Moore continuó trabajando durante la mayor parte del año en Much Hadham, y pasó un mes o dos cada verano en Italia, tallando en las obras de mármol Querceta de los Sres. Henraux. Desde su pequeña casa cercana en Forte dei Marmi pudo ver las montañas de Carrara donde Miguel Ángel (1475-1564) se dice que seleccionó grandes bloques de mármol para sus tallas. El humanismo esencial de Moore Art º Se ha nutrido de fuentes tan dispares como la escultura paleolítica y la obra de Picasso. Con la figura humana como el tema central de su trabajo, utilizó elementos del paisaje, las formas de los huesos, conchas y guijarros para ampliar el lenguaje tridimensional de la escultura. Henry Moore ahora se encuentra entre los mejores Escultores del siglo XX en Europa, habiendo construido y extendido la tradición a la que pertenece su trabajo.