Escultura Medieval:
Historia, Características Traductor traducir

«Medieval» y «Edad Media» – términos bastante imprecisos que se refieren al periodo de la historia europea comprendido entre la caída del Imperio Romano en Occidente (c. 400 d.C.) y la caída de Constantinopla (1453). Este artículo sobre la escultura medieval abarca los primeros 600 años de esta época, incluyendo la obra de los escultores desde el último periodo de la Antigüedad tardía hasta la aparición del estilo europeo conocido como arte románico (1000-1200). Véase también nuestro artículo sobre el arte cristiano medieval (600-1200), y nuestras biografías de destacados pintores y escultores medievales, como Ghislebertus (siglo XII), el Maestro Mateo (siglo XII) y el Maestro Cabestani (c.1130-1180).

Escultura romana

Eslabón entre el cristianismo y la herencia clásica, la civilización de la Antigüedad tardía ocupó un lugar intermedio entre el Imperio Romano tardío y la Edad Media. Este periodo comenzó con los largos reinados de Diocleciano (284-305) y Constantino (307-337) y duró de dos a tres siglos, con una duración variable según las regiones. Después de que Diocleciano estableciera un gobierno tetrárquico con dos «Augustos» y dos «Césares», el sistema se convirtió en diarquía en 313, y luego, en 324, Constantino, vencedor de Licinio, unió el Imperio bajo el cristianismo. Esta libertad religiosa se expresó pronto en el arte monumental cristiano mediante la construcción de las basílicas cristianas más antiguas y la introducción de las primeras decoraciones monumentales. En las ciudades, las élites municipales y los grandes propietarios, que a menudo poseían residencias campestres, decoraron sus casas de forma soberbia. La arquitectura pública buscaba superar los modelos del pasado. La Basílica Nova de Roma fue iniciada por Majencio en 308 y terminada por Constantino. Sus tres naves monumentales se alzaban sobre una amplia plataforma y estaban coronadas por un enorme ábside occidental con una estatua colosal del emperador.

El símbolo de la ciudad, el arco triunfal de Constantino, construido por el Senado y el pueblo romano en 315, se alza cerca del monte Palatino. El monumento consta de tres naves con columnas exentas y un grupo escultórico, que incluye elementos reutilizados de monumentos conocidos anteriormente, para reafirmar la herencia imperial. Un friso histórico situado en un lugar destacado en el punto intermedio ilustra tanto la ideología imperial como el estilo de la época de Constantino. Además de representaciones de discursos a los ciudadanos y escenas de reparto de subsidios, destaca la escenificación de un ritual hierático cortesano en el que el emperador ocupa una posición estrictamente frontal. Esta convención, acentuada por figuras de perfil que saludan, fue adoptada por los cónsules en los dípticos de marfil, por los propietarios de villas en los mosaicos e incluso en la representación de Cristo entre los apóstoles bajo las cúpulas de los ábsides de las iglesias.

En la primera mitad del siglo IV aparece un estilo común a la escultura y a las artes plásticas coloreadas. Por ello, la representación extremadamente lineal y gráfica de las figuras del friso del Arco de Constantino y de los sarcófagos modernos se asemeja mucho a los diseños de los mosaicos de Piazza Armerina en Sicilia, Santa Costanza en Roma, Aquileia en el norte de Italia y Centella cerca de Tarragona en Cataluña. Los elementos básicos del retrato, con los ojos muy abiertos y el pelo corto que acentúa la redondez de la cabeza, se observan ya en obras creadas bajo la tetrarquía, la más famosa de las cuales es el grupo de pórfido de cuatro soberanos reutilizado en la Edad Media en la fachada lateral de la basílica de San Marcos de Venecia.

La escultura paleocristiana

La cristianización de la sociedad aumentó de forma constante durante el Imperio Romano, pero hay que esperar hasta la Antigüedad tardía, sobre todo hasta el siglo IV, para ver la expresión pública de la escultura cristiana primitiva – al menos en Roma. Las primeras imágenes cristianas aparecieron en las catacumbas romanas, esos cementerios subterráneos de nombres evocadores (Calixto, Priscila, Pedro y Marcelino) que se encontraban fuera de la ciudad de los vivos. Eran el equivalente romano de las necrópolis de superficie situadas cerca de las entradas de las ciudades imperiales. Conocemos esas primeras imágenes cristianas y los gustos y la cultura de la élite urbana por la decoración escultórica de los sarcófagos que se colocaban en los mausoleos o recintos privados dentro de los cementerios. (Véase también: Arte romano cristiano .)

