Escultura Medieval: Historia, Características Traductor traducir
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Cómo apreciar la escultura
"Medieval" y "Edad Media" son términos bastante imprecisos que se refieren al período de la historia europea desde la caída del Imperio Romano en Occidente (c.400 CE) hasta la caída de Constantinopla (1453). Este artículo sobre medieval escultura abarca ampliamente los primeros 600 años de esta era, incluida la obra de escultores desde el período final de la Antigüedad tardía hasta la aparición del estilo europeo conocido como Arte románico (1000-1200). Vea también nuestro artículo sobre Arte cristiano medieval (600-1200), así como nuestras biografías de destacados artistas medievales como Gislebertus (Siglo 12), Maestro mateo (Siglo XII) y el Maestro de Cabestany (c.1130-1180).
Escultura romana
Formando el vínculo entre el cristianismo y la herencia clásica, la civilización de la Antigüedad tardía ocupó un lugar entre el Imperio romano tardío y la Edad Media. Este período comenzó con los largos reinados de Diocleciano (284-305) y Constantino (307-337) y duró dos o tres siglos, y su duración varió de una región a otra. Después de que Diocleciano había establecido un gobierno tetrarquico con dos "Augusti" y dos "Césares", el sistema se convirtió en una diarquía en 313 y luego, en 324, Constantino, el conquistador de Licinio, unió al Imperio bajo el cristianismo. Esta libertad religiosa pronto se expresó en monumental Arte cristiano con la construcción de las basílicas cristianas más antiguas y la introducción de las primeras decoraciones monumentales. En las ciudades, las élites municipales y los grandes propietarios, que a menudo poseían residencias rurales, decoraban sus casas suntuosamente. La arquitectura pública se esforzó por superar los modelos del pasado. La basílica Nova de Roma fue iniciada por Majencio en 308 y completada por Constantino. Sus tres pasillos monumentales se alzaban en la cima de una amplia plataforma y estaban coronados por un vasto ábside occidental que contenía una colosal estatua del emperador.
Una manifestación de la pompa de la ciudad, el arco triunfal de Constantino construido por el Senado y el pueblo de Roma en 315 se encuentra cerca de la colina del Palatino. El monumento consta de tres aberturas con columnas independientes en el exterior y un grupo de esculturas, incluidas características reutilizadas de monumentos famosos anteriores, como para confirmar el patrimonio imperial. El friso histórico, en una posición visible a mitad de camino, ilustra tanto la ideología imperial como el estilo del período Constantiniano. Además de las representaciones de discursos a los ciudadanos y la distribución de subsidios, una característica particularmente notable es el establecimiento de un ritual de corte hierático en el que el emperador ocupa una posición estrictamente frontal. Este arreglo, enfatizado por las aclamantes figuras mostradas en el perfil, fue adoptado por cónsules en dípticos de marfil, por dueños de villas en mosaicos, e incluso por la representación de Cristo entre los apóstoles en los semidomos de los ábsides de la iglesia.
Un estilo común a la escultura y las artes del color surge durante la primera mitad del siglo IV. Es por eso que la representación extremadamente lineal y gráfica de las figuras en el friso en el Arco de Constantino y en los sarcófagos contemporáneos es cercana a la de las figuras en los mosaicos de Piazza Armerina en Sicilia, Santa Costanza en Roma, Aquileia en el norte de Italia y Centcelles cerca de Tarragona en Cataluña. Los elementos básicos del retrato, con los ojos bien abiertos y el cabello corto acentuando la redondez de la cabeza, ya son observables en obras producidas bajo la Tetrarquía, el más famoso de los cuales es el grupo de pórfido de los cuatro soberanos, reutilizado en la Edad Media. en la fachada lateral de la basílica de San Marcos en Venecia.
Escultura cristiana primitiva
Durante el período imperial romano, la cristianización de la sociedad aumentó constantemente, pero tenemos que esperar hasta la Antigüedad tardía, en particular el siglo IV, para ver la expresión pública del escultura cristiana primitiva – Al menos en Roma. Las primeras imágenes cristianas aparecieron en las catacumbas romanas, esos cementerios subterráneos con nombres evocadores (Calixto, Priscila, Pedro y Marcelino), que, situados fuera de la ciudad de los vivos. eran el equivalente romano de las necrópolis de superficie ubicadas cerca de las entradas de las ciudades del Imperio. Conocemos esas primeras imágenes cristianas, así como los gustos y la cultura de las élites urbanas, de la decoración esculpida de los sarcófagos que se colocaron en mausoleos o recintos privados dentro de los cementerios. (Ver también: Arte Cristiano Romano .)
