Louise Nevelson:
escultor estadounidense, artista de ensamblaje Traductor traducir

La escultora abstracta estadounidense nacida en Rusia, Louise Nevelson (Louise Berliawsky), quien se mudó a los EE. UU. En 1905, solo tomó en serio el arte a la edad de 30 años. Influida por el cubismo y el arte africano, exploró la pintura y los murales, antes de establecerse en escultura. Se hizo conocida en las décadas de 1950 y 1960 por su estilo único de relieve en madera. arte de ensamblaje. Por lo general, esto implicaba la creación de grandes estructuras de madera, que a menudo ocupaban una pared entera, que consistía en numerosos compartimentos llenos de arreglos de objetos "encontrados", comúnmente fragmentos de muebles, pintados en colores planos y uniformes: negro, dorado o blanco. Además de ser uno de los más innovadores Escultores americanos Nevelson también fue pintor y grabador. Sus obras más conocidas incluyen Dawn’s Wedding Chapel II (1959, Whitney Museum, Nueva York) y Louise Nevelson Plaza (1979, el distrito financiero de Nueva York). También realizó esculturas de menor escala en aluminio y lucita, como lo ejemplifica Transparent Sculpture VI (1967-8). Otras obras de Nevelson se pueden ver en algunos de los mejores museos de arte en América y alrededor del mundo.

Biografía

Como el gran modernista Alexander Archipenko (1887-1964), una década antes que ella, Louise Berliawsky nació en Kiev, así como Escultura rusa Estaba a punto de florecer. En 1905, emigró a Estados Unidos con su familia, estableciéndose en Rockland, Maine. A los 21 años, se casó con Charles Nevelson y se estableció en Nueva York, donde dos años después tuvo un hijo. Como muchos artistas antes que ella, incluyendo Alexander Calder (1898-1976), Nevelson se formó en el Liga de estudiantes de arte en Nueva York entre 1929 y 1930, donde estudió dibujo y pintura de la vida con George Grosz (1893-1959), el pintor expresionista alemán que era conocido por sus salvajes dibujos de caricatura de la vida de Berlín en la década de 1920, junto con la pintora abstracta Baronesa Hilla Rebay von Ehrenweisen (1890-1967).

Durante este período, Nevelson conoció el cubismo, el collage y el dadaísmo, así como las obras de Pablo Picasso Juan Gris y Marcel Duchamp. En 1930 se mudó a Munich y estudió con Hans Hofmann (1880-1966), un importante pintor expresionista abstracto que inspiró a estudiantes y artistas de todo el mundo. En 1932, Nevelson regresó a América y trabajó con Ben Shahn (1898-1969) como asistente de Diego Rivera en sus frescos en Nueva York. También enseñó arte en la escuela de arte de la Alianza Educativa en Manhattan.

Ensamblajes

Entre 1932 y 1944, Nevelson comenzó a experimentar con arte plástico – en particular, conjuntos abstractos de madera. También trabajó en aluminio, magnesio y lucita. Surrealismo, cubismo, africano y Arte precolombino Fueron influencias muy importantes en sus obras que expuso en exposiciones a lo largo de la década de 1930.

Nevelson permaneció bastante desconocida hasta que tuvo su primera exposición individual en la Galería Nierendorf en Nueva York en 1941. Convirtió la galería en un espacio que tenía matices de cuevas prehistóricas, una tumba egipcia y una ventana de la tienda, todo conjurando una imagen efímera de un mundo que se desvaneció o tal vez solo se imaginó. En 1943, la artista comenzó sus ensamblajes agrícolas que incorporaron piezas de madera y objetos encontrados, como se ejemplifica en obras como: The Circus, Menagerie Animal y Ancient City (todas en 1945, Birmingham Museum of Art, Alabama). También creó obras hechas de terracota, como Moving Static Moving Figures (c. 1947, Whitney Museum, Nueva York).