Cuando se tallaban en mármol o pórfido, los sarcófagos se decoraban con paneles esculpidos comparables en todos los aspectos a los frisos de los grandes monumentos públicos. Estos objetos característicos de la Antigüedad tardía se fabricaban a veces «en serie» y podían ser adquiridos como productos estandarizados por cualquiera que deseara conmemorar en vida su propia memoria o la de parientes cercanos que acababan de fallecer. Como atestigua la inscripción de Arlés: «17 días naturales de abril aquí descansa en paz Marcia Selsa, la mujer más distinguida que vivió 38 años, 2 meses y 11 días». También era posible diseñar sarcófagos según las necesidades individuales. En el segundo cuarto del siglo IV, Flavio Januario ordenó que su difunta esposa fuera representada como una figura orante, situada en el centro del panel principal del sarcófago, entre los dos apóstoles y escenas del Evangelio.

La escultura en relieve del sarcófago incluye varios tipos diferentes: con estructuras en espiral, con friso continuo, en dos registros, con columnillas, etc. Evidentemente, a las grandes escenas bucólicas y pastorales siguieron pronto, en oposición tipológica, escenas del Antiguo Testamento (Jonás, Daniel), escenas del Nuevo Testamento, como la vida pública de Cristo y los primeros acontecimientos de su Pasión. Nunca se presenta la muerte de Cristo; en cambio, se hace hincapié en su resurrección, su victoria sobre la muerte y la promesa de su regreso al final de los tiempos.

Entre los ejemplos más significativos están los sarcófagos de pórfido de Helena y Constantino (Museo Vaticano), que entre 320 y 340 muestran temas típicos de la iconografía imperial o de la decoración de las villas más ricas. Así como un sarcófago decorado con escenas de caza, descubierto en la necrópolis de Trenquetai, en Arlés, en 1974. De la misma época es un sarcófago con dos registros que representan a una pareja glorificada, muy similar al llamado sarcófago Dogmático (Museo Vaticano). Además de episodios del Antiguo Testamento (Adán y Eva), representa escenas del Nuevo Testamento, desde la Epifanía hasta los milagros de Cristo. Estos medios de propaganda privada nos hablan de la conversión muy temprana de algunas élites, así como de sus gustos, pues el sarcófago de Aries fue comprado sin duda en Roma por mucho dinero. El sarcófago de Junius Bassus ilustra especialmente bien la monumentalidad de estas obras y la concentración del pensamiento cristiano que transmiten.

Nota sobre la apreciación de la escultura
Para aprender a apreciar la escultura religiosa medieval, véase: Cómo apreciar la escultura . Para obras más recientes, véase: Cómo apreciar la escultura moderna .

Escultura y metalistería bárbaras

Desde principios del siglo V, la llegada de diversos pueblos germánicos a Occidente y su asentamiento en los territorios del antiguo Imperio Romano dieron lugar a la aparición de una cultura original con componentes romanos y germánicos. La primera invasión tuvo lugar en el año 401, cuando los visigodos liderados por Alarico marcharon hacia Italia. Tras llegar a las puertas de Roma, esta nación, dirigida por Ataúlfo, se retiró al sur de la Galia en 412. Un poco antes, a finales del 406, los vándalos, alanos y suevos cruzaron el Rin por Maguncia o Worms y marcharon hacia la Península Ibérica. La historia de las campañas de estos pueblos, de sus conquistas y de su progresiva sedentarización abarca todo el siglo V. Su sedentarización final en determinadas zonas constituyó la primera confluencia en la geografía histórica medieval. Los francos en la Galia, los visigodos en la Península Ibérica y los ostgodo en Italia produjeron obras de arte originales pertenecientes casi exclusivamente a la metalistería y la herrería. Arquitectónicamente, valoraban lo que encontraban en los países romanizados. Por eso, mientras las necrópolis muestran ajuares funerarios de origen germánico, las villas excavadas por los arqueólogos revelan arquitectura y arte del mosaico de la más pura tradición romana. La simbiosis entre estas diferentes culturas artísticas marcó el inicio de una nueva civilización medieval.