Cuando fueron tallados en mármol o pórfido, los sarcófagos fueron adornados con una decoración esculpida comparable en todos los sentidos a los frisos de los grandes monumentos públicos. Estos objetos característicos de la Antigüedad tardía a veces se "producían en masa" y podían ser comprados como productos estandarizados por cualquiera que quisiera perpetuar su propia memoria en su vida o la de un pariente cercano que acababa de morir, como testifica una inscripción en Arles: " El 17 de los Calends de abril, aquí descansa en paz Marcia Rumania Celsa, una dama muy ilustre, que vivió 38 años, 2 meses y 11 días. Havius Januarius, un hombre muy ilustre, ex cónsul ordinario, colocó (este epitafio) en su meritoria esposa ". También fue posible tener sarcófagos decorados para cumplir con los requisitos individuales. En el segundo cuarto del siglo IV, Flavio Januario ordenó que su difunta esposa fuera retratada como la figura de oración situada en el centro de la cara principal del sarcófago entre dos apóstoles y escenas del Evangelio.
El sarcófago escultura en relieve comprende varios tipos diferentes: con aletas espirales, con un friso continuo, en dos registros, con colonnettes, etc. Pictóricamente, las grandes escenas bucólicas y pastorales pronto fueron seguidas por escenas del Antiguo Testamento (Jonas, Daniel) en oposición tipológica a las del Nuevo Testamento como la vida pública de Cristo y los primeros acontecimientos de su Pasión. La muerte de Cristo nunca está representada; Por otro lado, se pone énfasis en su resurrección, su victoria sobre la muerte y la promesa de su regreso al final de los tiempos.
Entre los ejemplos más significativos, podemos mencionar los sarcófagos de pórfido de Helena y Constantino (Museo del Vaticano) que, entre 320 y 340, muestran temas propios de la iconografía imperial o la decoración de las villas más ricas, como el sarcófago decorado con escenas de caza. descubierto en la necrópolis de Trinquetaille en Arles en 1974. De la misma procedencia, un sarcófago con dos registros que representan a una pareja ilustre es muy similar al llamado Sarcófago Dogmático (Museo del Vaticano). Además de los episodios del Antiguo Testamento (Adán y Eva), muestra escenas del Nuevo Testamento, desde la Epifanía hasta los milagros de Cristo. Estos vehículos de propaganda privada nos hablan de la conversión temprana de ciertas élites y también de sus gustos, porque el sarcófago de Aries fue comprado sin duda en Roma a un gran costo. El sarcófago de Junius Bassus es una buena ilustración de la calidad monumental de estas obras y la concentración del pensamiento cristiano que transmiten.
Nota sobre la apreciación de la escultura
Para aprender a evaluar la escultura religiosa medieval, vea: Cómo apreciar la escultura . Para trabajos posteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura moderna .
Escultura Bárbara y Metalistería
Desde principios del siglo V, la llegada al oeste de diferentes pueblos germánicos y su asentamiento en los territorios del antiguo imperio romano trajeron en su tren la introducción de una cultura original con un componente romano y germánico. El primer camino tuvo lugar en 401, cuando los visigodos dirigidos por Alarico llegaron a Italia. Después de su llegada a las puertas de Roma, esta gente, liderada por Athaulf, se retiró al sur de la Galia en 412. Un poco antes, a finales de 406, los vándalos, Alani y Suevi cruzaron el Rin en Maguncia o Worms y tomaron el camino a la península ibérica. La historia de los movimientos de estos pueblos, sus conquistas y la sedentarización progresiva cubrieron todo el siglo V. Su asentamiento final en regiones específicas constituyó la primera adumbración de la geografía histórica medieval. Los francos en la Galia, los visigodos en la península ibérica y los ostrogodos en Italia produjeron obras de arte originales confinadas casi exclusivamente a metalistería y orfebrería. Arquitectónicamente, apreciaron lo que encontraron en los países romanizados. Es por eso que, mientras que las necropolias producen muebles funerarios de origen germánico, las villas excavadas por los arqueólogos revelan la arquitectura y arte mosaico en la más pura tradición romana, algunas de las cuales son incluso posteriores al siglo VII. La simbiosis entre estas diferentes culturas artísticas sentó las bases de la nueva civilización medieval.