Desarrollo del estilo: "Paredes esculpidas"

En 1947, Nevelson comenzó a trabajar en el taller de grabado del artista británico Stanley William Hayter conocido como Atelier 17. Hayter estuvo asociado con el surrealismo hasta la década de 1930, pero a partir de 1940 con el expresionismo abstracto. Ella también se asocia con principios arte feminista, aunque el movimiento aún no había surgido. En el Atelier 17, Nevelson comenzó a aprender. aguafuerte. Sus primeras aguatintas (técnica calcográfica grabado), sin embargo la fecha a partir de 1953 (por ejemplo. Flor de la reina). En 1958, Nevelson realizó una exposición individual en la Grand Central Moderns Gallery, Nueva York. Creó un entorno titulado Moon Garden Plus One y Sky Cathedral (reensamblado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York). Estas eran esculturas del tamaño de una habitación creadas a partir de pilas de cajas llenas de fragmentos de madera tallada y objetos encontrados como patas de muebles, molduras, respaldos de sillas y adornos. Esta fue una de sus primeras obras a gran escala. Al reunir los objetos en un conjunto complejo, luego pintarlo de negro para ocultar la identidad del objeto original, esto tuvo el efecto de unificarlo formalmente. La escultura se colocó contra una pared y se hizo conocida como ’ paredes esculpidas ’. Otro ejemplo es su Mirror Image 1 (1969, Museo de Bellas Artes, Houston) Esta yuxtaposición de objetos abarcaba elementos de pintura de acción, cubismo y pintura de campo de color. (Tenga en cuenta también los conjuntos innovadores creados por el artista francés Arman [1928-2005] en París y Nueva York a principios de la década de 1960.) Estas asambleas completamente negras fueron sucedidas por asambleas totalmente blancas como Dawn’s Wedding Chapel (1959, Whitney Museum, Nueva York). También experimentó con una obra de oro en An American Tribute to the British People (1960 – 65, Tate, Londres). Fue a finales de la década de 1950 que Nevelson fue reconocido como uno de los más creativos. escultores del siglo XX En América.

Nota sobre la apreciación de la escultura
Para aprender a evaluar escultores estadounidenses contemporáneos como Louise Nevelson, vea: Cómo apreciar la escultura moderna. Para trabajos anteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura.

Premios y reconocimientos

A medida que su carrera progresaba, Nevelson ganó el Gran Premio de Arte en la Exposición del Coliseo de Nueva York. En 1959, la Galería Martha Jackson le dio una exposición individual. En 1960 fue galardonada con el Premio Logan por el trabajo mostrado en la 63a Exposición Americana y dos años después fue incluida en la Bienal de Venecia. En 1962, Nevelson se convirtió en presidente de National Artist’s Equity y primer vicepresidente de la Federación de pintores y escultores modernos. Al año siguiente fue nombrada Presidenta de National Artist’s Equity. En 1963, como uno de los principales escultores abstractos En Estados Unidos, participó en el Consejo Nacional de las Artes y el Gobierno en Washington DC. Recibió un título honorario de Western College for Women, Oxford, Ohio. Ella ganó la Medalla de Oro de Escultura de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras en 1983, la Medalla Nacional de las Artes en 1985 y el Premio Gran Serie de Artistas del Museo Guggenheim en 1986.

Estilo maduro

En la década de 1960, Nevelson experimentó con una clara perspex (por ejemplo, Transparent Sculpture II, 1967, Whitney Museum). También comenzó a usar acero para hacer estructuras más ligeras y parcialmente transparentes. Sus trabajos se volvieron más geométricos y en 1969 recibió su primera comisión al aire libre de la Universidad de Princeton. Le siguieron otras comisiones, incluido Transparent Horizon (1971) para MIT en Cambridge, Massachusetts. A principios de la década de 1970, Nevelson comenzó a fabricar estructuras de acero que sugerían jardines botánicos, como el Séptimo Jardín de la Década (Galería Beyeler, Basilea). Una de sus obras más importantes de este período fue la Plaza Louise Nevelson, completada en 1979, un ambiente al aire libre de siete esculturas en el distrito financiero de Nueva York. Ella también completó varios ejemplos de arte de instalación en Chicago, Nueva York y Filadelfia.

Louise Nevelson murió en Nueva York en 1988.

Los mejores ejemplos de Nevelson Arte americano se puede encontrar en el Museo de Arte Moderno (MoMA) y el Museo Whitney. Su trabajo se ha relacionado con el cubismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto, el minimalismo, el arte de instalación y el feminismo.