Las obras de los joyeros de la época de las invasiones bárbaras eran numerosas. Se trataba de objetos litúrgicos, vajillas, armas y joyas personales. La obra de san Eligio, joyero de la corte merovingia y fabricante de objetos litúrgicos como la cruz de san Dionisio, es bien conocida. Pero la joyería de este periodo se estudia sobre todo a partir de hallazgos funerarios. El tesoro de Sutton Hoo es el más conocido de los enterramientos reales o principescos de principios del periodo anglosajón. Su contenido, ahora en el Museo Británico, fue exhumado de un barco enterrado en 1939. Los objetos que componían este tesoro incluían importaciones del Mediterráneo oriental (platos de plata y bronce), Suecia (escudos), la Galia merovingia (monedas) y Renania (armaduras). La fecha del enterramiento se estableció a partir de objetos de plata bizantinos que llevaban los sellos de inspección del emperador Anastasio.

Los objetos anglosajones del tesoro de Sutton Hoo consisten principalmente en armas, piedras preciosas y objetos de uso cotidiano. El oro es abundante, y el esmalte – en su mayoría cloisonné – distribuido en pequeñas celdas multicolores que articulan la superficie. Pero sin dejar de hacer hincapié en la técnica, no debemos descuidar el repertorio decorativo que aparece en los productos contemporáneos. Formas geométricas y decoración figurativa se entrelazan estrechamente en una maraña de curvas que a menudo describen alternancias continuas. Estos motivos se extendieron por toda Europa occidental a través de la proliferación de objetos y manuscritos.

En la época merovingia, estas obras de joyería se encontraban en las tumbas de los más ricos. Algunos de ellos seguían prefiriendo el enterramiento en sarcófagos según la tradición clásica. A menudo, los sarcófagos de forma trapezoidal, en desuso durante el siglo VIII, estaban decorados con cruces o motivos geométricos. Los sarcófagos de yeso hallados en grandes cantidades en la región parisina formaban un grupo especial y su área de distribución se extendía de Ruán a Yonne y del Loira al Marne. En el sur de Francia, la producción de sarcófagos de mármol continuó hasta el siglo V, si no más tarde, mientras que en Aquitania, en particular, un grupo de sarcófagos cubiertos con una silla de montar y decorados con follajes universales siguió produciéndose con toda seguridad hasta finales del periodo merovingio. Estos prestigiosos objetos viajaron por toda Europa, pero sus tallas se realizaron probablemente en los talleres urbanos de Aquitania. Satisfacían las necesidades de los grandes terratenientes del suroeste de la Galia, para quienes la caza seguía siendo un pasatiempo favorito, como demuestra el sacrófago del Museo Agustiniano de Toulouse.

Entre las tumbas privilegiadas se encuentra una capilla funeraria descubierta al sureste de la ciudad de Poitiers en 1878, cuya decoración escultórica es particularmente importante. Este hipogeo, conocido como el Hipogeo de las dunas, constaba de una sala «conmemorativa», rodeada de varias estructuras de culto, y estaba situado en la necrópolis. El monumento, que puede datarse a finales del siglo VII o en el primer tercio del siglo VIII, era una especie de panteón familiar con varias tumbas; una larga inscripción en la jamba de la puerta derecha reza: «Mellebaudi, deudor y servidor de Cristo, me he hecho esta pequeña cueva en la que descansa mi indigna tumba. Lo he hecho en nombre del Señor Jesucristo, a quien amo, en quien he creído…»

Una escalera de diez peldaños conduce a la bóveda. El monumento consiste en una sala ampliada por dos arcosoles laterales. Además de las columnas y capiteles que enmarcan la entrada, la escultura arquitectónica se extiende por los tres peldaños de la escalera, las jambas de la puerta y el escalón situado delante de la plataforma del presbiterio. Esta decoración, en relieve muy poco profundo, consiste en follajes de chicharrones, peces y una guadaña de cuatro cuernos con cabezas de serpiente en las extremidades. El monumento conserva también elementos de mobiliario tallado, que prueban la existencia de talleres bien organizados. Figuras aladas decoran las losas utilizadas para cubrir los sarcófagos cercanos al altar. Una de ellas lleva los símbolos de los evangelistas Mateo y Juan y de los arcángeles Rafael y Raquel. Junto al altar había una base de columna esculpida decorada con dos figuras clavadas en cruces, que podrían interpretarse como dos ladrones enmarcando la crucifixión de Cristo, hoy desaparecida. El otro fragmento esculpido representa la parte inferior, identificada en la inscripción como Simeón.