Las obras del orfebre del período de las invasiones bárbaras fueron numerosas. Consistieron en objetos litúrgicos, vajillas, armas y adornos personales. Bien conocido es el trabajo de San Eligio, orfebre de la corte merovingia y fabricante de objetos litúrgicos, como la Cruz de Saint-Denis. Pero el orfebrería de este período se estudia principalmente con la ayuda de hallazgos funerarios. El tesoro Sutton Hoo es el más famoso de los entierros reales o principescos del período anglosajón temprano descubierto en Inglaterra. Su contenido, ahora en el Museo Británico , fueron exhumados del interior de un barco enterrado en 1939. Los objetos que componían este tesoro incluían importaciones del Mediterráneo oriental (platos de plata y bronce), Suecia (escudo), Galia merovingia (monedas) y Renania (armadura). La fecha de entierro se establece mediante objetos bizantinos hechos de plata en los que se han identificado los sellos de inspección del emperador Anastasio.
Los artefactos anglosajones en el tesoro del Entierro Sutton Hoo Ship consisten principalmente en armas, joyas y objetos de uso cotidiano. El oro es abundante y el esmaltado – mayormente tabicado – se distribuye en pequeñas celdas de diferentes colores que articulan la superficie. Pero al enfatizar la técnica, no debemos descuidar el repertorio decorativo que aparece en los productos contemporáneos. Las formas geométricas y la decoración figurativa están estrechamente fusionadas en una maraña de curvas que a menudo describen entrelazados continuos. Estos motivos luego se extendieron por Europa occidental a través de la circulación de artefactos y manuscritos.
En la Galia merovingia, estas obras de orfebrería se encontraron en las tumbas de los individuos más ricos. Algunos de ellos todavía preferían el entierro en sarcófagos en la tradición clásica. A veces se trataba de productos locales, tallados en la piedra del país, en otras importaciones traídas por los grandes ríos (Sena, Loira). A menudo de forma trapezoidal, estos sarcófagos, que dejaron de usarse durante el siglo VIII, estaban adornados con cruces o motivos geométricos. Los sarcófagos de yeso encontrados en grandes cantidades en la región de París formaban un grupo especial y su área de difusión se extendía desde Rouen hasta el Yonne y desde el Loiret hasta el Marne. En el sur de Francia, la producción de sarcófagos de mármol se prolongó hasta el siglo V, si no más tarde, mientras que en Aquitania, en particular, un grupo de sarcófagos con cubiertas de silla de montar y una decoración completa de rollos de follaje ciertamente continuó en producción hasta el final de El período merovingio. Estos objetos prestigiosos viajaron, pero su talla probablemente se ejecutó en los talleres urbanos de Aquitania en relación con la explotación de las canteras. Cumplieron con las demandas de los grandes terratenientes del suroeste de la Galia, para quienes la caza todavía era una actividad favorita, como lo demuestra el sacrophagus en el Musée des Augustins en Toulouse.
Entre las tumbas privilegiadas se encuentra la capilla funeraria descubierta al sureste de la ciudad de Poitiers en 1878, cuya escultura es especialmente importante. Este hipogeo, conocido como el Hypogee des Dunes, consistía en una "cámara conmemorativa" provista de instalaciones de culto y se encontraba en una necrópolis. El monumento, que puede datarse a fines del siglo VII o el primer tercio del siglo VIII, era una especie de bóveda familiar que contenía varias tumbas; una larga inscripción en el marco de la puerta de la derecha dice: "Aquí Mellebaudis, deudor y siervo de Cristo, me he preparado esta pequeña caverna en la que reposa mi tumba indigna. Hice esto en el nombre del Señor Jesucristo, a quien tengo amado, en quien he creído… "
El acceso a la bóveda es por una escalera con unos diez escalones. El monumento consta de una sala ampliada por dos arcosolia laterales. Además de las columnas y capiteles que enmarcan la entrada, la escultura arquitectónica se extiende sobre tres escalones de la escalera, las dos jambas de las puertas y el escalón que eleva la plataforma del altar. Esta decoración en relieve muy superficial consiste en follaje omamental, peces y una trenza de cuatro hilos con cabezas de serpientes en las extremidades. El monumento también conserva elementos de muebles tallados que prueban la existencia de talleres bien organizados. Las figuras aladas adornan las losas reutilizadas para cerrar los sarcófagos que se encuentran cerca del altar. Uno de ellos lleva los símbolos de los evangelistas Mateo y Juan y los arcángeles Rafael y Raquel. Cerca del altar estaba la base esculpida de un pilar adornado con dos figuras clavadas en cruces que podían interpretarse como los dos ladrones que enmarcaban la crucifixión de Cristo, ahora desaparecida. Otro fragmento esculpido representa la parte inferior de un estilito identificado como Simeón por una inscripción.