Estilísticamente, estas esculturas se asemejan a obras visigodas del siglo VII y a monumentos del norte de Italia. Desde el punto de vista sociológico, el Hipogeo de Poitiers ilustra el fenómeno «de la aristocratización» de una parte de la necrópolis: una tumba eclesiástica privilegiada que pudo ser originalmente una capilla y que, en cualquier caso, era de uso privado. Un fragmento de la tapa presenta la siguiente inscripción: «En memoria de Mellebaudis (memoria), abad, deudor de Cristo. Los piadosos acuden de todas partes a él (Cristo) en ofrenda y vuelven cada año». La decoración escultórica del hipogeo de Poitiers demuestra, al igual que las inscripciones y los vestigios de pintura, que las élites merovingias poseían una cultura híbrida que combinaba la cultura clásica, evidenciada por elementos orientales, y el arte de la alternancia que tan claramente define las innovaciones plásticas de la Alta Edad Media en Occidente.

El arte carolingio: marfil y oro

El renacimiento cultural carolingio no surgió de repente, ni con la subida al poder de Carlomagno ni con su coronación por el Papa en el año 800. Comenzó a finales del siglo VII en la ciudad de Roma. Comenzó a finales del siglo VII en Italia, la Galia y las Islas Británicas. A partir de este periodo comenzó el renacimiento monástico de Occidente. Corbie, Lahn, Tours, Fleury-sur-Loire y Saint-Denis fueron centros culturales mucho antes del renacimiento carolingio, famosos por sus scriptoriums y bibliotecas, al igual que las abadías germánicas de Echternach, Saint Gall y Fulda. (Véase Arte medieval alemán c.800-1250.) Los reinados de Carlomagno y su hijo Luis el Piadoso (de 768 a 855) propiciaron la construcción de cientos de monasterios, casi treinta nuevas catedrales y un centenar de residencias reales. Véase Arte carolingio (c.750-900).

El deseo de rivalizar con el prestigio de Roma y Bizancio motivó la decisión de Carlomagno de elegir una residencia permanente en la que establecer su corte, tesoro y biblioteca. El palacio de Carlomagno en Aquisgrán y la tienda palatina, construida allí siguiendo el modelo de Rávena a finales del siglo VIII y principios del IX, constituyeron un centro para el arte religioso y el estudio de las letras, en el que participaron célebres maestros como Alcuino. Los talleres de la corte producían manuscritos ilustrados, que constituyeron uno de los medios más eficaces para preservar la cultura antigua y difundir los gustos artísticos modernos. Entre los primeros libros ilustrados en la corte antes de finales del siglo VIII figura el Evangeliario de Godescalca, que revela la importancia creciente de los modelos italianos y bizantinos. Los manuscritos de la escuela de Ada firmados por la abadesa del convento, presumiblemente la propia hermana de Carlomagno, marcaron un momento de diversificación en las escuelas palatinas, correspondiente a la sucesión de Alcuino por Eginhard.

Las nuevas tendencias artísticas surgidas bajo Luis el Piadoso tras su coronación pueden rastrearse en los Evangelios (Antiguo Tesoro Imperial, Viena), siendo éste el estilo helenístico o alejandrino. En Reims, bajo el arzobispo Ebbo, los manuscritos se ilustran con un estilo dominado por el movimiento, que parece agitar las figuras y sus vestiduras. El Salterio de Utrecht, escrito e ilustrado en la abadía de Utvilliers a finales del primer tercio del siglo IX, caracteriza especialmente este Renacimiento carolingio y la escuela de Reims con su pluma rápida, aguda, viva y nerviosa. Tras la muerte de Carlomagno y la caída de Ebbo en Reims, varios artistas resucitaron la escuela de Saint-Martin Tour, que se distingue del abad Vivian (843-851) por la ilustración de Biblias con escenas narrativas dispuestas en registros superpuestos.