Estilísticamente, estas esculturas se asemejan a las obras y monumentos visigóticos del siglo VII en el norte de Italia. Sociológicamente, el Hipogeo de las Dunas en Poitiers ilustra el fenómeno de la "aristocratización" de una sección de una necrópolis: una tumba eclesiástica privilegiada que pudo haber sido una capilla originalmente y en cualquier caso era de uso privado. De hecho, un fragmento del dintel lleva la siguiente inscripción: "El recuerdo de Mellebaudis (memoria), Abad, deudor de Cristo, está aquí. Los devotos vienen de todas partes a Él (Cristo) para las ofrendas, y regresan cada año. ". La decoración esculpida en el hipogeo de Poitiers muestra, al igual que las letras de las inscripciones y los vestigios de la pintura, que las élites merovingias tenían una cultura híbrida que combinaba la cultura clásica fomentada por elementos orientales y el arte de los entrelazados que define claramente las innovaciones plásticas de principios de la Edad Media en el oeste.
Arte carolingio: marfil y orfebrería
El renacimiento cultural carolingio no se produjo repentinamente, ni con la llegada de Carlomagno al poder ni con su coronación por el Papa en el año 800. Fue preparado desde finales del siglo VII en Italia, la Galia y las Islas Británicas. A partir de este período, la renovación monástica de Occidente estaba en marcha. Corbie, Laon, Tours, Fleury-sur-Loire y Saint-Denis fueron centros culturales mucho antes del renacimiento carolingio, famosos por sus scriptoria y sus bibliotecas, al igual que las abadías germánicas de Echternach, St Gall y Fulda. (Ver: Arte medieval alemán c.800-1250.) Los reinados de Carlomagno y su hijo Louis el Piadoso (de 768 a 855) vieron la construcción de cientos de monasterios, casi treinta nuevas catedrales y cerca de un centenar de residencias reales. Ver Arte carolingio (c.750-900).
El deseo de competir con el prestigio de Roma y Bizancio estuvo detrás de la decisión de Carlomagno de elegir una residencia permanente en la que instalar su corte, tesorería y biblioteca. El palacio de Carlomagno en Aquisgrán y la capilla palatina construida allí en el modelo Ravennate a fines del siglo VIII y principios del siglo IX formaron un centro para arte religioso y para el estudio de cartas que dieron la bienvenida a maestros célebres como Alcuin. Los talleres de la corte produjeron manuscritos iluminados que fueron una de las ayudas más efectivas para la preservación de la cultura antigua y la difusión de los gustos artísticos contemporáneos. Entre los primeros libros iluminados en la corte antes de finales del siglo VIII se encontraba el Libro del Evangelio de Godescalc, que revela la creciente importancia de los modelos italianos y bizantinos. Los manuscritos de la escuela Ada, del nombre de una abadesa supuestamente hermana natural de Carlomagno, marcaron un momento de diversificación en las escuelas palatinas correspondiente a la sucesión de Alcuin por Eginhard.
Entre las nuevas tendencias artísticas de Luis el Piadoso, los Evangelios de la Coronación (Antiguo Tesoro Imperial, Viena) introdujeron un estilo helenístico o alejandrino. En Reims, bajo el arzobispo Ebbo, los manuscritos fueron ilustrados en un estilo dominado por un movimiento que parece sacudir las figuras y sus ropas. El Salterio de Utrecht, escrito e ilustrado en la abadía de Hautvilliers a fines del primer tercio del siglo IX, caracteriza particularmente este renacimiento carolingio y la escuela de Reims por su pluma rápida, incisiva, vibrante y nerviosa. Después de la muerte de Carlomagno y la caída de Ebbo en Reims, varios artistas revivieron la escuela de Saint-Martin of Tours, caracterizada por el abad Vivian (843-851) con la ilustración de Biblias con escenas narrativas dispuestas en registros superpuestos.
La producción de manuscritos creó en los diversos talleres especializados una demanda de trabajo por parte de los orfebres y artesanos especializados en talla de marfil , principalmente para adornar preciosas fijaciones. Esto explica la estrecha relación estilística entre los manuscritos ilustrados y las tallas de marfil. Incluso se ha sugerido que los talleres estaban equipados para producir ambos géneros. Así, los marfiles de la escuela Ada son muy parecidos a los manuscritos del mismo círculo. Las portadas del Evangelio de Lorsch ejecutadas a finales del siglo VIII derivan de modelos bizantinos del período de Justiniano, mientras que las portadas del Salterio de Dagulfs encuentran su origen en las obras de los primeros cristianos occidentales. Esta riqueza de fuentes también demuestra el papel desempeñado por estos talleres en la transmisión de modelos de la Antigüedad tardía. En Metz, bajo el episcopado de Drogo (825-855), paneles de marfil (Drago Sacramentary) reflejaron el movimiento que anima los manuscritos de la misma escuela en los que se pueden ver los contrastes con la escuela de Reims.
Bajo Charles the Bald, los talleres de Corbie, Reims y Saint-Denis fueron particularmente activos y tuvieron una mayor afinidad estilística con los manuscritos de Reims. La portada del Salterio de Carlos el Calvo (Bibliotheque Nationale, París) recuerda especialmente la interpretación que hicieron los talladores de marfil de las ilustraciones manuscritas. En este caso, el modelo es el salterio de Utrecht. La Crucifixión de Munich, con su representación de la Resurrección bajo las personificaciones del sol y la luna, y sus referencias antiguas a Oceanus y Roma, bien puede ser la obra maestra de este período. Esta cubierta de marfil está lujosamente enmarcada por un marco de orfebrería, piedras preciosas y esmaltes que nos invitan una vez más a especular sobre la colaboración entre los talladores de marfil y los orfebres en estos destacados talleres. (Para más información, vea también: Arte celta metalistería .)
El desarrollo del culto a las reliquias y el creciente tamaño de las principales iglesias fueron la fuente de la lujosa producción del trabajo de orfebrería en el período carolingio: urnas, varios tipos de estatua , relicarios de todo tipo, portadas de libros y otros objetos para uso litúrgico constituyeron la parte esencial de una producción destinada a desempeñar un papel importante en el desarrollo de la escultura monumental. Encontramos un buen ejemplo de esto en el relicario llamado Arco Triunfal de Eginhard, conocido solo por un dibujo. Indudablemente sirvió como el pie de una cruz y su rica decoración encuentra su inspiración en los programas triunfales romanos y cristianos primitivos, al tiempo que anuncia la monumental exhibición iconográfica de los grandes portales de la iglesia románica.
El trabajo en oro carolingio se benefició del progreso realizado en el período merovingio y combinó la antigua práctica de cloisonné con la de perseguir e incrustaciones. Entre las obras más famosas se encuentran la encuadernación del Codex Aureus de Múnich, con una decoración dividida en cinco campos, y el copón del rey Arnulfo. También destaca por su tamaño, prestigio e influencia en la escultura el frente del altar de oro y plata de Milán, encargado por el orfebre Volvinius bajo el episcopado de Angilberto II. Tiene escenas cristológicas en el frente, mientras que la parte posterior está reservada para la vida de Ambrosio, el santo milanés. Las diferencias de estilo observables entre los dos lados coinciden exactamente con la situación del arte carolingio dividido entre una Antigüedad deslumbrante y una nueva estética. los escultura de bronce o estatuilla "Carlomagno" ( Louvre, Paris ) sugiere claramente esta doble dimensión que afirma la idea imperial. Es un reflejo de la actividad de los talleres de los fundadores de bronce que han dejado otras obras famosas en la capilla de Aquisgrán. como las rejas de las galerías y las puertas. Ver también: Arte Ottoniano (c.900-1050).
Para otra escuela influyente pero posterior de arte medieval en Europa occidental, que estuvo muy influenciada por la cultura carolingia, vea Arte Mosan que surgió alrededor de Lieja, ejemplificada por la orfebrería y la orfebrería de Nicolás de Verdún (1156-1232) y Godefroid de Claire (1100-1173).
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