La producción de manuscritos creados en diversos talleres especializados requería el trabajo de orfebres y artesanos especializados en la talla del marfil, principalmente para la producción de joyas preciosas. Esto explica la estrecha relación estilística entre los manuscritos ilustrados y la talla de marfil. Incluso se ha sugerido que los talleres estaban equipados para producir ambos géneros. Así, los marfiles de la escuela de Ada son muy similares a los manuscritos del mismo círculo. Las cubiertas de los Evangelios de Lorsch, realizadas a finales del siglo VIII, se basan en modelos bizantinos del periodo justinianeo, mientras que las cubiertas de los Salterios de Dagulf tienen su origen en obras paleocristianas occidentales. Esta multiplicidad de fuentes demuestra también el papel que desempeñaron estos talleres en la transmisión de modelos de la Antigüedad tardía. En Metz, bajo el obispado de Drago (825-855), los paneles de marfil («Comunión de Drago») reflejan el movimiento que animaba los manuscritos de la misma escuela, en los que se aprecian contrastes con la escuela de Reims.

Bajo Carlos el Calvo, los talleres de Corbie, Reims y Saint-Denis fueron particularmente activos y tuvieron una mayor afinidad estilística con los manuscritos de Reims. La portada del salterio de Carlos el Calvo (Bibliothèque Nationale, París) recuerda especialmente la interpretación que los tallistas de marfil hacen de las ilustraciones de los manuscritos. En este caso, el modelo es el salterio de Utrecht. La Crucifixión de Múnich, con su representación de la Resurrección bajo las personificaciones del Sol y la Luna y sus antiguas referencias a Oceanus y Roma, bien puede ser una obra maestra de este periodo. Esta cubierta de marfil está suntuosamente enmarcada con un engaste de oro, piedras preciosas y esmaltes, lo que nos incita una vez más a reflexionar sobre la colaboración entre talladores de marfil y joyeros en estos talleres excepcionales. (Para más detalles, véase. También: El arte de los metalistas celtas .)

El desarrollo del culto a las reliquias y el creciente tamaño de las grandes iglesias fueron una fuente de suntuosos trabajos para los joyeros de la época carolingia: urnas, estatuas de todo tipo , reliquias de todo tipo, cubiertas de libros y otros objetos de uso litúrgico formaron parte esencial de la producción, destinada a desempeñar un papel importante en el desarrollo de la escultura monumental. Encontramos un buen ejemplo de ello en un relicario llamado Arco de Triunfo de Eginhard, conocido únicamente por un dibujo. Sirvió sin duda de pie de cruz, y su rica decoración encuentra su inspiración en los objetos triunfales romanos y paleocristianos, al tiempo que proclama la imagen iconográfica monumental de los grandes portales de las iglesias románicas.

La orfebrería carolingia se benefició de los progresos realizados durante el periodo merovingio y combinó la antigua práctica de la partición con el cincelado y la incrustación. Entre las obras más conocidas – la encuadernación del Códice de Múnich, con decoración dividida en cinco campos, y los copones del rey Arnulfo. También destaca por su tamaño, prestigio e influencia en la escultura el retablo de oro y plata del Frente de Milán, encargado por el joyero Volvinius bajo el episcopado de Angilberto II. El anverso representa escenas religiosas y el reverso escenas de la vida de Ambrosius, un santo milanés. Las diferencias de estilo que se observan entre las dos caras corresponden exactamente a la situación del arte carolingio, desgarrado entre la deslumbrante antigüedad y la nueva estética. La escultura de bronce y la estatuilla «Carlomagno» ) Louvre, París) señalan claramente esta doble dimensión, confirmando la idea imperial. Es un reflejo de la actividad de los talleres de los fundidores de bronce, que dejaron otras obras famosas en la capilla de Aquisgrán, como las rejas de las galerías y las puertas. Véase también: Arte ottoniano (c. 900-1050).

Sobre otra influyente pero posterior escuela de arte medieval en Europa occidental, fuertemente influida por la cultura carolingia, léase Escuela de Maas, surgida en torno a Lieja, ejemplificada por la metalistería y la joyería de Nicolás de Verdún (1156-1232) y Godefroid de Clare (1100-1173).

Materiales complementarios:
Valorar el arte
Cómo valorar la escultura